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La verdadera razón por la que Roseanne tuvo que reformular a Becky Conner

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Las series de televisión pueden ser laboratorios creativos, especialmente al principio. Los creadores y su equipo de redacción pueden descubrir que su concepto inicial se convierte en un tipo de programa completamente diferente (por ejemplo, “Cougar Town” pasa de ser un vehículo de Courteney Cox sobre mujeres mayores que persiguen a hombres más jóvenes a una comedia coral sobre amigos nerds. Ellos también beben). mucho vino), mientras que algunos programas siguen caminos narrativos que finalmente fingen que nunca existieron (Como cuando Landry y Tyra mataron a un chico durante la temporada 2 de “Friday Night Lights”.).

Entonces, a veces, la vida se interpone en el camino de un actor. A veces, un actor siente que se ha convertido en una estrella demasiado grande y abandona el programa prematuramente (como David Caruso y “NYPD Blue”), o es despedido por una disputa contractual (que es como la serie “Valerie” se transformó en “La familia Hogan”). “).

Esto nos lleva a la serie “Roseanne” y el caso Becky. A lo largo de cinco temporadas, Lessie Goranson estuvo maravillosa como la hija mayor de Dan (John Goodman) y Roseanne Connor (Roseanne Barr). Luego se fugó con su novio, Mark (Glenn Healy), y aparentemente desapareció de la serie para siempre. Sin embargo, los productores del programa querían traer de vuelta a Becky, así que lo hicieron en forma de Sarah Chalke, futura estrella de “Scraps”.

No era necesario estar familiarizado con el mundo del arte para suponer que había algún tipo de drama detrás de escena en “Roseanne”. ¿Qué podría provocar que un artista prometedor como Göransson abandonara repentinamente el segundo programa más popular de la televisión?

Y esta semana Becky es…

Si esperabas una historia distópica sobre egos fuera de control o algo peor, prepárate para sentirte profundamente decepcionado. Göransson dejó el trabajo porque tenía entonces 18 años y quería ir a la universidad (Algo de lo que habló públicamente durante una entrevista de 2019 en “Live”.). Entonces, se unió a Vassar durante la temporada 5 y finalmente fue eliminada a través del escape antes mencionado. Pero los guionistas apreciaron tener a Becky en el set; Por lo tanto, durante la temporada 6, la volvieron a elegir con Chalk.

Las cosas empezaron a ir mal cuando Goransson pudo regresar al elenco durante la temporada 8. En lugar de despedir a Chalk, el personal creativo de la serie alternó entre los dos (en parte debido a los estudios en curso de Göransson). El espectáculo, que no está exento de humor consciente, disfrutó de evidentes intercambios entre Becky, que culminaron con Una parodia del final de “The Patty Duke Show”.

Cuando “Roseanne” regresó en 2018Goransson retoma por completo el papel de Becky, mientras que Chalk obtiene un nuevo personaje llamado Andrea. Ambos continuaron en la serie después de que Barr fuera despedido por comentarios racistas sobre Valerie Jarrett, exasesora del presidente Barack Obama. Es sorprendente que “The Conners” (como se rebautizó después del despido de Barr) Está previsto que la serie complete sus siete temporadas este año.


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Nicholas Galitzine tuvo una vergonzosa audición para el papel de Tarzán que aún lo persigue

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Desde que apareció en “Purple Hearts” original de Netflix en 2022, el actor británico Nicholas Galitzine se ha convertido en una estrella revelación… pero eso no significa que haya pasado todas sus primeras pruebas. De hecho, dice que una de esas pruebas fue tan terrible que todavía se estremece de sólo pensarlo.

Durante una mesa redonda con reportero de hollywood en junio de 2024, que también está protagonizada por Jon Hamm (“Fargo”), Matt Bomer (“Fellow Travelers”), Clive Owen (“Murder at World's End”), Callum Turner (“Masters of the Air”) y David Oyelowo ( ” Lawmen: Bass Reeves) – Galitzine y sus contemporáneos empezaron a hablar de audiciones y, a pesar de ser uno de los artistas más jóvenes en la mesa, Galitzine tenía mucho que decir. Después de que otros compartieran algunas historias, THR sacó a relucir la última película de Galitzine. “Tu idea” De hecho, su compañera de reparto, Anne Hathaway, dijo que podía “interactuar con una lámpara”, lo que le hizo reír. “Honestamente, fue una experiencia de audición increíble ya que tuve una sala muy favorable, y eso hace una gran diferencia. Salí de allí con una gran actuación”, recordó.

Galitzine luego continuó, describiendo una audición que todavía lo persigue, que pudo haber sido “La leyenda de Tarzán” de 2016, aunque no lo especificó. “No fue tanto la reacción sino la expresión de horror en el rostro del director de casting”, dijo, “pero cuando fui a la audición para el papel del joven Tarzán, no hubo diálogos y me dijeron que no. Tuve que fingir que tenía una naranja que alguien estaba tratando de robarme”. Y tuve que protegerla. ¿Y sabes cuando no estás buscando exactamente algo, y parece débil, patético y equivocado? Me mantiene despierto por la noche pensando mucho en ello. mucho(En ese momento, Hamm bromeó diciendo que Galitzine probablemente nunca volvería a comer una naranja).

