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¿Por qué Steven Spielberg no me atrapó de inmediato si pudiste?

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Hay muchos contendientes para ello. Mejor película de Steven Spielbergpero “Atrápame si puedes” siempre ha sido mi favorita. Tal vez sea por la increíble banda sonora de John Williams, que fue tan memorable que “Los Simpson” tuvo que pausar un episodio regular. Para hacer un thriller extendido sobre ello.. Por otra parte, tal vez sea porque me encanta cualquier historia sobre un hombre que puede superar una situación imposible a través de pura confianza y carisma. La película también parecía encajar bien con Spielberg, ya que la historia de vida de Frank Abagnale reflejaba partes de su propia vida. Como Spielberg Se explicó en una entrevista de 2003 con Blackfilm.com.:

“Parte de esta foto es importante para mí porque trata de lo que Frank y yo compartimos, que son hogares rotos. Yo me escapé de casa cuando mis padres se divorciaron; a la misma edad, Frank se escapó cuando sus padres se divorciaron, así que tuve esa en común con él, por eso quería enfatizarlo en la foto “Siempre tengo que recordarle a la gente que lo estaba haciendo por una razón, y no solo que lo estaba haciendo porque tal vez estaba tratando de conseguir que mamá y papá volver a estar juntos.”

A pesar de esta conexión, Spielberg casi nunca dirigió la película. El hombre estuvo muy ocupado a principios de la década de 2000, con el lanzamiento de “Minority Report” sólo seis meses antes de “Catch Me If You Can” y “Artificial Intelligence” se estrenó apenas un año antes.. De hecho, la película ciertamente estuvo cerca de ser dirigida por otro director respetado que tenía poco en su agenda en ese momento, como Gore Verbinski (que entonces estaba a punto de dirigir Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra en 2003) o David Fincher. ((Que en su lugar continuaría haciendo “Panic Room” de 2002).

De hecho, si no fuera por algunos eventos clave que ocurrieron en 2000, existe la posibilidad de que “Atrápame si puedes” no solo no hubiera sido una película de Verbinski, sino que también hubiera sido protagonizada por James Gandolfini. Sí, de la fama de “Los Soprano”) como el agente del FBI Carl Hanratty en lugar de Tom Hanks. Esos planes fracasaron porque la película de 2000 en la que estaba trabajando DiCaprio, Gangs of New York, estaba retrasada. Esto no sería un hábito Cual Gran cosa, excepto que había una aparente huelga de actores y escritores en el horizonte, y Verbinski quería filmar “Atrápame si puedes” antes de que eso sucediera. como una variedad reportado en ese momento:

“Los expertos dicen que retrasar Catch Me podría matar al director de Catch, Gore Verbinski (Mouse Hunt), que está ansioso por conseguir una foto antes de que llegue. Un retraso más largo para Leo también reduciría la disponibilidad de muchos otros actores que tienen con los que el estudio ha estado en conversaciones incluye a la estrella de “Los Soprano”, James Gandolfini, quien sólo puede filmar durante una pausa.

¿Cómo sería “Atrápame si puedes” de Gore Verbinski?

En última instancia, lo más importante que impulsó a Spielberg a comprometerse a dirigir Atrápame si puedes fue que se dio cuenta mientras leía una serie particularmente impresionante. De la fantástica (y no tan cierta) versión de la historia real de Frank Abagnale Jr. “Salir del Aeropuerto Internacional de Miami con 120 agentes del FBI barriendo ese lugar fue la gota que colmó el vaso”, dijo Spielberg. “Y cuando leí eso pensé: 'Hombre, si esto es cierto, debería tomar esa foto'”.

El resto fue historia. “Atrápame si puedes” termina siendo una película muy spielbergiana, completa con tomas largas bien pensadas, tomas reflexivas y la arrolladora banda sonora de John Williams. También es difícil quejarse del trabajo que hizo, al igual que es difícil quejarse de la actuación de Hanks como el gato mayor del joven ratón de DiCaprio. Sin embargo, es difícil no preguntarse qué pudo haber sido.

Me hubiera encantado ver la versión de Carl Hanratty de Gandolfini, por ejemplo, y aunque me alegra que Verbinski haya cambiado el enfoque a la serie “Piratas del Caribe”, sigo pensando que podría haber hecho un buen trabajo dirigiendo esta película. Basándonos en su interpretación del personaje de Jack Sparrow en las películas de “Piratas”, sabemos que Verbinski es muy bueno cuando se trata de retratar a estafadores carismáticos y alentar a la audiencia a buscar a un maestro mentiroso, aunque sabemos que probablemente deberíamos hacerlo. . r. (Se podría argumentar que Jack Sparrow es básicamente un Frank Abagnale Jr. adulto en un barco). Las cosas funcionaron mejor con Spielberg dirigiendo “Catch Me If You Can”, pero no es que las alternativas no tuvieran potencial también.



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Este fracaso de Steven Spielberg aclamado por la crítica es en realidad una obra maestra de comedia caótica.

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Steven Spielberg jugaba con el dinero de la casa mientras se preparaba para realizar su quinto largometraje. Sus dos películas anteriores, Tiburón y Encuentros en la tercera fase, han recaudado el equivalente a 4.400 millones de dólares en 2024. Podría haber obtenido luz verde para una nueva versión de “Andrei Rublev” si hubiera insistido en el tema. También podría haber asegurado sus apuestas y haber dirigido “Tiburón 2”. Lo que fuera que hiciera a continuación, lo haría enteramente en sus propios términos.

Spielberg convirtió el dinero de esta casa en jodido dinero, filmando una comedia desordenada que es como ver al niño más rico de la ciudad construir un modelo de tren inmaculado preparado durante meses, filmar a Jules durante un día y tumbarse completamente y destrozar completamente su creación en la sombra durante menos de dos horas.

“1941” es una película loca Sobre los estadounidenses imprudentes e irresponsables alarmados por un inminente ataque japonés a las playas de California. Sus temores están bien fundados, pero su pánico los convierte en una amenaza para sus amigos y vecinos, especialmente cuando uno de ellos deja caer una batería antiaérea en su jardín delantero (con instrucciones hilarantemente precisas sobre cómo hacerlo). No dispararle). Finalmente, el estallido de los “nervios de guerra” provoca una conflagración masiva en Hollywood Boulevard que se extiende como la pólvora hasta Santa Mónica, donde un intercambio de artillería coloca la noria (y dos guardias) en el Océano Pacífico y deja una casa completamente destruida. .

