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Stephen King “odia” la famosa película de Denzel Washington

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Stephen King puede ser conocido por sus historias de terror que involucran monstruos y asesinatos, pero… A menudo trata temas más adultos y maduros. Del alcoholismo y la violencia doméstica. De lo primero, King puede hablar por experiencia, ya que luchó contra la adicción a las drogas durante la década de 1980. Respecto a lo primero, afortunadamente no lo ha vivido en carne propia sino que se siente atraído por historias de niños que han sido víctimas de sus supuestos cuidadores. Esto fue ciertamente cierto en su epopeya de verano “It”, que describía los disturbios domésticos de los niños como un paralelo con el monstruo sobrenatural que los acechaba.

Como tal, King es sensible a las historias que tratan mal los temas de abuso. Hay un cierto tipo de melodrama de Hollywood que explora el trauma psicológico que sufren las víctimas de abuso, pero concluye sus historias con una pequeña reverencia, declarando que el abuso puede simplemente “superarse” con unas cuantas visitas a un psiquiatra o algo así. De reconciliación banal

Ésta es sin duda la razón detrás del odio del rey. El debut como director de Denzel Washington fue la película de 2002 Antwone Fisher. Esta película, basada en la autobiografía de Antoine Fisher, era la historia de supervivencia de un joven criado por una familia de acogida abusiva, que fue abusado sexualmente por su sobrina adulta en su familia de acogida. Pasó algunos años viviendo en la calle, abriéndose camino como delincuente. Antoine se siente culpable tras presenciar el asesinato de un amigo en un robo fallido. Creció enojado y sólo pudo encontrar consuelo en la Marina de los Estados Unidos. Allí fue tratado por el médico de la Marina, Dr. Davenport (Washington), quien lo ayudó gentilmente a superar su ira y conmoción.

“Antwone Fisher” ha recibido muy buenas críticas, con un índice de aprobación del 78% en Rotten Tomatoes (basado en 148 reseñas). También fue un éxito modesto, recaudando 23 millones de dólares de un presupuesto de 12 millones de dólares.

También fue una película que Stephen King llamó “tonterías emocionales”. Un artículo que escribió en 2007 para EW..

Stephen King pensó que Antoine Fisher era una “tontería emocional”

El artículo de 2007 en cuestión fue el primero que King escribió para EW, y más o menos elaboró ​​un editorial de amplio alcance sobre el estado actual del entretenimiento. Declaró que era fanático de la película de Jonathan Mostow “Terminator 3: Rise of the Machines”. Un poco menos impresionado con “28 Days Later” de Danny Boyle. Vale la pena señalar que odiaba la película “Antwone Fisher”, así como el famoso drama sobre la pena de muerte “La vida de David Gale”. Sobre estas películas, King escribió lo siguiente:

“Odiaba a Antoine Fisher, como en 'La vida de David Gale'. No me digas que lo primero es mejor que lo segundo, y no me lances un montón de tonterías sentimentales y lo llames comentario social. Es particularmente molesto. En ese sentido, la tarjeta Hallmark de $9 llega a “Las rosas son rojas, las violetas son azules, la vida es dura, pero lo superarás. Eso ya lo sabía, gracias, ahora vete”.

A pesar de las críticas generalmente positivas de “Antwone Fisher”, al menos algunos críticos estaban del lado de King. Reseña de Neve Pearce para la BBC De hecho, fue más duro que King y dijo: “No hay un solo momento que sea impactante, sorprendente o incluso ligeramente perverso en este tiempo predecible, lleno de clichés, insulso y conscientemente titulado”. Dijo que la historia se adaptaba mejor a una película para televisión de la semana y que el personaje de Fisher, interpretado por Derek Luke, era terriblemente unidimensional. De hecho, la mayoría de las críticas negativas de “Antwone Fisher” tenían quejas similares, calificaban el drama de cursi o falso y reconocían a Fisher como un héroe insulso.

Pero King encontró mucha compañía en su odio hacia el libro de Alan Parker La vida de David Gale. Esta película solo tiene un índice de aprobación del 19% en Rotten Tomatoes e inspiró a Roger Ebert a escribir Revisión de cero estrellas. Pocos saldrán en defensa de esta película.



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El éxito de Netflix, Hereditary, es un gran recordatorio para ver esta película de terror con 97% RT de hace 57 años y que acaba de tener un avance en 2024.

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Hereditario Ahora transmitiéndose en Netflix y alcanzando rápidamente la cima de las listas, este es un gran recordatorio para ver esta película 97% de terror de hace 57 años, que tendrá una precuela en 2024. La carrera cinematográfica de Ari Aster comenzó a fines de la década de 2000 y ganó Reconocimiento significativo por su cuento de 2011. Lo extraño de Johnson. Siete años después, Aster debutó como director de cine. HereditarioPelícula de terror psicológico protagonizada por Toni Collette. Hereditario Fue un éxito comercial y de crítica, convirtiendo a Aster en uno de los maestros modernos del terror.

Hereditario Presenta a la audiencia a Annie Graham (Colette), su esposo Steve (Gabriel Byrne), su hijo Peter (Alex Wolff), de 16 años, y su hija Charlie (Milly Shapiro), de 13 años. Después de la muerte de la reservada madre de Annie y otra gran tragedia familiar, se revelan inquietantes secretos familiares. Annie pronto se da cuenta de que su familia está bajo vigilancia y de que hay algunos planes siniestros que los ponen en gran peligro. Hereditario Ha encontrado nueva vida en Netflix y su éxito es un recordatorio de haber visto un clásico de terror de 1968 con temas similares.

Advertencia: Spoilers de Rosemary's Baby y Heritage.

El desarrollo del culto familiar hereditario recuerda mucho al Bebé de Rosemary.

Rosemary's Baby es una de las películas de terror más populares.

En 1968, el mundo conoció a Rosemary Woodhouse (Mia Farrow). el bebe de romero. Dirigida por Roman Polanski, la película está basada en la novela homónima de 1967 de Ira Levin. el bebe de romero La película sigue a Rosemary y su marido, Jay (John Cassavetes), quienes se mudan a los apartamentos Bramford en Manhattan. Allí conocen a los Castevet, una pareja de ancianos que Rosemary encuentra intrusiva.Pero Jay, que inicialmente se mostró reacio a interactuar con ellos, de repente se volvió muy cercano a ellos. Luego, Guy, un actor de teatro, es elegido para una obra importante y sugiere que él y Rosemary tengan un hijo.

El gran auge en el bebe de romero Es que hay una secta involucrada en su embarazo, pero es mucho peor de lo que Rosemary podría haber imaginado.

Rosemary queda embarazada en circunstancias inquietantesEsto desata una serie de sucesos misteriosos a su alrededor que la llevan a creer que está siendo observada y manipulada. El gran auge en el bebe de romero Es que hay una secta involucrada en su embarazo, pero es mucho peor de lo que Rosemary podría haber imaginado. ahora, Evolución en Hereditario También es un cultoen el que la familia de Annie está profundamente involucrada sin su conocimiento, todo gracias a la madre de Annie, la líder del grupo.

El desarrollo del culto relacionado con la familia. el bebe de romero Esa no es la única razón por la que es un buen reloj. Hereditario. el bebe de romero Tiene una sensación bastante claustrofóbica como Hereditario Lo hace, y la revelación gradual del culto que opera en torno a Rosemary recuerda el culto que experimenta Annie. Hereditario. Ambas sectas también están buscando un anfitrión para su entidad.Implica a personas inocentes y convierte sus vidas en una auténtica pesadilla de la que no pueden escapar.

