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No puedo dejar de pensar en la peor película que he visto en 2024

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Hay varias categorías de películas malas. Están las películas malas que te encanta odiar y las películas que están producidas de manera tan brillante que no puedes evitar apoyarlas por completo mientras imaginas su futuro. Y luego están las malas películas que no ofrecen ninguna inspiración y son productos interminables y repetitivos ensamblados torpemente para ajustarse a números decimales seleccionados en una hoja de cálculo.

Pero también existen esas raras películas malas. Una mala película, bien hecha y llena de ideas. La mala película que se basa en una cinematografía innegablemente efectiva y en imágenes audaces y descaradas. Una mala película que resulta inolvidable incluso cuando la ves, sabiendo muy bien que hay momentos que nunca podrás borrar de tu mente. Sin embargo, hace todo esto siendo una experiencia tan desagradable y frustrante que simplemente no puedes esperar a que pasen los créditos finales para poder escapar de su terrible y molesto control.

estoy totalmente obsesionado “habitación del frente” Es al mismo tiempo la peor película que he visto en el año de Nuestro Señor 2024 y la película en la que sé que nunca dejaré de pensar porque es muy buena para ponerte en situaciones activamente hostiles y extrañas que bombardean constantemente a sus personajes. Odié cada segundo que pasé con esta película… pero era imposible negar que lo era. Algo.

The Front Room se resumió con la actuación de Katherine Hunter

Al igual que otras películas de terror estrenadas por el distribuidor independiente A24, “The Front Room” es una película de pesadilla de ritmo lento que mezcla ideas audaces con una estética visual profundamente inquietante. Pero a diferencia de películas como “Hereditary” o “The Witch”, no es divertida, no da miedo, no vale la pena volver a verla ni trata más de lo que dice en la lata. Es un asalto al nivel superficial, 95 minutos transcurridos en una serie de escenas manchadas de heces y orina que parecen diseñadas para poner a prueba tanto al espectador como a los personajes. La película desafía a los espectadores y los incita a irse temprano. Me quedé sentado en abierto desafío.

Hay un conflicto interesante en el guión de la película. La cantante y actriz Brandy interpreta a Belinda, una mujer embarazada que intenta llevarse bien con su madrastra, quien se muda con ellos después de la muerte de su marido. Belinda es profesora de antropología con experiencia en representaciones antiguas de la feminidad y es una mujer negra con visión de futuro. Su nueva invitada es Solange, una pesadilla racista, cruel, vengativa y ultrarreligiosa que consigue lo que quiere en todo momento mediante una combinación de pura fuerza de voluntad y culpa armada, todo gracias a los montones de heces y charcos de orina que deja por todas partes. la casa. Es uno de los personajes cinematográficos más odiosos y repugnantes que he conocido jamás, interpretado a la perfección por la legendaria actriz. Katherine Hunter, a quien quizás reconozcas por su trabajo en Andor.

Las actuaciones de Solange y Hunter resumen la película en una frase. Nunca olvidaré este personaje ni esta actuación. Están grabados en mi mente con una fuerza tan violenta que me harían estremecer en mis pesadillas. Pero no encontré que valiera la pena el tiempo que pasé con ella. Al principio me sentí molesto, luego enojado y luego simplemente cansado. ¿Refleja esto la experiencia que los personajes de la película tuvieron con ella? ¡ciertamente! ¿Es esto muy interesante? Oh sí. ¿Siento que realmente valió la pena ver la película? De nada.

Prefiero cineastas cuyo trabajo no quiero volver a ver nunca más.

La película de terror “The Drawing Room” podría haber valido la pena si los guionistas y directores Max y Sam Eggers hubieran profundizado en los elementos combustibles de la relación de Belinda y Solange. Una mujer negra moderna, educada sobre lo que el mundo moderno ha despojado de las representaciones tradicionales de la maternidad, enfrentándose cara a cara con un evangélico blanco racista empeñado en recuperar la familia e inculcar sus propios valores “tradicionales” en una familia estadounidense moderna. , ¿todo ello en el glamour del grotesco horror religioso? Sí, esto definitivamente suena como una película de terror A24, y tal vez buena. Pero los hermanos Eggers eligen apenas arañar la superficie aquí, ya que ambos personajes declaran que de esto se trata la película desde el principio y con frecuencia, y la película no elige explorar la dinámica en gran profundidad. Con el subtexto dicho en voz alta, la película opta por disfrutar de la “explotación de las mujeres” por encima de todo, apoyándose en escena tras escena de “¿No son asquerosos los viejos?” ¡Espero que te gusten los primeros planos de caca humana!

La superficialidad temática de “La sala de espera” contradice la abierta hostilidad hacia el cine que se muestra aquí, ya que cada momento desagradable y extraño alcanza el poder previsto. Esto es lo que hace que la película sea tan convincente y por lo que no puedo dejar de pensar en ella. Puse los ojos en blanco durante toda la película, molesto por la falta de interés o la incapacidad del guión para profundizar en los detalles, incluso cuando me estremecí ante la pura audacia de la actuación de Hunter y el poder grotesco de las imágenes de Eggers. La paliza que recibió el tipo fue increíble, y odio que sea increíble.

No desde “Una pelea en la celda número 99” Una película que no me gustó tanto se me quedó grabada. Estaba tan enojado que “The Front Room” vivía en mi mente sin pagar alquiler. No puedo negar que sus momentos individuales tienen una crueldad de comedia negra y que sus intentos de contrarrestar la película tienen éxito como películas de gánsteres. ¿Pero todo esto es una tontería para apoyar qué exactamente? Es una gran película realizada por directores que claramente saben cómo causar una buena impresión. Me pregunto si estarán orgullosos cuando digo que no puedo esperar para volver a ver otra película suya.

Hablé sobre esta película y más en el episodio de hoy del podcast Film Daily, que puedes escuchar a continuación:

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Remake de una exitosa película de terror

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No importa cuánta gente se queje de que hay demasiadas remakes hoy en día, el género de terror ha estado rehaciendo las mismas películas e historias desde la era del cine mudo. A pesar de la creencia popular, muchos remakes han sido remakes. Los remakes de películas de terror son genialesPero la desafortunada verdad es que cuando se trata de rehacer obras globales al estilo estadounidense, el historial de éxito no es precisamente impresionante. Por cada “The Ring” o “Funny Games”, hay al menos una docena más que se quedan con el dinero pero se pierden por completo lo que hizo grandioso al original. A menudo, esto se debe a que las sensibilidades estadounidenses y la relación con las amenazas de peligro no encajan bien con la historia que nos ocupa. Por eso, cuando vemos diferentes cámaras de vigilancia en diferentes países en las películas, las ignoramos por completo. “La cabaña en el bosque” El estilo de terror difiere mucho del horror visto en American Cabin.