La quinta película de Spielberg a menudo se considera su primer fracaso, pero recaudó 95 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 35 millones de dólares (su recaudación nacional de 31 millones de dólares habría sido aún mayor si Universal no la hubiera estrenado el mismo día que la película). Jerk” en la cima de su éxito). a la popularidad de Steve Martin). Sin embargo, fue un fracaso a los ojos de los críticos del país, que estaban bastante ansiosos por ver devorado al genio cinematográfico.

A los críticos no les hizo gracia 1941.

En su artículo de una estrella y media para “1941”, “Todo el mundo corre de un lado a otro como personas atrapadas en un sketch de Jack Davis para la revista Mad”, escribió Roger Ebert. Eso no es malo, Rog. Es la virtud rectora de la película. El caos a gran escala no es necesariamente divertido por sí solo (ver la estridente monotonía de John McTiernan en “Last Action Hero”), pero cuando se desata al servicio de la sátira estadounidense en tiempos de guerra, se siente completamente apropiado. Otros críticos, como Vincent Canby del New York Times y Gary Arnold del Washington Post, fueron más duros. El primero califica la película de Spielberg “Tan divertido como un reloj de 40 libras (¿se supone que los relojes son divertidos?) Este último lo condenó como “un horrible desperdicio de recursos cinematográficos y escénicos”. Pauline Kael de The New Yorker fue una de las pocas voces prominentes en el rincón de Spielberg, pero moderó su crítica positiva al decirle a Spielberg: “No te saldrás con la tuya fácilmente; estamos esperando que fracases”.

El punto de comparación más adecuado para “1941” es “It's a Mad, Mad, Mad, Mad, Mad World” de Stanley Kramer, una animada comedia épica sobre un grupo de gente corriente que llega a los extremos en su frenética búsqueda de un mundo oculto. suerte. Los chistes de esta película son intencionalmente exagerados (como Jonathan Winters destruyendo una estación de servicio entera mientras intenta golpear a dos asistentes molestos), y te ríes de hasta dónde llega Kramer para entretenernos. Spielberg también hizo lo mismo en 1941, pero creo que los críticos más enojados de su película pensaron, por ejemplo, que desenroscó la noria y la hizo rodar por la acera de verdad. Como ocurre con la mayoría de las grandes escenas de la película, esta secuencia se representa a través de miniaturas sorprendentemente precisas.

Las películas de estudio suelen ser caras por muchas razones tontas, y eso conviene señalarlo. Pero cuando hay un director genial como Spielberg al mando, puedes esperar recibir la mitad de lo que pagas (siempre que el título de la película no sea “Hook”). Y en “1941”, utilizó todo su presupuesto para montar una escena brillantemente diseñada tras otra. Y ahora es un buen momento para hablar del legendario número musical de la USO que se hunde en un caos que corrompe la realeza.

La deslumbrante audición de Steven Spielberg para West Side Story

Vi “1941” por primera vez cuando tenía seis años y abrumó mis sentidos con cine puro y sin cortes. Rápidamente me obsesioné con él y dejaría todo para verlo cuando lo veía por cable. Obviamente me gustó tanto la noria como Ward Douglas (Ned Beatty), que redujo su casa a escombros en un desastroso e inútil intento de hundir un submarino japonés que apareció frente a la costa de Santa Mónica, pero lo más destacado siempre fue el baile USO. y todo lo que surge de eso después de que Wally quedó expuesto. El pobre Stevens (Bobby Di Cicco) es atacado por el cabo Chuck Sitarski (Treat Williams) y, para golpearlo aún más, el hombre que le robó el uniforme de la Marina.

Durante muchos años, esta secuencia fue la promesa de un musical de Spielberg que estaba por llegar. fue la razon Algunos de nosotros estábamos muy emocionados por “West Side Story”. Una vez que Wally llega al baile de graduación, tiene que bailar como un poseso mientras esquiva los puños de cemento de Sitarski, quien desea pasar tiempo con su compañera Betty (Diane Kaye). Así que Wally tiene dos compañeros en esta escena y, sinceramente, es más interesante cuando evade a Sitarski. Spielberg filma todo con una combinación perfecta de cortes hábiles (en conjunto con su brillante editor Michael Kahn) y otros que están tan perfectamente organizados que tienes que esforzarte para buscarlos en repetidas visualizaciones. Esto no me suena a cine. Es una hazaña brillantemente orquestada de caos controlado que finalmente estalla y se derrama entre la multitud y las calles. Es estimulante, y no entiendo cómo esta cosa técnica y emocionalmente deslumbrante termina rutinariamente cerca o al final de la clasificación de películas de Spielberg, debajo de películas en gran medida principales como “The Lost World: Jurassic Park”, “The BFG” y, oh Sí, ” “Gancho”.

1941 es un panorama oportuno de una América fuera de control

El aspecto más preocupante de “1941” a los ojos de algunos críticos es que trafica descuidadamente con insultos y caricaturas raciales. El uso repetido de un epíteto es ciertamente difícil de digerir y nada divertido, dado que el presidente Franklin Roosevelt firmaría la Orden Ejecutiva 9066 menos de dos meses después de los acontecimientos ficticios de la película. Personas que sólo parecían japoneses estaban a punto de ser arrestadas, abusadas e incluso asesinadas en Estados Unidos.

“1941” no intenta abordar esto. Se centra en el pánico que provocarían tales ataques y deja muy claro que todos en esta película, excepto el enojado comandante del submarino Toshiro Mifune, son una especie de bufón estadounidense. El más peligroso del grupo es el capitán Wild Bill Kelso, interpretado por John Belushi, un piloto borracho de la Fuerza Aérea convencido de que las fuerzas invasoras japonesas ya han aterrizado. Es un teórico de la conspiración, Alex Jones de Heaven, y se está preparando para causar la muerte de un gran número de personas inocentes mientras persigue una amenaza inventada.