Rosemary's Baby finalmente tendrá una precuela en 2024, Apartment 7A, en Paramount+

El apartamento 7A conduce perfectamente a los eventos de Rosemary's Baby

el bebe de romero Fue un éxito comercial y de crítica, allanando el camino para una serie con una secuela hecha para televisión en 1976, una adaptación de serie de televisión en 2014 y una precuela lanzada en 2024. Apartamento 7A Dirigida por Natalie Erika James, el avance lleva a la audiencia dos semanas antes de los hechos. el bebe de romero Para conocer a Terry Gionofrio (Julia Garner), quien apareció brevemente en la primera película. como, algunos eventos en Apartamento 7A Paralelamente a los de el bebe de romero.

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Explicación de la cronología del apartamento 7A: ¿Cuánto tiempo pasará antes de que nazca el bebé de Rosemary?

Dado que Apartment 7A sirve como una precuela directa de Rosemary's Baby, muchos espectadores pueden preguntarse cómo se compara la línea de tiempo de su historia con la película original.

Terry es un bailarín que se ve obligado a retirarse temporalmente tras una grave lesión en el tobillo. Después de seguir al productor de Broadway Alan Marchand (Jim Sturgess) hasta Bramford, Terry se hizo amiga de los Castevet, quienes le proporcionaron un apartamento gratis.. Los Castevet se infiltran en la vida de Terri y terminan implicándola en sus inquietantes planes, por lo que Terri no sólo se recupera lo suficiente como para volver a bailar, sino que también queda embarazada. Rosemary aparece brevemente como personaje de fondo y finalmente es eliminada. Apartamento 7A Se vincula perfectamente a el bebe de romero.

Nueva edición de el bebe de romero Estuvo en desarrollo en 2008, pero el proyecto se detuvo durante el año siguiente. Después de una adaptación fallida de una serie de televisión, en 2021 se anunció que se estaba realizando una precuela con Natalie Erika James como directora. Desafortunadamente, a pesar de su potencial, Apartamento 7A No fue bien recibido por la crítica. Actualmente tiene el 42% de los puntos. tomates podridos.

Hereditary vs. Rosemary's Baby: ¿Qué película de terror da más miedo?

Hacen una excelente función doble.

el bebe de romero y Hereditario Hacen un gran doble acto y ambos dan miedo de diferentes maneras. el bebe de romero La película es caótica por momentos, lo que hace que el suspenso sea aún más intenso, junto con la atmósfera claustrofóbica. La desesperación y la incapacidad de Rosemary para liberarse de todo lo que la manipula también se manifiesta. el bebe de romero Aterrador, y aunque el público sabe bastante bien lo que está pasando cuando llega la gran revelación al final, sigue siendo inquietante.

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Explicación del final de Rosemary's Baby

La inquietante escena final del clásico de terror de 1968 Rosemary's Baby subraya los temores del personaje principal y refuerza los temas actuales de la película.

Hereditario Contiene escenas visualmente más horribles que el bebe de romeroy este último se basa más en lo que no se muestra.

HereditarioPor otro lado, se siente mucho más oscuro tanto narrativa como visualmente. Hereditario Contiene escenas visualmente más horribles que el bebe de romeroy este último se basa más en lo que no se muestra. esto da el bebe de romero La ventaja como la más aterradora.pero Hereditario También ocupa un lugar destacado en el factor de pánico. el bebe de romero Es un gran reloj para los que se divierten. Hereditario Sus temas principales se presentan en un estilo visual diferente, pero es lleno de suspenso y aterrador, o más.

Dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Mia Farrow, Rosemary's Baby cuenta la aterradora historia de Rosemary Woodhouse, la esposa del actor que, tras descubrir que está embarazada, comienza a sospechar que su hijo por nacer es algo más siniestro que un niño común y corriente. John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer y Maurice Evans también protagonizan.

fecha de lanzamiento

12 de junio de 1968
salida

Roman Polanski

el calumnia

Ralph Bellamy
Mía Farrow
Sidney Blackmer
Ruth Gordon
Juan Cassavetes

tiempo de funcionamiento

137 minutos

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Una película de David Lynch que todo niño debería ver

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Tuve fiebre. No me sentía bien y no podía pensar con claridad, pero como tenía menos de 10 años no tenía miedo. Estuve enfermo antes y mejoré. A mis padres no les interesaba, el perro de la familia estaba en el otro extremo del sofá de la sala y el dial del televisor estaba en el canal de películas. Mientras mis amigos estaban atrapados en un aula sofocante aprendiendo cursiva de memoria como un grupo de tontos sanos, yo entraba y salía de la conciencia mientras pasaban películas en el tubo de rayos catódicos ubicado en una esquina de madera tallada a dos metros y medio de mí. No recuerdo si tenía dolor de garganta o tos persistente. Recuerdo estar feliz y hambriento de sensaciones. Este era mi lugar feliz.

A esta edad, había visto suficientes películas para saber que no todo iba a ser “Tiburón” o “Avión”. – Que, en mi joven opinión, representó la cúspide del cine. Sabía todo sobre los Oscar y solía seguir las películas nominadas a los Oscar. Recuerdo que en 1980 me pareció extraño que dos películas en blanco y negro compitieran por la Mejor Película, y yo no estaba dispuesto a verlas por esa misma razón. Pero en este día de enfermedad, los programadores de The Movie Channel decidieron que pasaría la tarde viendo una película de David Lynch. “El hombre elefante”.

No estaba completamente receptivo a la idea. acogedor Diseño de maquillaje de Christopher Tucker. La película de Lynch le dio el atractivo de una película de monstruos. Como ya había visto la mayoría de los clásicos de terror de Universal de las décadas de 1930 y 1940, podría ver una película en blanco y negro si hubiera una criatura grotesca acechando en su interior. De hecho, traté a “El hombre elefante” como un espectáculo de fenómenos. Dos horas más tarde, con temperaturas que alcanzaban los 100 grados norte, el mundo era un lugar completamente diferente.

Los monstruos del Hombre Elefante son terriblemente humanos

Cuando ayer por la tarde supe, a través de un torrente de mensajes de texto, que David Lynch había muerto, me sentí desconectado de la realidad. Aunque la reciente revelación del diagnóstico de enfisema por parte de este fumador veterano nos ha obligado a contemplar un mundo sin más excursiones surrealistas por parte de un cineasta único en su tipo, todavía no puedo imaginar que un artista de tal vitalidad y creatividad ilimitadas fuera un desahuciado. Como estaba escribiendo un agradecimiento por ¿Quién acaba de pasar a Bob Uecker?No tuve el espacio psicológico para adaptarme a esta nueva realidad. Pero antes de volver a la brillantez sarcástica del Harry Doyle de Ocker en “Major League”, me tomo un momento. Y en ese momento, mientras luchaba por contener las lágrimas en medio de una biblioteca pública, me recosté en ese sofá, enfermo como un perro, viendo El hombre elefante.

Han pasado décadas desde la última vez que vi El hombre elefante, pero todavía recuerdo esa escena inicial de pesadilla en la que la madre de John Merrick es atacada por una manada de elefantes. ¿Se suponía que debía considerar este incidente responsable de las deformidades de Merrick? Estaba ligeramente alucinando, tal vez más confundido que aterrorizado; Sé que nunca había visto una película de estudio que presentara algo tan extraño que mantuviera mi atención durante al menos otros diez minutos.

