Advertencia: este artículo contiene spoilers. El último de nosotros, segunda parte.
La escena más triste de Joel de Pedro Pascal El último de nosotros La temporada 1 hará que la historia del personaje en la temporada 2 sea aún más triste de lo que ya es en el juego. Pascal ha adaptado todas las dimensiones que hicieron del Joel de Troy Baker en los juegos un personaje tan convincente: un padre afligido que se cierra emocionalmente para evitar volver a salir lastimado; Es un superviviente empedernido que tuvo que convertirse en un asesino a sangre fría para mantenerse con vida a él y a su hermano menor Tommy en el páramo post-apocalíptico. Pero Pascal también hizo algunos cambios importantes en la versión televisiva de Joel.
En un videojuego, el personaje principal puede masacrar a cientos de personas sin perder la simpatía del público, porque el público es quien mata. Pero en los programas de televisión, los espectadores son menos sensibles a la violencia en pantalla. La versión televisiva de Joel de Pascal no sólo comete menos asesinatos que su homólogo de videojuego; También lleva mucho arrepentimiento. Por las muertes de las que es responsable. La sensibilidad de TV Joel es más evidente en la mejor escena de Pascal. El último de nosotros La primera temporada, y hará que la segunda temporada sea aún más triste.
Joel hablando de sus fracasos fue la mejor escena de la primera temporada de The Last of Us
Hizo a Joel Pedro Pascal más vulnerable que su homólogo del videojuego.
en El último de nosotros Temporada 1, Episodio 6, “Kin”, como en el juego, Joel se reúne con su hermano Tommy en Wyoming y le pide que le quite a Eli de encima. Y tráelo a las luciérnagas para él. En el juego, Joel lo presenta como un argumento de venta.ofreciéndole a Tommy la oportunidad de ganarse el día de pago por entregar a Ellie a las luciérnagas y la gloria de brindar una cura muy necesaria a la humanidad. Al principio, Tommy dudaba porque tenía que pensar en su esposa, María, y pensaba que Joel estaba equivocado.
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La primera temporada de The Last of Us realizó algunos cambios en la historia del juego que tendrán un efecto dominó en la adaptación de la Parte 2 de la segunda temporada.
Tommy cree que Joel está intentando evadir sus responsabilidades; No es hasta que los asaltantes atacan y Joel se abalanza para salvar a Ellie que se da cuenta de la verdadera razón por la que Joel quería que su hermano se la llevara. Joel realmente se preocupa por esta niña y le preocupa que bajo su cuidado ella sufra el mismo destino que su difunta hija Sarah. En el programa de televisión, Joel es más franco con Tommy.; Le dice desde el principio que ya no es tan capaz como solía ser y que teme no poder mantener a Eli a salvo.
La cruda honestidad emocional de Pascal es absolutamente devastadora y aporta a Joel una profundidad extra que no habría sido posible en un videojuego lleno de acción.
En la versión de televisión, Joel comienza a tener ataques de pánico regulares, y cuando él y Ellie están en peligro, en lugar de entrar en acción como lo hace en el juego, se congela de miedo. Este es el episodio que le valió a Pascal una nominación al Emmy Por Mejor Actor Principal en una Serie Dramática, y es fácil ver por qué. Esta escena ejemplifica lo débil que es esta versión de Joel en comparación con su homólogo del videojuego. La cruda honestidad emocional de Pascal es absolutamente devastadora.y aporta a Joel una profundidad adicional que no habría sido posible en un videojuego lleno de acción.
Las decisiones de Joel le pesarán mucho en la temporada 2 de The Last of Us
Joel estará más conflictivo que nunca en la temporada 2
Joel ya ha sido torturado por sus fracasos y carencias El último de nosotros Temporada 1, pero será una carga más pesada en la Temporada 2. Ahora, no sólo se ocupa de matar gente para proteger a su hija adoptiva; Vive con la culpa de haber disuelto las luciérnagas por su cuenta, lo que le ha costado a la humanidad una cura muy necesaria y, lo peor de todo, haberle mentido a Ellie.. Ellie sabe que Joel no está diciendo la verdad sobre lo que pasó en el hospital, y esto crea una brecha entre ellos que será aún más triste cuando le suceda a esta versión más vulnerable de Joel.
Pedro Pascal está a punto de ofrecer una actuación increíble en la temporada 2 de The Last Of Us
Las escenas de Joel en The Last of Us Part 2 están llenas de grandes oportunidades de actuación
Basado en su influyente papel en la primera temporada, Pascal seguramente hará una gran actuación en ella. El último de nosotros Temporada 2. El último de nosotros, segunda parte No tiene tanto Joel primera partePero las escenas en las que aparece Joel le presentan a Pascal muchos desafíos de actuación interesantes. Pascal y Bella Ramsay hicieron un gran trabajo al mostrar que Joel y Ellie se acercaron gradualmente en la temporada 1; En la temporada 2, tendrán que hacer lo contrario ya que la mentira de Joel arruina gradualmente la relación entre padre e hija. En la temporada 1.
El último de nosotros La temporada 2 saldrá al aire en la primera mitad de 2025.
Si la escena de la muerte de Joel pudiera volverse más triste, podría ser esta El último de nosotros Temporada 2. En el juego, Joel acepta su oscuro destino con estoica dignidad, negándole a Abby la satisfacción que quiere sentir. Pero en el programa de televisión, cuando Abby apunta al más sensible y vulnerable Joel de Pascal, es posible que él no esté listo para enfrentar la muerte, y eso es solo el comienzo. Desde una visita al museo hasta una conversación en el porche, Pascal seguramente sorprenderá a todos. segunda parte Vistas desde fuera del parque.
The Last Of Us es una adaptación televisiva del popular videojuego, ambientada en un mundo post-apocalíptico donde un contrabandista llamado Joel (Pedro Pascal) tiene la tarea de escoltar a una adolescente llamada Ellie (Bella Ramsey) a través de unos Estados Unidos devastados. Durante su viaje, deberán enfrentar diversas amenazas de criaturas infectadas y facciones humanas hostiles. La serie está producida por HBO y escrita por Craig Mazin y Neil Druckmann.
el calumnia
Pedro Pascal, Bella Ramsey, Anna Torv, Lamar Johnson, Jeffrey Pearce, Kevon Woodard, John Getz, Olivier Ross Barnett, Samuel Hoeksema, Gabriel Luna, Merle Dandridge, Nico Parker, Melanie Lynskey, John Hannah, Josh Brenner, Christopher Heyerdahl, Brad Leland, Marcia Bennett, Brendan Fletcher, Jerry Wasserman, Wendy Goerling, Jessica Belbin, Haitham Kadri, Sarah Hamada, Caitlin Howden, Max Montesi, Natasha Mumba, Gina Louise Phillips, Taylor St. Pierre, Ryan DeClark, Khadija Roberts. Abdullah, Logan Pierce
“Saturday Night” es la trepidante y emocionante crónica de Jason Reitman de 90 minutos de caos que conducen al estreno del primer episodio de la serie de comedia nocturna que se conocería como “Saturday Night Live” (Sí, por un corto tiempo fue conocido con el sobrenombre de Shorter.). Como sabemos, la serie se convertiría en un elemento básico de la cultura popular que cambió los cómics y la televisión para siempre, y Sigue fuerte hoy en su 50ª temporada..