Kelso es el corazón oscuro de “1941”, un payaso armado sin tiempo para la razón y con mucha munición. Hará que nos maten a todos, o más probablemente, nos matará en su búsqueda por proteger el país que dice amar. El mundo está en guerra en 1941 y los ciudadanos responsables del país se alistan o se ofrecen como voluntarios para hacer su parte para salvar la civilización. No necesitan la distracción de un fanático como Kelso, cuya certeza ebria fácilmente podría poner al país en contra de sí mismo. Hace años nos hubiésemos reído de su estupidez. Ahora que el país está gobernado por un gran grupo de Kelso, “1941” es desgraciadamente una de las películas más interesantes e importantes de ver de la obra de Spielberg. Simplemente no cometa el error de ver el avance de 146 minutos. “1941” hace todo lo que tiene que hacer y más en su versión teatral de 118 minutos.



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El consejo honesto y divertido que Steven Spielberg le dio a Josh Brolin de Marvel

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La película de aventuras de Roshard Donner de 1985 “Los Goonies” Es muy querido por un segmento muy específico de la población, es decir, personas que tenían unos nueve años cuando se lanzó. Donner describió la habitación caótica, malhablada y habladora y la naturaleza cruel de los niños pequeños de la vida real, permitiendo que los protagonistas de su película, en edad de escuela primaria, parecieran luchadores y sin pulir. Los constantes insultos y chismes hicieron que su aventura del tesoro pirata pareciera aún más surrealista. Y si VERDADERO ¿Los niños fueron a una búsqueda del tesoro al estilo Indiana Jones en las catacumbas? “Los Goonies” eran, para cierta generación, atractivamente identificables.

También puede ser exagerado. Donner, el guionista Chris Columbus y el guionista Steven Spielberg solo querían hacer un viaje divertido con el mapa del tesoro. Me recordaba a las novelas de Hardy Boys y otros libros de aventuras para niños. Nunca tuvo la intención de servir como un tratado para toda una generación, y los realizadores intencionalmente no incluyeron ningún tipo de simbolismo asociado con la experiencia humana. Lo máximo que se puede decir sobre Los Goonies es que detalla la destrucción de una pequeña ciudad a medida que las corporaciones inmobiliarias toman el control y cómo las familias se dividen por la creciente ola de crecientes tasas de divorcio.

Josh Brolin (actor conocido, entre muchas otras cosas, por Juega a Thanos en el Universo Cinematográfico de Marvel) aparece en “Los Goonies” como Brand Walsh, el molesto hermano mayor del protagonista Mickey (Sean Astin). Se muestra a Brand usando una camiseta sin mangas y una diadema, y ​​le encanta hacer ejercicio con equipos de resistencia portátiles. Parece que Brolin tenía muchas ganas de leer atentamente el texto de Colón, profundizando en su significado e intentando encontrar simbolismos que los realizadores pudieran incluir. Brolin incluso compartió sus pensamientos con Spielberg, y el famoso director tuvo que pedirle al joven actor que se callara y actuara.

en Entrevista con la revista PeopleBrolin compartió el consejo que le dio Spielberg. Fue refrescantemente directo.

Josh Brolin ha pensado sobre el significado de Los Goonies

Tal vez tratando de mostrar su ambición como actor, Brolin estaba ansioso por compartir su interpretación de Los Goonies con Spielberg. Sin embargo, sus teorías no sólo eran un poco descabelladas, sino que también eran completamente irrelevantes para su trabajo. Spielberg solo le dijo a Brolin que la interpretación no estaba en la descripción de su trabajo. Como dijo Brolin:

“[I said to Spielberg] Creo que Brandon está entrando en pánico y los túneles representan el interior del útero de su madre y está tratando de cortar el cordón umbilical. Me miró y dijo: “Sí, compórtate”. Sólo di lo que hay en la página. […] “No estaba equivocado, tenía razón”.

Es posible trabajar duro como actor. Después de eso, Brolin entendió los aspectos prácticos de la actuación y probablemente comenzó a concentrarse en memorizar sus líneas y expresar sus emociones mientras intentaba escribir ensayos sobre el significado de los textos que le asignaban. La carrera de Brolin ha durado 40 años más desde Los Goonies. Entonces Spielberg debe haber dicho algo bien.

Hay tantos enfoques de la actuación como actores, y muchos de ellos ven un trabajo como un trabajo. Algunos actores vienen con sus líneas memorizadas, las leen de forma entretenida según lo pide el director, luego cobran su sueldo y se van a casa. Muchos actores ni siquiera leen escenas en las que no aparecen, y algunos incluso evitan ver sus películas una vez terminadas; Actuar en el momento es más importante para ellos. Si bien se requiere un cierto grado de pensamiento e interpretación por parte de cualquier actor, en última instancia, críticos y académicos deconstruirán ampliamente el simbolismo de la película. Como actor, a veces tienes que, como señaló Spielberg, simplemente actuar.



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El amor de Steven Spielberg por Seinfeld inspiró el chiste más inapropiado del programa

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Rodaje de la película “La lista de Schindler” Fue, por decirlo suavemente, una experiencia difícil para Steven Spielberg. La fotografía principal tuvo lugar en Polonia y sus alrededores en varios campos de concentración donde los prisioneros judíos fueron asesinados en masa. La carga debería ser demasiado grande para que la soporte cualquier ser humano (obviamente no, porque los humanos han cometido este genocidio atroz), y esto desconecta completamente a Spielberg. Como dijo en el libro de Joseph McBride Steven Spielberg: A Biography: “Me sorprendió mi vida personal. Mi educación. Mi judaísmo. Las historias que mis abuelos me contaron sobre los judíos”. Holocausto. La vida judía una vez más fluyó en mi corazón. “Lloré todo el tiempo”.

Este no era un terreno fértil para las risas, pero para realizar una película tan conmovedora, Spielberg necesitaba algo parecido al humor. Y así, cuando emprenda el día, regresará a su morada en Polonia y encontrará un ligero consuelo a través de dos fuentes: Llamadas telefónicas de Robin Williams Y vídeos de episodios de “Seinfeld”.

Para Jerry Seinfeld, descubrir una base de fans de Spielberg fue una bendición. Como comentó en un Reddit AMA de 2014: “Ese fue realmente uno de los grandes momentos en la historia del programa. Realmente sentimos que estábamos haciendo algo que valía la pena”.

Entonces, al estilo clásico de “Seinfeld”, rindieron homenaje a Spielberg de una manera tremendamente inapropiada.