Hoy en día, Nicholas Galitzine se siente cómodo interpretando el papel romántico

En la misma entrevista, Nicholas Galitzine habló sobre su reciente serie de proyectos emocionantes y llenos de acción (hablaré de ellos en detalle en un momento) y dejó bastante claro que no le preocupa “imitar” o asumir proyectos similares. roles. Después de que David Oyelowo señalara que en su industria compartida no se puede simplemente esperar a que se presenten las oportunidades, Galitzine respondió a la pregunta del moderador sobre qué roles estos actores podrían evitar en el futuro, y fue muy sincero sobre su trabajo reciente. ..básicamente dice que siente que tiene la libertad de dedicarse a todo tipo de proyectos estos días.

“Soy muy abierto sobre mi carrera y es interesante lo que dices sobre no esperar”, dijo Galitzine. “Creo que para mí, todo tenía que mover la aguja en la dirección hacia el arte que realmente quería hacer. Especialmente al principio de mi carrera, hubo muchos papeles románticos. Sin embargo, recientemente asumí un papel romántico importante. con Anne Hathaway “Y realmente me encantó la película. Es muy divertida. Me siento muy realizada en este importante espacio romántico y ahora tengo más libertad para poder hacer estos papeles que no he podido hacer en el pasado”. últimos años. Se siente bien.”

Desde 2022, Nicholas Galitzine ha aparecido en muchos proyectos interesantes.

Seguramente sería mejor si Nicholas Galitzine fuera feliz interpretando el papel romántico porque estaba haciendo precisamente eso. mucho Últimamente… ¡y es muy bueno en eso! Ya mencioné su aparición en el romance militar Purple Heart, pero en 2023, Galitzine causó sensación con su actuación junto a Taylor Zakhar Perez en “Rojo, blanco y azul real”, la adaptación de Amazon de la novela romántica lésbica más vendida de Casey McQuistonEn el papel del Príncipe Enrique (aparentemente una versión ficticia del Príncipe Harry), Galitzine realmente vende su romance con el primer hijo de Estados Unidos, Alex Claremont Diaz (Zakhar Perez), y la película fue un éxito tan grande que McQuiston volvió a escribir una secuela. .

Ese mismo año, Galitzine mostró sus (francamente sorprendentes) habilidades cómicas en “Bottoms” es una comedia peculiar sobre una escuela secundaria dirigida por Emma Seligman – donde dio una de las mejores lecturas de línea de todo el año en “¡Cállate, nerd!” – Y en 2024, interpretó a un chico guapo inspirado en Harry Styles en “The Idea of ​​You” y al joven e intrigante playboy George Villiers en el drama histórico “Mary & George” (también coprotagonizada por Julianne Moore) en Starz y Estudios del cielo. Básicamente, el mundo está en manos de Galitzine en este momento, y el director de casting de la película no especificada de Tarzán probablemente se esté arrepintiendo de su decisión ahora.


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Mick Fleetwood de Fleetwood Mac tuvo un papel secreto en Star Trek

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En el episodio “Manhunt” de Star Trek: The Next Generation (19 de junio de 1989), aparece un embajador Betazoide. Lwaxana Troi (Majel Barrett) Lwaxana sube al Enterprise-D, en parte para visitar a su hija Diana (Marina Sirtis), pero sobre todo para coquetear con el Capitán Picard (Patrick Stewart). Lwaxana parece estar atravesando la menopausia y su deseo sexual se está disparando. Por lo tanto, parece decidida a llegar a su destino con un marido, sin importarle realmente quién pueda ser ese marido.

Lwaxana Troi es un personaje divertido en Star Trek. Es franca, carismática y tiende a ignorar las estrictas formalidades de los oficiales de la Flota Estelar. Barrett interpretó el papel en seis episodios de “The Next Generation” y regresó en tres episodios de “Star Trek: Deep Space Nine”. Su comportamiento sarcástico le permitía resolver misterios sin pensar en ello, y sus historias tendían más al drama personal que a la ciencia ficción.

De hecho, en el episodio “Hunt”, Lwaxana detiene sin darse cuenta un intento de asesinato. También había dos embajadores de Antidia viajando a bordo del Enterprise, y mientras se preparaban para pasar a la cima de los embajadores, Lwaxana, una persona con habilidades psíquicas, señaló que llevaban explosivos. Los antedianos fueron capturados y el día se salvó, todo en un instante. Los antedianos eran una especie de pez con piel de color lavanda y enormes globos oculares parecidos a los de los peces. Fueron vistos anteriormente en el episodio tragando pasta de pescado de un tambor y haciendo ruidos extraños. Sus labios estaban permanentemente fijos en forma de “oh”.

Cuando Lwaxana captura a los antidianos, uno de ellos dice que esto es algo terrible. No importa. Worf (Michael Dorn) los teletransporta. Dio la casualidad de que el enojado embajador de Antedian era Mick Fleetwood de Fleetwood Mac.

¡Damas y caballeros, Mick Fleetwood!

Fleetwood Mac se formó por primera vez en Londres en 1967 y estaba formado por los miembros Mick Fleetwood, John McVie, Peter Green y Jeremy Spencer. La banda ha rotado a varios miembros a lo largo de los años, y muchos pueden estar familiarizados con la incorporación de Stevie Nicks y Lindsey Buckingham en 1974, o la incorporación de Christine McVie en 1971. Fleetwood Mac realizó giras continuas, lanzando 18 grabaciones de estudio desde 1968 hasta 2008. Quizás uno esté familiarizado con sus canciones “Black Magic Woman”, “Rhiannon”, “Say You Love Me”, “Go Your Own Way”, “Dreams”, “Hold Me”, “Gypsy” y cientos de otras. Para niños: Su canción “The Chain” ya está disponible en YouTube. Banda sonora de “Guardianes de la Galaxia Vol. 2”. El álbum de Fleetwood Mac de 1977, “Rumors”, a menudo encabeza las listas de los mejores discos de todos los tiempos.