Pero en 1975, nadie sabía en qué se convertiría el programa, ni siquiera el joven y confiado showrunner Lorne Michaels (interpretado por la estrella de The Fablemans, Gabriel LaBelle). Afortunadamente, estamos en el futuro y conocemos la larga historia de cinco décadas de “SNL”, que incluye innumerables sketches memorables que se convirtieron en éxitos. Es por eso que el director Jason Reitman ha incluido algunos huevos de Pascua para los fanáticos incondicionales de “SNL” que insinúan la historia futura del programa. A lo largo de la película, hay una variedad de referencias rápidas que te perderás a queridos bocetos que llegarían en los años siguientes, algunos al principio del programa, otros mucho más tarde.
Hemos identificado algunos huevos de Pascua a tener en cuenta, como lo confirmó nuestra entrevista con el propio Jason Reitman, quien dijo que la película en realidad tiene “una buena cantidad” de detalles furtivos para captar.
tiburón terrestre
Este huevo de Pascua no es exactamente engañoso y, de hecho, podría serlo. Fue vista en uno de los sitios promocionales de la película.. Mientras Lorne Michaels habla con su asistente ejecutivo Neil Levy (Andrew Barth Feldman) sobre asuntos relacionados con la serie, se puede ver un tiburón gigante rodando en el fondo. Este es el accesorio de lo que se convertiría en el dibujo recurrente del Tiburón Terrestre, donde el tiburón terrestre (Expresado por el famoso y duro Chevy Chase.) llama a las puertas, haciéndose pasar por reparador, vendedor puerta a puerta, etc., todo para poder engañar a víctimas desprevenidas para que abran la puerta y poder comérselas. Como dice Don Pardo en la voz en off del sketch:
“El tiburón terrestre es considerado el más inteligente de todos los tiburones. A diferencia del gran tiburón blanco, que tiende a vivir en las aguas y puertos de las zonas playeras recreativas, el tiburón terrestre puede atacar en cualquier lugar y en cualquier momento. voz y, en general, se aprovecha de las mujeres jóvenes “. “Mujeres solteras”.
El boceto de Land Shark no debutó durante el primer episodio de SNL y no llegaría a la serie hasta el cuarto episodio de la primera temporada, presentado por Candice Bergen el 8 de noviembre de 1975, por lo que se podría pensar que este segmento es pero como explica “Saturday Night”, los ensayos del primer episodio duraron tres horas, por lo que existe la posibilidad de que se considere que Land Shark aparece temprano en el primer episodio de “SNL”. Incluso si no lo es, es una referencia divertida y no es tan obvia como una provocación. El dibujo de Julia Child de Dan Aykroyd que estaba apareciendo en ese momento. La famosa cocinera se corta trozos de gallo de su dedo, lo que se ve más claramente en la película.
Accidente cerebrovascular de colon
En una escena en la que algunos escritores hablan sobre el estado del programa, uno de ellos mete la mano en una caja de cereales parcialmente oscurecida. Aunque la lámpara de escritorio cubre una pequeña porción del frente de la caja, inmediatamente queda claro que se trata de una caja de Colon Blow, de la popular parodia comercial que muestra El fallecido gran Phil Hartman, el pegamento que mantuvo unidos a los actores. El comercial de Colon Blow apareció por primera vez en el quinto episodio de la decimoquinta temporada de SNL y es una de las parodias publicitarias más queridas que jamás haya realizado el programa.
En el sketch, Phil Hartman interpreta a un hombre que se prepara para disfrutar de un cereal de salvado de avena rico en fibra, hasta que una voz en off comercial lo convence de probar Colon Blow. El cereal es tan rico en fibra que se necesitarían más de 30.000 tazones de cereal para competir con la receta rica en fibra de Colon Bleu. Así es, tendrías que comer 10 tazones al día, todos los días, durante ocho años y medio para obtener la misma cantidad de fibra que un tazón de Colon Blow. Y ya sabes lo beneficioso que es para tu sistema digestivo. Una de las mejores cosas del comercial de Colon Blow es cómo la representación de todos esos tazones de cereal funciona como una broma visual que hace que parezca que Phil Hartman está teniendo la mayor evacuación intestinal de la historia.
Hubo un tiempo en el que podías comprar una caja de Colon Blow como regalo y contenía cereal de salvado de avena, pero desafortunadamente ya no está disponible en las tiendas. Sin embargo, si visitas eBayes posible que puedas conseguir uno.
trago
Si es un hombre de negocios que viaja y necesita una bebida refrescante, es posible que desee tomar una botella de Swill. Esta agua mineral proviene directamente del lago Erie, es espesa y no está filtrada, tal como debe ser el agua. No sólo habrá pequeñas motas de suciedad en él, sino que también es posible que tengas una lata extra.
Bill Murray protagonizó la parodia comercial de Swill en el segundo episodio de la tercera temporada del programa el 8 de octubre de 1977. No solo ves a Swill siendo embotellado directamente desde el lago, sino que también ves el agua mineral viscosa fluyendo lentamente sobre el hielo. y Murray incluso le dio un pequeño toque al final. Mmmm, eso suena bien.
No estamos seguros de dónde aparece Swill en la película “Saturday Night”, pero Jason Reitman mencionó específicamente que apareció agua mineral falsa en algún lugar de la película. Quizás deberías estar atento a los escritorios de la sala de escritores o a las diferentes mesas de la sala verde. Tiene que haber alguna parte.
Bajo o matic
Finalmente, llegamos al Bass-O-Matic. El mezclador que es el Bass-O-Matic aparece en algún lugar en medio del caos de “Saturday Night”, pero tampoco estamos muy seguros de dónde está ese mezclador, así que mantén los ojos bien abiertos.
Procedente del episodio 17 de la primera temporada del programa el 17 de abril de 1976, es una de las parodias comerciales más famosas de los años clásicos de “SNL”. Dan Aykroyd es un vendedor que habla rápido y demuestra lo fácil que es preparar pescado con el Super Bass-O-Matic '76. Aykroyd comienza el comercial diciendo:
“¿Cuántas veces te ha pasado esto? Tienes una lubina y estás tratando de encontrar una manera nueva y emocionante de prepararla para la mesa. Puedes medir el tamaño de la lubina, quitarle la cola, la cabeza y y espinas, y sirva el pescado como lo haría con cualquier otra cena de pescado, pero para qué molestarse, ahora puede usar este utensilio de cocina.” Se acabó, porque el Super Bass-o-Matic '76 es la herramienta que te permite utilizar la lubina sin residuos de pescado, y sin descamaciones ni cortes.