Jerry y Rachel aparecen a lo largo de La lista de Schindler

En la temporada 5 de dos partes “Impermeables” (Tercera mejor temporada de Seinfeld Según /Film, Jerry sale al cine con su novia Rachel (Melanie Smith). Eligen ver “La lista de Schindler” y, como les resulta un poco raro no estar solos durante un tiempo, empiezan a llevarse bien. El enemigo de Jerry, Newman (Wayne Kramer), ve su historia de amor y luego intenta exponer el paso en falso cultural de Jerry haciéndole preguntas sobre la película.

Es un momento escandaloso en una serie llena de estos acontecimientos, pero ¿qué piensa Spielberg? Curiosamente, parece que nunca lo registró. Ciertamente se rió mucho (y sabía que era una broma escrita específicamente para él), pero dado lo difícil que era filmar en campos como Auschwitz o cerca de ellos, probablemente le resultó más difícil disfrutarlo. El chiste.

Por otra parte, Spielberg es un deportista bastante bueno, por lo que es muy probable que se estuviera riendo en la escena. En todo caso, debería sentirse aliviado de que su película haya recibido un mejor trato que la obra maestra de Anthony Minghella. “El paciente inglés”.



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La película favorita de Emily Blunt es un clásico dirigido por Steven Spielberg

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Emily Blunt es una de las actrices más importantes de la industria en este momento. No sólo ha protagonizado películas tan queridas como “El diablo viste de Prada” o “Al filo del mañana” durante casi dos décadas, sino que también Ahora es ganadora del Premio de la Academia gracias a su trabajo en la película Oppenheimer de Christopher Nolan. Como la mayoría de las personas que protagonizan películas, Blunt también es un gran cinéfilo. No es de extrañar. ¿Pero cuál es su película favorita? Esta película demuestra un gran gusto y es un clásico absoluto de Steven Spielberg.

“Siempre digo 'mandíbula', la gente está cansada de oírme decir eso”. Blunt dijo cuando se le preguntó sobre sus cuatro películas favoritas durante una entrevista en la alfombra roja en SXSW 2024 con buzón. “Es una película maravillosa y perfecta”. De hecho, ha expresado su amor por Tiburón durante mucho tiempo. Una cuenta de fan dedicada a la actriz ganadora del Oscar gorjeo Compartió un vídeo a principios de este año destacando algunas de las muchas veces que citó el éxito de taquilla de Spielberg de 1975 como su película favorita a lo largo de los años. Ella ha sido muy consistente con esto.

Blunt también eligió los nombres “Lawrence de Arabia”, “Lo que el viento se llevó” y “Romance de la Piedra”. Un par de clásicos fríos por ahí. Es ampliamente considerada una de las mejores películas jamás realizadas.Así como una película de aventuras de los años 80 que fue muy querida en su época. Pero la enormemente influyente superproducción de verano de Spielberg sobre un tiburón que aterroriza a una pequeña ciudad isleña se destaca del resto. Hablar a Yahoo! noticias Mientras promocionaba The Fall Guy a principios de este año, la actriz explicó su amor por la película:

“Una de mis primeras experiencias fue ver Tiburón cuando tenía siete años, y él decía que era para toda la familia, pero en realidad era para él y nos habríamos aterrorizado. Fue uno de mis primeros recuerdos de las películas y lo es. Sigue siendo mi favorito, incluso ahora. No. Debí haberlo visto 35 veces y cuanto más lo veía, más sabía lo especial que era.

Casi 40 años después, Tiburón sigue siendo un clásico incomparable

El nombre de Spielberg ahora tiene mucho peso como el hombre que creó clásicos desde “En busca del arca perdida” hasta “Salvar al soldado Ryan” y todo lo demás. Tuvo dos veces la película más taquillera de todos los tiempos, primero con “E.T.: The Extra-Terrestrial”. Y luego otra vez con “Jurassic Park”. Decir que es una leyenda sería quedarse corto. Ese mito realmente comienza con “Tiburón”.

Aunque no fue su primer largometraje, fue la primera película teatral de Spielberg para un estudio importante. Fue una producción muy turbulenta. Quizás Spielberg también lo fuera Lo habrían despedido de “Tiburón” si no fuera por el entonces presidente de Universal, Sid Sheinberg.. Desde la pesadilla filmada en medio del océano hasta el constante colapso del tiburón, todo fue un choque de trenes. En cambio, presentó una de las mejores películas jamás realizadas y a la que se le atribuye ser el primer verdadero éxito de taquilla del verano. No sólo es una gran película que resiste el paso del tiempo, sino que también es una película muy importante.

Es una elección incuestionable para cualquiera que pueda citarla como su película favorita. Blunt también lo dice muy claramente, dado lo mucho que ha hablado de ello a lo largo de los años. En un pequeño círculo de coincidencia, Finalmente, Blunt trabajará con Spielberg En su próxima película, que se dice que trata sobre extraterrestres.. Puede que no se trate de tiburones, pero traer al director de regreso al mismo escenario que películas como Close Encounters of the Third Kind y E.T. ciertamente parece un muy buen territorio para esta colaboración tan esperada.

“Tiburón” se transmite actualmente en Netflix, O puede obtener la versión 4K de la película en Amazon..



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La disputa entre Clint Eastwood y Spike Lee empeoró tanto que Steven Spielberg tuvo que intervenir

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La película de guerra de Clint Eastwood de 2006, Banderas de nuestros padres, La película, adaptada del libro de James Bradley y Ron Powers, cuenta la historia de cinco marines y un Navy SEAL que izaron la bandera estadounidense en la cima del monte Suribachi durante la batalla de Iwo Jima en 1945. Este momento fue capturado en una fotografía igualmente famosa. por Joe Rosenthal, y sirvió como modelo para el Marine Corps War Memorial en Arlington Ridge Park en Arlington, Virginia. Es una de las imágenes estadounidenses más emblemáticas de un campo de batalla de la Segunda Guerra Mundial. Eastwood construyó una película completa sobre la batalla de Iwo Jima, que culminó con el izamiento de la bandera.