Esto significa que el director de “Eden Lake” y “Black Mirror”, James Watkins, tuvo que poner su corazón en la nueva versión de “Speak No Evil” de Blumhouse y Universal. El éxito holandés de 2022 de Christian Tavdrup Su popularidad se disparó después de que IFC Films y Shudder estrenaran la película en los Estados Unidos. La película de terror psicológico extremadamente oscura fue declarada por muchos como una de las mejores películas del año, y Blumhouse no perdió tiempo en adquirir los derechos para rehacerla. Los fanáticos de la película original se mostraron comprensiblemente escépticos, pero “Speak No Evil” (2024) se une a las filas del raro remake de terror estadounidense que lo logra. En lugar de repetir la misma historia paso a paso, Watkins, armado con un elenco estelar liderado por James McAvoy, toma el conflicto central del original y explora cómo las parejas transculturales podrían reaccionar en las mismas circunstancias. El resultado es una avalancha de tensión constante y el mejor desenlace posible para una producción americana.

La cortesía será nuestra perdición.

Hay algo que no es tan feliz en Louise y Ben Dalton (Mackenzie Davis y Scoot McEnery), quienes parecen estar de vacaciones familiares solo con su hija Agnes (Alex West-Leffler) con la esperanza de salvar su matrimonio, un verdadero negocio. Si no podemos ser felices aquí, “nunca seremos felices”. Cuando conocen a la pareja británica Paddy y Ciara (James McAvoy y Aisling Franciosi), encuentran no sólo una bienvenida distracción del conflicto matrimonial que no están enfrentando, sino también un poco de inspiración para sus “objetivos de relación”. Paddy y Ciara están profundamente enamorados, son increíblemente encantadores y parecen capaces de “hacerlo todo”, incluido cuidar de su hijo, Ant (Dan Huff), que no puede hablar. No contentos con ser “amigos de vacaciones”, Paddy y Ciara invitan a la familia Dalton a visitarlos en su hermosa y apartada casa en la campiña británica. A pesar de las dudas iniciales, la familia decide unirse a ellos como una forma de escapar de sus problemas en casa.

Casi de inmediato, las grietas en la perfecta relación de Paddy y Ciara comienzan a mostrar su verdadera forma, pero la familia Dalton continúa ignorando estas obvias señales de alerta por cortesía. ¿Quizás así es como hacen las cosas en el Reino Unido? ¿Es esto correcto? Entonces ¿Es extraño convencer a un vegetariano de que coma carne? ¿Quizás la molestia que sienten ante la insistencia de Paddy en quitarse la ropa y saltar desde un acantilado a un lago sea un reflejo de su naturaleza puritana? Existe una ansiedad inherente en cualquiera que visite un país extranjero dada la diferencia radical en las normas culturales, y Speak No Evil explota nuestra voluntad de ignorar el comportamiento perturbador o excusarlo mediante la presión social. A veces, esta explotación es incómodamente divertida (el tipo de risa generalmente reservada para los funerales) y, a veces, hace que James McAvoy te asuste hasta que te quedes sin poder hablar.

James McAvoy presenta una masculinidad brutal

La teórica del cine Barbara Creed acuñó el término “monstruosidad femenina” como marco para analizar la forma en que todas las manifestaciones de monstruosidad en las películas de terror tienen sus raíces en el cuerpo genital femenino, pero la expresión ahora se utiliza a menudo para explorar cómo la exhibición femenina también funciona como un recipiente para el mal. “Speak No Evil” parece todo lo contrario, con Paddy y Ben representando las categorías “alfa” y “beta” de masculinidad brutal. Pero a diferencia de los tipos de bandera roja que se autodenominan fácilmente evitables y que vemos en línea, Paddy esconde su aterradora y peligrosa toxicidad detrás de bromas inteligentes, ojos brillantes y un cuerpo innegablemente caliente que ha hecho que los fanáticos del terror tengan abiertamente sed durante meses. Sin embargo, Ben es dócil y desesperado por obtener aprobación, lo que nubla su juicio después de que Paddy y Ciara cruzan frontera tras frontera tras frontera.

Pero cuando la fachada cae y se revela la verdad sobre la pareja británica, McAvoy se convierte en el mayor villano de todos los tiempos. Su crueldad vengativa no es menos que su intenso carisma, pero es fácil ver cómo alguien podría caer en su red. Claro, hay personas que piensan que en la misma posición que la familia Dalton su capacidad de toma de decisiones se vería afectada, pero eso simplemente no es cierto. No sabemos cómo vamos a actuar en ese momento hasta que nos damos cuenta de que McAvoy es sólo un villano. en El momento que hace de “Speak No Evil” un viaje emocionante te hará saltar de tu asiento. Los trailers ya han hecho lo suficiente para ocultar la verdad sobre la naturaleza de Paddy, por lo que la mitad de la diversión es ver cuánto puede llevarlos más allá de sus límites. McAvoy estuvo en su mejor momento de principio a fin y realizó una de las mejores actuaciones del año. ¡Bienvenido a la galería de Rogue sobre los padres malvados del terror, James McAvoy!

Pero para cualquiera que sepa cómo terminó la película original, todavía hay muchas sorpresas guardadas.

“Speak No Evil” es independiente

Sin revelar detalles, los cambios que Watkins hizo en “Speak No Evil” son una deliciosa adición a una sátira ya retorcida que parece más acorde con cómo responderían los estadounidenses en esta situación que la pareja danesa que visita a los holandeses en la película de 2022. , interpretada por Mackenzie Davis, es una rival fenomenal de Buddy de McAvoy, y realizó una actuación motivada como su personaje Kirsten Raymond en “Station Eleven” con la dura resistencia de Grace en “Terminator: Dark Fate”. Para aquellos a quienes les gusta “Speak No Evil”, disfruten de la sátira verdaderamente retorcida que parece más acorde con cómo responderían los estadounidenses en esta situación que la pareja danesa que visita a los holandeses en la película de 2022. Quienes inicialmente se sintieron frustrados por el comportamiento de la pareja danesaLa velocidad de Dalton es probablemente mucho mayor de lo que esperaba, lo que hace que rehacer la película sea una experiencia mucho más agradable. Blumhouse habría hecho bien en reservar esta película para su último estreno en cines en 2024 porque es la mejor película de Blumhouse en todo el año.

Los cambios en la película generarán controversia entre algunos fanáticos del original, pero la película mantiene una sensación de brutalidad sin depender de los impactos del material original e inyecta un humor muy necesario en una situación que se tragaría los nervios de la mayoría de las personas. Es una película completamente autónoma que casi sirve como argumento para iniciar una serie de películas (por favor, no lo hagas) porque las combinaciones de diferentes parejas de diferentes culturas son infinitas. Aquellos que estén dispuestos a adaptarse a los cambios se divertirán mucho.