Desafortunadamente, no hay un video oficial de la versión original de este boceto disponible solo en línea, aunque puedes verlo intacto en el episodio completo en Peacock. Pero hay otros recursos para Ver dibujo en línea. Además, como puede ver arriba, Aykroyd repitió el papel al traer de vuelta el boceto para el especial del 40 aniversario de “SNL” en horario estelar.
¿Qué tipo de tributo y remake tendremos cuando se estrene el enorme especial del 50 aniversario de “Saturday Night Live” en febrero de 2025? Tendremos que esperar y ver. Mientras tanto, “Saturday Night” ya está en los cines de todo el mundo.
¡advertencia! Spoilers del episodio 3 de la temporada 21 de Grey's Anatomy a continuación.
La búsqueda de Meredith y Amelia del Alzheimer en el limbo llevó a Amelia a reorientar su atención en una cirugía difícil, reflejando y honrando uno de los casos de Derek de Anatomía de Gray Temporada 6. Desde que Katherine y Meredith dejaron de hablar sobre la investigación del Alzheimer de Amelia y Meredith Para tratar las lesiones hepáticas de Catherine, Los días laborales de Amelia quedaron vacíos.habiendo regresado recientemente a Gray Sloan después de eso Anatomía de Gray Los despidos masivos en la vigésima temporada y la falta de atención en cada momento a la investigación del Alzheimer. El caso que Teddy le llevó a Amelia Anatomía de Gray Temporada 21, Episodio 3 El día de Amelia dio un vuelco debido al resultado positivo que logró al superar obstáculos insuperables.
Aunque Derek y Amelia habían pasado algún tiempo juntos en Gray Sloan, donde trabajaban simultáneamente como neurocirujanos en Anatomía de Gray En las temporadas diez y once, su relación siempre fue complicada. de hecho, Si bien Amelia siempre había sido una gran neurocirujana por derecho propio, a menudo sentía que estaba a la sombra de Derek.Incluso si Derek la trajera a Seattle para hacerse cargo de su antiguo trabajo. Sin embargo, la muerte de Derek dificultó las cosas y, al mismo tiempo, hizo imposible que Amelia trabajara en los problemas de confianza asociados con Derek mientras él estaba vivo y la hizo sentir mal por los resultados de su investigación y la de Meredith.
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La condición de anatomía de Amelia Gray para la temporada 21 refleja el tumor “perfecto” de Derek en la temporada 6
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Si las recientes referencias de Amelia a Derek siempre estuvieron ligadas a su innovadora investigación con Meredith borrando el trabajo de Derek sobre el Alzheimer, Anatomía de Gray El episodio 3 de la temporada 21 finalmente le da a Amelia la oportunidad de traspasar los límites quirúrgicos de una manera similar a lo que hizo su hermano. Hace sólo 15 años. La imposibilidad de la cirugía de Rhiannon difiere mucho de la de Isaac Anatomía de Gray Temporadas 6 Episodio 7 Pero ella todavía ve Amelia antepuso los deseos de su paciente, tal como lo hizo Derek cuando se acercó “excelente“Un tumor sin cortar el cordón En “Dale una oportunidad a la paz”.
La cirugía de Isaac le cuesta a Derek su trabajo, ya que Richard lo despide una vez que se da cuenta de que Derek lo desobedeció para intentar la cirugía imposible.
La revolucionaria cirugía de Derek en Isaac fue exitosa, eliminando…excelenteEl tumor de Don deja a Isaac débil para siempre, tal como él le pidió. Sin embargo, a Derek le costó brevemente su trabajo, ya que Richard lo despidió una vez que se dio cuenta de que Derek lo había desobedecido por intentar la cirugía imposible. El enfoque y el resultado de Amelia fueron diametralmente opuestos, ya que no fue sólo su jefe quien le presentó el caso; Teddy también quería que Amelia intentara todo por su paciente, ayudándola a convertirse en un referente para pacientes embarazadas cuyos casos habían sido rechazados por otros neurocirujanos.Lo que hace que el nombre de Amelia sea aún más grande. Anatomía de Gray Temporadas 21.
Amelia compensa la destrucción de la investigación de Derek con sus cirugías en la temporada 21 de Grey's Anatomy.
Considerando “imposible“Las cirugías que otros neurocirujanos dijeron no le permitieron a Amelia seguir efectivamente los pasos de su hermano Derek. Después de que su investigación pionera sobre el Alzheimer con Meredith destruye los hallazgos de quienes los precedieron, incluido Derek. Si bien Amelia y Meredith ya han justificado que Derek quiere que continúen con su prometedora investigación incluso si refuta su trabajo, Darle una oportunidad a situaciones peligrosas puede hacer que Amelia se sienta más cercana a Derek, porque él no retrocederá ante un desafío, especialmente si eso es lo que el paciente está pidiendo..
Con la investigación de Amelia y Meredith detenida temporalmente debido a las lesiones hepáticas de Katherine, Amelia puede volver a hacerse un nombre como neurocirujana, esta vez siguiendo los pasos de su hermano mayor. Esto puede ayudar a Amelia a salir finalmente de la sombra del nombre del patrocinador. Anatomía de Gray temporada 21, La acercó a su hermano Derek al honrar su trabajo como cirujano, incluso si otra parte del trabajo de Amelia hizo que los hallazgos de Derek quedaran obsoletos. También lo hace la investigación de Meredith sobre la enfermedad de Alzheimer Anatomía de Gray.
episodio #
DIRECCIÓN
fecha de lanzamiento
1
Si las paredes pudieran hablar
26 de septiembre de 2024
2
Llévame a la iglesia
3 de octubre de 2024
3
Puedo ver claramente ahora
10 de octubre de 2024
4
esto es para chicas
17 de octubre de 2024
5
Haces que mi corazón explote
24 de octubre de 2024
6
Por determinar más adelante
Por determinar más adelante
Anatomía de Gray La temporada 21 lanza nuevos episodios todos los jueves a las 10 p.m. ET en ABC.