Dio la casualidad de que Mick Fleetwood era un gran fanático de Star Trek y logró abrirse camino en Manhunt. Los creadores de “Star Trek” estuvieron felices de incorporar a Fleetwood, ya que era una rara oportunidad para que una estrella de rock apareciera, aunque disfrazada, en el programa. De acuerdo a Entrevista con el periódico Vancouver Sun en 2015Fleetwood tenía algunas condiciones. El principal de ellos fue su insistencia en que su personaje fuera transmitido. Fleetwood dijo:

“Siempre me ha encantado 'Star Trek'”. […] “Interpreté a un tipo que era mitad pez y mitad Antidiano. No era un papel muy importante, pero me encantaba ser parte de él de cualquier manera o forma. Me afeité la barba para ponerme todas las prótesis. Y Le dije: 'Me afeitaré la barba si me prometes que puedo bajar o subir; Al menos una de esas dos cosas. “Ya sea que suba o baje, tienes que prometerme que está en el guión”. Y me lo prometieron. Me llevaron al barco, así que me afeité la barba y me divertí mucho.

Fleetwood se afeitó la barba, se hizo pescador y se sometió a una cirugía. En cuanto a ZZ Top, él nunca haría eso.

¿Cómo consiguieron a Mick Fleetwood?

Mick Fleetwood aparentemente tenía una conexión real con “Star Trek”. La hermana de Mick, Susan Fleetwood, era una respetada actriz de Shakespeare que había aparecido en “Hamlet” junto a Ian McKellen, así como en producciones de “Cymbeline”, “As You Like It”, “King Lear” y “Pericles, Prince of Tyre”. . También tuvo una destacada carrera cinematográfica, apareciendo como Atenea en la película original “Furia de titanes”, así como en “El pequeño Sherlock Holmes”, “White Mischief”, “The Krays” y “Bad Girl”. Una producción de la BBC de 1995 de la obra de teatro Persuasion de Jane Austen. Susan Fleetwood murió en 1995 de cáncer de ovario.

Susan parece haber sido amiga de Patrick Stewart gracias a su trabajo en las obras de Shakespeare, una conexión que probablemente puso a Mick Fleetwood en contacto con los creadores de “Star Trek”. Mick ha admitido brevemente que no tiene el talento actoral que tiene su hermana. Y él dijo:

“El tipo que interpreta al capitán, Patrick Stewart, era un gran amigo de mi hermana Susan, quien desafortunadamente ya no está en este planeta, pero ella era una actriz de Shakespeare muy famosa. Conocía a Susan y fueron juntas a la universidad, así que él. Fue muy amable conmigo durante el rodaje. Básicamente un idiota, tratando de hacer lo que estaba haciendo”.

¿Era este papel prestigioso? Se podría decir que el papel del embajador sin rostro no es el mejor papel que uno podría tener en Star Trek, pero al menos Fleetwood parecía estar divirtiéndose. De todos modos, solo estaba allí por diversión y consiguió lo que quería. Cualquiera que tenga una buena conexión con Star Trek haría lo mismo.


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La estrella de Star Trek, LeVar Burton, tuvo dificultades con la máscara de Geordi La Forge

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Uno de los aspectos más esperanzadores de la tremendamente optimista serie Star Trek es que todas las discapacidades podrán adaptarse más fácilmente en el futuro. Aunque algunos podrían afirmar que las tecnologías milagrosas disponibles en Star Trek podrían solucionar cualquier discapacidad, su uso plantearía cuestiones éticas espinosas para la audiencia. ¿Cuántas discapacidades “corregirán” los escritores de Star Trek antes de que la serie empiece a oler a eugenesia?

En cambio, cualquier persona con discapacidad recibe un dispositivo o prótesis que le permite funcionar en la Flota Estelar sin que nadie cause problemas. Por ejemplo: Geordi La Forge, el ingeniero interpretado por LeVar Burton En “Star Trek: La próxima generación” Geordie nació ciega, sin iris ni pupila. Para poder ver, Jordi lleva un dispositivo sobre los ojos llamado VISOR, que está vinculado a pequeños sensores neuronales implantados en sus sienes. VISOR recibe información visual y la envía directamente al cerebro de Jordi, sin pasar por sus globos oculares. Su visión es mayoritariamente térmica, lo que le da a Geordi un tipo de información visual diferente al de la mayoría de las personas.

En algunos de los primeros episodios de “The Next Generation”, los personajes discuten cómo funciona el dispositivo VISOR de Geordi, pero después de un rato, todos dejan de mencionarlo. Era sólo una parte del espectáculo. De hecho, en las raras ocasiones en que un dignatario visitante le preguntaba a Gord sobre su VISOR, él se enojaba, del mismo modo que alguien podría enfadarse cuando le hicieran preguntas personales sobre su silla de ruedas.

