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La subestimada película de ciencia ficción dirigida por Tom Cruise contó con Steven Spielberg

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Los mejores cameos son aquellos que son completamente inesperados. Confinado entre escenas inofensivas O en el fondo como un delicioso trozo de comida que te perderás. Los directores suelen aparecer brevemente en sus propias películas, y algunos, como Alfred Hitchcock, aparecen en parte de sus películas (incluida una aparición como telefonista en “The Lodger” y caminando por la calle con un megáfono en “Vertigo”). . Al igual que Hitchcock, un puñado de directores en sus propias obras –desde Martin Scorsese hasta Peter Jackson– pueden verse como ilusiones. Desempeñar papeles más pequeños en generalSalvo algunos personajes que ganaron fama por motivos narrativos o presupuestarios.

Otros, como Steven Spielberg, Hacen cameos rápidos en películas dirigidas por sus compañeros.como su aparición como un hombre en silla de ruedas eléctrica en “Gremlins” o un extraterrestre mirando una pantalla de televisión en “Hombres de Negro”. Obviamente, esto también se extendió a sus esfuerzos como director. Por ejemplo, escuchamos la voz de Spielberg como trabajador en Amity Point Lifestation en Tiburón, y lo vemos como un turista en un aeropuerto en Indiana Jones y el Templo Maldito. Ahora bien, si les dijera que Spielberg hizo un cameo muy rápido en “Vanilla Sky” de Cameron Crowe, podrían tratar esa información como un sueño febril que recorre los bordes de esta película particularmente surrealista, pero, de hecho, es cierto.

Para contextualizar, “Vanilla Sky” cuenta una historia Un David apunta (Tom Cruise)un tipo de playboy multimillonario conocido por organizar lujosas fiestas en Manhattan antes de que su vida dé un vuelco por un incidente incitador. David relata una fiesta de cumpleaños en particular que sirvió como catalizador de su destino final, y aquí es donde vemos a sus amigos y socios comerciales acudir en masa, incluido un rebelde Steven Spielberg, quien lo saludó con un alegre “Feliz cumpleaños, hijo de padre”. ¡Joder!” antes de abrazarlo. No recuerdo haber registrado este cameo la primera vez que vi la película de Crowe, porque es parte de un largo montaje previo a la reunión predestinada, en el que la narración expositiva desvía la mayor parte del foco. .

La aparición de Spielberg en Vanilla Sky fue un favor a Cruise

de acuerdo a Revista lejana, Spielberg aceptó aparecer como invitado en “Vanilla Sky” porque estaba trabajando con Cruise en “Minority Report” casi al mismo tiempo.que abrazará la extrañeza de las obras de Philip K. Dick se combinó con la sensibilidad idealista de Spielberg que normalmente sigue un modelo de gran éxito. “Minority Report” finalmente resultó ser una adaptación exitosa y una interesante porción de ciencia ficción futurista por derecho propio, ya que incluía un pequeño cameo que era un “gracias” de un colega director. Sí, se puede ver a Crowe en el thriller de ciencia ficción del director Spielberg, interpretando a un hombre que viaja en el metro y que tiene un duro encuentro con John Anderton, interpretado por Cruise, un experto previo al crimen que ahora es un hombre buscado.

La aparición de Spielberg en Vanilla Sky no es un huevo de Pascua, ya que está a la vista de todos, pero hay otros aspectos de la película que ocultan algunas capas de simbolismo. Que Crowe pretendía que el público pudiera decodificar Para ellos mismos. No es controvertido decir que “Vanilla Sky” provocó reacciones divisivas cuando se estrenó (y todavía lo hace en algunos casos), pero la experiencia de Crowe Crafts lleva las marcas de un favorito de culto adorado por aquellos que encuentran valor en la película. Sobre apariencias, engaños y pretensiones. Vale la pena explorar los huevos de Pascua plantados por Crowe, como dijo una vez el director águila Un poco sobre las partes inexploradas:

“Hay algunas cosas que la gente no nota. Pero hay muchas cosas que sí notan. Es una especie de juego de azar, en el que descubres cuándo cambian los acontecimientos de la vida de David Ames, cuándo cambia la realidad adquirida o la situación”. “El sueño” comienza”. […] No creo que esto haya surgido nunca antes: he hecho muchas referencias musicales subliminales.

Si está interesado en descubrir más detalles que a menudo se pasan por alto en la primera hora, es hora de volver a visitar “Vanilla Sky”, y tal vez esta vez, realmente abramos los ojos.


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Steven Spielberg casi dirige este clásico de Tim Burton

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Steven Spielberg y Tim Burton estaban en extremos opuestos del espectro cinematográfico cuando este último irrumpió en escena en la década de 1980. El primero no era ajeno a las historias de terror suburbanas, ya que había estado involucrado en los “poltergeists” y “gremlins” de la época. (Incluso “E.T.” toma prestado el estilo de una película de terror en la escena en la que agentes del gobierno con trajes espaciales invaden la casa de la familia Taylor en busca del extraterrestre). Sin embargo, los propios suburbios eran acogedores y confortables en las películas de Spielberg; Generalmente eran fuerzas externas las que amenazaban sus vidas hogareñas. Las películas de Burton, por otra parte, retrataban los propios suburbios como inquietantes y desconcertantes. Su simpatía estaba con los forasteros como Pee-wee Herman y Eduardo Manostijeras, que estaban contentos con su existencia extraña y aislada hasta que otros insistieron en entrometerse en ellos.

El amor de Burton por la muerte contrastaba tanto con los sentimientos de Spielberg que Burton… Su clásica comedia de los años 80 “Beetlejuice” fue considerada la antítesis de la imagen de Spielberg. De esa época. En cuanto a su vida personal, los dos directores no estaban muy separados en ese momento. Spielberg estuvo alejado de su padre durante años después de su divorcio de la madre de Spielberg, y canalizó ese dolor en sus películas. A medida que Spielberg llegó a un acuerdo con su padre, también lo hicieron las películas del director, que se volvieron más comprensivas en su descripción de las dificultades de la paternidad (algo que se remonta a Indiana Jones y la última cruzada de 1989). A partir de los años noventa, Spielberg incluso dedicó “Salvar al soldado Ryan” a su padreél mismo un veterano de la Segunda Guerra Mundial.

Siendo ese el caso, se puede ver por qué Spielberg, en este punto de su carrera, habría estado interesado en dirigir Big Fish, una historia en sí misma sobre un padre y un hijo distanciados que simpatizan por igual con ambos. También estuvo a punto de hacerlo hasta su muerte, allanando el camino para que Burton dirigiera una de las mejores películas de su carrera.