Eastwood filmó Banderas de nuestros padres seguidas de Cartas desde Iwo Jima, también estrenada en 2006, que cuenta la misma historia desde el punto de vista de los soldados japoneses, equilibrando diplomáticamente el patriotismo amable y resonante de Banderas. De las dos, “Letters” fue ampliamente considerada la mejor película. Fue nominada a cuatro premios de la Academia, incluidos Mejor Película y Mejor Director.

Pero al famoso director Spike Lee no le gustaba ninguna de las películas de Eastwood. De hecho, Lee ha criticado públicamente la exclusión de los marines negros por parte de Eastwood en ambas películas, señalando que muchos soldados negros estuvieron presentes en la Batalla de Iwo Jima. Biografía de Mark Elliott 2010 “American Rebel: La vida de Clint Eastwood” Detalles de los comentarios que Lee hizo en el Festival de Cine de Cannes de 2009, donde se estrenó su película sobre la Segunda Guerra Mundial “Miracle at St. Anna”. Lee señaló que Eastwood era un hombre alto y anciano que ni siquiera consideraba personajes negros en sus películas, al igual que muchos cineastas de Hollywood antes que él.

Eastwood respondió a Lee diciendo que el director de “Saint Anna” tenía poca historia. El conflicto se intensificó a partir de ahí, y la rivalidad del dúo se hizo pública. Al final, los dos directores contaron con la intervención de nada menos que Steven Spielberg para asegurarse de que se bajara la temperatura.

Spike Lee y Clint Eastwood debatieron sobre el papel de los marines negros en la Segunda Guerra Mundial

en Entrevista con The Guardian en 2008Eastwood finalmente se enteró de las críticas de Lee a Banderas de Nuestros Padres. Lee sintió que Eastwood estaba realizando un doloroso blanqueo histórico cuando notó la falta de marines negros en la película de Eastwood, y dijo a los periodistas que la película “era su versión. La versión negra no existía”. Eastwood se defendió explicando que la idea de su película era explorar las circunstancias de la famosa foto de Joe Rosenthal y los soldados que aparecen en ella. El soldado de la foto era completamente blanco, por lo que Eastwood lo vio conectado con la historia. “[Black soldiers] “La historia es 'Banderas de nuestros padres', que es la famosa imagen en la que se iza la bandera, y no hicieron eso. Si siguieras adelante y pusieras a un actor afroamericano ahí, la gente diría: 'Este tipo está fuera'. de su mente'. Quiero decir, no es exacto”, señaló.

Eastwood también señaló que Lee lo criticó por hacer “Bird”. Una biografía de Charlie Parker, de 1988. Lee aparentemente sintió que a un director negro le habría ido mejor escribiendo una película biográfica de un ícono negro como Parker, y Eastwood no estuvo de acuerdo. “Lo juego como lo leo históricamente, y así es como funciona”, dijo Eastwood. “Cuando tomo una fotografía y es 90% negra, como en Bird, estoy usando 90% de personas negras”. Eastwood finalizó sus comentarios diciendo: “Un hombre como él debería cerrar la boca”.

Lee leyó la entrevista de The Guardian y, naturalmente, se molestó. contando ABC Noticias:

“Ese hombre no es mi padre y tampoco estamos en una granja. Es un gran director. Él hace sus películas, yo hago las mías”. […] Y un comentario como “Un tipo así debería mantener la cara cerrada”… vamos, Clint, vamos. “Parece un viejo gruñón allí.”

De hecho, el título “nuestros padres” es un poco grosero. Banderas exactamente para quien ¿Padres, Clint?

Fue necesario que Spielberg pusiera fin a la rivalidad entre Eastwood y Lee

Sin embargo, Lee sabía lo que hacía y señaló que no estaba haciendo acusaciones vacías. En sus propias palabras:

“No estoy inventando esto. Conozco la historia. Soy un estudiante de historia. Y conozco la historia de Hollywood y su abandono de los millones de hombres y mujeres afroamericanos que contribuyeron a la Segunda Guerra Mundial. No, es Era todo John Wayne, cariño.”

Se podría decir que “El milagro de Santa Ana” de Lee Una película de la Segunda Guerra Mundial sobre un pelotón de soldados negros, estaba destinada a ser una refutación directa de las películas de Eastwood.

En defensa de Eastwood, hubo algunas escenas de soldados negros en Banderas de Nuestros Padres, y había una toma de un soldado negro siendo sacado del campo de batalla. Pero estos momentos son muy, muy cortos.

Según la autobiografía de Eliot, Fue necesario Steven Spielberg para calmar sus nervios. Spielberg trabajó como productor en dos películas de guerra dirigidas por Eastwood en 2006 y también se considera amigo de Spike Lee. El asunto era personal, por lo que no hay registro de las conversaciones que Spielberg tuvo con Lee o con Eastwood, aunque a los cineastas creativos les gusta imaginar un almuerzo en el que los tres se reunieron y hablaron sobre las cosas. Spielberg parece haber puesto fin diplomáticamente a la disputa entre Lee y Eastwood, y Lee finalmente le envió a Eastwood un futuro trabajo en progreso (lamentablemente no especificado) para verlo en privado.

Lee y Eastwood todavía no son mejores amigos, pero su breve disputa por Banderas de Nuestros Padres parece ser cosa del pasado.


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Richard Attenborough pensó que la película de Steven Spielberg era mejor que la de Gandhi

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El fallecido Richard Attenborough es una leyenda indiscutible. Conocido en gran medida por sus papeles en pantalla en películas como “The Great Escape” y “Miracle on 34th Street”, quizás no reciba suficiente crédito por su trabajo como director. Su mejor momento llegó en 1982, cuando se sentó en la silla del director de la película 'Gandhi'. La película biográfica del revolucionario indio Mahatma Gandhi arrasó en los Premios de la Academia ese año, culminando con el premio a la Mejor Película. Es el cumplimiento de un sueño que sólo unos pocos cineastas conocen. Cualquiera sea el caso, Attenborough cree que un clásico de Steven Spielberg debería haberse llevado el premio ese año.