En la tradicional primera escena de la película, se nos guía a través de una extraña exhibición desde la perspectiva del Dr. Frederick Treves (Anthony Hopkins), quien siente curiosidad por saber por qué se llamó a los agentes de policía para cerrar una exhibición. El aspirante a cirujano descubre que una atracción llamada “El Hombre Elefante” es lo que está causando tanta expectación. Cuando se entera de que la criatura está tan desfigurada que se considera no apta para su exhibición pública, regresa más tarde para pagarle al dueño del monstruo una gran suma para una exhibición privada.

Lynch trata brillantemente la visita de Treves como una escena de suspenso, con el terapeuta guiando al médico por un pasillo oscuro hacia una habitación, que lentamente se ilumina con la luz del fuego para revelar a Merrick en toda su indescriptible fealdad. Lynch se abalanza sobre Hopkins, quien derrama una lágrima en lugar de jadear. Está conmovido por la condición de este hombre y suponemos que quiere ayudarlo.

El espectador no recibe una presentación adecuada de Merrick hasta media hora después de la película, momento en el que lo vemos en la pantalla para la asombrosa edificación de los colegas de Treves y explotado una vez más por uno de los enfermeros del hospital. Después de esta prolongada preparación, el Merrick que imaginamos se vuelve mucho más monstruoso que aquel cuya apariencia provoca un grito espeluznante de una enfermera desprevenida; al menos, eso es lo que se siente en ese sofá. A partir de ese momento, me sentí tan atraído por “El hombre elefante” como en ese momento. El final de la carrera de trincheras de “Star Wars”.

Preparar al niño para lo desconocido

No soy padre, pero fui niño y creo firmemente que muchos niños pueden manejar temas preocupantes siempre que el director ejerza moderación y empatía. Aunque Lynch no rehuye la crueldad hacia Merrick (su regreso secuestrado al espectáculo de fenómenos en el tercer acto es particularmente desgarrador), es la amabilidad que muestra la que le permite salir de su caparazón y revelarse como un ser humano lleno de potencial, que resuena mucho después de que aparecen los créditos. En este nivel básico, “El hombre elefante” es un visionado perfecto para los niños.

Lo que lo hace esencial es todo lo que Lynch tiene para ofrecer. La premisa antes mencionada, el viaje de Merrick a la pantomima y su paso al cosmos, es fascinante y misteriosa a partes iguales. El hecho de que acelere su muerte quitando las almohadas de su cama en la escena final puede generar algunas preguntas entre los jóvenes inteligentes, pero no hay mejor manera de concluir este manual lynchiano que respondiendo: “No lo sé”. Así es, niños. Depende de usted descubrirlo y, lo que es más, no hay una respuesta incorrecta. Cuando le preguntan si Merrick fue al cielo, nuevamente responda amablemente: “No lo sé”. Y si no quieres hacer estas preguntas, tengo la solución perfecta: déjales que lo vean solos.

Eso es lo que hice una tarde de invierno hace más de 40 años, y fue este recuerdo el que calmó mi alma mientras daba mis primeros pasos inciertos hacia el mundo de… Donde David Lynch es ahora un recuerdo – Durará para siempre porque nada morirá.



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La mejor parte de Wolf Man recuerda la película más subestimada de la directora Leigh Whannell

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Advertencia: este artículo trata Grandes spoilers Sobre “El hombre lobo”.

Antes de que Leigh Whannell llevara su talento a la franquicia Universal Monsters, el director australiano inicialmente comenzó su carrera como actor, escritor de las franquicias “Saw” e “Insidious” y (lo más importante para nuestros propósitos aquí) como director que hizo por primera vez una hacerse un nombre con thrillers elegantes y de bajo presupuesto. Su trayectoria profesional exacta no ha sido la típica en comparación con la mayoría, pero las líneas generales de su camino ascendiendo en el sistema de estudio hasta alcanzar su cima, al menos hasta ahora, con “The Invisible Man” y, más recientemente, “Wolf Man”. (Que revisé para /Película aquíNo podría ser más perfecto. Es difícil pasar por alto cómo su última película de monstruos se siente como la culminación de casi todas las lecciones que aprendió en El hombre invisible, especialmente con su enfoque para hacer que el personaje principal se sienta fresco y moderno. Pero más que nada, “Wolf Man” se remonta a una de las películas más subestimadas de todos los tiempos de Whannell: “Upgrade”.

La película de ciencia ficción de 2018 inmediatamente causó sensación tras su estreno (puedes Mira la brillante reseña de la película de Matt Donato aquí) e inspiró una especie de culto debido a su innovador trabajo cómico, su historia que cambia el género y el hecho de que hizo una película de Venom mejor que cualquier película real de “Venom”. La película sigue a Logan Marshall-Green como Gray Trace, un mecánico/profesional de la vieja escuela que termina implantando un chip avanzado (y la inteligencia artificial que lo acompaña, STEM) que esencialmente lo convierte en un justiciero de alta tecnología.

Superficialmente, no parece que “Wolf Man” o “Upgrade” tengan mucho en común… hasta que echas un vistazo más profundo a cómo ambos abordan la idea de perspectiva, autonomía y la forma en que plasmar estos conceptos en el cine.

La mejor parte de Wolf Man es más que una simple realización cinematográfica imaginativa.

Puede parecer estúpido decir “¿escribir?” en voz alta de esa manera, pero todo lo que vemos representado en una película o programa de televisión se hizo con mucha intención y propósito. Piense en cualquier toma de primer plano/inserción de una mano sosteniendo una taza de café o la pantalla de un teléfono, o una toma de establecimiento que nos muestra el horizonte de una ciudad o el exterior de un edificio, o la amplia gama de colores que componen el diseño de producción. , vestuario y fotografía. Y el aspecto general de toda la película. Todo se hace por una razón específica: ya sea para evocar una determinada emoción, comunicar alguna información clave o simplemente proporcionar contexto para el resto de la escena.

Entonces, cuando se trata del que es casi con certeza el tema de conversación más importante y mejor en “El hombre lobo” (Aparte de toda esta controversia sobre el diseño de la criatura), vale la pena profundizar en Por qué Leigh Whannell decidió filmar esas escenas de aspecto extraño desde la perspectiva del Hombre Lobo tal como lo hicieron él y el director de fotografía Stefan Dusio.

El primero de estos inquietantes momentos se produce después de que Blake (Christopher Abbott) fuera arañado por el Hombre Lobo durante un tenso accidente automovilístico en los bosques de Oregón al principio, y ahora está sucumbiendo gradualmente a sus síntomas. Al principio, no tenemos una idea completa de lo que está mal. Claro, parece un poco sudoroso y nervioso, pero parece lo suficientemente capaz como para proteger a su familia. Es decir, hasta que sube ruidosamente por la puerta principal de la cabaña, su esposa Charlotte (Julia Garner) y su hija Ginger (Matilda Firth) deambulan por el pasillo, mirándolo en silencio. No lo sabremos hasta después de algunas escenas. Ellos son No son los que actúan de forma extraña, es sólo él. Después de limitar a la audiencia estrictamente al punto de vista de Blake, la cámara cambia sin problemas a la perspectiva de Charlotte y revela el alcance total de la transformación de su marido en el Hombre Lobo. La iluminación cambia drásticamente, el marco de la cámara literalmente se inclina fuera de su eje y nos damos cuenta de que el estado de Blake ya ha empeorado notablemente. No puede hablar, sus heridas han empeorado y está en camino de convertirse en el Hombre Lobo.