Pero en el set de “The Next Generation”, el dispositivo de visión nocturna tuvo el efecto contrario. El dispositivo de visión nocturna que Burton tuvo que usar oscureció gran parte de su visión, lo que hizo que algunas de sus escenas fueran difíciles de interpretar. Burton también tuvo que aprender a actuar sin ojos, lo que supuso un gran desafío para cualquier actor. En 2007, En una entrevista con BBC TwoBurton habló sobre el uso de su máscara protectora durante el rodaje y lo describió como “un infierno”.

un infierno viviente

LeVar Burton ocupó la mayor parte de la primera temporada del programa en 1987. Burton era consciente de que este dispositivo imaginario, que se decía que mejoraba la visión pero que en realidad la oscurecía, no pasó desapercibido para Burton. Dijo:

“Es un verdadero infierno. Perdí entre el 85 y el 90 por ciento de mi visión cuando llevaba una máscara protectora. En la primera temporada choqué con todo; los soportes de luz, los micrófonos del techo, los cables a mis pies. Esto es como un dilema. El ciego que usa una máscara protectora y ve mucho más que nadie a su alrededor, cuando el actor realmente hace eso, se convierte en una persona ciega”.

Se podría suponer que la mascarilla era un dispositivo liviano que estaba pegado con cinta adhesiva a las sienes de Burton. Puede que eso haya sido cierto para la primera temporada, pero a los maquilladores se les ocurrió algo aún más convincente (y más conmovedor) para la segunda temporada. La nueva mascarilla era una pieza de metal que estaba adherida a las sienes de Burton y presionada firmemente contra su cabeza. Puede que permaneciera inmovilizado, pero Burton notó que después de un largo día de filmación, empezaba a doler. Continuó:

“Para la temporada 2, rediseñamos la mascarilla y la hicimos más pesada, y la forma en que la colocamos fue atornillándola, literalmente la atornillamos en mi cabeza, así que había tornillos que estábamos girando y había bordes. el lado interno que presionaba mis sienes. Entonces, después de quince o veinte minutos de eso, tuve dolor de cabeza todos los días durante unos seis años, lo cual tampoco fue divertido”.

A Burton no se le concedió una exención para usar el dispositivo VISOR hasta su aparición en “Star Trek: First Contact” en 1996. Para entonces, se habían inventado globos oculares mecánicos que funcionaban y se implantaron un par de ellos en el ojo de Geordi. Uno sólo puede imaginar lo aliviado que se sintió Burton después de una década de dolor.


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Kurt Russell tuvo que superar una lista de leyendas de Hollywood para esto

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La obra de Carpenter, The Thing, es esencialmente una pieza de conjunto diseñada para que el público sea consciente no sólo de quién sobrevivirá a la terrible experiencia, ¿Pero quién es al final el hombre?Como tal, la sabiduría convencional es no elegir a ninguna estrella importante para ninguno de los papeles, una ética a la que Carpenter se adhirió principalmente al elegir el reparto de la película. Sin embargo, también existe la consideración de colocar culatas en los asientos (Algo que “The Thing” no logró en su debut teatral.), y este fue el punto que llevó a Carpenter y al coproductor Stuart Cohen a considerar otros nombres para el papel de Macready.

Según el blog de Cohen sobre el tema.Se suponía que el papel de Macready sería desempeñado por algunos protagonistas ya conocidos: Jeff Bridges, Nick Nolte, Christopher Walken y Sam Shepard. Si bien un actor excéntrico como Walken o un actor con una presencia única y vivaz como Bridges (a quien Carpenter luego eligió para el papel en Starman) habrían sido una gran elección, aparentemente no estaban disponibles o dudaban debido a la naturaleza del guión. En cuanto a actores que aún se encuentran en las primeras etapas de sus carreras, se consideraron personajes como John Heard, Ed Harris, Jack Thompson, Brian Dennehy, Tom Berenger, Fred Ward, Peter Coyote, Tim McIntyre y Scott Glenn. (Harris, que acababa de trabajar con otro director icónico de terror, George A. Romero, fue mi segunda opción después de Russell para el papel, dada su increíblemente magnética intensidad). Curiosamente, Carpenter pensó en otra cara familiar para Macready antes de Russell: Tom Atkins, con quien trabajó en “The Fog” y “Escape from New York”. Naturalmente, Atkins acabó consiguiendo el papel principal en otra producción de Carpenter en Universal: “Halloween 3: Season of the Witch”.

Finalmente, Carpenter regresó con Russell y el resto es historia. Aunque se consideró a muchos otros actores para el papel, el director Así lo recordó un artículo reciente en The Guardian. Sobre cómo él y Russell crearon el personaje de Macready (de una manera muy carpintera):

“Kurt Russell no fue mi primera opción para interpretar a Macready, el personaje principal, pero al estudio realmente le gustó y, por supuesto, a mí me gustó. La gran barba fue idea suya; el sombrero, mío”.

En el casting, como en la vida, a veces la persona que buscas es la persona que tienes delante. Esa es la naturaleza de las cosas.

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James McAvoy tuvo uno de sus mejores papeles cuando Joaquin Phoenix abandonó

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La pérdida de Joaquin Phoenix fue la ganancia de James McAvoy. Este último ahora coprotagoniza la película de terror danesa de 2022 “Speak No Evil”, rehecha en Blumhouse (Revisado y elogiado por nuestro propio BJ Colangelo.“, describiéndolo como “un ataque de tensión sostenida y la mejor conclusión posible para una nueva versión estadounidense”, agregando otra actuación aterradora y brillante bajo el cinturón de McAvoy como antagonista de la historia. Como era de esperar, los avances de la película parecen estar haciendo todo lo posible para evocar la un papel vagamente similar del actor en “Split”, dirigida por M. Night Shyamalan, donde se robó todas las escenas como el villano mentalmente inestable, un villano cuyo estado de ánimo y personalidad cambian en un instante, no muy diferente a su personaje en “Speak No Evil”. Bueno, es posible que esas comparaciones no hubieran ocurrido si Phoenix no se hubiera retirado de otro trabajo de alto perfil en el último minuto.