Lanzado el mismo año, Spielberg “E.T.” fue un gran éxito de taquilla y finalmente recaudó casi 800 millones de dólares en todo el mundo.. La película también estuvo nominada a Mejor Película ese año, con Spielberg y Attenborough compitiendo por Mejor Director. Attenborough finalmente también ganó allí. En aquel momento ni siquiera era una competición en la mente de la academia. Attenborough escribió en el libro de 1997 “Steven Spielberg: A Biography” de Joseph McBride (vía Semanal de entretenimiento)

“Stephen y yo estábamos en lados opuestos de la sala, y cuando se anunció el nombre del ganador después de todos los discursos y demás, literalmente tuvieron que empujarme. No podía creerlo. Me levanté de la mesa y fue una Fue una especie de reacción instintiva del actor, no subí al podio, me acerqué a Spielberg, él se levantó, lo rodeé con el brazo y le dije: 'Esto no está bien, esto está mal'. ser tuyo.”

A diferencia de la película de Spielberg “Salvar al soldado Ryan”, que perdió el premio a Mejor Película ante “Shakespeare in Love”, la idea… La derrota de E.T. ante Gandhi en los Oscar fue tema de debate Desde hace más de 40 años. ¿La academia lo hizo bien? Por mucho que valiera la pena, incluso inmediatamente después de ganar, Attenborough cree que su película debería haber perdido.

Richard Attenborough pensó que ET era una obra de genio

Esta historia llega al meollo de un tema que ha plagado a los Oscar durante décadas. ¿Cómo se decide entre una obra de arte aclamada o una elección populista? En este caso, “E.T.” de Spielberg fue una película muy popular y una obra cinematográfica aclamada. “Gandhi” era el tipo de película biográfica con la que la academia siempre había estado algo obsesionada. No es que estemos hablando de una película que no lo merece. Gandhi es posiblemente la mejor película de Ben Kingsleylo cual realmente dice algo.

Attenborough también se refirió a las dos películas en una entrevista de 2008 con The Guardian. bbc. Más específicamente, compartió algunos de sus pensamientos iniciales después de ver “E.T.” antes de la temporada de premios de ese año. Sencillamente, estaba asombrado por lo que Spielberg había logrado y tenía una explicación muy sencilla de por qué la película de Spielberg había ganado ese año.

“[Business partner] Diana y yo fuimos a ver a ET en Los Ángeles poco antes de la ceremonia de premiación y usamos lenguaje mientras salíamos, hasta el punto de decir: “No tenemos ninguna posibilidad; ET tiene que irse y ellos lo harán”. ” Sin la hipótesis inicial de Mahatma Gandhi, [my] La película no será nada. Entonces es una película narrativa, pero es parte de la narrativa y no una pieza de cine en sí misma. ET se basó absolutamente en el concepto de cine y creo que Steven Spielberg, a quien amo tanto, es un genio. “Creo que ET es una pieza de cine muy especial”.

En esencia, Attenborough utilizaba el cine para contar una historia basada en la vida real de Mahatma Gandhi. Spielberg, por otro lado, creó toda una obra de fantasía sobre un niño llamado Elliot y su amigo alienígena que cautivó al público de todo el mundo y se construyó en torno a la experiencia cinematográfica.

A pesar de esto, nadie derrama lágrimas por Spielberg, mientras continuaba su increíble carrera. Él y Attenborough también terminaron colaborando entre sí una década después, en 1993. La innovadora película “Jurassic Park”, que se convirtió en el mayor éxito de taquilla de la historia Hasta ese punto. ¿Qué película lo derribó? “ET” es un poco de poesía cósmica completa.

“ET” 40 Aniversario en 4K está disponible en Amazoncomo en el 25 aniversario Edición Blu-ray de “Gandhi”.


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La regla de Hollywood que Steven Spielberg rompió para dejarlo boquiabierto

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“Tiburón” es una película que no necesita presentación, dirigida por un director que tampoco necesita presentación. Steven Spielberg es uno de los directores más reconocidos, respetados y populares de la historia del cine. Después de todo lo dicho y hecho, podría considerarse el mejor en hacerlo. Sin embargo, a pesar de su impresionante trabajo que incluye clásicos como “En busca del arca perdida” y “La lista de Schindler”, su gran debut en el estudio sobre un tiburón asesino que aterroriza a un pequeño pueblo sigue siendo uno de sus mejores momentos. Aunque como cineasta era respetuoso con el medio ambiente, era ambicioso. Un ejemplo de ello es que rompió una regla no escrita en Hollywood al realizar su clásico de 1975.

En una entrevista de 2006 con Gremio de Directores de AméricaSpielberg consideró hacer la película Tiburón, lo cual fue notoriamente problemático. El tiburón, cariñosamente llamado “Bruce”, se rompía todo el tiempo. Fue un caos. Hay una razón por la que a Spielberg le preocupaba que la película arruinara su carreraque acababa de comenzar. Ciertamente no se hizo ningún favor a sí mismo, ya que insistió en rodar la película sobre agua real del océano, en contra del consejo de otros. Esto es lo que dijo al respecto:

“Sí, todos me dijeron que no disparara al agua. Quiero decir, todos incluso el señor Sheinberg dijo: '¿Por qué no construyes un tanque en la parte trasera del terreno? Pagaremos por ello”. Entonces dije: 'No, quiero salir y quiero luchar contra los elementos. Quiero que la gente piense que esto realmente está sucediendo, que los tiburones en realidad están en el océano, y No quiero que esto se parezca a lo 'viejo'”. “El hombre y el mar”, con el fondo pintado obvio y todo eso”.

Toda la experiencia fue muy mala y muy brutal. Spielberg se negó a dirigir Tiburón 2 cuando sucedio. Su carrera ciertamente no se vio afectada por el fallecimiento de la Parte II, pero en ese momento fue difícil decir que no porque seguía siendo el hombre que es hoy.

Jaws rompió todas las reglas pero fue un gran éxito

¿Fue una película difícil? Sin duda. Rodar en el agua aportó algo a la película. Claro, tipos como James Cameron tenían el dinero para hacerlo. Creó una nueva tecnología para filmar todo bajo el agua para la película “Avatar: The Way of Water”, Pero esto era la década de 1970. Nunca fue así. Sería un gran tanque en un estudio trasero que no tendría la misma sensación que la película que conocemos y amamos hoy. Hay que dar crédito a quien se lo merece, los instintos de Spielberg estaban en lo cierto. Los resultados, para ser justos con Spielberg, hablan por sí solos.