En cuanto a los demás, tal vez deberían intentar ser más educados.

/Valoración de la película: 8,5 sobre 10

“Speak No Evil” está previsto que llegue a los cines el 13 de septiembre de 2024.


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Doble bendición para Portable, ya que Toyin Abraham le da 5 millones de dólares para protagonizar su nueva película; Yhemo Lee también le da $1 millón (Video)

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Han llovido dobles bendiciones sobre el galardonado cantante Habib Okekyeola, más conocido por su nombre artístico Portable, ya que recibió bendiciones de la actriz Toyin Abraham y la socialité Yehemu Lee.

En un vídeo que publicó en su página de Instagram, el controvertido cantante reveló que la actriz, a quien describió como la Reina Madre, le dio una enorme suma de 5 millones de naira para protagonizar su próxima película, Alakada: Boogie and Bad.

También reveló que la dama de sociedad Yehemu Lee, que se casó recientemente, le regaló un millón de naira. En lo que parece ser una tranquilidad para Davido y otros, Portable afirmó que quien ayuda a alguien no le causará estrés.

“Dios bendiga sus esfuerzos 🙏 La Reina Madre @toyin_abraham 🌎 me da 5 minutos para mostrar mi cara dentro de su película ALAKADA
Ccc. @yhemo_lee AGBA Baller Money Spender Don envíame 1 millón… quien te ayudará y no te presionará”.

Portátil gracias a Toyin Abraham y Yhemo Lee

Esta no es la primera vez que Portable recibe bendiciones de la gente.

El año pasado, el empresario multimillonario Obinna Eigbo, conocido popularmente como Obi Cubana, le regaló al cantante de Portable 3 millones de nairas para apoyar su música. Portable lo anunció cuando publicó en su cuenta de Instagram una conversación con el empresario multimillonario, en la que prometió patrocinar la música del cantante.

En marzo, el multimillonario de Abuya, Ochacho, le regaló un Mercedes Benz y le prometió seguridad para llevarlo a Lagos. En su comentario, Ochacho expresó lo feliz que estaba de estar con él, agregando que le regaló un Mercedes Benz convertible como simple muestra de apoyo hacia él, y expresó su orgullo por su maravilloso trabajo.

Recordemos que en febrero de 2023, Portable elogió a Tifa Savage por demostrarle amor. En una conversación privada con la cantante, la elogió como la madre de Eka en África y elogió su amor y apoyo.

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Romulus es la película de terror más taquillera de 2024

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2024 ha tenido un comienzo muy difícil en taquilla, especialmente en lo que respecta a los estrenos de películas de terror convencionales. En 2022 y 2023, el terror ha demostrado ser uno de los géneros en los que más pueden confiar las salas de cine tras la pandemia. Desafortunadamente, películas como “Night Swim”, “Imaginary”, “Abigail” y otras decepcionaron a principios de este año. Pero las cosas se han recuperado y ahora tenemos películas exitosas como “Un lugar en silencio: el primer día”. La inesperada película que recaudó 100 millones de dólares es “Longlegs”. Pero hay una película que se destaca del resto y es “Alien: Romulus”. Y lo que es aún más loco es que esta película casi llega directamente a Hulu.

En su cuarto fin de semana en cines, “Rómulo” de Fede Álvarez sumó otros 3,9 millones de dólares a su creciente total nacional. “Beetlejuice” Beetlejuice recibió la mayor parte de la atención con unos ingresos de 111 millones de dólares.Pero la última película, “Alien”, todavía se mantiene firme. Con ese fin, la película ha recaudado 314,4 millones de dólares en todo el mundo, incluidos 97,2 millones de dólares a nivel nacional, lo que la convierte en la película de terror más grande de 2024 hasta el momento. Si bien las cosas cambiarán, actualmente se ubica como la décima película mundial más grande del año detrás de “Twisters” ($367 millones).

“A Quiet Place: Day One” ocupa el segundo lugar con 261,5 millones de dólares, seguida por la ya mencionada “Longlegs” en tercer lugar con 103,5 millones de dólares. Aunque las películas de monstruos a menudo pueden clasificarse como películas de terror, no creo que nadie pueda afirmar realmente que “Godzilla x Kong: The New Empire” (567,6 millones de dólares en todo el mundo) sea una película de terror. Entonces, la corona es para “Alien: Romulus”. Afortunadamente, este éxito de taquilla podría haberse dejado lanzar en Hulu como un lanzamiento directo a transmisión. Disney no cometió el mismo error que con Prey, la precuela de “Depredador” prevista para 2022.

Disney aprendió una valiosa lección con Alien: Romulus

Si miramos los números con más profundidad, encontraremos que el presupuesto de producción de “Romulus” fue de 80 millones de dólares. Eso es mucho dinero para una película en streaming, pero ¿para un éxito de taquilla de ciencia ficción como este? No es nada malo. La película ya ha logrado casi cuatro veces su presupuesto en ventas de entradas, en parte debido a una exhibición inusualmente fuerte en China, donde la película más reciente de la franquicia “Alien” ha recaudado casi 100 millones de dólares. Muy pocas películas de Hollywood han logrado tales hazañas en China. En la era de la epidemia. Todo esto significa que la película eventualmente obtendrá grandes ganancias y atraerá más atención para su eventual lanzamiento en Hulu. Es una gran victoria para ambas partes.

“El extraño: Rómulo” Los acontecimientos de la película tienen lugar entre los acontecimientos de “Alien” de Ridley Scott y “Aliens” de James Cameron. La película gira en torno a un grupo de jóvenes colonos espaciales que buscan una estación espacial abandonada, lo que les hace encontrarse sin darse cuenta con las formas de vida más aterradoras del universo. La película está protagonizada por Cailee Spaeny (“Priscilla”), David Johnson (“Murder Is Easy”), Archie Reno (“Shadow and Bone”), Isabella Merced (“The Last of Us”), Spike Fern (“Aftermath”), y la recién llegada New Eileen Wu.

¿En cuanto a por qué Disney cambió de opinión con respecto a la estrategia de lanzamiento de “Romulus”? Anteriormente dijo que la decisión de Hulu no se tomó cuando “los cines estaban sanos”. Para beneficio de todos, Disney reconsideró su decisión al comprobar que la situación de la taquilla estaba mejorando. Ahora la compañía espera aprovechar esta lección y aplicarla a otras películas que se proyectarán en línea en el futuro.