Algunos de los peces gordos de Spielberg llegaron a la versión de Burton

La adaptación cinematográfica de 1998 del libro de Daniel Wallace “Big Fish: A Novel of Mythic Proportions” fue un punto de inflexión para Burton porque fue la primera película que hizo donde su avatar no era un introvertido y/o excéntrico que era incomprendido por sus padres o colegas. Aquí, el patriarca es Edward Bloom (interpretado por Ewan McGregor y Albert Finney en varias etapas de su vida), un hombre de comportamiento sociable que deleita a casi todos los que conoce con historias locas sobre su juventud y sus aventuras como viajante de comercio. . todos, excepto su hastiado hijo Will (que interpreta… Interpretado como adulto por Billy Crudup, que está cansado de escuchar los cuentos de su padre una y otra vez y anhela decir la pura verdad. (También podemos inferir que la preferencia de Will por los hechos sobre la ficción puede haber sido en gran medida la motivación detrás de la transformación del personaje en periodista).

de acuerdo a “Burton sobre Burton” (Editado por Mark Salisbury) El escritor de Big Fish, John August, pasó casi un año reuniendo varias versiones del guión de Spielberg, quien se encargó de dirigir la película en 2000 después de leer el borrador inicial de August. Sin embargo, Spielberg no estaba completamente satisfecho con el guión, y aunque originalmente planeaba dirigir “Big Fish”, no estaba del todo satisfecho con el guión. Seguimiento del “Informe de las Minorías” Finalmente abandonó el proyecto. Luego, Augustus procedió a compilar su propio borrador “lo mejor de”, que incluía ciertos elementos de iteraciones anteriores y descartaba otros. Esto también llevó a que se eliminaran la mayoría de las adiciones al guión hechas a pedido de Spielberg, aunque algunas aún llegaron a la película final (en particular, una escena en la que árboles espeluznantes en un bosque oscuro cobran vida y atacan a MacGregor como el joven Edward ). Bloom (por mucho que parezca algo que a Burton se le podría haber ocurrido).

Spielberg también quería que Jack Nicholson interpretara al Edward mayor. Curiosamente, cuando Burton reemplazó a Spielberg como director, también se acercó a la leyenda de Hollywood para el papel antes de elegir a Finney, habiendo colaborado previamente con Nicholson en “Batman” y “Mars Attacks”. De hecho, antes de eso, Burton había estado jugando con la idea de alterar digitalmente a Nicholson para que pudiera representar a Edward cuando él también fuera más joven. “Fue una discusión divertida, pero no llegó a ninguna parte”, dijo Burton en “Burton on Burton”. (Gracias a Dios por eso; un Nicholson digitalmente envejecido alrededor de 2003 habría sido puro combustible para pesadillas, y no de una manera hilarante al estilo Burton).

Burton contactó personalmente a Big Fish

Así como Spielberg se separó de su padre a una edad relativamente joven, Burton se mudó a su propio apartamento cuando sólo tenía 15 años y permaneció alejado de sus padres hasta la muerte de su padre y su madre en octubre de 2000 y marzo de 2002, respectivamente. “No sé si hay alguna razón real por la que no me llevaba bien con mi padre”, admitió Burton en “Burton on Burton”. “Se trataba más del hecho de que yo vivía allí [with them]“Me sentía viejo para mi edad”, dijo, y agregó que “no se llevaba bien” con su madre y que su padre “estaba mucho fuera y [he and my mother] Tenían sus problemas pase lo que pase y yo siempre estaba lejos”.

No es de extrañar, entonces, que Burton se sintiera atraído por Big Fish, para cuya dirección se unió oficialmente apenas un mes después de la muerte de su madre. Si bien Will tiene una relación mayormente fuerte con su madre, Sandra (interpretada por Jessica Lange en el cameo de la película y Alison Lohman como una mujer más joven), ella también tolera y acepta los cuentos de hadas de Edward por razones que Will tiene dificultades para entender al comienzo de la película. . . Mientras tanto, el trabajo de Edward significaba que él, al igual que el padre de Burton, estaba ausente durante largos períodos de tiempo mientras Will crecía, lo que aumentó su mística como Will siendo un niño impresionable, pero solo aumentó la sensación de que Will no conocía realmente a su hijo. . Mi padre de adulto.

Como señaló Burton en “Burton on Burton”, dirigir Big Fish le permitió emprender un viaje muy parecido al que Will emprendió en la película, mientras Will y su esposa, Josephine (Marion Cotillard), pasaban tiempo con Edward y Sandra. Después de que a Edward le diagnostican un cáncer terminal, se propone descubrir la verdad detrás de los cuentos de su padre (que aparecen en flashback, aunque en la forma en que Edward contó sus experiencias, elementos de fantasía y todo). Burton explicó: “Tuve terapia pero nunca hablé de mi padre. Pero al leer el guión pensé: 'Esto es exactamente, y esto establece una imagen de lo que no se puede transmitir'.

El resultado no fue sólo una de las películas más personales de Burton, sino también una de las más maduras emocionalmente y una oportunidad para combinar su destreza visual con una narrativa en capas (lo que hizo con gran efecto). En cuanto a Spielberg, salió y dirigió su distintiva película de una persona que crece y ve a sus padres como seres humanos reales y imperfectos. Con “Atrápame si puedes”. De hecho, por un momento, estos dos artistas coincidieron en sus puntos de vista. ¿Quién hubiera pensado eso?


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La película favorita de Steven Spielberg de todos los tiempos es un clásico de los años 60

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Cuando se publicó la publicación oficial del British Film Institute, Sight and Sound, La lista decenal de las “Mejores películas jamás realizadas” se publicará en 2022Hubo una omisión notable (algunos dirían impactante) del Top 100: la brillante e impecable epopeya de David Lean “Lawrence de Arabia” no se encontraba por ninguna parte. Aunque la película fue cayendo en la lista a principios de la década de 2000 (estuvo en el puesto 51 en 2002 y cayó al 81 en 2012), muchos de nosotros sentimos que había terreno para una película tan universalmente respetada como el drama biográfico de Lin sobre turbulentas aventuras en el desierto (probablemente exagerado). ) Lawrence T.E. Aunque la película tiene un elemento de salvador blanco, Lean, el guionista Robert Bolt y la estrella Peter O'Toole Lawrence es retratado como una persona peligrosa, en busca de emociones, que sufre un complejo de mesías.Su entusiasmo es emocionante y aterrador al mismo tiempo.

Si bien creo que el tema de Lawrence de Arabia puede haber desanimado a algunos críticos, también creo que la disminución del aprecio por la película se debe a su estética. La película de Lean no es la única que ofrece una excelente experiencia visual en 70 mm, pero a diferencia de Ben-Hur (1959), Cleopatra (1963) y The Sound of Music, no tiene una narrativa tradicional ni un conjunto de canciones memorables. película para mantener a los espectadores interesados ​​cuando la ven en casa. Recuerde, estas películas obtuvieron grandes resultados en las calificaciones de Nielsen cuando la gente las vio cortadas en tubos de 4×3 (a veces en blanco y negro). La película “Lawrence de Arabia” no cautivó de la misma manera a los espectadores. Fue filmado con cámaras Panavision Super 70 mm y proyectado en película de 70 mm en el cine más grande disponible.

Esto es casi imposible hoy en día si tienes la suerte de tener una casa con un proyector de 35 mm a menos de 100 millas de la tuya. ¿70 mm? Actualmente, sólo hay poco más de 60 salas capaces de proyectar una película en este formato. Considerando el número de copias de “Lawrence de Arabia” que se pueden proyectar y la voluntad de Sony de prestar una a un cine fuera de Los Ángeles, la gran mayoría de los cinéfilos necesitan basar sus vacaciones en la costa oeste en torno a una proyección de 70 mm de la película de Lean.