Universal Pictures fue un gran éxito cuando Tiburón llegó a los cines, e incluso se le atribuye la creación del éxito de taquilla del verano tal como lo conocemos hoy. La película tuvo mucho éxito. Lograron influir en la visión realista que la gente tiene de los tiburones.. Esto no es poca cosa. Allanó el camino para tres secuelas y preparó a Spielberg para una carrera verdaderamente ridícula desde entonces. En la misma entrevista, Spielberg reflexionó sobre este éxito, considerándolo un arma de doble filo.

“Le doy crédito a Tiburón por todo, ser cineasta y conseguir el montaje final. Tiburón me dio libertad, y nunca la perdí, pero la experiencia de hacer Tiburón fue terrible para mí, y en parte fue porque el guión no lo era. “Se completó y todos lo fuimos inventando a medida que avanzábamos”.

“Jaws” está disponible en 4K Ultra HD, Blu-ray y DVD a través de Amazon.


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Guardianes póstumos: notas sobre Shane Bieber, Josh Naylor, Steven Vogt y más

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CLEVELAND – Cuando juan soto Hay presión para el último partido en Progressive Field el sábado. Yankees de Nueva York Se derramó desde el banquillo de los visitantes para celebrar. En el banquillo local, Stephen Vogt se quedó helado. Miró hacia adelante, incapaz de desviar su atención de la vista que le causaba dolor.

“Quería tomarlo por unos minutos”, dijo Vogt, “porque lo quiero el año que viene. Esto nunca dejará de motivarme”.

En la primera temporada de Vogt como clevelandGerente, Guardians ganó 92 juegos. Ganaron la Central. Avanzaron a la ALCS. ¿Y ahora?

“Necesitamos que esto sea una piedra angular”, dijo el presidente de The Guardian, Chris Antonetti. “Queremos dar un paso adelante el año que viene”.

A continuación se presenta una colección de observaciones derivadas de entrevistas de salida con altos funcionarios de Cleveland.


Los Guardianes tienen la intención de recuperar a todo su cuerpo técnico, un año después de reemplazar aproximadamente a la mitad del grupo tras la salida de Terry Francona. Sin embargo, esto conlleva algunas salvedades.

entrenador de lanzamiento Carl Willis consideró retirarse el invierno pasadoNo sería sorprendente que volviera a tomarse un tiempo para pensar en su futuro. Willis cumplirá 64 años en diciembre. Ha trabajado en la organización durante la mayor parte de las últimas tres décadas y es respetado por su gran experiencia, conocimiento y adopción de datos y tecnología.

Tampoco sería sorprendente ver al entrenador del banquillo Craig Albernaz asumir un puesto directivo, tal vez marlines mi tío materno. Albernaz fue finalista del draft de Cleveland el invierno pasado antes de que su viejo amigo Vogt aceptara el puesto.

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ir más profundo

La temporada de playoffs de los Guardianes se basa en conversaciones basura y en la Asociación de Entrenadores: “Esto es lo que somos”.


David Fry Verá al Dr. Keith Meister por su codo derecho en Dallas la próxima semana. Frye se lesionó el codo a finales de junio, lo que limitó su versatilidad defensiva por el resto de la temporada. él admitido en el atleta Durante la ALCS Que si fuera necesario, podría atrapar algunas entradas, pero la lesión ha obstaculizado su capacidad para lanzar. Fue herido una vez en julio, pero nunca más después del 23 de julio. Él y el equipo fueron vagos sobre la lesión, tal vez para mantener una ventaja competitiva en caso de que lo necesitaran en una emergencia. Meister, por si sirve de algo, realiza cirugías Tommy John con frecuencia.


Tanto Vogt como Antonetti sugirieron que existe un interés compartido en reunirse con los cuatro agentes libres del club: Shane Bieber, Mateo Boyd, Alex Cob y Austin Hedges. Sin duda, sería más notable si los funcionarios del equipo revelaran que no hay interés en este momento de la temporada baja.

La situación de Bieber es un poco complicada, ya que busca regresar a mitad de temporada de la cirugía Tommy John. Se ha vuelto común que los lanzadores en tales circunstancias firmen un contrato de dos años, donde el equipo recibe más valor en esa segunda temporada una vez que el lanzador está sano, y el lanzador reconstruye su valor antes de otra oportunidad de convertirse en agente libre.

“Nos encantaría tenerlo de regreso”, dijo el gerente general Mike Chernoff. “Al mismo tiempo, somos conscientes de su condición de agente libre y se ha ganado el derecho de explorar cosas. Parece haber un interés mutuo, pero creo que tendremos que tener esas conversaciones con él a lo largo del curso. del invierno.


Shane Bieber hizo sólo dos apariciones esta temporada antes de someterse a una cirugía Tommy John en abril. (Dr. Ross Cameron/Imagine Images)

Sin embargo, Boyd acaba de demostrar cómo un lanzador que regresa de una cirugía de codo puede recuperar su valor en sólo una temporada, o en un par de meses. El poder estelar de Boyd en agosto, septiembre y octubre (Efectividad de 2.72 en ocho aperturas y luego efectividad de 0.77 en tres apariciones en playoffs) debería calificarlo para un contrato de varios años.

“Lo que hizo en el montículo por nosotros, la estabilidad que trajo a nuestra rotación, lo necesitábamos en ese momento y lo necesitábamos durante la postemporada”, dijo Vogt. “Pero el liderazgo y el carácter significan más para él, en el sentido de. ayudar a estos jóvenes lanzadores y jugadores a comprender lo que se necesita”.

Los bases definitivamente necesitan reforzar su rotación. afuera bebe curtidorNo hay mucha certeza.

Cobb tiene 37 años y viene de una temporada plagada de lesiones. Hedges, de 32 años, enfatizó que cree que le quedan siete u ocho años como jugador de Grandes Ligas antes de pasar a ser entrenador, a pesar de que ha registrado una línea de .152/.203/.220.

“No es sólo la mascota”, dijo Vogt. “…Él es mucho más para nosotros de lo que cualquier fuente externa puede ver. Nos ayuda a mejorar. Me ha ayudado a mí a mejorar. Desafía al cuerpo técnico, desafía a sus compañeros de equipo”.


jose naylor Está entrando en su último año controlando el equipo. Grandes Ligas Los rumores comerciales predicen que ganará 12 millones de dólares en arbitraje la próxima temporada. Por un lado, los guardabosques no deberían tener prisa por enviar ningún paquete de ataque productivo. pero tienen Kyle Manzardo Listo para encargarse de las tareas habituales en la primera base, un jugador con control limitado siempre es un candidato a cambio dada la forma en que operan los Guardianes.