La estrella de “Joker” recientemente fue noticia por hacer precisamente eso. Renunciar al papel principal en la película romántica gay sin título del director Todd Haynes y arruinar toda la producción.Pero esta no es la primera vez que hace algo así. Sabemos desde hace años que originalmente se suponía que Phoenix protagonizaría “Split” de 2016, marcando otra colaboración con Shyamalan después de “The Village” y “Signs”. Sin embargo, no nos dimos cuenta de lo tarde que llegó la enigmática estrella en el proceso, lo que obligó a McAvoy a dar un paso al frente y ocupar su lugar con una actuación de este calibre. Es difícil de imaginar La secuela ultrasecreta de “Unbreakable” Con todos los demás desempeñando el papel de la Horda (el nombre en los cómics de las distintas identidades separadas que luchan por el control dentro del personaje de McAvoy). Afortunadamente, este fue uno de los giros argumentales que finalmente funcionó a nuestro favor.

Joaquin Phoenix supuestamente dejó Split dos semanas antes de que comenzara el rodaje

Imagínese que va a trabajar, ocupándose de sus propios asuntos, y de repente, de la nada, se le pide que realice las tareas más difíciles y apremiantes de su carrera hasta ese momento. Esto es lo que eligió James McAvoy cuando fue elegido en el último minuto para el papel en la película “Split”. Las circunstancias estaban lejos de ser ideales, ya que a los actores se les da mucho tiempo para investigar y planificar cada detalle de un personaje en particular, pero la talentosa estrella lo aprovechó de todos modos. En una nueva película, Entrevista en el podcast “Happy Sad Confused” de Josh HorowitzMcAvoy habló con franqueza sobre los desafíos únicos (e incluso las recompensas inesperadas) que implica este trabajo en particular:

“Supongo [Joaquin Phoenix would] Hizo una actuación completamente diferente a la mía, pero creo que hará una gran actuación. ¿Pero sabías que a veces presentarse en el último momento es la mejor manera? […] Creo que lo abandonó un par de semanas antes de que empezáramos a rodar, en realidad fue en el último minuto. […] Pero el guión estaba muy bien elaborado, por lo que gran parte de él dejaba muy claro lo que quería hacer de inmediato”.

También vale la pena señalar que McAvoy se burla en broma de Phoenix, afirmando que no fue difícil entrar en esta película sabiendo que Shyamalan tenía a alguien completamente diferente en mente. “Tengo la confianza suficiente para pensar que lo haré mejor de todos modos”, dice riendo, antes de explicar que piensa claramente que Phoenix es un “gran actor” y que todo es por diversión. Cualesquiera que sean las razones de la repentina partida de Phoenix, es seguro decir que ambas estrellas se beneficiaron de este giro de los acontecimientos. McAvoy se restablece firmemente como un actor que no debe ser subestimado en “Split”, mientras Phoenix apareció en la exitosa película You Were Never Really Here.

“Speak No Evil” se encuentra actualmente en los cines, mientras que podrás ver a Phoenix en “Joker: Folie à Deux” el próximo octubre.


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Una de las mejores películas de Kaiju jamás realizadas tuvo un presupuesto ridículamente bajo.

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resumen

  • Cloverfield tenía un presupuesto de 25 millones de dólares, una fracción del costo de otras películas modernas de kaiju.
  • El estilo de “metraje encontrado” de Cloverfield añadió una perspectiva única e inmersiva al alboroto del monstruo gigante.
  • A pesar de su bajo presupuesto, Cloverfield fue un gran éxito, recaudó más de 172 millones de dólares y lanzó una franquicia exitosa.

La mayoría de las películas modernas de kaiju tienen presupuestos enormes, del orden de las nueve cifras, pero una de las mejores películas del género fue sorprendentemente barata de producir. El género kaiju se originó en Japón y fue creado por Eiji Tsuburaya e Ishirō Honda en su innovadora obra maestra de 1954. GodzillaPero desde que el espectáculo de monstruos gigantes destruyendo ciudades trascendió la barrera del idioma, la popularidad del género kaiju se ha extendido por todo el mundo. Godzilla Godzilla ha lanzado una franquicia cinematográfica internacional y un subgénero de ciencia ficción. Godzilla y los de su calaña continúan atrayendo al público a los cines de todo el mundo.

Hollywood ha tenido un gran éxito al otorgar licencias de personajes kaiju populares como Godzilla y King Kong, pero también ha habido algunas películas originales de kaiju exitosas. Estas películas originales de kaiju pueden ser una apuesta arriesgada, porque tienden a ser caras, por lo que deberían generar mucho dinero. Pero una de las películas originales de kaiju fue tal éxito que lanzó una franquicia interconectada en expansión, porque no era ridículamente costosa de producir. De hecho, se hizo con el tipo de presupuesto que normalmente se le da a los dramas de pequeña escala, centrados en personajes, sin efectos visuales y sin grandes estrellas.

El presupuesto de Matt Reeves en Cloverfield fue de 25 millones de dólares

Cloverfield se produjo por una fracción del costo de producción promedio de las películas exitosas de Hollywood.