Grey's Anatomy es una serie de drama médico sobre los aprendices de cirugía, los residentes y los asistentes del ficticio Gray Sloan Memorial Hospital. El programa muestra la vida profesional y personal de estos profesionales médicos, inicialmente dirigidos por la Dra. Meredith Grey, interpretada por Ellen Pompeo. Creada por Shonda Rhimes, la serie destaca las complejidades de los casos médicos mientras profundiza en las relaciones personales entre el personal del hospital.
el calumnia
Ellen Pompeo, Chandra Wilson, James Pickens Jr., Justin Chambers, Kevin McKidd, Jesse Williams, Bucky Anne, Camilla Luddington, Patrick Dempsey, Sara Ramirez, Jessica Capshaw, Sandra Oh, Caterina Scorsone, Sarah Drew, Kelly McCreary, Kim Raver, Jason George, Eric Dane, Giacomo Gianniotti, Jake Borelli, Katherine Heigl, Jerrica Hinton, Chyler Lee, Chris Carmack, T.R Knight, Debbie Allen, Jessie Elliott, Anthony Hale, Kate Walsh, Greg German, Isaiah Washington, Anella Gumbs, Martin Henderson , Payton Silver, Gaius Charles, Tessa Ferrer, Stefania Spampinato, Alex Lundy, Scott Speedman, Mark Soule, Nicole Rubio, Richard Flood, Ryder Goodstadt, Steven W. Bailey, Adelaide Kane, Alexis Floyd, Harry Shum Jr., Midori Francis, Nico Terho
Personaje(s)
Dr. A.S. Meredith Gray, D. Miranda Bailey, Dra. Ricardo Weber, Dr. Alex Karev, Dr. Owen Hunt, Dr. Dr. Jackson Avery, enfermera Bucky Jo Wilson, Dr. Derek Pastor, Dr. Callie Torres, Dra. Arizona Robbins, Dra. Cristina Yang, Dra. Amelia Pastor, Dra. Abril Kepner, Dra. Maggie Pierce, Dra. Teddy Altman, Dr. Ben Warren, Dr. Marcos Sloan, Dr. Andrés DeLuca, Dr. Levi Schmidt, Dr. Izzy Stevens, Dra. Stephanie Edwards, Dra. Lexi Gray, Dra. Atticus Lincoln, D. George O'Malley, Dr. Catalina Fox, Dra. Taryn Helm, Dra. Winston Ndugu, Dr. Dr. Addison Montgomery Thomas Koracick, D.D. Preston Burke, Zola Grey Shepherd, Nathan Riggs, D. Knox, D. Shane Ross, Dra. Leah Murphy, Dra. Karina DeLuca, Dra. Nico Kim, Dr. Nick Marsh, el aprendiz Steve, la paramédica Nicole Cormac Hayes, Derek Bailey Shepherd, Joe. Julio Melín, Dr. Simón Griffiths, Dr. Benson Cowan, Dr. Mika Yasuda, Dra. lucas adams
fecha de lanzamiento
27 de marzo de 2005
Estaciones
21
Biblia
Shonda Rhimes, Julie Wong, Jane Kline, Tamson Duffy, Meg Marinis
Gerentes
Rob Corn, Kevin McKidd, Debbie Allen, Chandra Wilson, Alison Lady Brown, Jeannot Szwark, Tony Phelan
Advertencia: contiene spoilers del estreno de la temporada 2 de Accused.
temporada 2 de la antología del crimen de fox, acusadoregresó a las redes el 8 de octubre con un tema poco convencional e interesante. El estreno se titula “Lauren's Story” y sigue a una psíquica (Felicity Huffman, Amas de casa desesperadas) quien afirma que puede tener visiones del niño desaparecido Rory Connelly. Lauren convence al padre del niño de sus habilidades psíquicas, pero su madre, Melissa, se muestra escéptica. Desesperados por encontrar a su hijo, los Conley se quedan con Lauren y pagan sus cuentas, con la esperanza de que pueda ayudar a la policía a encontrar una pista.
En un giro devastador de los acontecimientos, un hombre confiesa el asesinato de Rory durante el interrogatorio y Lauren es llevada a los tribunales y acusada de fraude. El juicio divide a Melissa y su marido, este último insiste en que su hijo sigue vivo. El jurado declaró inocente a Lauren y el cuerpo de Rory nunca fue encontrado. La serie permite a los espectadores sacar sus propias conclusiones una vez finalizado el caso, y habla la actriz Isabel Araiza (Alcance externo), que interpreta a Melissa, tiene varias predicciones sobre el futuro de los personajes.
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Pantalla gritando Entrevistó a Ariza sobre cómo interpretar a la madre afligida, las habilidades psíquicas de Loren, el final alternativo del estreno y cómo trabajar con Felicity Huffman en acusado.
Arraiza comparte qué pasó con los personajes del guión original de 'La historia de Lorraine'
“Me gusta que lo hayan dejado abierto y también me gusta ese final. Creo que es muy poderoso”.
Distorsión de pantalla: acusado Cada episodio tiene una historia única, entonces, ¿qué te llamó la atención de este caso en particular?
Isabel Arreaza: Creo que el escrito fue muy convincente. Cuando vi el episodio por primera vez, quedé muy impresionado con la escritura y el desafío de interpretar a un personaje como Melissa en esas circunstancias tan duras. Pensé que toda la trama era convincente, interesante, cruda y emotiva. Lloré cuando lo leí por primera vez y tuvo un final diferente, lo que me devastó.
En el episodio real, cuando fue escrito, vemos lo que sucede dos años después y vemos que mi personaje está embarazada nuevamente. Hay una cámara panorámica, y ves que es un marido diferente, y luego ves al personaje de Felicity viendo a otra chica, y luego ella lo apaga. Y luego ves mi departamento de soltero y este tipo está tan desaliñado, y ahora te das cuenta de que es mi exmarido. Estos niños pequeños van a su casa y él todavía está buscando a su hijo desaparecido. Seguí llorando. Estaba tan triste.
Esto es triste. Iba a preguntarte si crees que su matrimonio funcionó.
Isabel Ariza: Me gusta que lo dejaron abierto y me gusta ese final también. Creo que es muy poderoso y creo que tenemos que sacar nuestras propias conclusiones como miembros de la audiencia, pero no sé cómo puedes recuperarte de algo así. Me gusta pensar que lo hicieron con mucho tratamiento, pero fue difícil para mí aceptar esa mentalidad una vez que leí el guión original y pensé: “No funcionaron”. Todavía no lo sé. En mi corazón, quiero creer que lo lograron, pero creo que depende del público decidir.
Araiza no puede creer que el hijo de Kunle siga vivo
“Para la tranquilidad del personaje, es más fácil de creer. Sé que es contradictorio decirlo, pero es más fácil creer que no está vivo, y tienes que aceptarlo en tu corazón para poder seguir adelante”.
¿Cree personalmente que su hijo todavía está vivo?