Bueno, probablemente la gran mayoría de los críticos de cine y Los directores encuestados por el BFI nunca habían visto Lawrence de Arabia en 70 mm. Lo cual es lamentable porque es la única película favorita de Steven Spielberg de todos los tiempos.

Ni Lawrence de Arabia ni Spielberg

Cuando Columbia Pictures publicó la restauración de Robert A. Harris para la versión de Lean de 'Lawrence of Arabia' en 1988 Steven Spielberg se unió a Martin Scorsese y a la entonces directora del estudio Dawn Steele en una conferencia de prensa en Manhattan. Para hablar sobre el impacto de la película en su vida y carrera.“Lawrence de Arabia fue la primera película que vi y que me hizo querer ser cineasta. Fue en Phoenix, yo tenía 13 o 14 años en ese momento, y fue muy abrumador”, dijo Spielberg.

En una entrevista en video que actualmente no está disponible en línea (pero ha sido publicada) Ha sido ampliamente citado por Far Out.Spielberg explicó esta experiencia diciendo: “No pude comprender la enormidad de esta experiencia, así que no pude comprenderla de una sola vez. Más bien, salí del teatro atónito y sin palabras”. No hubo comentarios en los DVD ni clips detrás de escena para ver en YouTube. Lo único que tuvo durante un tiempo fue un disco de vinilo de la banda sonora de Maurice Jarre, que incluía un folleto que analizaba brevemente la producción de la película. “Quería saber cómo se hizo esta película”, dijo.

He escuchado y leído a Spielberg hablar sobre Lawrence de Arabia tantas veces que me sorprende que no haya incorporado la experiencia anterior en la película. Su película semiautobiográfica La familia Fabelman. Para ser justos, esta película está construida con tanta habilidad que no sé dónde ni cómo se podría insertar una escena de “Lawrence de Arabia”, pero cada vez que veía la película, los comentarios de Spielberg, y los de Scorsese y Ridley Scott, que consideran la película una de sus favoritas, resonó en mí. Entendí y reavivó mi amor por la obra maestra de Lin.

Y hay algo que me alegra decir que tengo en común con Spielberg: he visto Lawrence de Arabia en 70 mm.

Si no has visto Lawrence de Arabia en 70 mm, nunca has visto Lawrence de Arabia

Mi primera experiencia con Lawrence de Arabia fue durante su reestreno en 1988. La película se proyectó en los Showcase Theatres de Toledo, Ohio, que, antes de su demolición en la década de 2000, albergaban dos casas enormes. Yo tenía 15 años en ese momento y apenas comenzaba a superar mi resistencia a las películas clásicas. Y no voy a mentir: sentí como si mis padres nos llevaran a mí y a mi amigo Dave a ese cine para ver una película de cuatro horas que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película una década antes de que yo naciera. Pero cuando Lane cortó la escena en la que O'Toole apagaba esa cerilla hasta el amanecer en el desierto árabe.La película lanzó un hechizo que ni siquiera un intermedio pudo romper.

Cuando me mudé a Los Ángeles en 2002, me propuse ver Lawrence de Arabia en 70 mm (normalmente en el Aero Theatre de la American Cinematheque) tanto como fuera posible. Fui con mi amigo Drew McWeeny en dos ocasiones y admiré su política de traer a cada proyección a un amigo diferente que no había visto la película en 70 mm (o nunca). En un viaje, no pude evitar ver a Alfonso Cuarón sentado cerca de la primera fila del Teatro Aero. Ojalá hubiera podido aprovechar su maravilloso ingenio después de ese espectáculo. (Ridley Scott mencionó esto cuando hicimos una sesión de preguntas y respuestas sobre su versión cinematográfica de Kingdom of Heaven). Y nuevamente cuando lo entrevisté para “American Gangster”.)

Pero como sé que esta película es la favorita de Spielberg, él es el artista con el que estoy ansioso por hablar extensamente. Me gustaría saber dónde está Lawrence de Arabia en el ADN de todas sus películas y qué cree que los directores jóvenes deberían aprender de ello. Principalmente quiero que enfatice la importancia de ver la película en 70 mm. Porque simplemente no entiendo cómo una película de tan impecable artesanía y magnitud transformadora no está en las listas de los diez mejores de muchos críticos. Esto no es vinculante. Más bien, se trata de la grandeza independiente de la película. Como escribió una vez Roger EbertVer “Lawrence de Arabia” proyectada en una película de 70 mm “está en la breve lista de cosas que todo cinéfilo debe hacer en su vida”.

No hay nada igual y, como señaló Spielberg en esa entrevista en vídeo, nunca volverá a haber algo parecido. Según el hombre que nos regaló Tiburón, E.T. Alien, La lista de Schindler y muchos otros clásicos:

“Lo que hace que esta película sea poco probable que se vuelva a hacer es que fue producida de manera orgánica con elementos de luz y sonido y quizás el mejor guión jamás escrito para el cine”. […] “Fue un milagro”.


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Las dos peores películas dirigidas por Steven Spielberg, según Rotten Tomatoes

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Durante mucho tiempo, pareció que todo lo que tocaba Steven Spielberg se convertía en oro. Después de establecer el concepto de películas de éxito con “Tiburón” en 1975, el director siguió cosechando éxito tras éxito con “Encuentros en la tercera fase” (1977), “Ladrones del arca perdida” (1981) y “E.T. Alien”. “(1982). Incluso Indiana Jones y el templo maldito (1984) fue un éxito de taquilla, pese al shock de algunos espectadores que no estaban acostumbrados a un esfuerzo tan oscuro y violento por parte del director. La respuesta crítica de la película fue más variada que la de su predecesora. Por supuesto, cualquiera que siga de cerca la carrera de Spielberg debe saber que Temple of Doom no es la primera vez que el aparentemente infalible director cae en la trampa de la crítica.

“1941” se ubica entre “Encuentros cercanos” y “Raiders” en la lista de películas de Spielberg. Producida en 1979, esta comedia de guerra está protagonizada por un elenco que incluye a Dan Aykroyd, Ned Beatty, John Belushi, John Candy y Christopher Lee. Lamentablemente, el increíble talento del elenco no pudo evitar que la incursión de Spielberg en la comedia no lograra impresionar a los críticos, incluso cuando la película recaudó tres veces su presupuesto de producción de 100 millones de dólares. 94 millones de dólares Ingresos de taquilla a nivel mundial.

Ahora, 45 años después de su debut, “1941” es una de las películas de Spielberg con menor calificación en Rotten Tomatoes, un hecho que ciertamente no preocupará demasiado a la leyenda del director. Pero si bien este fue un revés inicial en un récord por lo demás impresionante, “1941” no sería la última vez que Spielberg fue criticado, como lo demuestra su calificación en Rotten Tomatoes. clasificación Una de las creaciones del director de cine.

A 1941 de Steven Spielberg no le fue bien en Rotten Tomatoes

“1941” tiene una premisa un tanto extraña. La película intenta explotar el miedo que prevaleció en Estados Unidos después del ataque a Pearl Harbor para convertirlo en comedia, lo que probablemente fue lo que le llevó a obtener una calificación no muy buena en RT. Actualmente, “1941” tiene. “Con una calificación del 39% en el sitio web de RT. tomates podridosPero hay varias cosas que tengo que decir aquí.