Cómo Wolf Man y Upgrade hacen trucos similares

Tanto en Upgrade como en Wolf Man, las inteligentes decisiones cinematográficas de Leigh Whannell utilizan las convenciones y nuestras expectativas del género para mantener a los espectadores alerta. La “actualización” se basa principalmente en tomas inclinadas y discordantes que ignoran los horizontes habituales del encuadre, todo lo cual nos confunde y nos ayuda a aceptar la poderosa acción. (En el momento en que Gray permite que la inteligencia artificial en su cabeza tome el control de todo su cuerpo y pelee sus batallas por él, Como vimos en este clip.es el ejemplo más antiguo y efectivo de esto en el cine.) Aunque “Wolf Man” nunca opta por este enfoque maximizador del caos controlado, la elección similar de Whannell de cambiar completamente el lenguaje visual de la película logra prácticamente el mismo efecto.

En “Wolf Man”, Whannell y el director de fotografía Stefan Dusio se reúnen (sí, también trabajaron juntos en “The Invisible Man” y “Upgrade”, lo cual no debería ser una sorpresa) y hacen funcionar su magia única una vez más. En este caso, apuestan por un enfoque más tranquilo para que los aficionados vuelvan a pisarle los talones. Después de haber sido colocados exclusivamente en el espacio mental de Blake durante toda la película, donde rara vez (o nunca) vemos algo que él no ve, de repente cambiamos de lugar cuando la cámara literalmente se desliza hacia la perspectiva de Charlotte. Esto ocurre por primera vez junto a la cama de Blake, y nuevamente en el sótano oscuro mientras ella pide frenéticamente ayuda en la radio CB… aunque inicialmente vemos esto en la visión nocturna y con el sonido distorsionado que Blake experimenta en su estado de sobrecarga sensorial.

Si bien este es un cambio de perspectiva muy diferente al que el dúo logró en “Upgrade”, Whannell y Duscio encontraron una manera igualmente efectiva de mantenernos inquietos durante estos momentos en “Wolf Man”, y al mismo tiempo permanecieron 100% fieles a lo completamente diferente. Tonos de cada película. Leigh Whannell, que hizo “Wolf Man”, no podría haberlo hecho sin Leigh Whannell, que primero nos cautivó con “Upgrade”, y tenemos suerte de tener ambas.

“El hombre lobo” ya está en los cines.



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El hombre lobo hace algo que ninguna película sobre hombres lobo ha hecho antes

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Este artículo contiene Spoilers Sobre “El hombre lobo”.

El envejecimiento es el mayor horror corporal, porque es el largo y lento camino hacia la muerte que todo ser vivo, sin excepción, debe experimentar. Este proceso, como ocurre con la mayoría de los horrores corporales, se expresa principalmente físicamente. Después de todo, la mayoría de las personas dirían que todavía son tan jóvenes mentalmente como antes, ya que ven que sus cuerpos tienen problemas para funcionar como antes; Es muy común ver una publicación en las redes sociales de una persona de 30 años lamentándose de sus nuevos problemas de espalda o alguna dolencia similar. La conciencia que tiene una persona del paso del tiempo puede hacer que parezca que los años han pasado en un abrir y cerrar de ojos, pero el lento proceso de envejecimiento permite a la mayoría de las personas facilitar la transformación física, ya que ocurre de forma casi imperceptible.

Sin embargo, esta percepción se ve muy cuestionada cuando sucede algo que cambia nuestro status quo. En mi propia experiencia, solía poner los ojos en blanco ante las publicaciones en las redes sociales sobre personas que experimentaban la aparición de diversos dolores y molestias, creyendo erróneamente que nunca me había encontrado con cosas así. La verdad es que lo era y lo sigo siendo, mis problemas de salud crónicos (incluido, entre otros, un trasplante de hígado) han cambiado la forma en que veo e interactúo con el mundo desde una edad extraordinariamente joven. Ya no puedo identificarme con contenido tan “identificable” porque ya no veo el mismo mundo que ve la mayoría de la gente.

“El hombre lobo” dirigida por Lee Whannell Es una película llena de temas. Horror corporal, enfermedad, transformación, realización y, en última instancia, muerte.cuenta la historia del pobre Blake Lovell (Christopher Abbott) que sufre una “fiebre de las colinas”, que puede ser sobrenatural o no. La terrible experiencia de Blake se reduce a una noche larga y desgarradora, mientras su esposa, Charlotte (Julia Garner), y su hija, Ginger (Matilda Firth), ven impotentes cómo se transforman en una criatura inhumana. Si bien la película tiene la mayoría de los elementos básicos de una película de terror corporal, hace una cosa que ninguna otra película de terror corporal, y mucho menos una película de hombres lobo, ha intentado hacer en la misma escala antes: nos muestra cómo es para Blake a. Experimentar este cambio mental, emocional y físico. Este ángulo no sólo es parte integral de los intereses de Whannell como cineasta, sino que hace de “El hombre lobo” una experiencia singularmente aterradora y trágica.

Charlotte y Ginger dejan de entender a Blake

En el episodio del 4 de octubre de 1985 de la serie de resurgimiento “The Twilight Zone”, Wes Craven Dirigió un segmento llamado “Wordplay” escrito por Rockne S. O'Bannon. En la película, un vendedor común y corriente, inexplicablemente, comienza a escuchar palabras extrañas en lugar de otras, y pronto todos los que lo rodean comienzan a hablar un idioma completamente diferente. La historia es una gran metáfora de sentirse fuera de sintonía con todos los que te rodean y enfatiza el terror aislante de no poder comprender o comprender. El clip concluye con algo de esperanza para el personaje, haciendo que la historia sirva como una parábola para quienes deben aprender a vivir con algún tipo de discapacidad.

“Wolf Man” lleva este concepto más allá, mostrando que la infección de Blake asegura que no tenga ningún mecanismo de afrontamiento o aprendizaje que le permita continuar coexistiendo con los humanos. A medida que la enfermedad remodela el cuerpo de Blake, mejorando algunos de sus sentidos como la vista y el oído, su capacidad para hablar desaparece. Al mismo tiempo, ya no es capaz de entender a su esposa y a su hija, lo que genera ansiedad y frustración en ambas partes. Parte del problema es que Blake, Charlotte y Ginger ya tenían problemas de comunicación incluso antes de que un hombre lobo arañara a Blake, y Whannell y el coguionista Corbett Tuck utilizaron los problemas matrimoniales de la pareja y sus problemas separados al criar a su hija como prueba de ello. . Cuán débil es nuestra capacidad para comunicarnos con los demás incluso cuando todas nuestras capacidades están a nuestra disposición. La nota de gracia trágica con respecto a este tema llega cuando Blake, que era escritor, hace un último intento de comunicarse con su esposa escribiendo en una hoja de papel. Escribe “morir” tratando de describir su estado actual, y Charlotte lo refuta (por su bien y por su propia negación), asegurándole que sólo está enfermo. Incluso cuando las palabras todavía están disponibles para ellos, la pareja no puede unirse.

