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Mejores y peores gráficos.

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Desde que pasó su tiempo escribiendo para “Saturday Night Live”, John Mulaney se ha convertido en un comediante consumado. Pero también se mantuvo fiel a sus raíces al convertirse en uno de los presentadores más duraderos de “SNL”, hasta el punto de que incluso lo nombramos. Uno de los 10 mejores presentadores de 'SNL' de todos los tiemposjunto a algunos bateadores históricos. Es por eso que no podríamos estar más felices de verlo regresar al Studio 8H en 30 Rockefeller Plaza por primera vez desde que se unió al prestigioso Five Timers Club.

Uno de los elementos más interesantes del debut como presentador de “SNL” de John Mulaney, junto con los monólogos geniales típicos de los nuevos monólogos, fue una serie de bocetos musicales sobre una especie de elemento básico retorcido y sucio de la ciudad de Nueva York. Desde “Diner Lobster” hasta “Subway Churro”, todos utilizan versiones extravagantes de canciones de musicales famosos para alimentar estos riffs de la cultura de la Gran Manzana. Afortunadamente, obtuvimos uno nuevo en el último concierto de Mulaney como presentador de “SNL”, pero ¿resultó ser el mejor sketch de la noche?

Profundicemos en los mejores y peores bocetos del episodio de la temporada 50 de “SNL” de John Mulaney.

¿Cuál es el mejor dibujo para esta noche?


bebo – Seguimiento increíble Un sketch pregrabado titulado “La casa de mi mejor amigo” con Ariana Grandeel escritor Dan Bulla regresa con otra edición de su programa Saturday Night Live Midnight Matinee. Esta vez en forma de un drama tipo “Apolo 13” sobre un pequeño y adorable mono llamado Beppo que es enviado al espacio por primera vez. Jugado con la cantidad perfecta de honestidad, realmente puedes sentir que la audiencia se siente atraída por el adorable muñeco Beppo, y la antigua voz de robot utilizada en su simple comunicación con Mission Control lo hizo aún más entrañable. El giro oscuro que tomó este boceto ya era divertido por derecho propio, pero el hecho de que eventualmente condujo a un final adecuadamente feliz para el astronauta simio, completo con un giro tonto, lo convierte en otra salida para Dan Bulla. Dado que por alguna razón no hemos recibido mucho de Please Don't Ruin esta temporada, estos pantalones cortos son una excelente alternativa. No puedo esperar a ver qué hace Dan Paula a continuación.

¿Cuál es el peor dibujo de la noche?


¿Cómo se llama? Edición electoral -La buena noticia es que, aunque este fue el peor sketch de la noche, en realidad está lejos de ser terrible. La última vez que SNL forzó un cambio de programa de juegos en uno de sus segmentos de sátira política, las cosas no salieron bien. A este episodio le va mejor, pero solo porque la fórmula que se usó en el episodio anterior presentado por Mulaney sigue siendo bastante buena. El uso que hizo Hillary Clinton del compañero de fórmula de Tim Kaine fue un acontecimiento divertido, y me alegro de que no forzaran más apariciones especiales de Maya Rudolph, Andy Samberg, Dana Carvey y Jim Gaffigan, especialmente después de que se les asignó ese puesto. Una gran despedida al final del espectáculo (más sobre eso a continuación).

mientras Un boceto del programa de juegos “¿Cuál es ese nombre?”. Fue más divertido, pero aún así tuvo algunos momentos poderosos, especialmente con la revelación sorpresa de que Sarah Sherman estaba interpretando a la autora de “The Handmaid's Tale”, Margaret Atwood. Realmente, es la superioridad moral del personaje de John Mulaney lo que ayuda a que este tenga éxito, mezclando la fórmula lo suficiente como para provocar algunas risas refrescantes. En un episodio que estuvo lleno de sketches realmente buenos, se suponía que uno de ellos sería el peor de la noche, aunque reiteraré que en realidad no es un sketch terrible.

¿Cómo estuvo el resto del episodio?

En cuanto al resto del episodio, Mulaney ofreció quizás el mejor episodio que jamás haya presentado. Sin embargo, cabe señalar que parte del éxito se debe al hecho de que sólo hubo seis bocetos reales en todo este episodio. ¿Por qué? Bueno, la apertura política fría duró unos ocho minutos y medio, y el monólogo de Mulaney fue más largo que el de la mayoría debido a su carácter stand-up, llegando a unos siete minutos, y al gran número musical de este episodio en la ciudad de Nueva York. Llegó a los ocho minutos y medio, eso es una gran parte de los bienes raíces de “SNL”. De hecho, con excepción de un dibujo, todos eran del lado más largo, lo que explica el menor número de dibujos y la calidad potencialmente mayor entre ellos.

Autoridad Portuaria Duane Reade – Aquí está el dibujo musical que mostramos al principio del artículo. El ex miembro del elenco de SNL, Pete Davidson, se reúne con Mulaney en esta película, y uno de los momentos más divertidos proviene del hecho de que el personaje de Mulaney realmente reconoce que Pete se interpreta a sí mismo en este sketch. Si bien esto comienza un poco inestable, eventualmente alcanza la grandeza cuando Bowen Young aparece como el conductor de Greyhound, seguido por un desfile de imitadores de Timothée Chalamet liderados por Chloe Fineman, y termina con la canción “Hamilton” con Andy Samberg en el papel del actor. . Soporta lo que Robert F. Kennedy Jr. arrojó al bosque de Central Park.

pequeño ricardo – El próximo gran dibujo viene en forma de pieza repetida. Comenzó cuando Mulaney fue el anfitrión de la temporada 43.. Mulaney trae de vuelta al creador de comedias Jay Boltwood para reiniciar su antigua comedia (ficticia) “Family Bonds”, sobre un viudo (Mickey Day) que cría a sus hijos (Marcelo Hernandez y Chloe Fineman) con su hermana (Heidi Gardner). El episodio de PBS “Sitcom Pioneers” se centra en un episodio particular en el que la estrella discográfica Little Richard fue la estrella invitada y Kenan Thompson convirtió a Little Richard en El show de animales tontos de Tracy Morgan es el presentador Brian Filo.

Campaña del Ayuntamiento de Nueva York -Al principio, pensé que iba a ser un boceto centrado en la ciudad de Nueva York basado en un anuncio político específico que los neoyorquinos verían una y otra vez durante la temporada electoral. mientras el se burla En un filtro completamente real Y con la muy desafortunada yuxtaposición del nombre y apellido, Harvey Epstein, funcionará en un nivel mucho más amplio. Mulaney, que luce sorprendentemente bien con un sombrero calvo, continúa asegurando a los neoyorquinos que no tiene nada que ver con los notorios delincuentes sexuales Harvey Weinstein o Jeffrey Epstein, pero no puede evitar continuar con declaraciones engañosas y momentos que no tienen nada que ver con el tema. Ayuda a sus súplicas. Lo que me gusta del boceto, aparte de lo obvio, es que en realidad sirve como una sátira un poco más profunda que muestra cuán volátil puede ser la política. Usted sabe que hay personas cuyos nombres les han impedido tener éxito en la política, incluso si han servido mejor a sus electores.