Isabel Arreaza: No lo creo. De hecho, basé mi personaje en mi vecino cuando era niño en Puerto Rico. Crecí junto a esta pareja mayor y fueron absolutamente maravillosos. Eran una especie de ancestro sustituto. Nunca conocí a mis abuelos y perdieron a su hijo menor cuando tenía nueve años, y recuerdo las historias. Su hijo murió en la década de 1960 o principios de la de 1970 y su matrimonio continuó.
Pero mi padre, que creció junto a ellos, habló del daño que había sufrido su relación y lograron sobrevivir y sanar la herida que nunca sana. Pero con el tiempo suficiente, pudieron superar este trágico evento en su historia porque la esposa era muy fuerte. Se quedó pegado al suelo, pero el marido tuvo que aceptarlo y aceptarlo. Esto es exactamente lo que estaba pensando cuando estaba creando a Melissa. Tal vez porque esa historia estaba fresca en mi mente, pensé: “No, no lo creo”.
Quizás sea más fácil creer que no está vivo. Creo que es peor cuando no tienes cuerpo o no sabes nada. El niño desaparecido desaparece en el aire. Para tranquilidad del personaje, es más fácil creerle. Sé que es contradictorio decir eso, pero es más fácil creer que no está vivo, y tienes que aceptarlo en tu corazón para poder seguir adelante. Creo que si estás pensando constantemente: “Él está en alguna parte”, será más difícil.
acusado La película ni siquiera es tan larga, por lo que tienes una cantidad de tiempo muy limitada para conocer a este personaje. ¿Fue difícil hacer eso en un episodio de cuarenta minutos?
Isabel Arreaza: Llevo un tiempo preparándome. Una vez que supe que tenía el episodio y lo leí, pensé: “Necesitas prepararte mental y emocionalmente”. No importa si es una obra de teatro, un episodio de 40 minutos o una película, debes prepararte lo mejor que puedas, incluso si dura 40 minutos. No lo considero un episodio de 40 minutos. Todo lo que tienes que hacer es prepararte con tantos accesorios como lo harías con cualquier otro personaje, ya sea una obra de teatro o una película. Intento prepararme de todas las formas posibles para ofrecer la actuación más honesta, con suerte.
Si te encontraras en la misma situación que Melissa y un psíquico entrara en tu vida, ¿actuarías de manera similar?
Isabel Arreaza: No, ese es el problema. Supongo que soy un poco supersticioso e ingenuo, y creo que, especialmente si estoy en un estado emocional muy destrozado y necesito respuestas, estaré totalmente de acuerdo. Creo que hay algo relacionado con esto porque necesitas esperanza. Estás en un estado tan vulnerable. Entonces, cuando lo leí, creí en la espiritualidad. Le dije: “Sí, claro”. Ella está diciendo la verdad”. Nunca lo cuestioné como actor o como alguien que lo leyó. Pero como personaje, pensé: 'Tengo que encontrar razones para no hacer esto'.
Es curioso que mi papá no crea en nada y mi mamá sí. Crecí con ambas novelas que moldearon mi idea del mundo. Hay un lado de mí que, en cierto modo, es no creyente, o “tienes que demostrarlo de alguna manera”. Luego está este otro lado mío, que es increíblemente ingenuo. A veces eres supersticioso y muy abierto a estas fuerzas invisibles que no podemos explicar. Tengo un buen equilibrio en eso, pero creo que en la situación de Melissa, si fuera yo, Isabel, sí, cien por ciento. Yo diría: “Claro, toma todo mi dinero y dime dónde está mi bebé”. Odio admitirlo. [Laughs]
Trabajar con Felicity Huffman fue una experiencia de aprendizaje para Araiza
“Es una buena narradora, una gran profesional, sabe lo que hace y conoce la forma más eficaz de contar una historia”.
Felicity Huffman y tú tenéis muchos momentos emotivos en este episodio, pero la escena del hotel realmente destaca. ¿Tuviste que hacer varias tomas para conseguir la densidad necesaria?
Isabel Ariza: Sí, esa fue la última escena que rodamos. Esta fue la última escena de todo el episodio. En ese momento, yo personalmente estaba exhausto de hacer esto durante 14 días, y Felicity no revelaría sus opciones hasta que la cámara estuviera allí. Creo que esa es una de las cosas que la hace tan grandiosa como actriz. Para la televisión estándar, hacemos una toma amplia y luego hacemos primeros planos. Así que tomé mi primer primer plano y capturé la escena, con ella conmigo, pero en el momento en que la cámara tomó la fotografía, la puso allí de una manera que me impactó.
No lo vi venir. Tiene la asombrosa capacidad de sorprenderte mientras disparas, para que obtengas una reacción real en tiempo real. Me gusta porque siempre he estado alerta. Soy yo quien os enseñaré en el entrenamiento lo que voy a hacer. Empecé hace ocho años y todavía estoy aprendiendo. Siempre siento que cuando estoy en el set sigo aprendiendo de todos estos increíbles actores, y Felicity es una de ellos. Simplemente pensé: “Esto es genial”. Sólo estoy revelando mis cartas. Ella lo cambiaría un poco dadas las circunstancias y la estructura de la escena, pero tiene la capacidad de mantenerlo fresco, activo, y lo que ves en esa escena es mi reacción real hacia su trabajo y lo que ella representa decirme.
Eso fue realmente confuso para mí. Me sorprendió mucho. Vi la escena y dije: “Esa es una reacción real. Definitivamente tengo miedo”. Fue increíble. Es una buena narradora, una gran profesional, sabe lo que hace y sabe cuál es la forma más eficaz de contar una historia. Había mucho silencio cuando estábamos ensayando y, de repente, ocurrió la “acción”, y ahí estaba. Lo que obtienes es un momento real, esa magia que ocurre cuando estás conectado y escuchando de verdad. Aprendí mucho trabajando con ella. Fue genial.
¿Qué proyectos tienes a continuación? acusado?
Isabel Arreaza: Acabo de mostrar la película que salió hace un par de semanas, Notice to Quit, dirigida por Simone Hacker, que es una hermosa toma independiente en 35 mm. Es una película de Nueva York y está protagonizada por Michael Zegen, Casey Bella Suárez, Robert Klein y yo, y creo que todavía está en los cines, así que es genial. Estamos filmando “El mercader de Venecia” en Edimburgo, Escocia. De hecho, hoy tengo una lectura en la que volver a sumergirme porque fue una producción que hicimos en la ciudad de Nueva York en 2022 y tuvo mucho éxito. Lo estamos reformulando y llevándolo a Europa, lo cual es apasionante.
Acerca de Fox Antología El Acusado
Creado por Howard Gordon y Jimmy McGovern
The Accused es una colección de 15 historias humanas intensas, sustanciales y fascinantes sobre crímenes y castigos. Cada episodio es un thriller provocativo y de ritmo rápido, que explora un crimen diferente en una ciudad diferente, con un elenco completamente original. Basado en la antología de crímenes de la BBC ganadora del premio BAFTA, cada episodio comienza en la sala del tribunal del acusado, y los espectadores no saben nada sobre su crimen ni cómo terminaron en el juicio.