Wolf Man aplica algo de ciencia ficción al terror sobrenatural

“El hombre lobo” de George Wagner y Curt Siodmak, que dio nombre e inspiración a la película de Whannell, estableció plenamente al hombre lobo como una figura trágica, después de “El hombre lobo de Londres” de Stuart Walker seis años antes. Este tono proviene del hecho de que el hombre lobo es una figura maldita, obligada a vivir una doble vida o tener una doble personalidad, según la interpretación. a lo largo de Se han hecho muchas películas de hombres lobo. Después de esas dos primeras entradas de Universal Pictures (sin mencionar programas de televisión, libros y otros medios), los artistas suelen darle al hombre lobo un pequeño alivio en su difícil situación. Esto suele ocurrir en forma de una especie de trance después de su transformación y se puede ver en películas tan diversas como “Un hombre lobo americano en Londres”, “El aullido”, “Wolf” y “Ginger Snaps” (siendo esta última también una película sobre una transformación lenta y permanente en lugar de una transformación mágica de ida y vuelta). hasta La nueva versión de David Cronenberg de “La mosca” Más cerca del género de terror corporal que Wolf Man, la película ve a su criatura titular disfrutando de un período de virilidad antes de su declive.

Por el contrario, el “Hombre Lobo” de Whannell no tiene tales privilegios. En cambio, la película se adhiere casi por completo a su concepción de la maldición del hombre lobo como una enfermedad natural, siguiendo los pasos de La Mosca. Sin embargo, se adentra en el territorio de la ciencia ficción un poco más que esa película, al menos en la forma en que describe a Blake convirtiéndose en algo completamente inhumano en lugar de una combinación de humano y animal. En la forma en que Blake se va separando gradualmente del mundo humano que lo rodea en todos los sentidos posibles, su transformación se parece no sólo a Larry Talbot o Seth Brundle, sino también a la del astronauta Dave Bowman (de “2001: Una odisea en el espacio”) y a Lucy ( de “Lucy “), personajes cuya humanidad e identidad se han dividido lo suficiente como para convertirse en un ser completamente nuevo. Mientras que tales transformaciones en películas de ciencia ficción como estas pueden verse como más trascendentes que trágicas, Whannell aplica este concepto a la lente del horror, enfatizando cómo una pérdida tan completa de la propia humanidad puede ser tan aterradora como liberadora.

Wolf Man presenta una doble transformación.

Todas las películas de Lee Whannell, ya sea como guionista o como director, tratan el tema de la percepción. Esto suele deberse al hecho de que la mayoría de los guiones de Whannell implican un desarrollo narrativo, y estos giros tienden a tratar sobre cosas que el héroe (y por tanto el público) ve o no ve hasta que es demasiado tarde. El desarrollo en “Wolf Man” no es narrativo, sino estructural. Whannell presenta perspectivas enfrentadas –el mundo exterior de Blake versus el mundo interior– que, en efecto, permiten que se produzca una doble transformación. En el mundo real, Blake se transforma en una criatura lobo ante los ojos de Charlotte y Ginger, mientras que Charlotte y Ginger se transforman en una especie de demonios fantasmales ante los ojos de Blake.

Este cambio de perspectiva, especialmente cuando se suma a la interrupción de la comunicación que experimenta Blake, ilustra exactamente cómo podría ser la experiencia de convertirse en un hombre lobo. No es que Blake empiece a tener pensamientos e instintos animales, sino que su personalidad humana cambia por completo debido a la información distorsionada que llega a sus sentidos. Como alguien atrapado en la trampa de Jigsaw de “Saw”, como alguien varado en “Insidious” o como alguien a merced de su atacante (ya sea un programa de inteligencia artificial como STEM en “Upgrade” o un ex compañero malvado y poderoso en “The Hombre invisible.” “, la realidad de Blake está dictada por su enfermedad de hombre lobo.

Además de este cambio de perspectiva que aumenta el horror y la tragedia del personaje del hombre lobo, se da cuenta plenamente de la disonancia inherente al personaje del Hombre Lobo. Él, ella o él, están atrapados entre dos mundos sin pertenecer a ninguno, lo cual es algo lovecraftiano que no debería ser, para tomar prestado el título de una canción de Metallica. Es fácil compadecerse, o incluso reírse, del hombre lobo, el eterno tonto del cine de terror. Se vuelve menos fácil cuando te das cuenta de que todos pasamos por nuestra metamorfosis irreversible y maldita, tarde o temprano. Como dice la película de Whannell, la muerte le sucede a todo el mundo; El truco es cómo respondes a este cambio.

“El hombre lobo” está en los cines de todo el mundo.



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Lanzamiento de Barroz OTT: ¿Dónde ver la película Mohanlal Starrer en línea?

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cine malayalam El debut como director de Icon Mohanlal, Barroz: Guardian of D'Gama's Treasure, está listo para un lanzamiento OTT después de una presentación teatral limitada. Se espera que la película de fantasía, que se estrenará en cines el 25 de diciembre de 2024, se estrene en Disney+ Hotstar en varios idiomas, incluidos malayalam, tamil, telugu, kannada e hindi. Los informes indican que el estreno de la película está previsto para finales de enero, probablemente coincidiendo con el fin de semana del Día de la República, para atraer a una audiencia más amplia durante las vacaciones.

Cuándo y dónde ver Barrows

El lanzamiento OTT de Barroz se alojará exclusivamente en Estrella de Disney+. La película estará disponible en cinco idiomas confirmados, mientras que su estreno en marathi y bengalí aún no está confirmado. Se espera que el estreno digital tenga lugar alrededor de la última semana de enero, marcando un intervalo de un mes desde su estreno en cines.

Tráiler oficial y trama de Barrows

El tráiler de la película de Barroz brindó a los espectadores una experiencia visual en 3D, mostrando al personaje principal, un fantasma encargado de custodiar un tesoro vinculado al explorador portugués Vasco da Gama. La historia se desarrolla siglos después, cuando la adolescente Isabella visita Goa con su padre para convertir el palacio lleno de tesoros en un casino. Este cuento mágico combina la fantasía con un rico trasfondo histórico, con el objetivo de cautivar al público joven.

Reparto y equipo de la película Barrows

El elenco incluye a Mohanlal en el papel principal como Barrows, Maya Rao West e Ignacio Mateos. Las actuaciones notables incluyen a Tuhin Meenu, Kalerui Tziyavita y Guru Somasundaram. La película también presenta a Melvin Gregg, Kosisochukwu, Amal BB, Keertana Kumar y cameos de Pranav Mohanlal, Antony Perumbavoor y Lydian Nadaswaram. Dirigida por Mohanlal y producida por Antony Perumbavoor bajo Aashirvaad Cinema, la brillantez artística de la película emana de los esfuerzos de Santosh Sivan (Cinematografía), P Ajith Kumar (Edición), Santhosh Raman (Diseño de producción) y TK Rajeev Kumar (Dirección creativa). . La música fue compuesta por Mark Kilian y Lydian Nadaswaram, con efectos visuales de Pix Rock Studios y Labyrinth Studios, bajo la supervisión de Brynley Cadman. El guión de la película ha sido escrito por Jeju Punose, conocido por la primera película en 3D de la India, My Dear Kuttichathan.

Recepción de túmulos

A pesar de su ambicioso presupuesto, Barroz tuvo problemas en taquilla y, según se informa, solo ganó 25 millones de rupias a nivel mundial. Los críticos señalaron la larga duración y la narrativa compleja como posibles inconvenientes. Tiene una calificación de IMDb de 4,4. / 10.