Actualización de fin de semana


La actualización de fin de semana sigue siendo fuerte esta temporada, aunque es posible que la actualización de esta semana haya brillado realmente debido a la grandeza de los gráficos que se muestran. Por supuesto, eso no quiere decir que Colin Jost y Michael Che no merezcan elogios, especialmente en la segunda mitad con esa gran línea que Jost ofrece a expensas del Che, completa con una foto en un videoclip, que creo que es la primera vez. Han seguido ese camino en lugar de utilizar una fotografía fija. Un encogimiento de hombros de los Dodgers de Los Ángeles ganando la Serie Mundial seguido de una segunda broma sobre un fanático que intentó robar una pelota que aún estaba en juego cayó con fuerza.

Mientras tanto, los invitados al escritorio de Weekend Update tuvieron una nota alta esta semana, incluida Heidi Gardner, quien hizo una nueva imitación de Reba McEntire, ofreciendo algunos comentarios sobre las elecciones. Podría escucharla hablar sobre productos naturales malolientes todo el día.

Además, no esperaba una gran pareja de Marcelo Hernández y la destacada miembro del elenco Jane Wicklin como la pareja que no puedes creer que estén juntas. Espero que esto se convierta en un segmento recurrente, porque podría ser muy divertido. Además, Wickline tiene la rara distinción de aparecer en el escritorio de actualización de fin de semana dos veces dentro de sus primeros cinco episodios, lo cual es poco común entre los jugadores destacados.

Sin embargo, si bien la actualización del fin de semana fue buena en general, los comentarios políticos de la primera mitad (arriba) sufrieron un poco los mismos problemas que los primeros días. Hablando de eso…

¿Adiós a los invitados de la temporada electoral?


Se acerca la noche de las elecciones en Estados Unidos, y eso significa que ya no pasaremos mucho frío con Maya Rudolph como Kamala Harris, Andy Samberg como Doug Emhoff, Jim Gaffigan como Tim Walz y Dana Carvey como Joe Biden. Aunque todavía existe la posibilidad de que la veamos aparecer ocasionalmente, especialmente el fin de semana después de las elecciones, esta dedicación a la política no ocupará gran parte del tiempo de ejecución del programa. Maya Rudolph probablemente será la que regrese aquí y allá para los sketches presidenciales, razón por la cual se han despedido todas las demás estrellas invitadas en este sketch.

De hecho, incluso la propia Rudolph tuvo un gran momento que podría terminar con su despedida, y la propia Kamala Harris se unió para repetir una parte similar. Jimmy Fallon lo hizo una vez con Mick Jagger. Harris no tiene problemas para seguir el ritmo de Rudolph y los dos se comunican muy bien. Dejando a un lado la política, si comparas la actuación de Harris en SNL con el acto abominable que hizo su oponente cuando presentaba el programa, aquí hay un claro ganador.

Será interesante ver cómo continúa la sátira política de “SNL” después de las elecciones. Depende en gran medida de quién gane la presidencia, y uno será más frustrante que el otro. Digamos que nos divertiremos mucho viendo a Maya Rudolph aparecer como la presidenta Kamala Harris de vez en cuando, solo para poder darle un respiro al Donald Trump de James Austin Johnson. Una vez más, aunque la impresión de Johnson es excelente, nada de lo que “SNL” hace como parodia puede realmente superar la pura locura de la política real cuando este tipo está involucrado.

Eso es todo por ahora. Volveremos la próxima semana cuando el comediante Bill Burr regrese a “SNL” como presentador el 9 de noviembre. Para obtener más información sobre “Saturday Night Live”, asegúrese de escuchar “The Ten to One Podcast”, disponible dondequiera que obtenga su entretenimiento de audio.


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Los 5 peores episodios de Cómo conocí a vuestra madre, clasificados

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Hay 208 episodios de la serie de comedia de misterio de CBS Cómo conocí a vuestra madre. Desde un punto de vista puramente deportivo, no todos pueden salir ganadores. La larga y sinuosa historia de la búsqueda del amor de Ted Moseby (Josh Radnor), donde está rodeado de sus mejores amigos Lily Aldrin (Alyson Hannigan), Marshall Eriksen (Jason Segel), Barney Stinson (Neil Patrick Harris) y Robin Scherbatsky (Coby). ). Smulders) – Abarca nueve temporadas y muchos años en la vida de Ted, todo lo cual está narrado en retrospectiva por un Ted mayor (voz de Bob Saget), y no todos los momentos son particularmente buenos. (La novena y última temporada es particularmente atrozmente mala, pero volveré Cual Pronto.)

Junto con episodios de Cómo conocí a vuestra madre como “Slap Bet” (en el que descubrimos el pasado de Robin como estrella del pop adolescente canadiense) y “Cómo conocí a todos” (que ofrece historias cada vez más ridículas sobre las amistades de Ted). ), “Swarley” (en la que Barney recibe un nombre completamente nuevo) y “Spoiler Alert” (en la que la pandilla se enfrenta cara a cara con sus peculiaridades y rasgos más exasperantes), hay algunos episodios que pertenecen firmemente al salón de este programa. de vergüenza. Desde simples entradas estúpidas hasta un terrible final de serie, aquí están los cinco peores episodios de Cómo conocí a vuestra madre.

5. Zoológico o insecto (temporada 5, episodio 19)

“Zoo or False” no es tan terrible como algunas de las otras entradas de esta lista, pero es increíblemente estúpido. Este episodio de la quinta temporada de la comedia tiene poco que ver con la trama general de la serie, optando por utilizar el escenario del programa, es decir, la narración de un Ted mayor contándoles a sus hijos cómo conoció a su madre en muy Twisted Way: para mostrar cómo las historias pueden doblarse y cambiar con el tiempo. Algunos episodios, como el mencionado Cómo conocí a todos los demás, hacen de este un ejercicio divertido y atractivo. “Zoo or Bug” simplemente no hace eso.

Todo el asunto con “Zoo or False” es que Marshall le dice a toda la pandilla que lo robaron a punta de pistola ese mismo día, lo que hace que Lily entre en pánico absoluto y quiera comprar su propia arma. Molesto por esta idea, Marshall se da vuelta y dice que, aunque le da vergüenza admitirlo, no había ningún asaltante humano ni arma; Un mono sin arma lo robó. También le dijo a Ted que un mono del zoológico no le robó cuando se acercó demasiado a una jaula en el zoológico, pero… el era Fue asaltado por un hombre armado que no quería asustar a Lily. Cuando Robin le pide a Marshall que vaya a su programa matutino y cuente la historia del robo del mono, él no quiere mentir ante la cámara y, al final, Ted dice que nadie descubrió la verdad sobre el robo de Marshall. ¡Este episodio simplemente apesta! No es muy divertido, ya que toda la premisa se basa en que el pobre Jason Segel realice un montón de comedia mediocre y ni siquiera obtiene una buena resolución. Omita esto en su repetición.

4. Cuentos para dormir (temporada 9, episodio 11)

El episodio de la temporada 9 de Cómo conocí a vuestra madre está contado completamente en rima, por lo que debería quedar claro de inmediato por qué aparece en esta lista; Ni siquiera la presencia del actor y escritor ganador del premio Tony, Lin-Manuel Miranda, pudo mejorar “Bedtime Stories”. Durante mucho tiempo han circulado rumores de que la razón por la que Jason Segel pasó la primera parte de la temporada 9 separado del resto del elenco tuvo que ver con conflictos de programación, pero cualquiera que sea la razón, dejar a Marshall solo durante tanto tiempo fue algo malo. -Y aunque “Bedtime Stories” acerca a Marshall y su pequeño hijo Marvin a Lily, Barney, Ted y Robin, primero tenemos que aguantar eso.