El ejemplo más obvio es “Badlands” de Dan Trachtenberg, otra película de la serie “Predator”. Esto es lo que está haciendo Disney tras el éxito de “Prey”. Presumiblemente, no cometerán el mismo error dos veces con esta franquicia. Aparte de eso, tal vez esto convenza a Disney de darle una oportunidad a algunas películas originales que de otro modo habrían ido directamente a Hulu. Incluso si las películas no generan ganancias netas en los cines, sirven como una forma de ganar algo de inversión y al mismo tiempo anunciar su eventual lanzamiento en línea. Es realmente difícil ver un inconveniente en la mayoría de las películas a un precio determinado.

“Alien: Romulus” ya está en los cines.


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Un actor de X-Men '97 se hizo pasar por el personaje de la película, y es perfecto

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De 2021 a 2023, los cómics de “X-Men” tuvieron una tradición anual llamada Hellfire Gala. El escenario en el universo era que Hellfire Trading Company de Emma Frost celebraba una fiesta anual (abierta a todos los mutantes) en Isla de KrakoaAl igual que en la Met Gala de la vida real, los invitados se presentaron con atuendos llamativos y caros. (Vea la programación completa de Hellfire Gala 2021, diseñada por el artista Russell Dauterman, a continuación).

Fuera del universo, Marvel publicó tres episodios especiales de “Hellfire Gala” en cada uno de esos años, y una serie diferente de cómics de “X-Men” se centraría en el evento. El Rogue usado por Zann sigue el modelo del diseño de Hellfire Gala 2023. El artista que diseñó el disfraz, Luciano Vecchio, notó su entusiasmo y lo compartió en Twitter.

Compare la apariencia de Rogue en la Hellfire Gala 2021 (elegante traje con cuello y guantes verdes diseñados por Dauterman) y el evento de 2022 (body con adornos de piel, Por Mad Mahmoud Asrar(Cubre toda la piel de Rouge excepto su cara debido a lo muy absorbente que es).

La aparición de Vecchio en 2023 (y el regreso de Zane) también refleja al personaje a través de su elección de vestuario. Tenga en cuenta los largos guantes de ópera verdes, que nuevamente evitan que Rouge entre en contacto con la piel; Incluso cubrir su escote con una capucha realza esto. La mitad superior del conjunto es un vestido largo digno de cualquier dulce chica sureña, pero se abre en la cintura, dejando al descubierto pantalones cortos de cuero negro, medias de rejilla y botas negras hasta la rodilla. Cual Parte del diseño refleja la postura robusta y premium del Rogue.

Zahn hizo un esfuerzo adicional para vestirse para la ocasión al elegir no solo un atuendo de Rogue, sino uno diseñado para un evento como los Emmy.

“X-Men '97” ahora se transmite en Disney+. La temporada 2 se encuentra actualmente en producción.



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Reseña de la película 'Sketch': Tony Hale y Darcy Carradine se hacen el tonto en una gran aventura para niños

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Recientemente, la agitación interior de las jóvenes ha dado lugar a una serie de películas sobre grandes emociones y monstruos. De adentro hacia afuera 2 pie Preocupación por los sentimientos de la tripulación.que empuja a su heroína a un estado de pánico social en la adolescencia. imaginario La aventura animada de Netflix es una historia de terror sobre un amigo imaginario olvidado que se vuelve vengativo. Imaginario Se centra en el crecimiento personal de un amigo imaginario con el que sueña una joven triste. Luego viene la triste y decepcionante historia. siEn la novela de John Krasinski, había otra joven heroína triste que intentaba hacer frente a sus emociones rescatando a amigos imaginarios (o IF) abandonados.

Todo esto significa tarifa Esta película llega a un campo abarrotado. Sin embargo, esta innovadora película independiente basada en una configuración similar cuenta una historia propia, maravillosa y loca.

El primer largometraje del director Seth Worley, tarifa La película gira en torno a la familia Wyatt, que lucha por procesar el dolor tras la muerte de su madre. El padre viudo de Taylor (El DecamerónTony Hale (protagonizado por Tony Hale) se esfuerza por ser optimista, ocultando recuerdos de la madre de los niños como si eso ocultara el dolor. El hijo mayor, Jack (Q Lawrence), sigue el ejemplo de su padre y está decidido a que una buena actitud puede resolver cualquier problema. Mientras tanto, Amber (Bianca Belle), de 11 años, está llena de rabia, que se desborda en un cuaderno de bocetos en el que dibuja monstruos feroces en escenarios violentos. Pero cuando un poco de magia hace que estas creaciones cobren vida, la familia debe enfrentar su dolor de frente y cooperar para salvar el día de estas manifestaciones creativas de dolor.

Al combinar una premisa sólida y amigable para los niños con una sensibilidad altamente calificada, Worley construye un mundo visual de imaginación y emoción que es un placer visitar.

tarifa Impresiona a todos con su diseño distintivo.

Olvídese de las sofisticadas animaciones dibujadas a mano o de un montón de animaciones en forma de globos. Worley, que tiene experiencia en efectos visuales, utiliza gráficos por computadora para crear una maravillosa sensación de dibujado a mano a través de la construcción de los monstruos de Amber. como Está dibujado. Imagínese criaturas perfectas pero hechas de garabatos, con sus extremidades nervudas y ligeramente desalineadas, sus bocas escupiendo brillo y sus huellas dejando manchas de color. Con una textura de crayón, líneas de marcador resbaladizas y tiza punteada, estos son monstruos como ninguno que hayamos visto antes en las películas. Son monstruos que ves en los dibujos de los niños, con ojos saltones, adornos brillantes, colmillos rizados y sed de sangre.

La alegría desenfrenada explota por todas partes tarifaLas escenas de acción más interesantes, por lo absurdo de estos deliciosos diseños. Es espeluznante pero no completamente aterradora, lo que la convierte en una película emocionante para niños que recién están comenzando a sentir terror pero que no están listos para dormir con escalofríos. En realidad tarifa el tiene mucho piel de gallina Este juego tiene una atmósfera divertida, desde su partitura musical hasta su mundo colorido y espeluznante y sus protagonistas infantiles claramente dibujados.

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Detrás de su actitud optimista, Jack lleva una pesada carga autoimpuesta que lo lleva a ser ferozmente protector con su hermana. ¡No tiene miedo de llamar “idiota” a un niño si se lo merece! Amber frunce el ceño, pero sus ojos se iluminan cuando habla de sus dibujos, incluso los más escandalosos. El ayudante reacio de los hermanos en esta aventura espiritual es su compañero de clase Bowman (Callon Cox), un bocazas que en un 95% está mal motivado y en un 5% es un imbécil. En su demanda de soluciones creativas al problema altamente creativo de los gráficos enloquecidos, adoptarán pistolas de agua y otras armas improvisadas. Pero su mayor herramienta es la química caótica. Cuando chocan, saltan chispas -además de insultos infantiles- y acaban haciéndose amigos. johnnies-Estilo dramático lleno de absurdo.

Tony Hale y Darcy Carradine brindan un gran apoyo.