En primer lugar, la puntuación de RT para “1941” se basa en sólo 28 reseñas, de las cuales sólo tres son de “principales críticos”. Es más, a dos de esos tres les gustó la película, incluso a Ian Farrer de Empire. escribiendo La película está “bendecida con la exageración de la brillantez”. De hecho, si echas un vistazo a la calificación promedio de “1941”, que es la representación que Rotten Tomatoes hace de las calificaciones reales que los críticos otorgan a las películas, “1941” obtiene una calificación más respetable de 5 sobre 10.

Sin embargo, no se puede escapar al hecho de que “1941” no fue un gran éxito de crítica, incluso con su elenco cómico estelar y los talentos de escritura de Robert Zemeckis y Bob Gale. En su crítica negativa de la película, New York TimesVincent Canby describió “1941” como “menos cómico que agotador” y “tan entretenido como un reloj de 40 libras”.

Sin embargo, el segundo punto clave aquí es que el 39% en realidad no es una calificación tan mala en comparación con algunas de las otras puntuaciones más bajas que hemos visto en las calificaciones de obras de directores y actores de Rotten Tomatoes. si lo eres John Travolta, con sus siete películas valoradas con un 0%.Por ejemplo, es posible que quede muy impresionado con una carrera que, en el peor de los casos, tuvo una puntuación del Tomatómetro del 39 %. Incluso la película del gran director Ridley Scott Filmografía La película tiene un recorte del 26%, lo cual es lamentable. Lamentablemente, el 39% no es en realidad el puntaje más bajo de Spielberg en Rotten Tomatoes.

Se suponía que Hook sería una película clásica de Steven Spielberg.

Después de Indiana Jones y el templo maldito, el público no estaba tan seguro de que el Steven Spielberg que conocía todavía existiera. Anteriormente, sus películas trataban de celebrar las maravillas de la infancia, pero Temple of Doom, con su violencia literal contra los niños, pareció marcar un punto de inflexión en el enfoque creativo del director. Pero gran parte de la oscuridad de “El templo maldito” provino del guión de George Lucas, más tarde del propio Spielberg. decir“No estaba nada contento con Temple of Doom. Estaba demasiado oscuro. […] “No hay ni una pizca de mis sentimientos personales en el Templo Maldito”.

Pero no se puede negar que las películas que siguieron fueron mucho más oscuras que “E.T.” o “Raiders”. “El color púrpura” y “El imperio del sol” fueron un punto de partida innegable para el director, que dio la bienvenida a su primer hijo en 1985, el mismo año en que abandonó su tan esperado proyecto, una adaptación cinematográfica de la historia de Peter Pan, y apareció asumir el papel de padre con suficiente seriedad como para que su punto de vista madure.

Pero a finales de la década de 1980, Spielberg finalmente estaba listo para hacer su propia adaptación cinematográfica de Peter Pan. “Indiana Jones y la última cruzada” de 1989 fue un regreso al enfoque más familiar del director, pero “Always”, estrenada ese mismo año, se sintió como otro paso atrás. Por lo tanto, Hook de 1991, como finalmente se llamó, fue su verdadero triunfo: un proyecto verdaderamente apasionante que una vez más explotó la fascinación y el respeto de Spielberg por la infancia. El director se identificó con el personaje de Jack en la historia original, cuya difícil relación con su padre reflejaba en cierto modo la de Spielberg. En ese sentido, al igual que con E.T., Hook parecía tener todas las características de un clásico de Spielberg. Lamentablemente, la película es ahora la película con la calificación más baja del director en Rotten Tomatoes.

La película peor valorada de Steven Spielberg sobre Rotten Tomatoes

Al momento de escribir este artículo, “Hook” tiene una calificación del 29% en tomates podridosA diferencia de “1941”, de las 65 reseñas recopiladas en el sitio, 18 de ellas provienen de “críticos destacados”, que claramente no eran muy fanáticos de la secuela de Steven Spielberg de la novela “Peter Pan” de J.M. Barrie de 1911.

En la película, Robin Williams interpretó el papel de un niño mayor que no habría crecido como Peter Banning, un abogado de mediana edad que está inmerso en su trabajo y ha olvidado su infancia. Cuando el Capitán Garfio de Dustin Hoffman captura a sus hijos, Peter se ve obligado a regresar a Neverland y redescubrir su infancia en el proceso. Lo cual no es una mala idea, en realidad, especialmente porque es una pequeña y agradable metáfora de la forma en que la madurez a menudo se desvía de nuestro sentido de inocencia. Lamentablemente, a pesar de obtener una modesta ganancia en taquilla, la película no resultó ser el clásico de Spielberg que muchos esperaban.

Los críticos no fueron muy amables con Hook, como lo demuestra su calificación como la película de Spielberg con la calificación más baja en Rotten Tomatoes. En una reseña particularmente mordaz, Kenny Turan del sitio web The National Entertainment dijo: Los Ángeles Times “Claramente cada vez es más difícil para este director liberarse de la tentación de las cosas materiales y creer en la simple magia”, escribió. En su película de dos estrellas, revisarRoger Ebert se mostró igualmente pesimista, calificando la película como “una triste nueva versión de una idea que alguna vez fue mágica” y escribió: “Lo triste del guión de 'Hawk' es que tiene un título muy correcto: toda esta construcción no es en realidad más que … Un gancho para colgar una nueva versión del cuento de Peter Pan.

¿Hawk es realmente malo?

Quizás no sea sorprendente que “Hook” sea la película de Steven Spielberg con la calificación más baja sobre Rotten Tomatoes. hasta El propio Spielberg no tenía mucha confianza en “Hook” mientras la filmabaafirmando no estar seguro de la mayor parte del escenario. Pero como se mencionó anteriormente, es casi seguro que la peor película de Steven Spielberg sería mucho mejor que la peor película de cualquier otra película de Hollywood, y el 29% no es excelente, pero ciertamente no es tan malo como podría ser. También vale la pena señalar que la calificación promedio real de la película en Rotten Tomatoes es 4.5 sobre diez, nuevamente, un ligero aumento con respecto a su calificación del 29%.

Sin embargo, años después del estreno de la película, Spielberg todavía se arrepiente y nos dice Semanal de entretenimiento En 2011:

“Hay partes de Hook que me encantan. Estoy muy orgulloso de mi trabajo hasta el momento en que Peter salta en paracaídas por la ventana hacia Neverland. Estoy menos orgulloso de la secuencia de Neverland porque no me siento cómodo con ese diseño tan excesivo. mundo con el que probablemente me ocuparía hoy, por supuesto, con personajes en vivo dentro de un set digital “Completamente”.

Sin embargo, al menos Spielberg puede estar tranquilo sabiendo Hawkeye inspiró al director de la próxima película “Wicked”Y estoy seguro de que la música de la película es la menor de las preocupaciones del director cuando se trata del bien intencionado pero desafortunado Peter Pan.