Aquí está la esencia: Marshall le cuenta a Marvin historias sobre la pandilla para calmarlos con la ayuda de Gus (Miranda), un hombre que también viaja en el autobús de Marshall a la ciudad ficticia de Farhampton (que resulta ser un rapero). Esto fue antes de que “Hamilton” de Miranda se estrenara en el Public Theatre de Nueva York, por lo que, si bien los fanáticos incondicionales del teatro musical lo habrían reconocido por “In the Heights”, muchos espectadores podrían haberse quedado rascándose la cabeza y, más concretamente, “Bedtime”. Stories” es un relleno completo que no logra nada narrativo. Además, la rima es dolorosamente molesta.

3. El apicultor en llamas (temporada 7, episodio 15)

Lamento decir esto, pero cualquier episodio de “Cómo conocí a vuestra madre” que se centra en Chris Elliott, como el padre separado de Lily, Mickey Aldrin, es algo inútil, y eso es especialmente cierto en el caso de “El apicultor ardiente”, el séptimo. cacharro de temporada que presenta… También en un papel invitado de Martin Short. (Ni siquiera un juego corto, porque hacer literalmente cualquier cosa podría cambiar toda esta terrible experiencia). “Cómo conocí a vuestra madre” ha dado una cantidad impresionante de grandes giros en una comedia que se transmitió por CBS y con “The Burning”. “Beekeeper” para narrar los muchos desastres que ocurren habitación por habitación en la fiesta de inauguración de Lily y Marshall es una idea inteligente, por decir lo menos. Sin embargo, no funciona (por cierto, lo que ayuda de este episodio es que. tiene lugar durante una historia sobre la mudanza de Marshall y Lily a los suburbios por un tiempo; ya sabes lo que siento al separar la pandilla).

El episodio completo se desarrolla a lo largo de cinco minutos caóticos y desastrosos, y si bien esta táctica no es tan estúpida como el hecho de que la novena y última temporada de “Cómo conocí a vuestra madre” se desarrolla durante un solo fin de semana, sigue siendo bastante ¡malo! Básicamente, Lily y Marshall están tratando de organizar una fiesta sin incidentes, para impresionar al nuevo jefe ecológico de Marshall, Garrison Coates (corto), y además, hay un tipo con un traje de apicultor en llamas, de ahí el título. (El hombre es Mickey). no pude el esta parado La presunción o ejecución de “The Burning Beekeeper” Cuando vi el episodio en vivo y lo volví a mirar, puedo confirmar que sigue siendo increíblemente molesto.

2. The Slap 3: The Slap in the Slap (Temporada 9, Episodio 14)

Este episodio de Cómo conocí a vuestra madre es realmente racista. Es por eso que obtiene el segundo lugar en esta lista, sin mencionar el hecho de que toma uno de los mejores chistes del programa, “Slap Bet”, y destruye por completo su legado con el apestoso “Slapsgiving 3” de la temporada 9: “Slappapointment in Slapmarra”.

La apuesta Slap se origina en el episodio de la temporada 2 “Slap Bet”, donde Barney y Marshall hacen una apuesta sobre el pasado de Robin: Barney es… para estar seguro Que actuó en películas para adultos porque él es un completo pervertido, y Marshall cree que todavía está casada en secreto con alguien que no es Ted, y cuando resulta que era una estrella del pop adolescente en Canadá, Marshall gana la apuesta por defecto. Esto le permite a Marshall darle una serie de bofetadas a Barney para siempre, dejando a Barney sin idea de cuándo llegarán estas bofetadas. Esta idea es asombrosa y condujo a algunos momentos increíblemente divertidos al principio de la serie, pero en “Slapsgiving 3”, nos vemos obligados a ver a Marshall pasar por un montón de “entrenamiento de kung fu” ofensivo para poder completar su misión de bofetadas. Robin y Lily interpretan a personajes llamados Red Bird y White Lily, respectivamente, lo que suena asqueroso, pero el peor aspecto es definitivamente el bigote Fu-Manchú de Ted (que realmente parece “cara amarilla”).

Durante un Reddit AMA en 2013A Carter Bays, uno de los creadores de la serie, le preguntaron si se arrepentía de la serie y fue muy franco: “Lamento los desafortunados momentos de apropiación cultural en Slapsgiving 3”. “Hay cosas que realmente me gustaron de ese episodio: la estructura de la narración, Boyz 2 Men, el primer plano en cámara lenta y todas las bofetadas, pero creo que todos realmente lamentamos el bigote de Fu Manchú de Ted”. Al menos lo entiende.

1. The Last Forever (final de la serie)

Se ha escrito mucho sobre por qué el final de Cómo conocí a vuestra madre, el episodio de dos partes titulado “The Last Forever”, huele tan mal. …Y si entro en todos los detalles sobre esta completa y absoluta decepción del final, estaré caminando mientras la versión de Ted de Bob Saget hable con sus pobres hijos. La conclusión es que debido a que Carter Bays y Craig Thomas tomaron una decisión en la segunda temporada del programa, es decir, que Ted terminaría con Robin a pesar de que ella claramente no es la madre, El final tomó toda la premisa del programa y la tiró a la basura solo para que Ted pudiera aparecer en la puerta de Robin nuevamente con esa estúpida trompa azul (la misma trompa que le regaló en el piloto como gesto romántico)..

La boda de Barney y Robin ocupó toda la temporada 9, y al principio del final, descubrimos que ya estaban divorciados, lo que hizo que toda la temporada fuera una pérdida de tiempo. Lily y Marshall no son iguales Sucede Al final, Lily vuelve a quedar embarazada. Luego está la madre, Tracy McCormick, interpretada triunfalmente por Cristin Milioti, quien al menos tuvo un episodio destacado en la novena temporada de “Cómo me conoció tu madre”, quien muere sin ceremonias en una secuencia de montaje solo para que Ted pueda volver a estar con su madre. Su exnovia. Todo el esfuerzo apesta muchísimo, y años después, los fanáticos todavía desean que Báez y Thomas cambien de rumbo; Incluso hay un final alternativo que simplemente termina con el encuentro de Ted y Madre, para que todos podamos fingir que es el final real..

“Cómo conocí a vuestra madre” ya está disponible para transmitir en Hulu.


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Las dos peores películas de Matt Damon sobre Rotten Tomatoes tienen algo en común

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En 1997, cuando Matt Damon y Ben Affleck escribieron y protagonizaron la película “Caza de buenas intenciones” de Gus Van Sant Instantáneamente catapultó al dúo a la lista indescriptible de Hollywood. Ambos habían trabajado durante varios años y habían participado en algunas películas de estudio notables, pero fue Good Will Hunting quien catapultó a los dos apuestos jóvenes a la cima del montón. Su película fue nominada a nueve premios de la Academia, incluida la de Mejor Película, y ganó los Premios de la Academia al Mejor Guión y al Mejor Actor de Reparto (por Robin Williams). Desde entonces, tanto Affleck como Damon se han mantenido entre los actores poderosos, apareciendo en una larga lista de éxitos de gran presupuesto y ambiciosas películas independientes.