Thriller “metraje encontrado” dirigido por Matt Reeves campo de clover Fue producido con un presupuesto de sólo 25 millones de dólares (a través de Mojo de taquilla). La película se presenta en forma de metraje recuperado de una cámara de vídeo por el Ministerio de Defensa. La película comienza con un grupo de amigos organizando una fiesta de despedida para un hombre llamado Rob, que deja la ciudad de Nueva York para buscar un nuevo trabajo en Japón. Durante la fiesta, se produce un corte de energía en la ciudad y se sorprenden al descubrir la llegada de un monstruo gigante. El resto de la película es una batalla por la supervivencia contra el monstruo apodado “Clover”.

Aunque inicialmente se descartó como una película de serie B, una campaña de marketing viral y una recepción crítica positiva convirtieron la película en una película de serie B. campo de clover En un golpe durmiente. La película recaudó 172.394.180 dólares en la taquilla mundial. y despedido campo de clover Franquicias con productos subsidiarios Calle Cloverfield 10 En 2016 y La paradoja de Cloverfield En 2018. si campo de clover Si se hubiera asignado un enorme presupuesto de 200 millones de dólares, habría sido una bomba No fue posible producir ninguna película ni parte de ella. Pero como su precio era más conservador (25 millones de dólares), se consideró un gran éxito.

¿Cómo se compara el presupuesto de la película Cloverfield con el de las películas de MonsterVerse?

La película MonsterVerse más barata cuesta cinco veces más que Cloverfield

Película MonsterVerse

presupuesto

Godzilla

160 millones de dólares

Kong: La Isla Calavera

$185 millones

Godzilla: rey de los monstruos

170-200 millones de dólares

Godzilla contra Kong

155-200 millones de dólares

Godzilla x Kong: El nuevo imperio

135-150 millones de dólares

campo de cloverEl presupuesto de “The Last Day” parece aún menor en comparación con lo que cuestan otras películas modernas de kaiju. MonsterVerse es la mejor medida de lo que Hollywood está dispuesto a gastar en películas de kaiju – Es un universo cinematográfico compartido al estilo Marvel donde Legendary Pictures reunió a Godzilla, Kong y sus personajes relacionados, y campo de cloverEl presupuesto de MonsterVerse es una fracción del de ellos. MonsterVerse comenzó con un reinicio en 2014 GodzillaSu coste de producción alcanzó los 160 millones de dólares. Kong: La Isla Calavera Su precio fue aún mayor, alcanzando los 185 millones de dólares.

Las próximas dos películas de MonsterVerse, Godzilla: rey de los monstruos y Godzilla contra KongA un costo de 200 millones de dólares, ocho veces la cantidad campo de clover Costo. La última entrega de la serie MonsterVerse, Godzilla x Kong: El nuevo imperioSu presupuesto era un poco menor, alrededor de 150 millones de dólares, pero sigue siendo mucho más de lo que campo de clover Costo de fabricación. La verdad es que Las películas de MonsterVerse cuestan entre seis y ocho veces el presupuesto campo de clover solo hace campo de clover Parece más impresionante.

El bajo presupuesto de Cloverfield lo hizo aún mejor

Soldados disparando al aire en Cloverfield

campo de cloverEl bajo presupuesto hizo que la película fuera mejor y más memorable. Si la película tuviera un presupuesto enorme y presentara más al monstruo, no habría nada que la distinguiera de otras películas de kaiju. Pero el estilo de “metraje encontrado” de la película campo de clover Le permitió hacer cosas que el género nunca antes había hecho. El truco del “metraje encontrado” puede ser agotador si no se usa correctamente, especialmente en el apogeo de la popularidad de este subgénero en la década de 2000, pero en… campo de cloverEs sorprendente, le dio al público una perspectiva de un monstruo gigante que nunca antes habían visto.

Rodar la película íntegramente desde el punto de vista de los personajes sitúa al público en su lugar a nivel del suelo, mientras presencia el ataque de Clover desde la calle. Los ángulos de cámara que adoptan los personajes son omniscientes. Godzilla Las películas son excelentes para escenas obvias, pero es difícil provocar una reacción emocional porque el público no puede imaginarse a sí mismo en esa situación. La cámara funciona a nivel del suelo. campo de clover Lo hace más inmersivoHace que los espectadores sientan que realmente están allí, huyendo mientras una enorme criatura destroza la ciudad de Nueva York.

fuente: Mojo de taquilla

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Ben Porte tuvo la rara oportunidad de participar en la obra Lincoln debido a su estatura vocal en Star Wars.

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El drama de 2012 “Lincoln” dirigido por Steven Spielberg puede considerarse la segunda parte de una trilogía temática en la carrera del director de cine. De 2005 a 2017, Spielberg presentó tres biografías históricas notables que trataban de acontecimientos históricos específicos, pero que claramente tenían la intención de comentar sobre acontecimientos políticos dramáticos del presente.

Múnich 2005 “Lincoln” trataba sobre el infame atentado con bomba en los Juegos Olímpicos de Munich de 1972, en el que las fuerzas palestinas mataron a 11 miembros del equipo olímpico israelí. Sin embargo, este plan de venganza política sólo genera más violencia y no soluciona nada. Spielberg termina la película con una toma contemplativa de las torres del World Trade Center. Mientras tanto, “Lincoln” se sitúa en un momento de la vida de Abraham Lincoln en el que intentó aprobar la Decimotercera Enmienda, que abolió la esclavitud. La película fue escrita por Tony Kushner y era claramente un comentario paralelo sobre el matrimonio igualitario. La película del Post de 2017, sobre los infames Papeles del Pentágono, fue claramente una película posterior a Trump. Estas tres películas son las mejores películas de Spielberg.