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Alfred Hitchcock rechazó una oferta para conocer a Steven Spielberg por una extraña razón

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De vez en cuando, aparece una historia de Hollywood que nos recuerda cuánta superposición existe realmente entre la vieja guardia y los maestros modernos. Tomemos, por ejemplo, el legendario encuentro entre Steven Spielberg y Alfred Hitchcock, dos grandes cineastas cuyas obras combinadas abarcan más de un siglo de historia cinematográfica. El debut de Hitch como director fue en 1922, antes de que Hitchcock asumiera el cargo de director de producción en 1928. sonido avanzado y el color en la pantalla, mientras que Spielberg inculcó en la era del Nuevo Hollywood una sensación de espectáculo espectacular y una gran emoción personal a partir de principios de los años setenta.

Sin embargo, los dos directores no podrían ser más diferentes. La leyenda dice Un día sus caminos casi se cruzaron. Spielberg pidió reunirse con Hitchcock, pero el director de “Psicosis” y “Vértigo” rechazó su petición. ¿Por qué? Porque, según las memorias de Bruce Dern de 2007 Cosas que dije, pero tal vez no debería haber dicho, Spielberg hizo que Hitchcock se sintiera, en palabras del propio maestro del suspense, como una “puta”.

Según Bruce Dern, Spielberg visitó el set de Family Plot

Dern trabajó con Hitchcock en su última película, Polémica comedia negra “Trama familiar” Escribió que se sentó junto al director y habló con él durante toda la producción. Y no fue el único que tuvo la oportunidad de admirar el genio del hombre detrás de algunas de las películas más emocionantes del siglo: según Dern, un joven Spielberg también apareció a menudo en el set. “En Universal, Steven Spielberg solía estar atrás en Family Plot, y Hitch siempre se volvía hacia mí y me decía: 'Bruce'. ¿Quién es este chico?' Parece que el director ya había terminado Tiburón y probablemente estaba trabajando en Encuentros en la tercera fase (aunque esa película, curiosamente, fue producida por Columbia Pictures, no por Universal).

Según Dern, identificó al intruso de Spielberg y le dijo a su jefe: “Mira, Hitch, sólo quiere hablar contigo durante diez minutos. Cinco minutos”. Hitchcock, aparentemente inconsciente del efecto que tenía sobre él, respondió: “Bueno, ¿qué quiere?”. Dern explicó que él era sin duda el modelo a seguir de Spielberg y que el prometedor director quería aprender de los mejores. “Sólo quiere sentarse a tus pies durante cinco minutos y charlar contigo”, recuerda Dern haberle dicho a Hitchcock. Continuó: “No quiere preguntarte nada técnico, sólo quiere decirte cuánto le gustas y aprecia tu capacidad para hacer películas. Si hay alguna orientación que puedas darle, él realmente te lo agradecerá”. “.

Hitchcock se sintió inesperadamente culpable por Tiburón

Hitchcock respondió hilarantemente preguntando si Spielberg era “el chico que hizo la película del pez”. Cuando Dern confirmó que había dirigido Tiburón, Hitchcock admitió que “se asustó”. Hitchcock finalmente admitió que, como él mismo dijo, “nunca podría sentarme y hablar con él, porque lo miro y me siento como una puta”. Dern estaba comprensiblemente confundido, pero dijo que respondió: “¿Qué quieres decir con 'perra'? Supéralo, amigo”. Todo en esta historia es divertido, desde Hitchcock llamando a Tiburón una “película de peces” y preocupándose por su propia vergüenza, hasta Dern pidiéndole que lo supere sin conocer el contexto de sus sentimientos, hasta Spielberg deambulando por el set de “La trama familiar”. “Por razones que no están claras para su director.

Más tarde, todo empieza a tener más sentido (pero no menos cómico), cuando Dern, que estaba sentado junto a Hitchcock mientras este dirigía “Family Plot”, vuelve a preguntar por Spielberg. “¿Por qué sientes que Spielberg te hace sentir así?”, preguntó, señalando que él y Hitchcock siempre miraban al grupo durante sus conversaciones, en lugar de mirarse entre sí. Finalmente, Hitchcock admitió: “Porque soy la voz de Tiburón. Universal me pagó un millón de dólares. Lo tomé y lo hice. Soy una verdadera perra”. “No puedo sentarme y hablar con el chico que hizo la película del pez”, concluyó el director, avergonzado de que le hayan vendido una atracción en el parque temático. Para hacer la reunión aún más incómoda, resultó que nunca había visto la película, algo que Dern dijo que era inusual en Hitchcock. Hitchcock preguntó: “¿Fue El pez una buena película?” Sobre la gran película de verano que redefinió el terror para toda una generación. “Nunca he visto una película completa, ni siquiera si es mía”.

A pesar del casi accidente, Hitchcock sigue siendo una inspiración para Spielberg

La atracción mencionada aquí es probablemente la primera atracción “Tiburón” en Universal Studios, que abrió en 1976 según el sitio web. JusRide.netLa primera versión fue parte del popular recorrido en tranvía del estudio, e inicialmente la película se centró más en escenas de la película, incluida la tienda de cebos y aparejos de Quint y el barco de pesca de tiburones The Orca, que en el gran tiburón en sí. Sin embargo, Hitchcock no parece ser acreditado en ninguna parte como la voz de este viaje (generalmente narrado por un guía turístico en tranvía), lo que lleva a que aparezcan nuevas ubicaciones. Como la mandíbula diaria Inferir que el director pudo haber querido decir que expresó un avance promocional de Universal Studios que destaca el viaje. Como muestra esta historia, Hitch no siempre estuvo interesado en los detalles (como el nombre de la película) en este momento de su vida.

Dern escribe que cada vez que le contaba esta historia a Spielberg, el director siempre decía: “Dios mío, se me pone la piel de gallina”. Incluso la idea de un encuentro cercano con Hitchcock le parece significativa al director. Es una pena que el dúo no haya tenido la oportunidad de expresar los pensamientos del otro, ya que “The Fish Movie” utilizó algunos movimientos clásicos de Hitchcock para mantener cautivada a la audiencia. Spielberg ha dicho en entrevistas que los notorios problemas mecánicos que el robot tiburón enfrentaba detrás de escena de “Tiburón” lo estaban agravando. Fueron una bendición disfrazada.lo que lo obligó a repensar la película de una manera que mostraba a los espectadores mucho menos del monstruoso cazador marino, y al mismo tiempo nos hacía tener mucho miedo de él de todos modos.

Spielberg dijo una vez: “La película ha pasado de ser una película de terror japonesa que se proyecta un sábado por la tarde a ser más un thriller hitchcockiano, con menos visualizaciones y más suspenso”. Los tiempos de RoanokeEs la misma estrategia que hizo que “Psicosis” tuviera tanto éxito: la película logró que el público tuviera miedo de la señora Bates sin llegar a mostrárnosla, creando mucho suspense que culminó en el truco más brillante de todos. Hitchcock ha utilizado la estrategia de “menos es más” muchas veces a lo largo de los años, pero debido a su timidez, es posible que nunca se haya dado cuenta de que esta estrategia ayudó a inspirar la carrera de uno de los directores más exitosos de todos los tiempos.