Aunque eso no significa que ambos no hayan recibido su parte de mal olor. Affleck protagonizó muchas películas notorias durante su carrera, incluidas películas muy vilipendiadas como “Gigli” y “Phantoms”. Aunque Affleck fue la bomba en “Phantoms”, la película fue un fracaso. Tampoco todas las decisiones de Damon fueron acertadas. Aunque “Titan AE” de Don Bluth es una película animada entretenida, la película fue una gran bomba que perdió alrededor de 100 millones de dólares. Además, los críticos no siempre son fanáticos de las películas de Damon. Su aparición en la película de acción y fantasía de Terry Gilliam “Los hermanos Grimm” no fue precisamente bienvenida, y nadie parecía estar siguiendo la ola de “La Gran Muralla” de Zhang Yimou. también, Asegúrese de buscar lo que el autor John Christopher Farley tiene que decir Acerca de la película de deportes llena de acción de Robert Redford, “La leyenda de Bagger Vance”.

Pero las dos películas peor reseñadas de la obra de Damon… Según lo compilado por Rotten Tomatoes – fueron las tomas un tanto sin rumbo de la balada suburbana de los años 50 “Suburbicon” y el drama artístico de la Segunda Guerra Mundial repleto de estrellas “The Monuments Men”. El primero recibió un índice de aprobación crítica del 27% y el segundo del 31%. ¿Qué tienen en común? Ambas películas fueron dirigidas por George Clooney.

Suburbicon de George Clooney presenta una de las actuaciones más aburridas de Damon

La película de George Clooney de 2017, “Suburbicon”. La película está ambientada en 1959 en la ciudad ficticia de Suburbicon, un barrio estadounidense exclusivamente blanco. Inspirado en Levittown, Pensilvania. Damon interpreta a un hombre común y agresivo llamado Gardner Lodge, que vive feliz con su esposa Rose (Julianne Moore) y sus hijos. Una noche, dos invasores irrumpieron en la casa de campo y cloroformo a la familia mientras robaban el lugar. Sin embargo, a Rose le dieron demasiada sustancia química y murió. La tragedia llama a la hermana gemela de Rose, Margaret (también Moore), para que se mude y ayude en el duelo.

Sin embargo, Margaret comenzó a vestirse y hablar como Rose, y comenzó a acostarse con Garnder. ¿Se le contagia de alguna manera la conformidad suburbana de los años cincuenta? También hay un giro adicional que involucra la conexión de Gardner con los invasores del hogar. Además de esto, existen fluctuaciones adicionales. Todos los dramas antes mencionados tienen lugar en un contexto de racismo. La familia negra Myers se mudó al vecindario y los residentes blancos racistas de Suburbicone comenzaron a intimidarlos.

Sólo el 27% de los críticos aprobaron Suburbicon, según 256 reseñas. La mayoría de las críticas no fueron muy negativas, y la mayoría de los críticos se mantuvieron alejados de la película simplemente porque se sentían algo “mal” con respecto a ella. Larushka Ivanzadeh, de Metro, señaló que a los personajes negros se les presta una atención vergonzosamente escasa en una historia subrayada por el racismo. Anthony Lane escribe para The New YorkerSeñaló que Clooney tuvo algunos cortos creativos, pero al final la película fue algo genérica. En general, la mayoría de los críticos coincidieron en que la película de Clooney era torpe e ineficaz. Ni siquiera el encanto y el talento de estrellas como Damon y Moore pudieron empañar el encanto de la película.

Un índice de aprobación del 27% no la convierte en la peor película de Damon, pero sin duda es uno de los trabajos más aburridos del actor.

The Monuments Men de George Clooney es demasiado cursi para su propio bien

La premisa de la película de Clooney de 2014 “The Monuments Men” es realmente interesante. Es 1943 y las fuerzas aliadas están expulsando a los nazis de Europa. Sin embargo, existía cierta preocupación de que los nazis hubieran ocultado o destruido muchas de las grandes obras de arte europeas, por lo que el presidente Roosevelt reunió una unidad del ejército encargada de identificar y proteger pinturas, música, esculturas y arquitectura. La unidad de crack, apodada Monuments Men, estaba formada por historiadores del arte, directores de museos y curadores. Tuvieron que estudiar rápidamente, descubriendo dónde habían estado las grandes obras de arte antes de la guerra para poder rastrear dónde se encontraban ahora.

El elenco de The Monuments Men es asombroso e incluye no solo a Damon y Clooney, sino también a Cate Blanchett, John Goodman, Bill Murray, Bob Balaban, Jean Dujardin y Hugh Bonneville. Y si bien la idea de que estos actores hablen sobre el gran arte de Europa es deliciosa, arraigada en la historia del mundo real, la dirección de Clooney es demasiado vaga para hacerla interesante. No es una historia emocionante sobre extraños en tiempos de guerra, sino un himno vagamente sentimental al arte, tan profundo como una tarjeta de felicitación.

Sólo el 31% de los 258 críticos de Rotten Tomatoes dieron el visto bueno a “The Monuments Men”. Muchos críticos han señalado la ironía de que una película que espera hacer alarde de la importancia del gran arte sea en sí misma muy mal arte. Al igual que “Suburbicon”, la mayoría de los críticos no estaban llenos de odio, sino simplemente neutrales, señalando la trillada honestidad y la falta de sofisticación de la película. Andrew O'Hare, que escribe para Salon, señaló que “The Monuments Men” parecía más una película para televisión de los años 70 que un largometraje, y Matt Zoller Seitz, que escribe para RogerEbert.com, no pudo encontrar nada ofensivo, pero tampoco puede encontrar cualquier cosa que le guste.

La mayor debilidad de Clooney como director parece ser su tendencia hacia la simpleza insípida.


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Los 5 peores episodios de Seinfeld, clasificados

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Para una serie con 180 episodios, “Seinfeld” tiene algunas cosas extrañamente desagradables. El brillante trabajo de Larry David y Jerry Seinfeld arrasó en el panorama televisivo durante los años 90, pero la serie aún está fresca y es más divertida que casi cualquier otra cosa en la televisión, antes o después. A lo largo de sus nueve temporadas, “Seinfeld” perfeccionó y perfeccionó su estilo cómico característico, brindando a los espectadores historias cada vez más laberínticas y autónomas de malentendidos, errores y desastres variados, todos memorablemente ambientados en la improbable visión de sus creadores de la ciudad de Nueva York. .

A pesar de su grandeza, “Seinfeld” tiene algunos puntos bajos, y no me refiero sólo al clip que lo muestra. Su primera temporada no comienza con fuerza, aunque sus primeros episodios construyen una plataforma sólida sobre la cual luego se pueden expandir tramas cómicas más complejas. Del mismo modo, la temporada 4 pasa largos períodos de tiempo enfocándose en George (Jason Alexander) y Jerry (Seinfeld) tratando de escribir un programa de televisión, y aunque la temporada nos dio el lema “programa sobre nada” que se ha quedado con la serie desde entonces, El impulso cómico se desacelera para algunos cuando intentan abordar historias reales y secuenciales. Las últimas temporadas de Seinfeld también ven a su grupo central, el neurótico Jerry, el egoísta George, el excéntrico Kramer (Michael Richards) y la oportunista Elaine (Julia Louis-Dreyfus), volverse casi caricaturescamente siniestro, y aunque algunos de esos episodios posteriores son malvados. en el mejor de los casos, en la serie, el acto inmoral e inmoral finalmente se desmorona gracias al final altamente polarizador y aún deprimente de la serie.