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Cómo se hizo la película de videojuegos más extraña de todos los tiempos, según sus directores

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En el mundo de los videojuegos, hay pocos nombres más importantes que Grand Theft Auto. Aunque los juegos han sido increíblemente populares desde sus inicios, fue el lanzamiento de Grand Theft Auto V hace más de una década lo que llevó la serie a la estratosfera. Lo más importante es que Grand Theft Auto Online le dio nueva vida a la serie y desde entonces se ha convertido en uno de los juegos más populares del planeta. Naturalmente, el juego sería un buen tema para una película. Curiosamente, la película antes mencionada también incluye obras del famoso dramaturgo William Shakespeare. Sin embargo, aquí estamos.

“Grand Theft Hamlet” es un nuevo documental de Sam Crane y Pinny Grylls, en el que un grupo de artistas intenta montar una producción completa de “Hamlet” dentro de Grand Theft Auto Online. Después de ver la película en SXSW el año pasado y gustarmeTuve la suerte de hablar con Crane y Grylls sobre cómo surgió esta película de videojuegos inusual y tremendamente fascinante.

Durante los bloqueos pandémicos de principios de 2021 en el Reino Unido, Crane comenzó a jugar GTA con su amigo Mark Oosterveen como una forma de pasar el tiempo para dos actores desempleados. Luego, sintiendo que podría haber algo interesante en sus travesuras (y a falta de algo mejor que hacer), Crane comenzó a registrar sus desventuras en el juego.

“Probablemente terminaron siendo sólo algunos videos tontos de YouTube o haciendo una especie de película artística o algo así”, dijo Crane. “No sabía qué iba a ser, pero sabía que había algo interesante en este mundo”.

Finalmente, Crane y Oosterveen se topan con una pista de aterrizaje en GTA y tienen un momento de luz: ¿podrían realmente producir “Hamlet” en el juego? No lo sabían, pero se propusieron intentarlo. Lo que se desarrolla a) ocurre completamente dentro del juego sin escenas de acción en vivo, y b) es una de las experiencias cinematográficas más satisfactorias que uno pueda tener este año. La película no se estrenó lo suficientemente temprano. Para convertirse en una de las mejores películas de 2024pero está garantizado que será una de las mejores películas de 2025.

Grand Theft Hamlet finalmente nos ofrece una película de Grand Theft Auto (más o menos)


Crane comenzó a filmar muy temprano, lo que significó que pudo documentar todo el viaje que compone la película. Incluso antes de que Grylls asumiera el cargo de director, tenía mucho metraje. Experimentaron, y los dos actores incluso dirigieron un programa de entrevistas sobre fútbol (o fútbol, ​​para ti en el Reino Unido) dentro del juego. “Cuando vi lo que estaba haciendo, me dije: 'En realidad, creo que esto podría ser más que un simple vídeo de YouTube'”, dijo Grylls.

Una vez que se decidieron por la idea, tuvieron que buscar otros actores para montar la producción. Han incorporado a otros jugadores dentro del juego, a quienes sólo conocían a través del universo GTA. Decir que era una forma poco ortodoxa de pasar el tiempo sería quedarse corto. Decir que era una idea loca para una película sería quedarse corto. Crane no se hacía ilusiones sobre todo el asunto:

“A lo largo de este proyecto, nos esforzamos por conseguir el apoyo de fundaciones importantes y, la mayoría de las veces, no conseguimos nada. Puedo ver por qué. Era una idea ridícula. Quiero decir, era una locura. Fue estúpido”.

Cuando llegue el momento de producir la película, el productor del juego, Rockstar, deberá dar su visto bueno. Parte de la razón por la que nunca salió una película de Grand Theft Auto Esto se debe a que Rockstar es valioso en términos de propiedad intelectual. Afortunadamente, el estudio apoyó mucho el proyecto y entendió lo que Crane, Grylls y todos los involucrados estaban tratando de hacer.

“Rockstar realmente conoció el proyecto desde el principio”, dijo Grylls. “Cuando Sam dirigió algunos cortometrajes y los subió a YouTube, y justo estaba haciendo la escena inicial de Hamlet con Mark… se volvió casi viral, y nos enteramos a través de gente que conocíamos de que la gente que trabajaba porque Rockstar había visto y nos hizo cosquillas. Crane añadió:

“Nunca quisieron tener ningún tipo de control sobre él o convertirlo en su propia película, pero creo que les gustó lo que estábamos haciendo con él, básicamente. Está muy claro que creo que es una especie de carta de amor al juego en algún sentido. maneras.” “Por mucho que sea una carta de amor a Shakespeare”.

¿Por qué aparece Hamlet en Grand Theft Auto? Porque no son tan diferentes

La idea de organizar cualquier producción dentro de GTA es un tanto ridícula. El juego online está lleno de personas que pueden interrumpir el proceso en cualquier momento. Es un caos incontrolable, pero hacer cine requiere control. Esta es la línea de base. Entonces, ¿por qué elegimos “Hamlet” precisamente como obra de teatro?

“En parte, sentí que 'Hamlet' era el tipo de obra que parecía encajar en la época en la que estábamos, este tipo de época de pandemia y pospandemia, porque obviamente es una obra realmente existencial, ¿verdad?” dijo Grulla. El actor y codirector también explicó que existen conexiones entre estas dos obras culturales aparentemente dispares:

“¿Qué haces cuando empiezas a pensar demasiado? Sigues este profundo existencialismo. Creo que mucha gente se ha encontrado haciendo eso durante la pandemia. Y luego también está el mundo de GTA. Y lo curioso es que Crees que son dos entidades culturales completamente opuestas, pero creo que hay muchas cosas que las conectan, es algo obvio en cuanto a los temas de venganza del juego.

“Sentí que en Hamlet se trata de eso: se trata de robar las cosas de otra persona”, añadió Grylls. “También creo que Hamlet se trata en gran medida de capas de realidad y las personas no son lo que parecen. Creo que eso realmente encaja con un juego de computadora, porque cuando conoces a personas en forma de avatar, piensas: '¿Quiénes son realmente?' “Tienes el nombre del jugador, pero eso es todo, más su voz”.

Para ser justos, Algunas de las mejores películas sobre videojuegos no son adaptaciones directasEstá más cerca de los videojuegos. “Grand Theft Hamlet” es más que un simple juego de barrio, sino que también aparentemente intenta poner una clavija cuadrada en un agujero redondo mientras extraños te disparan. Eso fue parte del llamamiento. “Incluso si nunca antes has jugado a GTA, sabes lo que es, has oído hablar de él o tienes una idea al respecto. Es lo mismo con Hamlet”, dijo Crane. “Creo que es realmente interesante combinar estas dos cosas que creo que son igualmente importantes y culturalmente importantes”.

Hacer una película en Grand Theft Auto no es tarea fácil

“Hamlet parece mirar el mundo con esta dualidad de asombro ante la extraordinaria belleza del mundo y también una especie de disgusto por los seres humanos y cómo se comportan”, dijo Crane. “Esa fue definitivamente mi experiencia jugando a este juego. Es muy violento, agresivo y brutal, pero también increíblemente hermoso”.

Logísticamente, dado que no utilizaron ningún metraje de acción real, Grylls tuvo que descubrir cómo hacer una película ambientada en GTA. Fue una tarea algo inusual, especialmente para un director novel. Para Grylls, requirió sumergirse en el mundo y ensuciarse las manos:

“Entré en el juego y comencé a explorarlo mucho por mi cuenta tratando de entender cómo funcionaba, pero también las luces y cómo podía usar la cámara, y cómo podía empezar a filmar cosas de manera cinematográfica. Empecé lentamente. . Construyó una forma de lenguaje que podría ser más cinematográfico y contar esta historia que se estaba desarrollando “Frente a nosotros”.