Hill ha sido un gran jugador de utilidad en todo, desde Desarrollo detenido a VEEP, DECAMERON, De adentro hacia afuera 2historia del juguete 4, y Caja Halcón 2. Pero aquí es menos payaso. Worley, quien también escribió el guión. tarifa, La película, producida por Hill, le da al famoso “ese tipo” un papel más realista. Con una sonrisa cálida pero nada cómica, Hill rápidamente convierte a Taylor en un padre devoto. Habrá momentos de frustración e incluso momentos en los que no está enojado – díganlo conmigo – simplemente está DecepcionadoLa actuación de Hale fue muy conmovedora, caminando en la línea entre la comedia familiar amplia y el drama familiar tierno. Cuando Amber, emocionada, muestra sus dibujos de pájaros feroces sobre una pila de cadáveres, la expresión facial de Hale es una mezcla de orgullo y disgusto, estableciendo brillantemente este vínculo intenso y tenso entre padre e hija. Estaba fascinado por ella, aunque se sentía intimidado por su potencial.

La hermana de Taylor, Liz, es interpretada por Darcey Carden, ganadora del premio Emmy de Janet. el buen lugarLiz emite “vibraciones geniales de tía” desde el momento en que aparece en el escenario y está lista para usar sus habilidades como agente de bienes raíces para ayudar a esta familia a seguir adelante (o al menos mudarse de la casa familiar). En cambio, distribuyendo su duro amor a su hermano (querido o no) y maravillándose de la peligrosa creatividad de su sobrina (“¡Amo su mente!”), Liz ofrece un camino a seguir para una familia tan perdida en el dolor que han olvidado cómo hablar. el uno al otro. Pero a pesar de lo sentimental que es esta película -quizás con demasiadas pausas en la acción para hablar de emociones- es, sobre todo, algo divertido y alegre.

Sí, se habla de muerte, pena, monstruos asesinos y muchas escenas donde los niños huyen para salvar sus vidas. Pero hay un vibrante hilo de humor que celebra el caos de la familia, la juventud y las travesuras, y existe sin burlarse de sus personajes. Estas partes maravillosamente entretenidas compensan el tercer acto, que se vuelve un poco torpe. La comedia surge de la mirada comprensiblemente exhausta de un padre que agota sus últimos nervios, de la niña cuyo discurso desafiante es absurdo y molesto, y de las peleas de los niños que son tan frenéticas como escandalosas.

Worley no mantiene las cosas ligeras sólo por el bien de la preservación tarifa Tan adecuado para niños como para padres (que es lo que hizo Krasinski) No Este tono, que mezcla elementos terroríficos y alegres, subraya el verdadero mensaje de la película: que la vida… Él es Ambos, e ignorar uno de ellos no hará que desaparezca, ¡sino todo lo contrario!

al final, tarifa Esta es una película muy entretenida y conmovedora con muchas rarezas que la convierten en un verdadero placer.

tarifa Revisado antes de su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2024.



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La primera película de Johnny Depp es también su proyecto mejor valorado en Rotten Tomatoes

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Ver películas de Johnny Depp es un ejercicio arriesgado en 2024. Depp ha tenido frecuentes problemas con la ley a lo largo de su carrera, peleándose, amenazando a fotógrafos y una vez destrozando una habitación de hotel. Es probable que muchos de los primeros problemas temperamentales de Depp estuvieran relacionados con su adicción al alcohol, algo con lo que luchó durante gran parte de su vida. La separación de Depp de su esposa, Amber Heard, que recibió una amplia cobertura mediática, también provocó una tormenta mediática, lo que llevó a acusaciones mutuas de abuso físico, más uso de drogas y muchos desacuerdos. Tanto Depp como Heard fueron condenados por difamación.

Muchos han rechazado rotundamente las películas de Depp, odiando los abusos que dirigió a Heard. Desde 2018, Depp ha aparecido cada vez menos ante el público. Su película Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald no fue un gran éxito y su personaje fue reemplazado por Mads Mikkelsen en la siguiente película. Ha hecho muy pocas películas desde entonces y ninguna ha sido estrenada por los grandes estudios. Depp es una persona indeseable.

Es una pena que haya hecho que sea tan difícil agradarle, ya que Depp realizó muchas actuaciones excelentes a lo largo de su carrera, a menudo interpretando papeles valientes, extraños y tensos, y estaba feliz de interpretar una larga lista de personajes extraños y locos. Su trabajo con Tim Burton sigue siendo de primer nivel (Ed Wood es quizás la mejor de sus muchas colaboraciones), y su impresionante actuación en Fear and Loathing in Las Vegas durará para siempre. Trabajamos con John Waters en “Crybaby”, felices de utilizar la comedia rockabilly para evitar su reputación como el “bonito adolescente” de finales de los 80.

Sin embargo, de todas las películas con guión de Depp, la primera sigue siendo la mejor reseñada. En 1984, cuando Depp tenía sólo 20 años, apareció en La clásica película de terror de Wes Craven “Pesadilla en Elm Street” película de deportes Tasa de aprobación 95% Sobre el famoso total.

Pesadilla en Elm Street

Técnicamente, hay una película con un mayor porcentaje de críticas positivas en Rotten Tomatoes, y ese es el documental de 2020 “Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan”, sobre el corpulento cantante principal de The Pogues. Depp produjo la película “Crock of Gold” y apareció en ella como él mismo, hablando con el personaje principal. Esta película tiene un índice de aprobación del 96% en Rotten Tomatoes. “A Nightmare on Elm Street” es el largometraje mejor reseñado de Depp.

En “Pesadilla en Elm Street” Depp interpreta a Glenn, el amigo comprensivo y tolerante de Nancy (Heather Langenkamp), la heroína de la película. Nancy, su amiga Tina (Amanda Weiss) y el novio de Tina, Rod (Nick Corey), soñaban con la misma figura espeluznante, un hombre con la cara quemada, una chaqueta sucia y un guante con una pequeña hoja que sobresalía de cada dedo. Cuando esta misteriosa entidad los mata en el sueño, mueren en la vida real. Más tarde se revelaría que la visión era un asesino muerto llamado Freddy Krueger (Robert Englund), un hombre que fue asesinado por vigilantes adultos locales, pero que regresó para perseguir a sus hijos en sus sueños.

A Glenn se le podría considerar el escéptico del grupo. Freddy no lo está acosando, por lo que no podemos decir con seguridad si la experiencia de Nancy es real o no. Sin embargo, Glenn siempre escucha lo que Nancy tiene que decir e incluso se ofrece a ayudar; Al final de la película, se ofrece a aparecer en uno de los sueños de Nancy, en caso de que aparezca Freddy. Pero Glenn, desafortunadamente, se encuentra con un destino muy horrible. Algo sobre un volcán de sangre.