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El verdadero motivo por el que Steven Spielberg rechazó dirigir la segunda parte de Tiburón

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Aunque Tiburón no fue la primera película de Steven Spielberg, fue la película que puso a Spielberg en el mapa. Problemas de producción (Se excedió del presupuesto y del cronograma), había muchas posibilidades de que Tiburón hubiera terminado la carrera de Spielberg justo donde estaba. En cambio, Killer Shark prácticamente inventó el éxito de taquilla del verano tal como lo conocemos y convirtió a Spielberg en una superestrella. El público se alineó alrededor del edificio para ver lo que Spielberg había creado, y el éxito masivo fue una garantía de que Spielberg podría hacer lo que quisiera durante el resto de su carrera. Entonces, ¿qué quería hacer Spielberg a continuación? Bueno, definitivamente no fue una secuela de Tiburón, eso es seguro. En 1975, Spielberg, según el libro de John Baxter “Steven Spielberg: The Unauthorized Biography”, se burló de la idea, diciendo que hacer una secuela era “sólo un truco barato”.

Pero el estudio universal definitivamente La productora quería producir una secuela de la película. Suponiendo que alguien sería capaz de hacer la película, tuviera o no la intención de hacerlo, los productores de Tiburón, David Brown y Richard D. Zanuck para realizar la segunda parte de la película. Es cierto que el tiburón explotó al final de la película original de Tiburón, pero ¿y qué? ¡Hay muchos peces en el mar! Finalmente, el estudio recurrió al director de cine Jannot Szwark para dirigir la secuela, que se estrenó en 1978.

Como todos sabemos, Spielberg no era tan reacio a las secuelas como lo era en 1975. No solo dirigió la mayoría de las secuelas de Indiana Jones, sino que también dirigió la primera película de Jurassic Park, El mundo perdido. Años más tarde, le preguntaron a Spielberg por qué rechazaba Tiburón 2, y su respuesta fue algo diferente a simplemente oponerse a las secuelas en general. En cambio, Spielberg afirmó que fue su experiencia negativa al dirigir la primera película de Tiburón lo que le impidió regresar a las costas de Amity Island.

Steven Spielberg está cansado del agua

Esto ha sido bien documentado. A Steven Spielberg no le fue bien haciendo Tiburón. La producción fue una pesadilla, y surgieron problemas porque Spielberg realmente quería filmar en locaciones en lugar de en un estudio de sonido. Cada día surgía un nuevo problema durante la producción, incluido el hecho de que el tiburón mecánico que habían construido simplemente no funcionaba. Originalmente estaba previsto que Tiburón se filmara durante 55 días, pero finalmente tardó 159 días. Cuando terminó la película, Spielberg, que todavía estaba pensando en… lo hubieran despedidoFue agotador emocional y mentalmente.

Por supuesto, al final todo salió bien: “Tiburón” fue un gran éxito. Pero el rodaje de la película claramente dejó algunas cicatrices en la psique de Spielberg, hasta el punto de que no quiso participar en la secuela de “Tiburón”. En su conversación con ¿No es esta una gran noticia? (¿Los recuerdas?) En 2011, surgió el tema de dirigir una secuela de Tiburón, y Spielberg dijo:

“Ya terminé, ya terminé con el océano. Habría hecho la secuela si no hubiera pasado un momento tan horrible en el mar en la primera película. Definitivamente habría aprovechado la oportunidad de tener la secuela porque Sabía que cuando me alejé de la secuela me estaba alejando de una gran parte de mi vida. Mi vida ayudó a crearla, pero no fue una decisión difícil alejarme. [away] “A partir de ahí, no podía imaginarme volver al océano y sentarme en un barco durante 9 meses. No podía imaginarlo en absoluto”.

Las películas de Tiburón continuarán sin Spielberg. Después de “Jaws 2” vino “Jaws 3D” y finalmente “Jaws: Revenge”. Y aunque creo que “Tiburón 2” tiene sus momentos (es básicamente una película de terror con un tiburón como asesino), es seguro decir que casi todos están de acuerdo en que ninguna de las siguientes películas se acerca a la original de Spielberg. Francamente, incluso si Spielberg hubiera dirigido la película, habría tenido que rehacerla. rey Cuando volví a dirigir Tiburón 2, sentí que no sería tan buena como la primera película: era un rayo en una botella, y repetir ese éxito parece casi imposible.


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Cómo Shia LaBeouf arruinó su relación con Steven Spielberg

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El actor Shia LaBeouf se ha quedado muy por debajo de su pico de la década de 2000, principalmente debido a una serie de… Acusaciones de abuso y arrestos por Acoso, alteración del orden público y agresiónLaBeouf ha pasado los últimos años intentando rehabilitar su imagen, incluyendo… Entrevista de dos horas En el podcast de Jon Bernthal de 2022 donde habló sobre su camino hacia la sobriedad y sus muchos arrepentimientos.

LaBeouf también se disculpó por un error más trivial: sus comentarios despectivos sobre el director Steven Spielberg a raíz de “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”. La película de 2008, que originalmente prometía revivir la franquicia y tal vez incluso convertir al personaje de LaBeouf en el Indiana Jones de una nueva generación, fue una decepción para los críticos y LaBeouf no lo manejó bien en ese momento.

“Llegas allí y te das cuenta de que no has conocido al Spielberg con el que soñaste”, dijo LaBeouf a V.I. Entrevista 2016“Estás conociendo a un Spielberg diferente, que se encuentra en una etapa diferente de su carrera. No es tanto un director sino un compañero”. Dos meses después, LaBeouf dijo Pido disculpas En cuanto a su afirmación: “A veces cometo errores… Tal vez podría haber sido menos estricto con Spielberg, tal vez era algo de lo que debería haberme echado atrás”.

Parece que muchos de los comentarios de LaBeouf hacia el director fueron el resultado de que habló abiertamente sobre sus problemas personales sin considerar cómo podría arrastrar a otros a ellos. “El trabajo de un actor es darle vida a la película y hacerla exitosa”, dijo sobre “Crystal Skull” en una entrevista. entrevista 2010“Y no pude hacerlo. Así que es mi culpa”. Parece claro que LaBeouf estaba enojado consigo mismo por no poder aprovechar al máximo sus múltiples conciertos con Spielberg, pero expresó su remordimiento de la manera menos productiva posible.

LaBeouf y Spielberg: ya no son una pareja

LaBeouf trabajó en varios otros proyectos producidos por Spielberg en la década de 2000 (como “Eagle Eye”, “Transformers” y “Disturbia”), pero la colaboración se detuvo repentinamente alrededor de 2010. Parte de esto parecía ser el resultado del abuso de LaBeouf hacia Steven. Spielberg frente a la prensa, pero la mayor parte de eso probablemente fue resultado de la creciente reputación de LaBeouf como una persona poco confiable y volátil con quien trabajar. LaBeouf todavía está obteniendo algunos buenos papeles cinematográficos en estos días, como “Honey Boy” de 2019 y La próxima “Megalópolis”. Del director Francis Ford Coppola, pero este tipo de proyectos ahora son pocos y espaciados.