No sorprende encontrar este episodio aquí, junto con otros cuatro, que ahora se encuentran entre los episodios más saltables del programa, gracias a sus errores inherentes o su increíble lapso de tiempo.

5. Crónicas de Seinfeld

A diferencia de algunos de los peores episodios de la serie, el episodio piloto de “Seinfeld” (a veces llamado “Buenas noticias, malas noticias”) no es involuntariamente ofensivo o perturbador; No parece “Seinfeld”. Hay algunos signos de la inteligente comedia basada en malentendidos en la que se convertiría la serie, incluida una trama principal que ve a Jerry atrapado en una relación del purgatorio con una invitada (Pamela Brule) que envía señales muy contradictorias. Pero como este es el primer episodio de la serie, no hay ninguna trama de segunda categoría, lo que en última instancia hace que todo el esfuerzo parezca simple en comparación con la mayoría de los otros capítulos de la serie.

“Las Crónicas de Seinfeld”, como se tituló el piloto, a veces parece un programa completamente diferente. No existe Elaine y Kramer se presenta por primera vez como Kessler. La camarera del restaurante, no el que conocemos y amamos, sino un lugar diferente llamado Pete's Luncheonette, parece preparada para ser un personaje principal del programa, pero no se volvió a ver al actor Lee Garlington después de este episodio. el era el piloto solo Es suficiente jugo para enganchar el programa y darle la oportunidad de convertirse en algo grandioso, pero debido a que es tan diferente de “Seinfeld” en su conjunto, es el episodio más fácil de omitir al volver a verlo. Aunque es el único episodio de la primera temporada en esta lista, la mayoría de los primeros esfuerzos de la serie fueron relativos fracasos, con “Male Unbonding” y “The Stock Tip” destacándose como puntos bajos adicionales.

4. Día de Puerto Rico

Uno de los episodios más controvertidos de Seinfeld, el “Día Puertorriqueño” de la temporada 9, inspiró protestas que continuaron hasta la semana en que terminó la serie. El episodio, que memorablemente transcurrió en los escenarios familiares de la serie y en cambio tuvo lugar en un atasco de tráfico causado por el desfile anual puertorriqueño en Nueva York, se consideró ofensivo debido a la escena en la que Kramer quema accidentalmente (y luego pisa) el Bandera puertorriqueña. Según el libro “Seinfeldia” de Jennifer Keishin Armstrong, la solicitud del presidente de la Coalición Nacional Puertorriqueña, Manuel Mirabal, de que consultores hispanos revisaran el programa antes de su emisión fue rechazada, y el escritor Alec Berg dijo en un momento: “No consultamos con un consejo rabínico”. “. Cuando hacemos un programa sobre judíos”.

Aparte del incidente de la bandera puertorriqueña, el episodio no es muy bueno, lo cual es especialmente decepcionante considerando que es el penúltimo episodio de toda la serie. Fragmentos del trabajo del “Día Puertorriqueño”, como cuando Jerry, George y Kramer abandonan accidentalmente su auto después de que uno por uno deciden presentarse en un departamento con nombres supuestos para usar su baño. Pero su falta de entornos familiares y tiempo en grupo es molesta, su humor racista es demasiado amplio e inhumano, el guión no es lo suficientemente nítido para lograr su estilo en tiempo real y sus travesuras son menos convincentes que gran parte de lo que ha sucedido antes. . Como penúltimo episodio del programa, “Día Puertorriqueño” sin querer sirve como evidencia de esto. Los poderes fácticos hicieron bien en poner fin a “Seinfeld”. Desafortunadamente, esto no es lo peor que la temporada 9 tiene para ofrecer.

3. Jimmy

Si bien algunos aspectos de “Seinfeld” han envejecido mal con el tiempo, “Jimmy” puede ser el único episodio que pasa de “desagradable” a “molesto”. El principal problema del episodio es la trama de Jerry, que es una historia increíblemente extraña y dolorosamente carente de gracia sobre el consultorio de un dentista atendido por swingers que aparentemente lo agredieron sexualmente mientras estaba inconsciente. La agresión sexual masculina se representaba habitualmente para reír y se malinterpretaba en la pantalla del siglo XX (Y a veces, por desgracia, sigue siendo así hoy en día.), por lo que no es sorprendente que “Seinfeld” llegue tan lejos hasta cierto punto, pero no creo que haya habido un momento en el que “los médicos que te acosan cuando estás dormido” fuera un tema cómico tan fuerte y con el que puedas identificarte. Ni siquiera una estrella invitada de Bryan Cranston podría mejorar mucho las cosas, aunque vale la pena señalar que su papel como dentista evita que el desacertado episodio se vuelva irredimible.

“Seinfeld” logró jugar con el humor negro varias veces a lo largo de su carrera (“The Junior Mint”, en la que Jerry y Kramer creen que mataron a un hombre arrojando caramelos en la cavidad de su cuerpo durante una cirugía, es posiblemente el mejor episodio de la serie). , pero la trama del Dr. Teeth es particularmente terrible porque mantiene la historia del asalto ligera y no ofrece resolución ni explicación. George lee sobre el asalto de Jerry en el ático y Elaine (horriblemente) le dice que el abuso estuvo bien porque es soltero. En un programa que extrae el humor de los excéntricos del mundo, “The Jimmy” flaquea demasiado y pierde su hilo cómico en el proceso. En otra parte del episodio de la sexta temporada, George y Ellen están confundidos por un hombre que se refiere a sí mismo en tercera persona y a quien Kramer confunde con un miembro del grupo de “adultos con discapacidades mentales”.

2. el perro

Extraña trama sobre un hombre borracho en un avión hablando con Jerry, que cuida perros en los pantanos Gran tercera temporada de “Seinfeld”. En “El Perro”, Jerry termina con un perro llamado Farvel, y el perro procede a hacer de su vida y la de los demás un infierno mientras su dueño se recupera en el hospital. Este es uno de los pocos ejemplos en el programa en el que Seinfeld y David se basan en manías personales que no se traducen en una audiencia más amplia. Y ningún clip candente de “Seinfeld” es más popular que “Dogs Are the Worst”.

Sin embargo, el episodio ciertamente cree que lo son, ya que Jerry finalmente lleva al pobre cachorro a la perrera para que pueda salir con amigos, y Ellen, que antes era comprensiva, amenaza con poner fin a Farvel después de pasar tiempo con él, y finalmente se revela. El dueño original de la mascota (Joseph Maher) salió del hospital hace unos días pero no vino a recogerlo. Aparte del error de juicio tonal de un episodio que intenta hacer que todos los que odian a este perro lo odien, los fanáticos parecen tener un disgusto particular por los extraños ladridos humanos que marcan casi todas las escenas de “The Dog”. En lugar de mostrarnos a Farfel, el episodio presenta una pista de voz de él ladrando implacablemente y claramente siendo un hombre. El ladrido de Farfel es casi insoportable y, curiosamente, Muchos fanáticos de Reddit Aquellos que se quedan dormidos mientras vuelven a ver “Seinfeld” notan que es uno de los únicos sonidos en toda la serie que los irrita lo suficiente como para despertarlos.