“Nightmare” fue un gran éxito, recaudando 57 millones de dólares con un presupuesto de 1,1 millones de dólares. En 2024, eso sería más como una película de 3 millones de dólares que recauda 164 millones de dólares. Freddy Krueger se convirtió en un verdadero ícono de la cultura pop y la película generó ocho secuelas, una serie de televisión, una nueva versión y algunos videojuegos en el camino.

El ascenso y la caída de Johnny Depp

Con el tiempo, la serie “Nightmare” se volvió demasiado comercial hasta el punto de que ya no daba miedo. Freddy se vuelve más ridículo y los sueños se convierten en meras muestras de sus (creativos y maravillosos) efectos especiales. Pero cuando uno regresa al original, puede volver a sentir el terror de Nancy y redescubrir cuán extraña y aterradora era la premisa original. La sensible actuación de Depp como “hombre común” ayudó a darle a la película una sensación de realismo, y su presencia fue invaluable.

Después de “Nightmare”, Depp asumió el papel destacado de Tom Hanson en la serie de policías para adolescentes de 1987 “21 Jump Street”. Apareció en 80 episodios de la serie y rápidamente se convirtió en un ídolo adolescente para la nueva generación. Se sabe que Depp estaba insatisfecho con su condición de babyface y lo criticó públicamente. Gracias a las películas “Cry-Baby” y “Edward Scissorhands” dirigidas por Tim Burton, Depp pudo salir de este molde y demostrar que le interesaban más los papeles difíciles y extraños que los románticos o los personajes atractivos. Depp comenzó a trabajar con destacados directores de cine como Emir Kusturica, Jim Jarmusch, Terry Gilliam y Roman Polanski (otra figura controvertida).

Depp se convirtió en una fuerza comercial en 2003. Con el estreno de la película “Piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra”, Una exitosa película producida por Disney basada en una atracción de Disneyland. Interpretó a un pirata borracho llamado Jack Sparrow y el público se enamoró de Depp nuevamente. Este papel le valió una nominación al Premio de la Academia.

Como mencioné, el comportamiento de Depp fuera de la pantalla le ha impedido ser popular y muchos dudarían en ver cualquiera de sus películas. Aunque no defenderé a Depp aquí, uno puede decidir por sí mismo si quiere pagar el precio de una entrada para verlo, conociendo su violento pasado. Pero yo digo que no te harías ningún favor si evitas ver un clásico de terror como Pesadilla en Elm Street. Hasta el día de hoy, esta película sigue siendo genial y aterradora.

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La fantástica película de terror de vampiros de 2008 que a John Carpenter le encanta

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Hay un caso muy fuerte a favor A John Carpenter se le considera el maestro del terror. Aunque “The Ward” de 2010 fue la última película de Carpenter en el género (además de producir la trilogía “Halloween”), la creatividad versátil del director es lo suficientemente profunda como para mantenernos con vida durante años. A todos los que aman las películas de terror les encantaría que Carpenter tomara el mando de otro proyecto, pero por ahora, todo lo que podemos hacer es apreciar lo que tenemos y esperar lo mejor. Al mismo tiempo, también podemos hablar de una joya de terror subestimada que Carpenter adora absolutamente.

Cuando se le preguntó sobre el horror contemporáneo y su capacidad para asustar, Carpenter dijo: Libro cómico Le resulta difícil distanciarse de la lente del cineasta mientras mira y examinar la “infraestructura” de las películas de terror modernas. Sin embargo, Carpenter encuentra aterradora una película si es capaz de trascender estos instintos y lograr algo nuevo e interesante:

“No, veo fontanería. Deberías ser joven, y ser joven es bueno, y saber un poco menos. [to get scared]Pero cuando una película me conmueve es genial porque ha trascendido todos mis sentidos. […] “Hace unos años hubo una película que pensé que era realmente genial. Se llamaba 'Let the Right One In'. Creo que era una película sueca. Hombre, fue genial. Muy genial. Básicamente reinventó al vampiro. mito. Y me gustó.”

“Let the Right One In” de 2008 no es solo eso Una adaptación adaptada de la novela de John Ajvide Lindqvist. Tiene el mismo nombre, pero ofrece un tratamiento reflexivo y poco convencional del género de vampiros en las películas. El manejo del tema por parte de Tomas Alfredson, que es a la vez tierno y repugnante, reconfortante e inquietante, eleva este drama bellamente filmado a algo vergonzosamente hermoso.

Deja entrar a la persona adecuada. No tengas miedo de abrazar la tristeza.

Suburbios de Estocolmo en la década de 1980 Las casas quedan cubiertas por mantos de nieve, asfixiándolas de punta a punta. Consumido por la venganza, el joven Oscar (Kari Hedebrant) está consumido por la venganza después de haber sido constantemente intimidado en la escuela. Representa escenarios imaginarios de asesinato después de haber sido agraviado por sus compañeros. En medio de esta existencia aparentemente aburrida, donde la esencia de la vida parece apagada, Oskar conoce a Elle (Lina Leandersson), un joven misterioso que es cuidado por el mayor Håkan (Per Ragnar). Oscar se siente atraído por la presencia de Eli, y los dos se unen a través de su oscuridad mutua, mientras que se ve a Hakan matando violentamente a los transeúntes para apoyar a su débil pupilo. Eli es una criatura de la noche, un vampiro que necesita sustentarse con sangre humana, y este núcleo inherente de violencia emerge como una verdad incómoda que es un aspecto inextricable de la existencia de Eli.

Eli está condenado a hundirse en el aislamiento incluso después de encontrar ternura, ya que todos los que ama sucumbirán al envejecimiento y la desintegración uno a la vez, para siempre. Con Ellie desafiando las nociones tradicionales de género, 'Deja entrar a la persona adecuada' Florece como una exótica historia de amor saturada de brillantes tonos rojos.El propio acto de amar está íntimamente ligado al consumo del otro. Tanto Hakan como Oscar son dos caras de la misma moneda: el primero ahora es viejo, prescindible para el inmortal Eli y ya no puede cumplir los roles de proveedor y amor. Mientras tanto, Oscar, que ha optado por la violencia por razones de autoconservación, comienza a asumir el papel de Hakan, desdibujando los conceptos asociados con la moralidad, cuya definición está cambiando en un mundo tan sombrío y sombrío.

Dejemos que la persona adecuada redefina la brutalidad.

El mito de los vampiros ofrece definiciones interesantes de moralidad, ya que su existencia parasitaria es un requisito previo para la supervivencia, más que el instinto violento de supervivencia. Los dos pueden claramente superponerse, y los vampiros convierten el acto de alimentarse en una celebración del placer o una descarada afirmación de poder. A Eli no necesariamente le gusta esta violencia, pero la brutalidad del acto se siente como una realidad divorciada del remordimiento: no hay lugar para moralizar sus asesinatos, un instinto tan natural como la necesidad de respirar aire. Sin embargo, Eli evita dañar a Oscar cuando este último le corta la muñeca para ofrecerle sangre. El acto de amar es peligroso y desinteresado. – cuando se interesaron por Oscar, y el elige Para no lastimarlo.