Contado desde el punto de vista del acusado a través de flashbacks, el programa refleja la era actual con historias evocadoras y emotivas. En última instancia, los espectadores descubrirán cómo una persona común y corriente cae en circunstancias extraordinarias y cómo una decisión precipitada puede afectar el curso de esa vida (y la de los demás) para siempre.
Mira nuestros otros acusado Entrevistas:
acusado Se transmite los martes por FOX a las 8 p.m. ET/PT.
The Accused es una serie dramática legal que profundiza en las complejidades de los casos penales desde la perspectiva tanto del acusado como del acusado. Cada episodio independiente presenta un nuevo caso y explora los dilemas morales y éticos que enfrentan los personajes involucrados. La serie tiene como objetivo presentar una imagen precisa del sistema de justicia penal, destacando las complejidades y desafíos inherentes a cada caso.
el calumnia
Abigail Breslin, Malcolm-Jamal Warner, Jason Ritter, Keith Carradine, Molly Parker
11 de octubre de 1995: Steve Jobs presenta la documentación para sacar a Pixar Animation Studios a bolsa.
Un punto de inflexión en la vida de Jobs, la oferta pública inicial de Pixar lo convierte en multimillonario. Pero las cosas no van tan bien.
IPO de Pixar: un punto de inflexión para Steve Jobs
Puede ser porque escribo para un sitio de tecnología, por lo que la atención de Steve Jobs siempre está en Apple y NeXT, pero Pixar a menudo parece subrepresentada cuando la gente habla de la vida del cofundador de Apple.
A veces descartado como una inversión secundaria para Jobs, su trabajo en Pixar demostró su visión a largo plazo. También simboliza sus luchas post-Apple como emprendedor y, en última instancia, su increíble transformación y reinvención como director ejecutivo.
Pixar marcó la entrada de Jobs en la industria del entretenimiento y finalmente lo convirtió en el hombre definitivo. El mayor accionista individual de The Walt Disney Company Y sentó las bases para las relaciones en las que más tarde confiaría en iTunes.
¿Cómo compró Steve Jobs Pixar?
Jobs escuchó por primera vez sobre Pixar, que fundó Alfie Ray Smith y Ed Catmull, a través de Alan Kayel legendario informático de Xerox PARC que pasó a trabajar en Apple. El estudio de animación surgió del laboratorio de infografía de George Lucas, director de guerra de las galaxias.
Cuando Lucas pasó por un costoso divorcio, Jobs compró su participación en la empresa. Durante las negociaciones, Jobs habló con Lucas sobre una oferta inicial de 15 millones de dólares para comprar sus acciones en Pixar y garantizar otros 15 millones de dólares en financiación para la empresa.
Al final, Jobs pagó sólo 5 millones de dólares y una garantía de 5 millones de dólares para financiar el 70% de Pixar. Cerraron el trato el 3 de febrero de 1986, poco después de que Jobs dejara Apple poco después. Un golpe fallido en la junta directiva.
Aunque Jobs consiguió un buen trato, en ese momento era un riesgo. Pixar necesitaba dinero para continuar con sus operaciones. y ley de moore Lo que significa que a la compañía todavía le faltaba una década para hacer realidad el sueño de Smith y Catmull de una película totalmente animada por computadora.
Pixar: ¿estudio de cine o empresa de informática?
Debido a que tenía experiencia en ventas, Jobs creía que Pixar podría hacer avances como empresa de hardware y software para creativos, el mismo argumento que había utilizado en Apple.
Pixar tenía dos productos principales para vender: RenderManun programa de renderizado de gráficos 3D que todavía se utiliza en la actualidad, y Imagen De Pixar ComputadoraComputadora de alta calidad. El Pixar Image Computer resultó ser un desastre total de ventas. A lo largo de su vida útil, la computadora vendió menos de 300 unidades.
El principal problema de la computadora era su precio increíblemente alto. El dispositivo cuesta 135.000 dólares, pero también requiere una estación de trabajo de 35.000 dólares de Sun Microsystems o Silicon Graphics para ejecutarlo. La versión de segunda generación se vendió por “sólo” 30.000 dólares, todavía fuera del alcance de los clientes convencionales.
Con dinero sangrando, lo único que mantuvo viva a Pixar a finales de los 80 y principios de los 90 fue el orgullo de Jobs. No quería ser visto como una de las maravillas de un solo éxito que fundaron Apple y luego se incendiaron con NeXT y Pixar.
La salida a bolsa de Pixar convierte a Steve Jobs en multimillonario
Afortunadamente, Pixar llegó a un acuerdo con Disney y comenzó a trabajar en su primer largometraje, historia del juguete. Sintiendo el gran éxito, Jobs se ofreció a sacar a Pixar a bolsa ese día como hoy de 1995. La IPO siguió el 29 de noviembre de 1995, una semana después historia del juguete Debutó en los cines.
La oferta pública inicial de Pixar convirtió a Jobs en multimillonario a la edad de 40 años y allanó el camino para su increíble regreso.
Aislado en el mundo, tendrás que esperar un poco más para conseguir el videojuego perfecto que cumpla tus deseos. ¡Únete a todo!el Simulador romántico extraño y descarado De Team17 y Sassy Chap Games, ya no llega el 24 de octubre, donde Inicialmente se anunció. El viernes, el equipo retrasó la fecha de lanzamiento del juego hasta el Día de San Valentín de 2025.
A nivel de diseño de juegos, ¡Únete a todo! Parece ser un simulador de citas simple con ramas de diálogo y personajes de voz. Lo que lo distingue es su premisa deliciosamente tonta: puedes fechar todos los artículos de tu hogar gracias a unas gafas mágicas conocidas como Dateviator.
Cada una de tus criaturas con las que tienes citas tiene una personalidad distinta e historias ramificadas. Tus posibilidades románticas incluyen un canasto ardiente para la ropa sucia (“Harper”), una aspiradora (“Hoove”) y tu abrumadora (y sin camisa) sensación de temor existencial que preferiría llamarse “Doug”. Aunque esta combinación puede parecer poco atractiva para el romance, probablemente aún supere a las aplicaciones de citas actuales repletas de microtransacciones.
Equipo 17 / Juegos de clase grosera
Dependiendo de sus opciones de rama de diálogo, cada ser humanizado puede convertirse en un Amor, un Amigo o un Odiador. El comunicado de prensa del juego prometía que cada resultado afecta “el camino crítico que conecta todo”, así que elige sabiamente entre la lámpara y la toalla vestida como Liberace.