La señal más clara de que las cosas habían terminado entre LaBeouf y Steppelberg fue en “Indiana Jones y el disco del destino” de 2023. Steppelberg no dirigió esa película, sino que la coprodujo, y el tratamiento que la película da al personaje de LaBeouf, Matt, parece siniestro. ¿Sabes cómo terminó la película Crystal School con Matt sosteniendo el sombrero de Indiana Jones, lo que significa (aunque solo sea por un momento, antes de que Indiana Jones lo tomara) que algún día podría liderar la franquicia? Bueno, “Puck of Destiny” toma un rumbo diferente: demuestra que “Indiana Jones and the Puck of Destiny” es el personaje de LaBeouf. Una muerte fuera de la pantalla fue asesinada.que murió en Vietnam a pesar de que Indy le advirtió que no se inscribiera.

Es un final confuso para un personaje que alguna vez fue importante, y un extraño ejemplo de cómo la franquicia repudia por completo todo lo que estableció la película anterior. ¿Habría pasado esto si LaBeouf no se hubiera pasado los años posteriores a “Crystal Skull” insultando al director? Es imposible decirlo con certeza, pero ciertamente no ayudó.


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Por qué es posible que Steven Spielberg y Julia Roberts nunca vuelvan a trabajar juntos después de Hook

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Julia Roberts y Steven Spielberg solo trabajaron juntos una vez: De la película “Hook” de 1991. – No fue una experiencia agradable para ninguno de los dos. Recordemos que la película “Hook” es una continuación del cuento “Peter Pan” de J.M. Barrie, ya que imagina lo que podría pasar si Pan dejara la tierra de los sueños, creciera y formara una familia. En la visión de Spielberg, Pan cambiaría su nombre por el de Peter Banning (Robin Williams), se convertiría en un abogado aburrido y se olvidaría por completo de su eterna juventud como niño elfo volador.

Pero el Capitán Garfio (Dustin Hoffman) no lo ha olvidado, por lo que envía a sus piratas a la Tierra para secuestrar a los hijos de Banning y atraerlo de regreso al País de Nunca Jamás. Tinker Bell (Roberts) ha secuestrado a un Peter adulto y lo ha devuelto por la fuerza a su juventud en el cielo. Inicialmente, Peter odia Neverland (los Niños Perdidos son demasiado ruidosos), pero poco a poco comienza a recordar su época como Peter Pan y, finalmente, comienza a volver a la normalidad.

“Hook” es una de las peores películas en la carrera cinematográfica de Spielberg y no recibió buenas críticas, ya que su índice de aprobación en Rotten Tomatoes fue solo del 29%. Sin embargo, “Hook” fue un éxito abrumador, y hay un segmento determinado. A tantas personas (personas que tenían 11 años en 1991) les gustan sus aventuras alegres y su emocionante diseño de producción que es a la vez amado y odiado.

Roberts y Stapelberg seguramente no lo recordaban bien, ya que durante el rodaje tuvieron una relación tormentosa, como se rumorea desde hace años. En un episodio de “60 Minutes”, Steppelberg señaló que “fue un momento difícil para nosotros trabajar juntos”, que es la forma más diplomática de describir una mala relación laboral. Parece que muchas de las diferencias entre ellos surgieron de la relación real de Roberts con el actor Kiefer Sutherland.

Julia Roberts en Tinkerhell

Roberts escuchó la entrevista de Spielberg en “60 Minutes” y la comentó en una entrevista de 1999 con Vanity Fair. También escuchó rumores no atribuidos de que era “difícil” en el set (un término clásico del argot para criticar a las actrices en Hollywood) y que se ganó el apodo de “Tinker Hill” en el set. Es difícil decir cuántos de estos rumores son ciertos, pero Roberts estaba molesta porque su director no la defendió. En una entrevista de 1999 con Vanity Fair, también escuchó el rumor no atribuido de que era “difícil” en el set (un término clásico del argot para criticar a las actrices en Hollywood) y que se había ganado el apodo de “Tinker Hill” en el set. Es difícil decir cuántos de estos rumores son ciertos, pero Roberts estaba molesta porque su director no la defendió. Feria de la vanidad Roberts dijo:

“Mano a Dios: no algo Lo leí y era verdad, y realmente hirió mis sentimientos. No sólo me hizo quedar mal, sino que fue una situación en la que las personas que sabían la verdad sobre él hablaban de manera inapropiada. No sincero. […] Vi eso y mis ojos se salieron de mi cabeza. No podía creerlo. No podía creer que en realidad fuera alguien a quien conocía y en quien confiaba. vacilante Para venir en mi defensa. […] Fue una dura lección que aprendí. “Esa fue la primera vez que sentí la presencia de un hipócrita entre mis filas”.

Es probable que Spielberg estuviera al tanto de los problemas de relación de Roberts en ese momento, pero parece que no fue muy comprensivo. Rodaje de la película “Halcón” El rodaje de “Hook” comenzó el 19 de febrero de 1991 y se excedió del calendario previsto. Se suponía que el rodaje duraría 76 días, pero los retrasos se acumularon hasta 40 días adicionales. El presupuesto aumentó a 80 millones de dólares y probablemente todos estaban molestos. Roberts y Sutherland estaban comprometidos y eligieron el 14 de junio como fecha de boda. Si “Hook” hubiera terminado a tiempo, habría terminado el 4 de mayo. Los 40 días adicionales dicen que la filmación terminará… el 13 de junio.

Quizás no sea coincidencia que Roberts y Sutherland cancelaran la boda y se separaran el 13 de junio.

Duras condiciones de trabajo

“gancho” de producción Esto probablemente ejerció presión sobre Roberts y Sutherland. Es posible entender por qué Roberts parecía molesto durante el rodaje; Fue. La película le estaba ocupando demasiado tiempo y ella estaba luchando con su próxima boda… o una posible ruptura.

En el libro de Joseph McBride “Spielberg: A Biography” se afirma que Roberts también estaba agobiado por otros factores. Aparentemente, Dustin Hoffman era conocido por querer ceñirse a las reglas de la actuación metódica, lo que hacía que los días de rodaje se prolongaran durante horas y horas sin ningún motivo razonable. Además, debido a que Tinker Bell mide solo unos pocos centímetros de alto, muchas de las escenas de Roberts fueron filmadas frente a una pantalla verde o en escenarios enormes, lo que a menudo la distanciaba de sus compañeros de trabajo. Es fácil sentirse aislado cuando filmas algunas escenas con otros actores. Roberts probablemente se sentía muy sola, agotada y ansiosa, y Spielberg no estaba allí para recuperarla.

Spielberg también se sintió abrumado por el retraso, por lo que no se tomó el tiempo para asegurarse de que Roberts estuviera bien. En lugar de hablar con franqueza, el director y la actriz parecieron pelear mucho, lo que generó hostilidad y resentimiento. Cuando Roberts vio la entrevista en 60 Minutes, se enojó mucho. Ni Spielberg ni Roberts han dicho explícitamente que se nieguen a trabajar juntos… pero ciertamente no lo han hecho desde 1991.

Si los dos todavía se odian o no es todavía una cuestión de especulación, y hay muchas razones para creer que enterrarán el hacha. Pero hasta que Spielberg elija a Roberts para otra producción, podríamos suponer que todavía se arrepienten de su experiencia en Hook.