1. El fin

Si bien episodios como “The Dog”, “The Jimmy” y “The Puerto Rican Day” pueden irritar u ofender a los fanáticos debido a un error de juicio de los escritores, el peor episodio del programa hace exactamente lo que se suponía que debía hacer. Desafortunadamente, la decisión de Larry David de terminar la serie con una salida extraña, sin gracia, dura y algo ordinaria del status quo de la serie fue la peor decisión que “Seinfeld” haya tomado jamás. El episodio de dos partes se parece menos a una despedida del programa muy divertido que amaba Estados Unidos y más a un simple “Te mimaré” en David Network. Había peleado con él años antes. – Una metacontinuación de una conversación sobre la función moral y social de la sitcom de la que el público nunca estuvo al tanto.

Una cosa habría sido si el episodio final simplemente hubiera destruido la buena voluntad restante de los fanáticos debido a un elenco de personajes cada vez más terrible, pero el “final” también quedó enterrado bajo el peso de sus muchas opciones narrativas encantadoras y su estructura extraña y laboriosa. Dejando a un lado a Kramer, el programa nos ha estado diciendo durante años que su grupo no tramaba nada bueno, pero también se deleitaba con la amoralidad y las neurosis de sus personajes, haciendo que su juicio pareciera un cebo y un cambio innecesario y obsoleto. El castigo a los cuatro consistió en colocar la frase extrañamente sarcástica y desagradable “¿Es esto lo que querías?” Termina con un espectáculo que podría haber tenido un momento de cierre (como finalmente sucedió en la celda de la prisión) de cualquier otra manera. El final también elimina la bien merecida suspensión de la incredulidad que ha mantenido cautivo al público durante mucho tiempo, reemplazando paneles cómicos de varias partes elegantemente ensamblados con una historia simple y trivial que parece falsa en cada paso del camino.

“The End” apesta tanto que David ha pasado la mayor parte de su vida desde que le preguntaron sobre ello una y otra vez. Es un castigo existencial que abordó detalladamente en su serie de seguimiento, Curb Your Enthusiasm, antes de eso. Revisando por última vez la despedida de Seinfeld Cual El final de la serie.


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Kurt Russell estaba en la lista de finalistas de una de las películas de Batman con peores críticas

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En julio de 1994, Los Ángeles Times Afirmó que por qué Keaton ya no “sigue siendo un misterio” como estrella de las películas de Batman. Pero 30 años después, ese misterio ha sido verdaderamente resuelto. Keaton revolucionó el mundo del cómic con el director Tim Burton La película “Batman” de 1989 no sólo fue un gran éxito de taquillapero junto con la icónica película Superman de Richard Donner de 1978, escribió un plan sobre cómo adaptar las historias de superhéroes a la pantalla grande. El propio Keaton superó una importante reacción tras su casting. Como el Caballero de la noche, que demostró que estaban equivocados las legiones de fanáticos que afirmaban que el actor de cinco pies y nueve pulgadas, entonces conocido por su trabajo cómico, era una elección demasiado grande para el papel principal.

Luego vino “Batman Returns” de 1992, en la que Burton creó una historia de fantasía expresionista y de pesadilla sin obstáculos de la interferencia del estudio. Desafortunadamente, no todos eran fanáticos. No son sólo los padres y los niños los que se han sentido desanimados por esto. La oscura sensibilidad mostrada en “Returns” molestó especialmente a McDonald Al tener que vender juguetes Happy Meal inspirados en la fantasía burtoniana que aparece en la película.

Entonces, cuando Burton llegó a las oficinas de Warner Bros., para charlar sobre la tercera entrega de la serie, recibió una tibia respuesta. el jefe él señaló Hace una lluvia de ideas antes de darse cuenta de repente: “No quieres que haga otra, ¿verdad?”. De hecho, WB no quería que Burton hiciera otra, pero aparentemente estaba abierta a que Keaton permaneciera en su posición independientemente del resultado de la trilogía. Desafortunadamente para el estudio, Keaton no sentía lo mismo. El actor le dijo a Marc Maron en WTF Podcast“Tim estaba fuera, era un nuevo gerente y pude ver que se dirigía hacia el sur”. El director de Batman Forever, Joel Schumacher, aparentemente no compartió las ideas de Keaton sobre hacia dónde debería ir la franquicia y el actor se fue.

Tras Keaton, Schumacher y el estudio consideraron varios reemplazos, uno de los cuales fue (aparentemente) el gran Kurt Russell.

Kurt Russell ha sido considerado para Batman desde siempre

después Michael Keaton se alejó de Batmanfue en Warner Bros. y Joel Schumacher encuentran a su nueva estrella. Al final, elegirían a un actor más joven que Keaton para el papel. Val Kilmer, que en realidad estaba dentro de la cueva de los murciélagos cuando consiguió el papel.. Pero llevará algún tiempo encontrar a este nuevo Batman. Durante la búsqueda, se habló de muchos grandes nombres, se unieron o estuvieron en conversaciones para protagonizar, incluidos Johnny Depp, Ethan Hawke, Billy Baldwin y… Los Ángeles Times Toma nota, Kurt Russell.

En ese momento, Russell había interpretado a Wyatt Earp, junto a Kilmer como Doc Holliday. Un destacado “hito” occidental. Según Los Angeles Times, fue Kilmer quien realmente llamó la atención de Schumacher, especialmente por su interpretación de Holiday. “Val fue mi primera y única opción (después de Keaton). La gente siempre asumió que Michael era quien hacía la película, pero no tenía un trato”, dijo el director al medio.

En ese momento, Kilmer tenía aproximadamente 35 años, mientras que Russell tenía aproximadamente 43 años. Tras la partida de Keaton, Schumacher y Warner estaban buscando un actor más joven para interpretar el papel, lo que puede haber influido en su decisión de elegir al actor más joven. Las dos estrellas de “Tombstone”.

¿Kurt Russell alguna vez tuvo una oportunidad real de interpretar a Batman?

Batman Forever ocupa un espacio extraño en la filmografía de Batman. La película era mucho más ligera que “Batman Returns”, y mostraba una ciudad de Gotham que, aunque todavía sombría a su manera, estaba bañada por luces de neón y tomaba tantas señales del Tokio moderno como Gotham en los primeros cómics. El Acertijo de Jim Carrey era tan caricaturesco como parecía, y la película era mucho más (para usar una frase de la industria) “divertida”, con Batman vistiendo varios trajes y conduciendo varios vehículos que se prestaban a la estética del Happy Meal.

En medio de todo esto, El Caballero Oscuro de Val Kilmer era tan interesante como la versión de Michael Keaton, pero con una sensación más convencional y atractiva y un efecto imponente. A menudo se pasa por alto a Kilmer en la historia de Batman, pero cuando era niño, esta película significó mucho para mí y proporcionó casi tanto combustible para mi floreciente imaginación como los esfuerzos anteriores de Tim Burton. Por lo tanto, se considera una de las entradas menores en el Bat-canon, lo que siempre me pareció injusto.