¡Únete a todo! Llegará el 14 de febrero de 2025 a Switch, PS5, Xbox Series
10 de octubre de 1993: Apple lanza el Macintosh Color Classic II, el último de los Mac compactos de 9 pulgadas.
También conocido como Performa 275, el Color Classic II eventualmente se convertiría en una pieza de colección, ya que Apple solo lo lanzó en Canadá, Asia y Europa.
Actualización necesaria para el sistema operativo Macintosh Color Classic original
El anterior, Color clásico original de Macintosh.se presentó por primera vez en febrero de 1993. El primer Mac con una pantalla a color incorporada, el notable dispositivo permitió emular el Apple IIe a través de una tarjeta PDS.
“En muchos sentidos, Color Classic es el pequeño Mac que todos han estado esperando desde 1984”. Usuario Mac revista Escrito en abril de 1993.
Sin embargo, de una manera “clásica” involuntaria, me vino a la mente Macintosh original de 1984 De otra manera. Era una buena computadora, pero era muy débil.
En lugar de tratar Color Classic como una experiencia genial (que, seamos realistas, no es más nicho que muchas de las otras ideas que Apple estaba probando en ese momento), Apple obligó a la PC a ocupar un lugar como una máquina de nivel de entrada. .
Esto significaba darle un máximo de 10 MB de RAM, lo que resultó insuficiente para la mayoría de los usuarios incluso en 1993. También adolecía de un lento bus de datos de 16 bits y una escasa resolución de pantalla de 512 x 384 píxeles. Como resultado, muchos juegos no funcionan correctamente en el dispositivo.
Mac Color Classic II: problemas resueltos
Macintosh Color Classic II solucionó muchos de estos problemas conservando el factor de forma original. De esta manera, puedes considerarlo equivalente a Versión iPhone “s”.. El diseño mantuvo la misma carcasa exterior, pero las actualizaciones internas solucionaron los problemas que enfrentaba el dispositivo de la generación anterior.
El Color Classic II duplicó la velocidad de la CPU y la capacidad de RAM originales, pero mantuvo la resolución de la pantalla. Sin embargo, no había duda de que si Color Classic era la Mac compacta que los fanáticos habían deseado desde 1984, entonces Color Classic II era la Mac que los fanáticos de Color Classic habían deseado desde el principio.
Desafortunadamente, Apple nunca vendió el Color Classic II en los EE. UU. por alguna razón. Por lo tanto, todavía es algo difícil de encontrar, incluso hoy en día.
¿Tienes una Mac Color Classic? ¿Cuál es tu modelo de Macintosh favorito de los 90? Deja tus comentarios a continuación.
La historia es una bestia extraña. A veces, todos nos damos cuenta colectivamente de que estamos viviendo un momento histórico importante, que generalmente implica alguna tragedia terrible o un momento de especial dificultad. Sin embargo, la mayoría de las veces, las personas que viven en él actualmente no pueden entender una época; Sólo con el beneficio de la retrospectiva podemos asignar puntos de origen e hitos a eventos que, mientras ocurrían, parecían de poca importancia. Es una de las razones por las que los críticos e historiadores, especialmente los artistas, son tan valiosos para nuestra cultura, que parte de su trabajo es tratar de observar tales eventos y las tendencias cambiantes del curso a medida que suceden, ya sea para señalarlos para celebración o para advertir contra su continuación.
Aunque la novela “Nasib Salem” se escribió temprano La carrera de Stephen King.Demuestra que realmente era rey. Un agudo observador de la cultura estadounidense, el pop y más. La novela funciona brillantemente en varios niveles: primero, es muy aterradora, con King usando sus poderes de prosa para crear una atmósfera verdaderamente llena de terror que impregna el libro. Por otro lado, es una integración inteligente de “reglas” clásicas y tropos de vampiros trasplantados a la era entonces moderna. De hecho, hace para el género de terror lo que cineastas como Tobe Hooper (quien no por casualidad llevó “Salem's Lot” a la pantalla por primera vez en 1979) apenas comenzaban a hacer y lo que otros como Steven Spielberg harían más tarde. es sacar monstruos y villanos de terror clásicos de los húmedos castillos y pueblos remotos de antaño a los pequeños pueblos de Estados Unidos, y ponerlos junto a nosotros, literal y figurativamente. Si bien hay muchas razones por las que King cree que “The Salem Piece” es su historia favorita, en realidad es por una razón histórica mucho más peculiar que el autor siente afecto por esa novela en particular.
La espeluznante forma en que King se ganó el apodo de 'La pieza de Salem'
Imágenes de Warner Bros.
La razón principal por la que King cita “The Salem Piece” como su historia favorita es también cómo el libro (y la ciudad en la que se desarrolla) obtuvo su título. Hablando con Phil Constantine en 1987 para The Highway Patrolman.King explicó primero por qué disfrutó tanto de “Salem's Piece”:
“En cierto modo, es mi historia favorita, sobre todo por lo que dice sobre los pueblos pequeños. Es un ser vivo que está muriendo ahora. La historia la siento como en casa. Tengo un punto frío especial en mi corazón por ella. ¡Hola!”
A continuación, el autor explicó el origen de la historia y cómo el libro y la ciudad obtuvieron su nombre de un incidente de la vida real y una leyenda urbana:
“Está basado en una ciudad en el norte de Vermont de la que escuché cuando era estudiante en la universidad, llamada Jeremiah's Lot. Estaba de paso por Vermont con un amigo y él me señaló la ciudad, de pasada, mientras pasábamos por el camino. “Sabes, dicen que todos los Alguien en esa ciudad desaparecieron en 1908”. Y yo dije: “Vamos, ¿de qué estás hablando?” Él dijo: “Esa es la historia”. ¿No escuchaste sobre el Mary Celeste donde supuestamente todos desaparecieron? Esto es lo mismo. “Un día estaban allí, y un día vino un familiar buscando a alguien que no conocía”. Escuché que después de un tiempo todas las casas estaban vacías. Algunas casas tenían comida en la mesa y algunas tiendas todavía la tenían. dinero en ellos cubiertos de moho debido a la humedad del verano, comenzaron a pudrirse, pero nadie lo robó y la ciudad quedó completamente vacía”.
Aunque la entrevista tomó otro giro a partir de ahí, no es difícil ver cómo la mente de King tomó esa historia de principios de siglo y la entretejió en un nuevo contexto que involucraba a un vampiro mudándose a un pequeño pueblo y de manera constante (o más exactamente) despoblarlo, traslado) de sus ciudadanos.
“The Salem Piece” sigue siendo relevante
Imágenes de Warner Bros.