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Steven Spielberg tenía una solicitud importante para la película Tiburón (excepto Key)

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Recuerdo el momento en que me di cuenta por primera vez de cuánto control tenía el director sobre la película, cuando supe que él escogía conscientemente los colores que usaba en sus películas. En ese momento me di cuenta de que las películas son, ante todo, imágenes en movimiento. Las fotografías no son sólo un lienzo que cuenta una historia, también son un medio de autoexpresión. Somos La historia y ésta deben realzar los temas, el estado de ánimo, etc. tanto como lo hace cualquier diálogo o ritmo narrativo.

Mike Mignola, famoso escritor/artista de cómics y creador de Hellboy, Tengo una de mis explicaciones favoritas sobre cómo los artistas visuales utilizan el color como herramienta para contar historias. “Me encantan mis obras de arte originales en blanco y negro, pero cuando cuento una historia, el color es una herramienta muy importante. […] “A menudo me siento más cómodo haciendo trabajos donde sé que habrá color”, dijo.

Por supuesto, controlar el color al dibujar es mucho más fácil que controlarlo al fotografiar. Sin embargo, algunos cineastas profesionales, como Steven Spielberg, tienen un sentido innato de cómo colorear sus encuadres. Se sabe que Spielberg no pudo controlar todo en la película. Conjunto “Jaws”: los tiburones mecánicos y reales le dan dolores de cabeza– Pero logró cumplir un pedido: usar la menor cantidad de rojo posible, para que las escenas sangrientas resalten más.

¿Por qué hay tan poco rojo en la película Tiburón?

La biografía de Laurent Bouzereau, Spielberg: Los primeros diez años, incluye entrevistas con el hombre mismo; El autor pregunta a Spielberg si es cierto que limitó el uso del rojo en la película “Tiburón”. Este código de colores ha sido adoptado durante mucho tiempo por espectadores y académicos, por lo que Spielberg no sacudió al mundo exactamente con su afirmación. Sin embargo, explicó cómo tomó esta decisión:

“No quería que el rojo fuera dominante en ninguna de las colecciones”, dijo. [production designer Joe Alves]'por favor […] “Cuando diseñes la imagen y elijas los colores adecuados para ella, no uses mucho rojo, teniendo en cuenta la sangre”. En general, nos hemos adherido a esto en gran medida”.

Hubo algunas excepciones específicas, que Spielberg señaló en la entrevista. Alex Kintner (Jeffrey Voorhees), víctima del tiburón, viste shorts de baño de color rojo brillanteEn esta película, Martin (Roy Scheider) y Eileen Brody (Lorraine Gary) se retratan como víctimas de la muerte. Mientras Martin (Roy Scheider) y Eileen Brody (Lauren Gary) beben vino tinto durante la cena con Hopper (Richard Dreyfuss), Martin se sirve un vaso entero de agua. Pero en estas escenas, los colores rojos actúan como “simbolismo y presagio” (en palabras de Spielberg), por lo que el rojo era apropiado. Piense en la toma en la que el barco andrajoso de Alex Kintner se balancea en las olas empapadas de sangre; Es una de las primeras explosiones rojas de la película y destaca aún más por el contraste de color con el barco amarillo.

“Tiburón” no es una película llena de sangre; Entre los más elogios que recibió la película estuvo su dependencia del suspenso y la construcción de personajes. Es cierto que hay ataques de tiburones, pero sólo en periodos cortos. El hecho de que Spielberg no permitiera el uso de colores rojos en el encuadre excepto en momentos importantes es un símbolo de su moderación general al abordar la violencia en “Tiburón”.


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¿Por qué Steven Spielberg cambió su estilo cinematográfico en Salvar al soldado Ryan?

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¿Steven Spielberg tiene cierto “estilo”? Esta es una pregunta que se hacen muchos de los que han estudiado el trabajo de Spielberg a lo largo de los años, y muchas personas afirman que el estilo de Spielberg es algo invisible. Tiende a adaptarse a cualquier historia que cuente; en otras palabras, la película dicta el estilo. Claro, tiene sus trucos que le gusta usar (como la famosa “película que cuenta una historia”). La cara de Spielberg.(donde los personajes miran asombrados algo fuera de cámara), pero el estilo de Spielberg se puede resumir como “cualquier cosa cinematográfica”. Pauline Kael dijo una vez“Si existe el sentido del cine -y creo que existe un sentido del cine- Spielberg realmente tiene ese sentido”. Spielberg también tiene mucho control: es muy preciso acerca de dónde y cuándo coloca la cámara.

Sin embargo, cuando llegó el momento de liderar Su epopeya de la Segunda Guerra Mundial “Salvar al soldado Ryan” Spielberg decidió cambiar un poco las cosas en comparación con sus otras películas. Anteriormente había experimentado la Segunda Guerra Mundial, especialmente en su drama ganador del Oscar “La lista de Schindler”, pero en “Ryan”, el director quería probar algunos enfoques nuevos. Mientras que “La lista de Schindler” abordó los horrores del Holocausto, “Salvar al soldado Ryan” es una película de guerra de la vida real, llena de escenas de la Segunda Guerra Mundial. pelea brutalque incluye una secuencia inicial impresionante e inquebrantable que representa la invasión de Normandía.

Como señaló el director de fotografía estadounidense durante una entrevista con Spielberg en 1998 (a través del libro de Brent Nottebohm, Steven Spielberg), aproximadamente el 90% de Salvar al soldado Ryan se rodó con cámaras portátiles, lo que no es lo mismo que para un cineasta muy controlado como Spielberg. El estilo de filmación cámara en mano le da a la película una sensación cruda y cruda y, como enfatizó Spielberg, ese era exactamente el punto.

Spielberg quería que Salvar al soldado Ryan fuera “descuidado”.

“Toda la película tiene un estilo diferente a todo lo que he hecho antes”, dijo Spielberg a American Cinematographer, y agregó:

“Es muy difícil y accidentado y, en el mejor de los casos, creo, es extraordinariamente impreciso. Pero la realidad es que es impreciso: no es una toma perfecta ni un movimiento de grúa. Estábamos tratando de infundir miedo y caos en la película. y la sangre salpicó la lente, no dije: 'Oh Dios, arruiné la toma; “Tenemos que traerla de vuelta.” – Sólo la usamos para la fotografía. Nuestra cámara se vio afectada de la misma manera que la cámara de un fotógrafo de batalla se vería afectada cuando hubiera una explosión o una herida de bala cerca.

No sé si es “Salvar al soldado Ryan”. En primer lugar En otra entrevista, Spielberg dijo que aunque esta “negligencia” fue intencionada, él tenía mucho control. “Siempre puedo volver a hacer algo si no me gusta”, dijo el director.

Sin embargo, también añadió que hubo mucha improvisación a la hora de crear las escenas de acción de la película: “[I]”En términos de mi enfoque de las escenas de lucha, las improvisaba todas. Iba a la guerra y hacía las cosas como pensaba que las haría un fotógrafo de combate”. Y los resultados hablan por sí solos: Salvar al soldado Ryan es a menudo aclamada no sólo como una de las mejores películas de Spielberg, sino también como una de las mejores películas de guerra jamás realizadas. Spielberg también ganó el Premio de la Academia al Mejor Director.


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