La película “Lincoln” recibió un reconocimiento especial, siendo nominada a 12 premios de la Academia y ganando dos (Mejor Actor y Mejor Diseño de Producción). Cabe destacar que “Lincoln” también fue nominada a Mejor Mezcla de Sonido, otro detalle típico de la impecable producción de la película. La película estaba llena del ruido ambiental de 1864, incluida la tecnología mecánica, los muebles austeros y los relojes antiguos.

De hecho, era uno de esos relojes antiguos que, según el diseñador de sonido Ben Port, le ayudó a crear un audio auténtico de la vida personal de Abraham Lincoln. De acuerdo a Habla con diversidadPort reveló que la Sociedad Histórica de Kentucky le concedió acceso al reloj de bolsillo real que Lincoln llevaba consigo la noche en que fue asesinado. Las campanadas de este reloj de bolsillo Lincoln son 100% originales.

reloj de bolsillo lincoln

Port es quizás mejor conocido en la industria cinematográfica por su extenso trabajo en las películas de “Star Wars”. Fue Port quien inventó los famosos efectos de sonido de películas, como el silbido de los sables de luz y los sonidos y silbidos de R2-D2. También proporcionó el audio. Para extraterrestre ET También trabajó en decenas de otras películas notables. Burt es una celebridad en la industria y los fanáticos de “Star Wars” a menudo se acercan a él para decirle cuánto los ha afectado personalmente su trabajo. Dio la casualidad de que Burt estaba feliz de aprovechar su fama para conseguir algunas franquicias especiales de “Lincoln”.

Port admitió que se sentía un poco molesto porque todavía era conocido por sus películas de ciencia ficción y ciencia ficción relacionadas con el espacio (también trabajó en “Munich”, varios documentales de naturaleza y, sí, “Lincoln”), pero estaba más que feliz de mostrar historias de “Munich” Su propia “Star Wars” para un fan obsesionado. Como él recuerda:

“He tenido menos oportunidades de trabajar en películas que no estaban ambientadas en el espacio. Esta película era muy sencilla. No había ruidos de criaturas, ni naves espaciales, ni grandes sonidos, pero en el guión original Lincoln sacaba su bolsillo para mirar. Todo el tiempo. Mientras pensaba, escribía y soñaba, pensé: “¿No sería bonito grabar un reloj de pulsera real de Abraham Lincoln?” […] Había uno de ellos en el Museo Smithsonian, pero les ponía nervioso tocarlo, y mucho menos girarlo con un sacacorchos.

La primera hora puede haber sido muy frágil, pero la segunda fue un éxito. Bert continuó:

“Descubrí que la Sociedad Histórica de Kentucky conserva el reloj que supuestamente Lincoln llevaba en su cuerpo cuando fue asesinado. Afortunadamente para mí, su curador era un gran fanático de Star Wars”.

Es hora de explotar tu fama.

TikTok: Edición Lincoln

Gracias a su fama, Port no tuvo problemas para conseguir el ansiado reloj. “Cuando lo llamé, él ya sabía quién era yo e inmediatamente accedió a ayudarme”, dice Port. “¡Star Wars me permitió grabar el reloj Lincoln!”. La fama tiene sus ventajas.

Pero más que eso, Porte sólo hizo lo necesario. Además del reloj de bolsillo que Lincoln estaba capturando, también quería capturar los sonidos de otros relojes antiguos que estaban presentes en la Casa Blanca durante la era de Lincoln. Afortunadamente, muchas de las piezas originales se han conservado en la Casa Blanca durante más de siglo y medio, y Port pudo grabar sus ritmos, tal como lo hacían en el pasado. Port quería que el público escuchara lo que había hecho Lincoln.

Es lamentable que muchos de sus esfuerzos fueran eliminados de la película final y se lamentó:

“Casi todas estas escenas finalmente fueron eliminadas, y la gente nunca conocerá el esfuerzo creativo que puse en este trabajo, ni siquiera les importará que estas sean las mismas voces que Lincoln escuchó en su vida, pero a mí sí”.

Pero aún así se agradece el esfuerzo. Port luego lamentó lo difícil que es vender efectos de sonido únicos y nítidos en la era moderna, donde muchas películas se ven en pantallas pequeñas, del tamaño de la palma de la mano, con parlantes diminutos o auriculares de mala calidad. Siente que hay una cualidad indescriptiblemente épica en su trabajo, que se escucha mejor en una sala enorme con parlantes de primer nivel y un sistema de sonido de última generación. Ya sea el tictac del reloj de bolsillo de Lincoln o el sonido del motor de una nave espacial, Bert preferiría que escucharas.


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Las estrellas dicen que Romulus tuvo que ser “meticuloso” con un detalle de Facehugger para evitar las críticas de los fans.

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resumen

  • Aileen Wu describe la intensa escena del ataque de Facehugger en
    Extraterrestre: Rómulo
    Coordina la respiración utilizando un práctico muñeco.
  • La evolución de Facehuggers en la serie de películas Alien muestra cómo los efectos prácticos y los avances digitales han mejorado el horror.
  • Extraterrestre: Rómulo
    Enfatiza la naturaleza aterradora de las primeras etapas de la vida de un xenomorfo y destaca el impacto letal de los Facehuggers.