“Esperamos que Josh sea un componente clave de nuestro equipo en 2025 y, quién sabe, con suerte más allá”, dijo Antonetti. “Al mismo tiempo, es un jugador realmente bueno y, como cualquier jugador realmente bueno en nuestra plantilla, imagino que habrá otros equipos que nos llamarán y preguntarán sobre una variedad de jugadores. Eso es lo que sucede naturalmente durante el invierno.

Otros jugadores elegibles para el arbitraje: lynn tomás (También su último año de control, pero los bases necesitan desesperadamente jugadores defensivos), James Karinchak (Es difícil imaginar que lo traigan de regreso después de su temporada perdida), Triston McKenzie (Quizás ningún jugador tenga por delante un invierno más peligroso), Sam Hintz (Se espera que se pierda 2025 después de la cirugía de hombro), ben animado, Nick Sandlin, Eli Morgan y Esteban Cowan (La extensión debe estar en la lista de prioridades del equipo).


Vogt dijo que el aspecto más desafiante de su primer año como gerente es afrontar cada día.

“Está ocupado”, dijo. “Está lleno. No hay descansos. Es una temporada larga”.

Había mucho que aprender, especialmente porque nunca antes había entrenado en el banquillo.

“Hay que tomar miles de decisiones, y puedo elegir cinco o seis, y después de ver el resultado, puedes decir fácilmente: Oh, sí, por supuesto, si puedo volver”, dijo. …'”

Vogt podría terminar llevándose a casa el premio al Gerente del Año de la Liga Americana por su primera temporada al mando. Ha llevado a los Guardianes más allá de cualquier expectativa interna o externa.

“Steven los sacó a todos del agua”, dijo Antonetti. “Lo que ha podido aportar como alguien nuevo en el trabajo es sorprendente para mí”.

Antonetti quedó hipnotizado después de la derrota del Juego 5 ante los Yankees, cuando una procesión de jugadores entró sigilosamente en la oficina del manager, “abrazándolo y diciendo: 'Gracias' y 'Te amo'”.

“El solo hecho de ver eso y las conexiones que construyó con las personas fue fenomenal”, dijo Antonetti.

(Imagen superior de Stephen Vogt: Nick Cammett/Getty Images)



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Steven Spielberg cree que hay un aspecto del cine que es más importante que las estrellas de cine

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Steven Spielberg ha sabido invocar su imagen durante la gran mayor parte de su carrera. Desde que dirigió la película “Tiburón” en 1975que en su momento fue la película más taquillera de todos los tiempos (un récord que mantuvo durante dos años completos hasta “Star Wars” de George Lucas), Spielberg no tuvo que trabajar muy duro para conseguir los presupuestos, el talento y cualquier otro recurso que necesitara para hacer lo que quería. Así que es justo decir que su proceso cinematográfico es radicalmente diferente al de otras películas. Christopher Nolan es probablemente el único otro director ¿Quién puede jugar en el mundo de Hollywood con ese tipo de libertad financiera y creativa hoy en día?

Entonces, si bien Spielberg es una gran fuente de información en lo que respecta a la realización cinematográfica, es importante señalar que sus consejos sobre cómo hacer una película en 2024 y qué priorizar provienen de un lugar de privilegio extremo. Obviamente esto no es un éxito. El hombre merece su éxito y estatus. Ha pasado mucho tiempo desde que tuvo que tirar. Entonces, si eres un director joven, también puedes leer lo que voy a compartir a continuación como una aspiración. Quieres llegar a un lugar donde puedas pensar de esta manera, pero, créeme, aún no has llegado allí.

Lo cual es triste porque, en teoría, todo lo que dice aquí Spielberg es completamente cierto y como debería ser para todos.

Para Spielberg, el guión es la estrella

En una entrevista de 2013 con el Economic TimesEl interrogador Spielberg señaló que sus películas nunca se basan en estrellas. Sí, ha trabajado con estrellas importantes en el pasado (como Tom Cruise, Harrison Ford y Robin Williams), pero las películas no eran vehículos estelares. Fue el transporte de Spielberg el que transportó al público a cualquier mundo que el director hubiera construido para cada proyecto específico. Como Spielberg le dijo a ET (no omita “el”), “Para mí, el guión es la estrella. Todos estamos al servicio de esa historia y el objetivo es contarla de una manera dinámica, manera colorida.”

Luego, Spielberg se lanzó a una pequeña lección de historia relacionada con su proceso, una que absolutamente deberías leer:

“En los viejos tiempos, cuando el sistema de estudios era más poderoso que nunca (en los días dorados de Hollywood, entre los años 1920 y 1950, cuando los directores de los estudios controlaban el negocio), cultivaban superestrellas y creaban historias para esas estrellas. Hice lo contrario. Encontramos buenas historias y elegimos a las personas adecuadas para interpretar a los personajes, y todavía estoy trabajando con las estrellas en “Salvar al soldado Ryan”, pero él te lo dirá. [does] No es lo primero. Fue el guión el que salió primero y Tom era perfecto para interpretar al Capitán Miller. Yo lo pensé, él lo pensó. Asimismo, Leonardo DiCaprio fue elegido después de escribir la película “Atrápame si puedes”. “Nunca he escrito una historia que se adapte al actor o al ícono, nunca lo he hecho”.

Se podría pensar que “Lincoln” podría ser un extraño aquípero esta película había estado en desarrollo durante mucho tiempo con Liam Neeson (quien se echó atrás porque sintió que, en última instancia, no era el adecuado para el papel). Entonces, en cierto sentido, Daniel Day-Lewis, quien mucha gente cree que es nuestro mejor actor vivo, fue la segunda opción de Spielberg para El gran emancipador.

Este es un lujo loco, que en un mundo perfecto estaría al alcance de todos. Pero la mayoría de los directores, incluso los exitosos como Quentin Tarantino y Martin Scorsese, tienen que sentarse a la mesa con una cantidad significativa de estrellato para asegurar la financiación que necesitan para hacer su propio tipo de cine. Para todos los que no se llaman Spielberg o Nolan, la estrella sigue siendo la estrella.


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