Sin embargo, una cosa es segura. Pensar en Kurt Russell en medio de esta reinvención del personaje de Batman llena de neón y casi camp, es irónico. La estrella veterana tiene una crudeza que no aguantaría tan bien como el estilo más joven y refinado de Kilmer. Entonces es algo bueno, según Billy Baldwin, quien habló con él. Batman en la película En 2009, Joel Schumacher no consideró a Russell. Según Baldwin:

“Yo era una de las principales opciones de Joel Schumacher cuando Val Kilmer terminó interpretando a Tim Burton y Michael Keaton se fue, así que Joel tuvo el lujo de reemplazar a Michael Keaton y me dijo que sus cuatro opciones, que eran una matriz ecléctica y diversa. Éramos yo, Daniel Day-Lewis, Ralph Fiennes y Val Kilmer”.

Aún no se sabe si eso es exacto o no, pero con Keaton fuera, parece extraño pensar que el estudio y Schumacher lo reemplazarían con un actor nacido el mismo año. “Forever” fue su intento de revitalizar la franquicia con una estética mucho más ligera y un Batman más joven fue una gran parte de eso. Claro, Kurt Russell como Batman no es la peor idea, pero supongo que esta no era la película adecuada para ello.


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Lo que dijeron los peores críticos sobre la película de Francis Ford Coppola

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El evento cinematográfico del año finalmente está aquí ahora que el (supuesto) canto del cisne de Francis Ford Coppola “Megalopolis” se proyecta en los cines, aunque La reacción general no podría ser más variada.. En términos de puro drama, los meses previos a su estreno pueden haber sido algo tan impactante y exagerado como se ha descrito la película en sí. Mucho antes de que el público en general viera este apasionante proyecto sobre el ascenso y la caída de un imperio, Internet estaba lleno de titulares sobre Problemas detrás de escena, Presunto acoso sexuale incluso A Una extraña polémica derivada de citas de reseñas generadas por inteligencia artificial.

Ha sido una odisea salvaje llegar a este punto, y eso sin entrar en las críticas reales de la película. /Chris Evangelista, del cine, terminó en el lado positivo mixto del debate En su reseña de “Megalópolis”.describiéndolo como un “espectáculo caótico, desorientador, desorientador y en expansión” que, sin embargo, exige ser visto en la pantalla más grande posible. No todos los críticos terminaron en la misma página, aunque eso no es nada nuevo para alguien que ha estado en el negocio tanto tiempo como Coppola. A pesar de tener muchas películas en su haber que ahora se consideran clásicos a sangre fría, desde “El Padrino” hasta “La Conversación” y “Apocalypse Now”, tanto el público como los críticos no siempre apreciaron tal genio artístico a primera vista.

¿Podría ocurrir lo mismo con Megalópolis? Claro, han sucedido cosas más extrañas… pero eso sería pedir demasiado a una saga taquillera que, al momento de escribir este artículo, todavía está parada por ahora. Una puntuación absolutamente divisoria del 50% en Rotten Tomatoes. Siempre vale la pena celebrar una nueva película de uno de los grandes del medio de todos los tiempos, pero eso hace que las duras críticas sean aún más interesantes. Esto es lo que dicen algunos de los peores sobre la “Megalópolis”.

Megaciudades: más caos que obra maestra

Lo que pasa con la nueva película de Francis Ford Coppola es que no faltan críticas, pero en aras de obtener una perspectiva más informada, nos limitaremos a reseñas solo de los mejores críticos, con disculpas a todos los focos de atención. La cámara de Jackson está fuera. allí (una broma de nicho, espero sinceramente, por el bien de todos, pase por alto para la mayoría de los lectores). Liberar cosas es Brian Truitt de USA Todayque culminó el esfuerzo como “un lío de mensajes y tropos decepcionantes e intrascendentes de uno de los maestros del cine”. Cualquiera que dedique mucho tiempo y esfuerzo a comprender la película debería simplemente reconocer la enorme influencia y el talento de Coppola, algo que Truitt, por supuesto, no tarda en hacer. Pero la reputación por sí sola no hace que alguien sea automáticamente digno de elogio, y el crítico llega incluso a comparar el último trabajo de Coppola con fracasos anteriores como “Jack” y “Twixt”. Duro, pero hay una razón por la que esta revisión solo obtiene 1,5 estrellas de 4.

Al observar la trama “incoherente” y la intrincada construcción del mundo que no parece aportar mucho al proceso, la reseña de Truitt no se anda con rodeos. Señala el papel principal de Adam Driver como el arquitecto que intenta mantener a flote la decadente ciudad de Megalópolis (llamada César, por supuesto) y cómo esto le da una sensación mitológica adecuada a la historia, pero el elenco secundario que lo rodea no tiene mucho que ver. trabajar con ellos ya que “parecen existir solo para hacer que 'Megalópolis' sea aún más extraña de lo que ya es”. Esté atento a Aubrey Plaza (llamado Wow Platinum) y Giancarlo Esposito como el político corrupto Franklin Cicero en dos de las actuaciones más enérgicas del grupo, como seguramente señalará, pero ni siquiera ellos pueden salvar este desastre. De él mismo.

“La risa que todos temen”.

Hay algunas descripciones que ningún cineasta querría jamás estar a una milla de un proyecto vanidoso de décadas de antigüedad, y bueno, “risa” y “choque de trenes” probablemente estarían en la parte superior de esa lista o cerca de ella. Ambos vienen como cortesía. Esther Zuckerman de The Daily Beastquien revisó la película después de su estreno en el Festival de Cine de Cannes en Francia a principios de este año, notó cómo la prestigiosa proyección desembocó en ataques de risa a medida que se desarrollaba la acción en la pantalla. Para tener una idea real del tipo de tono que tiene esta película, el crítico resume sucintamente la desagradable experiencia de esta manera, con un poco de elogio indirecto de que “Megalópolis” podría encaminarse hacia el estatus de clásico de culto. Fuente:

“Este es el tipo de película que se proyectaría en las proyecciones de medianoche. La frase 'destinada a ser un clásico' se usa mucho estos días y a menudo de manera inexacta: algo extraño pero popular y aclamado por la crítica que no es un 'culto'. “Clásico” y, sin embargo, eso parece aplicarse aquí. “Megalópolis” es forzada, seria, exagerada, con muchas imágenes generadas por computadora y un completo desastre, y aún así puedes imaginar un teatro lleno gritando con Jon Voight como una de las claves. La escena dice: “¿Qué opinas de esto que tienes?”

Incluso se podría haber evitado que esta tontería se convirtiera en un factor decisivo, si alguno de los mensajes políticos de la película se hubiera presentado sin sentirse “atascado”. A estas alturas, los fans más interesados ​​habrán oído hablar de aspectos como la inclusión del elemento de acción en vivo en algún momento de la película (Sólo se guarda en algunas exhibiciones públicas “inmersivas”.), y Zuckerman se hace eco de la idea de que esta película “hay que verla para creerla”. De alguna manera, incluso las críticas más negativas nos hacen querer ver esto más.

¿Qué es peor que el caos? ¿Qué tal aburrido?