Incluso si King sólo era consciente a medias del significado más profundo al que quería llegar con “The Salem Piece”, sigue siendo sorprendente cuán intencional o inherentemente el autor entendió los opuestos complementarios del mito vampírico y la nostalgia. Parte del atractivo del vampiro como criatura de terror es la idea de la inmortalidad: aunque tendrás una sed insaciable de sangre (y, muy probablemente, una aversión a disfrutar de la plena luz del día), seguirás siendo joven. hermosa y atractiva. Libre de enfermedades para siempre. Naseeb Salem analiza detenidamente cómo la nostalgia por el pasado y la juventud –tanto a nivel personal como nacional– es una trampa. Las cosas, como las personas, cambian y decaen porque tienen que hacerlo, y no existe una manera real de detener o revertir este proceso.
Esto no significa que desear poder retroceder en el tiempo sea algo malo, ni tampoco significa que no valga la pena lamentar la pérdida de los aspectos “domésticos” de la vida estadounidense, como dice King. Adaptación actual Salem's Lot, transmitida por Max, está escrita y dirigida por Gary Daubermanlogra mantener este tema intacto de varias maneras bastante ingeniosas. Dauberman hace de la película una pieza de época, que tiene lugar en el mismo año en que se publicó originalmente la novela, lo que permite que la película en sí sea nostálgica de ese período de la historia estadounidense y especialmente de las películas de terror de esa época. Su elección de presentar el autocine como un pasatiempo tradicional de la ciudad (a diferencia de un evento deportivo o alguna otra actividad similar) no hace más que realzar este tema, ya que los coches en sí están casi extintos y sólo unos pocos en funcionamiento son capaces de Hazlo gracias en gran parte a los fanáticos del terror.
Quién sabe si King todavía considera “Salem's Piece” su historia favorita casi 37 años después de que se realizó esa entrevista. Después de todo, una de las realidades de la vida cuando se trata del paso de los años es que tus opiniones y puntos de vista pueden cambiar. Entonces, Stephen King en 2024 no es el mismo Rey en 1987. Sin embargo, al igual que The Undead, Salem's Piece permanece disponible, sin cambios, como una advertencia sobre el futuro desde un pasado cada vez más lejano. Porque como dice otro refrán, cuanto más cambian las cosas, más permanecen igual.
En el episodio más reciente del programa, cuando Fraser mencionó por primera vez que había conocido a Bebe Glazer, anunció que asistiría a una ópera con su agente: “Tosca” de Giacomo Puccini. Luego anuncia que tiene una cita con “uno de los villanos más grandes de la historia. Baby Glazer, un psicópata con sed de poder”, antes de que caiga un rayo. Aunque este dramático anuncio es intencionado y exagerado, no está del todo alejado de la realidad a la hora de describir a Pepe.
Al regresar a Agentes en América, después de que Frasier se da cuenta del truco que Beebe usó para asegurar su nuevo contrato, dice: “¿Qué clase de mujer eres? ¡Me sedujiste, me mentiste, casi me matas! Me has manipulado descaradamente”. “Pero a esta estación, a los medios de comunicación y a toda la ciudad de Seattle, ¿qué tienes que decir por ti mismo?” – a lo que Pepe responde: “¿No estás feliz de que esté a tu lado?” Desde entonces, Baby se ha hecho conocido como una especie de manipulador benévolo que, aunque sin escrúpulos, hará todo lo que sea necesario por Frasier.
Las cosas no cambiaron en “El cortejo Squash del padre de Freddy”, donde se reveló que Baby pretendía hacerle creer a Frasier que Phoebe era su hija, cuando en realidad no lo era. Todo fue una artimaña para permitir que Phoebe convenciera a su “papá” de volver a la televisión. Aunque Frasier se entera del engaño antes de que termine el episodio, Baby aún sale victorioso después de que Phoebe se disculpa y convence a Frasier para que la deje comprar sus memorias, todo para finalmente poder guiarlo de regreso a la televisión. Una vez más, Bebe logra engañar a todos a su alrededor, ganando al final y diciéndole a su hija “Mami siempre recibe su dinero” para finalizar el episodio.
Una vez más, la serie de avivamiento se beneficia enormemente del regreso del personaje clásico de “Frasier”, con Harriet Sansom Harris elevando el espectáculo a su alrededor y distrayendo la atención del hecho de que este avivamiento todavía no puede sostenerse sin estos lugares invitados. Mientras tanto, aunque pueda parecer que Frasier perdió esta vez, debería considerarse afortunado de estar donde está, porque como dijo Niles sobre Baby en la serie original, “habría asumido que la mataron después del apareamiento”.
Todos los jueves se lanzarán nuevos episodios de “Frasier” en Paramount+.
Es necesario tener algún contexto para “Absolute DC”. Snyder no sólo está escribiendo “The Ultimate Batman”, sino que es uno de los arquitectos de esta iniciativa. La gran idea detrás del proyecto es darle la vuelta a los conocidos superhéroes de DC. “DC All-In Special” #1 (por Snyder y Joshua Williamson), que describe cómo surgió el universo “definitivo”, tiene la mitad de las últimas páginas impresas al revés.
Entonces, en este mundo “absoluto” creado por el Dios del Mal, Darkseid, Superman es huérfano tanto en la Tierra como en Krypton, Wonder Woman creció en el Infierno en lugar del Cielo, y Batman pertenece a la clase trabajadora; Lucha fuera del sistema en lugar de sentarse encima de él. Sin embargo, no hay necesidad de preocuparse, Puedes leer “The Ultimate Batman” sin este contexto si así lo deseas.
“Ultimate Batman” #1 comienza el día en que Bruce se convirtió en Batman. No va a salir del cine, está en una excursión escolar al zoológico de Gotham City. En otra parte, el joven Bruce mira la exhibición de murciélagos.
Cómics DC
Este Thomas Wayne es un maestro, no un industrial/cirujano multimillonario. Mientras su clase estaba de viaje, un hombre armado entró al zoológico y comenzó a disparar. Thomas recibe un disparo después de que Bruce y sus colegas son llevados a un lugar seguro. Como Martha Wayne no está allí, se salva del destino de su marido. (El tirador no se nombra ni se ve claramente en este primer número, ¿verdad? Joe Chill, el asesino habitual de los padres de Bruce Wayne, ¿O alguien más?)
Habla con Polygon sobre “Ultimate Batman” Snyder lo dijo La fortaleza de Batman como personaje es cómo inspira a las personas, tanto a quienes participan en las historias como a quienes las leen, a superar el miedo y ser mejores. Entonces, quería que este Batman fuera uno con el que los lectores tuvieran más puntos en común: “Bueno, lo primero es eliminar algunos de los recursos, algunos de los privilegios, algunas de las cosas que hacen… [Batman] Una gran parte del sistema”.
Queda por ver si esto evitará la retórica cansada sobre las “mejores” formas en que Bruce Wayne podría resolver el crimen que simplemente siendo Batman.