Muchas veces, las películas de videojuegos tienen un gran presupuesto. Hay excepciones, Como la famosa película de Josh Rubin, “The Werewolves Within”.En este caso, sin embargo, el equipo tuvo que intentar hacer demasiado con muy poco. “Era un presupuesto realmente bajo. “No teníamos dinero y, literalmente, nos las arreglábamos para ganarnos la vida. Para ser honesto, no sabíamos si alguien iba a ver esta película alguna vez”, dijo Grylls.

Otro gran problema es el hecho de que se trata de un videojuego en línea donde cualquiera puede jugarlo en cualquier momento y estas personas pueden matar a quienes intentan jugar. “Había algunos personajes molestos”, dijo Grylls. “Esa es la naturaleza del juego”, añadió Crane.

Los realizadores hicieron todo lo posible para mantenerse fieles a lo que realmente sucedió, pero tuvieron que tomar algunas decisiones creativas en el camino para elaborar la narrativa que aparece en la película. El sonido, según Grylls, era el mayor problema:

“El audio estaba todo mezclado porque alguien más tenía un micrófono que no era muy bueno o estaba defectuoso, porque había tanta gente en la escena que todo se mezcló a veces. incluía “Tener que volver atrás y tratar de decir las cosas que dijimos”.

El salvaje experimento que fue Grand Theft Hamlet ha dado sus frutos

Cuando llegó el momento de actuar, fue realmente difícil armar la logística. Esto sucedió en múltiples ubicaciones dentro del juego y, nuevamente, no pueden controlar lo que hacen los demás jugadores. Tenían que asegurarse de que el elenco estuviera preparado para regresar a su ubicación final; de lo contrario, podría retrasar las cosas 30 minutos o más. “Cada ensayo tomó al menos una hora para que todos llegaran al mismo lugar para comenzar a ensayar”, dijo Grylls.

“Estábamos transmitiendo en vivo [the performance]”La gente lo veía en YouTube y Twitch”, explicó Crane. “Pinny era los ojos del arroyo. Así que dijimos: 'Por favor, no la mates. Si se hunde, el río muere'. Tuvimos que tratar de ser un poco cuidadosos y tratar de protegerte”.

Al final, la actuación de “Hamlet” fue un éxito. ¿Se considerará uno de La mejor interpretación de Hamlet jamás vista, a la altura de la interpretación de Laurence Olivier.? Eso no me corresponde a mí decirlo. Lo que es seguro es que la crítica y el público respondieron con una positividad casi universal. “Grand Theft Hamlet” ganó el premio del jurado al mejor documental en SXSW. “Hemos sido incluidos en la lista larga para un BAFTA, por el amor de Dios”, dijo Grylls sorprendido. Para Crane, el homenaje quedó validado:

“Simplemente significa que esto que habría sido simplemente una idea tonta que tuve y de la que nadie había oído hablar, ahora se ha convertido en un hito cultural, y la gente lo ha visto en todo el mundo y ha resonado en la gente. Creo que eso es lo más importante”. Excepcional para mí”.

“Es una sorpresa agradable”, dijo Grylls sobre la respuesta a la película. “Nunca creí que estaría haciendo mi primer trabajo [feature] “En el juego, pero eso es gracias a Sam, a quien se le ocurrió esta gran idea”. Ahora, los fanáticos tendrán la oportunidad de experimentarlo en los cines, algo que no todas las películas tienen en estos días. “Es una película sobre la comunidad y la unión, así que verlo encontrar su comunidad en el cine y que la gente realmente se identifique con él fue increíble”, añadió Grylls.

“Grand Theft Hamlet” ya está en los cines.



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David Lynch dirigió la mayor película de terror de la historia del cine

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Nací en el mundo de David Lynch y, en cierto modo, lo digo literalmente. Nací y crecí en Filadelfia, la ciudad donde Lynch vivió y trabajó, y me sentí inspirado por los artistas locales y los adornos y el estilo grunge de la ciudad. Mientras mi madre todavía se recuperaba de mi nacimiento en el hospital, vi el episodio de “Twin Peaks” donde- Alerta de spoiler¿Yo creo? – Leland Palmer (Ray Wise) mete el cuerpo de Maddie Ferguson (Sheryl Lee) en una bolsa de golf, aterrorizando a cualquier enfermera que entre en la habitación en momentos inoportunos. (Los DVR y las grabaciones bajo demanda no existían en ese momento, como usted me recordó en 1990; rey ¡Verlo cuando salga al aire!) Todo esto quiere decir que, durante los últimos 30 años, he crecido en un mundo donde Lynch, el director visionario que murió el 16 de enero de 2025, siempre fue parte de la conversación.

Quizás esto hace que sea aún más sorprendente que no vi “Mulholland Drive” por primera vez hasta los 30, cumpliendo mi propósito de Año Nuevo de sacar cartas de una tienda. Cine en cubierta Y ver una película con el actor de la citada tarjeta cada semana. Para Naomi Watts, elegí “Mulholland Drive”, la película de la cartelera, y Poco después La película comenzó y tuve que apagarla y volver a verla un par de días después porque la escena de la cena me hizo sentir tan incómodo que necesitaba un descanso.

En caso de que no lo sepas, aquí está la esencia: Al comienzo de “Mulholland Drive” Un hombre llamado Dan (Patrick Fischler) le dice a su compañero de cena que ha estado teniendo sueños inquietantes… específicamente sobre una persona de aspecto aterrador escondida detrás de Winkie's Diner. Y aquí está exactamente esta persona de aspecto aterrador. Detrás de la cena en ese mismo momentomomento en el que Dan se derrumba y yo casi también. Es el mejor susto en la historia del cine, y podemos agradecer a Lynch por hacernos temerle a todos. Ahora que Lynch ya no está con nosotros, el mundo será menos extraño en el futuro.

Los sobresaltos surgieron gracias a un actor y a la visión increíblemente extraña de David Lynch.

Nadie más que David Lynch lo sabe. VERDADERO El significado de la criatura humanoide detrás de Winkie's Diner – La gente ha ofrecido explicaciones a lo largo del tiempo, diciendo que representa el oscuro subconsciente de Diane Selwyn (Naomi Watts) y su eventual declive en la película – pero la actriz Bonnie Aarons, quien interpretó al extraño monstruo de arcilla , dicho águila En 2014, filmar la escena fue tan difícil como verla. Aparentemente, Aarons conoció a Lynch en una fiesta de “Twin Peaks” y sus impresionantes ojos verdes llamaron su atención, justo como cuando la inquietante apariencia de Frank Silva llevó a Lynch a elegir al actor principal de “Twin Peaks” como el Gran Malo de la serie, “B.O.B.” “. – momento en el que se le pidió a Aarons que interpretara al personaje de las pesadillas de Dan.

Cuando se le preguntó si había recibido alguna información específica sobre su personaje, Aarons le dijo al entrevistador Kenny Herzog que nadie le dijo mucho antes de filmar antes de colocarle un montón de algas reales en el cuerpo (asegurándose, como le indicó Lynch, de que sus ojos estuvieran bien abiertos). claramente visible). ). Aarons también dijo que mientras filmaba la toma utilizada en la película, estaba mirando directamente al propio Lynch, lo que aportó algo particularmente especial a la escena… y reveló que no tenía idea exactamente de cuán aterrador sería ese momento. “Cuando vi la película con el elenco y el equipo, me asusté”, admitió Aarons. “Las historias que escuché son absolutamente escandalosas”.