Aunque la película inicialmente posiciona a Oscar como un ancla moral, esta perspectiva cambia cuando los corazones de Eli y Oscar coinciden, y los dos trabajan como una unidad contra aquellos lo suficientemente tontos como para meterse con ellos. Sus acciones no son idealizadas ni condenadas, ya que hacen todo lo que consideran necesario para asegurar la supervivencia, incluso convertir a un adolescente en un vampiro que explota en llamas. La violencia de Oscar surge de la soledad y la privación de derechos, y se ve alentada por el estatus de Eli como un guardián inmortal y desmembrado. Cada matón tiene como objetivo sofocar la independencia y la existencia de Oscar.Cuando se dan cuenta de que no están seguros en un lugar donde la infancia no es sagrada, huyen en busca de un sueño compartido que pueda sostenerlos el mayor tiempo posible, al menos hasta que Oscar siga con vida.

Puede que Oscar esté condenado a compartir el destino de Hakan, pero vivir una vida llena de amor instintivo puede ser la respuesta en un mundo tan traicionero. La clave es dejar entrar a la persona adecuada.


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Gary Oldman puso a Christopher Nolan una condición para su aparición en la película de Oppenheimer

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En su reseña del libro de Oppenheimer, El neoyorquinoRichard Brody escribió que “la película está tan centrada en hacer de Oppenheimer un símbolo de conciencia en conflicto que presta poca atención a su carácter general”. Un excelente ejemplo de esto es la escena de la Oficina Oval, en la que J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) es convocado a una reunión con el presidente Harry Truman después de entregar la bomba atómica a sus superiores militares.

En la película, Truman, interpretado en un papel muy breve por Gary Oldman, está muy emocionado tras su decisión de lanzar las bombas sobre Hiroshima y Nagasaki, pero se encuentra frente a frente con Obie, que se siente como si tuviera “sangre en las manos”. ” El presidente rechaza esta admisión y agita un pañuelo en la cara del físico antes de declarar que a los ciudadanos de las ciudades japonesas destruidas sólo les importa quién lanzó la bomba, no quién la fabricó. La tensa escena termina cuando Oppenheimer sale de la habitación en estado de shock y escucha a Truman decirle a su ayudante: “No dejes que ese bebé que llora vuelva aquí”.

salida Christopher Nolan explica la escena del “bebé llorando” Pero si bien esta escena sólo podía ser el resultado de un malentendido entre los cónyuges, y no el resultado de un intento de denunciar a Truman como un belicista despiadado, como muchos lo interpretaron. Por el contrario, algunos ven la respuesta de Truman a la culpa de Opie en ese momento como nada más que otra versión de la afirmación bastante correcta de Kitty (Emily Blunt), la esposa del físico: “No puedes pecar y luego hacer que todos sintamos lástima por ti porque eso fue “Tiene consecuencias”. Pero si bien podemos debatir interminablemente el significado de esta escena y los problemas reales que aborda, una cosa que definitivamente no se puede debatir es que Oldman es un muy buen actor.

El hombre sólo aparece durante tres minutos en la película de 180 minutos y ayuda a producir uno de sus momentos más memorables. Después de haber trabajado con la venerada estrella varias veces, Nolan ciertamente contaba con esto cuando le pidió a Oldman que interpretara a Truman. Pero tuvo que aceptar la única condición del actor antes de que esto pudiera suceder.

La aparición de Gary Oldman en la película de Oppenheimer vino con una advertencia

La escena de la Oficina Oval es uno de esos momentos increíbles del cine en el que tuvieron que unirse tantas cosas para que sucediera. Apenas unos días antes del rodaje, el sitio original de la Biblioteca Nixon se derrumbó, lo que provocó una búsqueda frenética de un reemplazo. Esta variante ha sido encontrada en el cuerpo. Un decorado apresuradamente reconstruido de la Oficina Oval de “Veep” de HBO. La escena fue sacada del almacenamiento e instalada en el Universal Theatre. Y si este desastre suena tan grave como el encuentro de Opie con Truman, tenga en cuenta que la diseñadora de producción Ruth de Jong también estaba trabajando sabiendo que ya se había confirmado que el venerable Gary Oldman aparecería en la escena.

La presión fue realmente intensa, ya que Oldman también acordó tomarse un tiempo de su agenda para filmar la exitosa pero poco vista serie de Apple TV+ “Slow Horses” para filmar su breve aparición. De hecho, como dijo Oldman Diario de Wall StreetChristopher Nolan tuvo que aceptar la condición de Oldman de que se le permitiera usar un sombrero sintético y una peluca, para no alterar su apariencia antes de su regreso al espectáculo. El actor explicó que estaba “constreñido” por su papel del sucio y cansado agente del MI5 Jackson Lamb en “Slow Horses”, hasta el punto de que “dictaba si usaría o no una gorra sintética”. [he does] “Algo más.” Continuó:

“Fotografié a Oppenheimer por un día. Le dije a Chris Nolan: 'Me encantaría venir y hacerlo, pero tendré que usar un sombrero sintético y una peluca y no puedo cortarme el pelo'. Entonces, si puedes manejar eso, estaré feliz de venir y hacerlo. “Y si no quieres una peluca, tienes que conseguir que alguien más la haga”. Y Lamb nunca estuvo lejos en ese sentido.

Gary Oldman nunca le diría que no a Christopher Nolan

Antes de Oppenheimer, Gary Oldman trabajó con Christopher Nolan en la trilogía del Caballero Oscuro, en la que interpretó a Jim Gordon. Su colaboración fue claramente fructífera, y no sólo porque ayudó a producir tres (o tal vez dos) películas clásicas de Batman. El actor habló sobre su aprecio por Nolan y reveló que en realidad recibió uno de los mejores trabajos de dirección de su carrera por parte del director británico. En una entrevista con The Atlantic, Oldman dijo: “Fue maravilloso ver cómo el director Nolan trabajó conmigo”. “Feliz Triste Confundido” En un episodio del podcast “Batman”, Oldman recordó que mientras filmaba una escena para la película de Batman, Nolan le dio una simple nota: “Hay más en juego”. Oldman calificó esta obra como una “brillante pieza de dirección” y apreció claramente el enfoque conciso del director para motivar su actuación.