Extraterrestre: Rómulo La estrella Aileen Wu revela los intrincados y meticulosos detalles involucrados en la creación de una visión realista y precisa del aterrador ataque Facehugger en la secuela de la película de terror de ciencia ficción de 2024. Wu interpreta a Navarro, uno de los jóvenes colonos de la película que busca una vida mejor y que actúa como piloto del grupo. En su misión a una estación espacial abandonada hace mucho tiempo. Wu protagoniza junto a Cailee Spaeny, David Johnson, Archie Reno, Isabel Merced y Spike Fern como los nuevos supervivientes de la serie, aunque no todos logran sobrevivir cuando se encuentran con los horrores xenomorfos a bordo de la estación.

con Extraterrestre: Rómulo Al revivir la serie de terror de ciencia ficción para una nueva generación, Wu habló sobre… Indiewire Sobre las complejidades y presiones de continuar con las atrocidades del pasado. Combinado con las maniobras frenéticas y físicamente intensas del ataque inicial a Facehugger, Wu y el director Fede Álvarez fueron meticulosos al asegurarse de que la respiración de la estrella estuviera perfectamente sincronizada con la del práctico muñeco. Trabaja con cuidado para estar en sintonía con los titiriteros fuera de la pantalla, incluso bajo el control del accesorio. Consulte la explicación de Wu a continuación:

“Fueron dos días filmando Facehugger. El primero fue el ataque, y luego la escena de la paliza. Creo que lo filmamos en tres o cuatro días. El primer día estaba lleno de cables. y mi cabeza retrocede. Estoy realmente sorprendido”. Mi cuello sobrevivió ese día, pero nunca antes había trabajado con alambre, así que fue un poco difícil entrené y tuve muchos ensayos con el equipo de especialistas. antes de ese día, y luego, cuando llegó el momento de filmar la película en algún lugar y ver la repetición, me di cuenta: “Oh, tuve que combinar el lado práctico de las acrobacias con mi personalidad, el lado creativo y artístico para hacer la película”. Lo perfecto. Si pudiera volver atrás y ya lo supiera, lo habría modificado un poco más”.

“Y luego la escena que estaba en mi cara mientras estaba acostado allí, esos fueron días difíciles, porque literalmente estaba acostado allí mientras sucedía toda la escena. La parte más difícil fue hacer coincidir mi respiración con las vejigas de la criatura. Fiddy fue muy meticuloso sobre eso. Él dijo: 'Esto es para los fanáticos'. Los fanáticos acérrimos conocerán la biología de esta criatura y cómo apoya el proceso de poner ese huevo en ti. Tiene que mantenerte respirando, de modo que cada vez que la vejiga de una criatura se llena, no puedes respirar. “Y cuando la vejiga está vacía, es cuando se respira”.

“Era difícil coordinar con uno de los titiriteros que estaba fuera de la pantalla con un inflador de globos bombeando las vejigas hacia adentro y hacia afuera y luego movía los dedos”. [around my head and] “Los até con ocho bandas elásticas diferentes y luego envolvieron la cola alrededor de mi cuello con hilo de pescar para que pudieran sacarla y presionarla contra el cuello”.

Cómo evolucionaron los personajes de Facehuggers a lo largo de The Alien privilegio

Las películas posteriores pudieron darle a la criatura un corte más detallado.

Con influencias cambiantes en todo Extranjero La serie de películas Facehuggers ha evolucionado significativamente gracias a nuevas innovaciones técnicas y ajustes en el presupuesto y la visión, al igual que la forma en que la franquicia retrata a sus héroes. La secuencia original de Facehuggers cuando Kane de John Hurt es atacado en la película de 1979 es Una lenta acumulación alrededor de los huevos en la nave del Ingeniero hasta que la criatura eclosiona y se adhiere a él en un salto repentino y aterrador. Más tarde, el público desprevenido quedó horrorizado al presenciar el destino de Kane una vez que fue llevado a bordo del Nostromo, y su situación resultó ser ineludible, sellando su destino.

con
Extraterrestre: Rómulo
Ver la estación transportando varios Facehuggers congelados criogénicamente que ahora pueden cruzar el agua es simplemente aprovechar ese horror inicial.

extraterrestres Esto sólo aumentará el horror que rodea a Facehugger con su representación de la lucha de Ripley (Sigourney Weaver) y Newt (Carrie Henn) con su marido en la sala médica de Hadley. Sus intensos movimientos y su velocidad de araña toman por sorpresa a los humanos plenamente conscientes y hacen que separarlos de sus presas sea una lucha. Si bien se eligen efectos digitales en lugar de efectos prácticos, esta naturaleza parecida a una araña se enfatizará en Alienígena contra depredador y Extranjero: Pactodonde superan a los objetivos armados. Extraterrestre: Rómulo Ver la estación llevando varios Facehuggers congelados que ahora pueden cruzar el agua aumenta el horror.

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Los abrazacaras son una parte horrible de la evolución de los xenomorfos, ya que su biología muestra qué más pueden hacerles a sus anfitriones después de haber sido impregnados.

Aunque sus formas más nuevas y humanoides pueden parecer una amenaza más aterradora para el ciclo de vida del Xenomorfo, Extraterrestre: Rómulo La película se asegura de enfatizar cuán peligrosa es esta criatura, incluso en las primeras etapas de su vida. Si bien el diseño casi perfecto y apenas modificado de H.R. Giger y Dan O'Bannon puede enfatizar el horror, el trabajo de Álvarez, el elenco y Wu dieron vida a la criatura, junto con sus aterradores efectos en su anfitrión. Como tal, se recordó a la audiencia que ninguna etapa del Xenomorfo debe tomarse a la ligera.

Fuente: Indiewire

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