Eso dijo Lynch. Ja ¿Qué significa personalidad? “Él dice que todavía no”, le dijo Aarons a Herzog cuando se le preguntó si Lynch alguna vez había revelado lo que cree que significa el personaje. “Todo”, me dice. Pero él no quiere decírmelo.” Clásico Lynch.

En general, Mulholland Drive es una película de terror con un centro emocional enorme e inexplicable.

Seré honesto. encuentro en gran medida todos De “Mulholland Drive”, una película que un chico en una de las clases de cine de mi universidad llamó “Mulholland Doctor” después de haber leído mal “Dr.” En el título, puede ser inquietante en el mejor de los casos y aterrador en el peor, y es exactamente por eso que me encanta. La película me desafía cada vez que me armo de valor para volver a usarla, y sé que no estoy solo en esto; Haz una búsqueda rápida en YouTube y lo encontrarás. Montones Uno de los videoensayos largos e intensos que desglosa las diferentes escenas, motivos y significados que se encuentran dentro de la película. (Con respecto a la escena de Winky, Películas específicas Tiene un desglose particularmente excelente en la plataforma).

Sólo como recordatorio rápido, a excepción de Dan y su monstruo de la cena, “Mulholland Drive” se centra en una mujer llamada Betty (Naomi Watts). Quien llega a Los Ángeles con grandes sueños de convertirse en actor, sólo para encontrarse con una amnésica llamada Rita (Laura Haring), que recientemente sobrevivió a un desastroso accidente automovilístico en la famosa Mulholland Drive de Los Ángeles. Luego, las dos mujeres experimentan un cambio de identidad durante la película cuando Diane Selwyn de Watts se despierta en el apartamento en el que vivía como “Betty”, después de abrir una misteriosa caja azul, y se reencuentra con Rita como Camilla Rhodes, una actriz rival. , y para cuando los dos vayan juntos al Club Silencio, ella probablemente lo sentirá. realmente Confundido (a menos que el propio David Lynch te haya dicho de alguna manera lo que realmente significa todo esto). Esto no es malo. El gran arte inspira preguntas, investigación y… “Mulholland Drive” es una obra maestra especialmente porque Es extraño, aterrador e inquietante. Puede que el mundo haya perdido a Lynch, pero su trabajo seguirá vivo (y asustará a la gente) para siempre.

“Mulholland Drive” está disponible para alquilar o comprar en las principales plataformas de transmisión.



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Los más altos y más bajos ganadores de los Oscar a Mejor Película

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Por supuesto, no todos los ganadores de Mejor Película inclinan la balanza. Algunos tienen una longitud bastante decente. Como se mencionó, “Marty” es la ganadora a Mejor Película más corta, pero “Annie Hall” de 1977 tiene solo 93 minutos de duración. “Sunrise: A Song of Two Humans” de F.W. Murnau, una de las dos películas que ganó el premio a la Mejor Película en los primeros Premios de la Academia en 1927, dura sólo 94 minutos y es lo suficientemente divertida como para que valga la pena cada minuto.

También es divertido “Driving Miss Daisy”, que finaliza después de 99 minutos. El éxito teatral de 1929 “The Broadway Melody” alcanzó el puesto 100, empatado con la inesperada ganadora a mejor película de 2011, “The Artist”. Todas estas películas tienen menos de 110 minutos de duración: “In the Heat of the Night”, “On the Waterfront”, “Nomadland”, “Casablanca”, “It Happened One Night” y “The Lost Weekend y “. Kramer contra Kramer”. Como puede verse, estas medidas de longitud son medidas meramente intelectuales. La longitud rara vez es un signo de calidad.

Cuando incluimos películas nominadas a Mejor Película, hay películas de rápido movimiento en la mezcla. El vehículo de Mae West de 1934 She Done Him Wrong fue nominado a Mejor Película y tiene una duración de 65 minutos. La excelente película antioccidental de 1945 “The Ox-Bow Incident” tiene una duración de 77 minutos, mientras que la extraña comedia musical “One Hour with You”, protagonizada por Maurice Chevalier, tiene sólo 78 minutos de duración.

La mayoría de las nominadas a Mejor Película más cortas provienen de la década de 1930, cuando las películas eran, en general, más cortas. “One Hundred Men and Girls” (1938) dura 81 minutos, y “The Divorcee” (protagonizada por mi falsa amiga estrella de cine Norma Shearer) tiene sólo 82 minutos, empatada en duración con “Shanghai Express” de 1932.

Por supuesto, sigue siendo la película más corta jamás nominada al Oscar. La película animada de 2012 “Fresh Guacamole” fue producida por PES. Esta película tiene una duración de 104 segundos. Mientras tanto, es la película de mayor duración jamás nominada al Oscar. Película documental “OJ: Made in America” Que tiene una duración de 467 minutos.

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La nueva versión de 2018 de la clásica película de terror de los 70 es de alguna manera mejor que la original

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En la versión original de Argento, la escuela de danza parecía casi un escenario incidental, poco más que un lugar para proporcionarle a Argento fotografías interesantes y trajes de danza. En la nueva edición de Guadagnino, la danza se convierte en el método central en el que los magos utilizan la magia. En una escena inolvidable de la película.el personaje de Swinton pellizca las manos y los pies de Susie, lanzando una especie de magia sobre su cuerpo. Cuando Susie comienza a bailar, una mujer en el suelo debajo de ella se conmueve de manera horrible y sobrenatural por sus movimientos. El cuerpo de la víctima, que no está preparado para bailar, se retuerce, se retuerce, se rompe y se parte. Es una forma dolorosa y horrible de morir, a manos de la musa de Terpsícore. De repente, tiene sentido por qué las brujas dirigen una academia de ballet. Bailar es la mejor manera de invocar el poder demoníaco. El baile se vuelve pagano, amenazador y aterrador.

En un nuevo giro, “Suspiria” de Guadangino sigue a un personaje llamado Dr. Joseph Klemperer (Lutz Ebersdorf, en realidad Tilda Swinton nuevamente), psicólogo de Sarah (Mia Goth), compañera bailarina de la academia. Sarah le dice al Dr. Klemperer que su escuela está controlada por brujas, lo que lo inspira a investigar cualquier irregularidad. El Dr. Klemperer descubre la identidad de todo el grupo, pero en realidad encuentra algo más importante a nivel personal: el destino de su esposa, que murió en el Holocausto. También es un superviviente y está devastado por la culpa del superviviente, sintiendo que no hizo lo suficiente para detener la marea del fascismo. Este es un símbolo del actual ajuste de cuentas de Alemania con su pasado de guerra, y cómo se relaciona directamente con los disturbios de 1977. Sin mencionar que los disturbios actuales parecen estar permitiendo el resurgimiento del mal justo delante de las narices de los ciudadanos alemanes.

El mal, como dice la nueva “Suspiria”, es una elección activa y podemos luchar contra él o dejarnos arrastrar a sus grotescos. Podemos tener poder, pero es inútil a menos que lo usemos correctamente. Y eso es lo que examina el nuevo thriller: los usos y abusos del poder político. Puede usarse para el bien y el mal, o una combinación de ambos, pero cuando se usa mal deja cicatrices culturales.

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