Entonces, puedes imaginar que si algo podría alejarlo de un papel al que se sentía “atado”, es Nolan. Aparte del hecho de que los actores generalmente aspiran a trabajar con uno de los pocos directores que atrae la atención generalizada y al mismo tiempo mantiene un enfoque artístico en la realización cinematográfica, Oldman claramente valora su relación con Nolan, y Oppenheimer fue mucho mejor por eso. Es más, la impresionante interpretación del actor como Harry Truman es aún más impresionante cuando te enteras de que tuvo que salir del modo de juego de Jackson Lamb, que volvió a la acción en la cuarta temporada de El mejor software espía de transmisión en vivo – Para desempeñar el papel del ex presidente estadounidense.


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Cómo obtuvo su título la película de ciencia ficción Gattaca de 1997

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Esta publicación contiene Spoilers Para “Gattaca”.

A pesar de su presupuesto limitado, “Gattaca” del director Andrew Nicol siempre pareció una película profética.Ambientado en un determinismo genético de un futuro cercano que explora la discriminación social desde la raíz en un mundo desprovisto de una privacidad significativa. Aquí, los avances tecnológicos en los estudios genéticos han impulsado la creación de una base de datos de registro genético, un libro de reglas que clasifica a los humanos en categorías problemáticas y decide quién es más “apto” en términos de su valor para el desarrollo social y el progreso científico. Las personas que son concebidas normalmente son vulnerables a ser etiquetadas como “no aptas”, porque se las considera susceptibles a trastornos o aberraciones genéticas. Vincent Freeman (Ethan Hawke) es uno de esos hombres, que sólo puede soñar con ser astronauta pero nunca logra tales ambiciones… a menos que recurra a medios poco convencionales, como el robo de identidad.

Si bien la sociedad de Gattaca no tolera legalmente la discriminación genética, aquellos etiquetados como “no aptos” se enfrentan a la discriminación en todo momento, ya que se considera que su nacimiento depende de la fe, en contraposición a la naturaleza clínica de la selección genética. Vincent se siente inferior ante sus padres, y su hermano Anton, concebido por selección genética, sirve como un recordatorio constante de la llamada inferioridad genética de Vincent y del hecho de que es propenso a sufrir enfermedades y no es apto para determinadas profesiones. Incluso cuando se busca un empleo de nivel inicial, abunda el genotipado, donde las calificaciones, la inteligencia o la perspicacia para los negocios no significan nada en comparación con un perfil genético “superior”.

La premisa básica de “Gattaca” son los intentos de Vincent de imitar a Jerome Eugene Marrow (Jude Law), un ex nadador con características genéticas inusuales que ahora está confinado a una silla de ruedas después de un accidente automovilístico. Jerome le ofrece a Vincent la oportunidad de encarnarlo (convertirse en una “escalera prestada”) a cambio de un estilo de vida lujoso y sostenible. Pero a medida que la textura de la película profundiza en las complejidades de la estructura genética y el ADN, ¿qué significa realmente el término “Gattaca”?

¿Cómo se relaciona el término Gattaca con los temas de la película?

Para simplificar las cosas, el término “GATaka” se acuñó utilizando las cuatro letras utilizadas para identificar las cuatro nucleobases en el ADN, a saber, GATC: guanina, adenina, timina y citosina. Y el impulso o instinto de cada personaje en la película está determinado precisamente por el deseo de un individuo de avanzar o oponerse a su perfil genético específico (y cómo lo ve la sociedad en su conjunto), con los sueños de Vincent ocupando un lugar central en una batalla para demostrar su valía. . Incluso después de que Vincent “se convierte” en Jerome, tiene que tener cuidado de no dejar huellas genéticas propias y debe tomar prestado constantemente el ADN de Jerome para ocultar su propia identidad; Es una auténtica farsa que continúa hasta que Vincent consigue la aprobación para una misión en la corporación aeroespacial Gattaca.

“Gattaca” constantemente enfrenta las expectativas que rodean a una supuesta “buena” persona con la forma en que esas expectativas se materializan en la realidad, y desafía las nociones de perfección y superioridad de muchas maneras. Un tema recurrente es el juego de la gallina que Vincent y su hermano Anton solían jugar cuando eran niños, y que el primero nunca ganó, hasta poco antes de irse de casa siendo un adolescente. Al reunirse con su hermano ya adulto, Vincent gana el juego nuevamente y salva a Anton de ahogarse. segundo Tiempo a pesar de ser considerados socialmente los “más débiles”. Vincent revela que pudo ganar el juego cuando era adolescente No conservar energía o regular la velocidad durante el viaje de regreso.: Un sentimiento que cierra el círculo cuando Vincent se embarca en una misión al espacio y se da cuenta de que dejará la Tierra atrás con un sentimiento agridulce.

Gattaca explora la identidad y la definición personal a través de una lente de ciencia ficción

La naturaleza injusta e inútil del determinismo genético utilizado en Gattaca también es evidente en la historia de Jerome. Cuando ocurre un asesinato en Gattaca Aerospace Corporation antes de un vuelo espacial a Titán, el director de la misión Joseph (Gore Vidal) cuestiona la idea de que sea sospechoso de asesinato blandiendo su perfil genético. “No encontrará ni un hueso violento en mi cuerpo. Eche otro vistazo a mi expediente, detective”, dice sarcásticamente, como si su ADN estuviera destinado a proporcionar pruebas indiscutibles de su inocencia, en comparación con alguien “más propenso” a cometer un crimen. Irónicamente, fue Youssef quien cometió el asesinato, lo que invalida por completo la frágil premisa del determinismo genético al tiempo que critica los peligros del tipo de elaboración de perfiles que vemos en la vida real en función de la raza y la clase social.

La situación de Jerome es particularmente triste, porque resalta los peligros de dividir a los seres humanos en categorías que se supone definen su valor o valor. Aunque el perfil genético de Jerome es estupendo y se acerca lo más posible a la definición científica de perfección, ganó una medalla de plata en los Juegos Olímpicos, lo que le llevó a tirarse delante de un coche. Esta revelación demuestra el sincero deseo de Jerome de mostrar su identidad bajo una luz diferente: nunca pudo estar a la altura de las altas expectativas sugeridas por su perfil genético, lo que le llevó a una acumulación de autodesprecio que le llevó a paralizarse. El sentimiento de “escalera prestada” surge de prestar la ilusión de su ADN perfecto a alguien que no es perfecto. el puede Las personas que aspiran a estar a la altura de nuestras expectativas son personas como Vincent, que demostró su valía como astronauta sólo por sus méritos.

Vincent frustra el destino que le ha sido destinado, determinado por su estructura genética, mientras Jerome acorta su longevidad científicamente probada para lograrlo. Nada es nunca constante, ni siquiera los patrones creados por el ADN genético. Me pregunto si alguna vez nos veremos Una serie de televisión “Gattaca” que estuvo en desarrollo en Showtime el año pasado


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