A veces, incluso los imperios más magníficos y apasionantes se construyen sobre arena. Esta parece ser la principal lección de la megalópolis y de la ciudad romana en su centro, pero ¿podría extenderse también a los elementos narrativos centrales de la propia película? Peor aún, todo el presupuesto autofinanciado y las imágenes en su mayoría impresionantes probablemente no fueron suficientes para evitar que este proyecto fuera simplemente aburrido. Este es el argumento que planteé. Peter Bradshaw, El guardiáncuya reseña pinta la película en tonos sombríos y la describe como “demasiado hinchada y demasiado aburrida”. Continúa diciendo que, bueno, ya sabes, dejaré que sus palabras hablen por sí solas:

“Pero para mí, este es un proyecto apasionante sin pasión: una película inflada, aburrida y desconcertantemente superficial, llena de realidades del baile de graduación de la escuela secundaria sobre el futuro de la humanidad. Es a la vez hiperactiva y sin vida, cargada de cosas horribles, poco interesantes y actuación de apariencia barata”. El trabajo de VFX no logra la textura de la realidad analógica ni una reinvención digital completamente radical de la existencia.

Todo el proyecto no está del todo exento de puntos brillantes, y se esfuerza por elogiar los “destellos de humor y brío” de la película, los momentos en los que el distintivo diseño de producción de Coppola crea “un espectáculo interesante y consciente de sí mismo”, e incluso elogia El personaje de Jon Voight es, eh, excéntrico… Pero nada de esto es capaz de evitar que “Megalópolis” su destino sea un raro “fracaso” en la filmografía de Coppola.

“Un proyecto apasionante que salió terriblemente mal”.

A todo el mundo le encanta una buena historia de los desamparados, incluso una que involucra al nombre más importante del negocio. Sin embargo, desafortunadamente esta no fue una narrativa convincente, según la última (pero no menos importante) reseña de esta gira. en Reseña de Richard Lawson para Vanity Fairel crítico señaló que espera que este sea un último caso en el que Coppola demuestre que los escépticos están equivocados. En cambio, cree que hemos terminado en un “desastre casi total”. Le dejaré ofrecer sus impresiones iniciales sobre la epopeya de ciencia ficción y todas sus decepciones:

“Megalopolis es una película entrecortada llena de ideas mal articuladas. Es como si alguien gastara 120 millones de dólares (¡más de lo que la mayoría de los estadounidenses ganan en un año!) para fotografiar garabatos de pollo en un cuaderno, organizados apresuradamente con… Los actores y los llamativos. efectos de pantalla verde, me temo que esto es una tontería aburrida.

Lawson continúa la compleja trama lo mejor que puede; no es tarea fácil, considerando los muchos giros y vueltas de la película y (aparentemente) la naturaleza extensa y desenfocada del guión de Coppola. Sin embargo, a pesar de describir conceptos inverosímiles, como eventos tipo gladiador celebrados en lo que parece ser una alternativa obvia al Madison Square Garden, esta parte de la reseña no debe confundirse con una aprobación implícita. Según Lawson:

“Si algo de esto parece interesante, les aseguro que no lo es”, dice el aburrido guión de Coppola, pero demasiado dice muy poco, o al menos muy poco que pueda descifrarse de manera convincente. La película se desarrolla como si todo hubiera sido rehecho. Después de que los actores han filmado, se siente como si nada (ninguna reacción, ninguna transición entre escenas) estuviera sincronizado, lo que deja las actuaciones completamente en el mar.

duro. A diferencia de algunas de las otras críticas negativas, Lawson no puede encontrar mucho lado positivo aquí. “Tal vez algunos de ellos realmente vean valor en lo que Coppola ha creado. Sin embargo, muchos se rascarán la cabeza con absoluta incredulidad”. No podemos esperar a ver de qué lado terminaremos ahora que “Megalópolis” está en los cines.


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El guión rechazado del mejor personaje de Bruce Willis se convirtió en una de las peores partes de la película

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Die Hard convirtió a Bruce Willis en una estrella de acción. El actor, anteriormente conocido por su papel en la serie de comedia dramática de ABC “Moonlighting”, presentó al público al reacio héroe de acción que desde entonces se ha convertido en un arquetipo del género. detective de la policía de nueva york John McClane también se convirtió en el papel más famoso de Welles. Sigue siendo uno de los íconos más queridos del movimiento hasta el día de hoy. Naturalmente, Hollywood estaba ansioso por convertir el éxito de la película original en una serie, por lo que rápidamente se produjo una secuela en 1990. La película no tuvo tanto éxito y no fue la piedra angular cultural que fue la primera, pero fue No sin su encanto. Luego vino una tercera película que consolidó el estatus de John McClane como un héroe perdurable en la pantalla.

como Películas “Duro de matar” De hecho, Die Hard With a Vengeance de 1995 fue una de las mejores películas de todos los tiempos. Esto se debe principalmente a que las secuelas de 2007 y 2013 fueron películas fácilmente olvidables. Pero aun así, Die Hard 3 es un clásico de John McClane. Gran parte de esto se debe al hecho de que el director original, John McTiernan, regresó para la tercera entrega, trayendo consigo el deseo de llevar la acción aún más lejos que en el clásico de 1988. Pero Willis y su coprotagonista, Samuel. L. Jackson, forman un gran dúo en pantalla, ya que cada uno logró un equilibrio perfecto a lo largo de su frenética carrera por Nueva York.

Como tal, Duro de matar con venganza sigue siendo una de las mejores películas de la serie, pero parecía que estábamos a punto de tener una secuela diferente, y esta alternativa fácilmente podría haber hecho de la tercera película de Duro de matar la peor del grupo. El otro.

La versión no producida de Die Hard 3 habría sido terrible

“Duro de matar con venganza ve a John McClane desempleado deambulando por Nueva York con Samuel L. Su cuestionable visión del racismo en ese momento parece que tenía más probabilidades de fracasar que otras entradas de la serie Duro de matar.

Según John McTiernan, que habló con Línea de películaHablando de Duro de matar con venganza, el director dijo que se han preparado dos versiones de la película. “No se hicieron dos versiones porque Fox estaba discutiendo con Bruce por dinero”, explicó el director, y agregó:

“Después de que hicimos Die Hard 3, el estudio tomó la mayor parte del material que desarrollamos para la secuela y lo convirtió en Speed ​​​​2: Cruise Control. ¿Un barco de pasajeros navegando en la playa y todo eso? Eso es lo que escribimos para Die Hard 3. “.

Sí, lo leíste correctamente. “Die Hard with a Vengeance” estuvo programado en un momento para presentar la misma historia que una de las secuelas de películas más desastrosas en la historia de Hollywood. Guarida de frikis Esta fascinante información se amplió y explicó cómo el guión original de Duro de matar 3 era un guión especial de “solución de problemas”, escrito por James Hagen. Según la fuente, la película se desarrollaría en un crucero en el Caribe, donde McClane se encuentra una vez más con un grupo de terroristas en un espacio cerrado. Al final, se informó que la idea fue descartada debido a que los productores no querían que la película se acercara demasiado a Under Siege de 1992, otra película que se estaba haciendo en ese momento con una trama similar. Fue este escenario el que se reutilizó en la película de 1997 “Speed ​​2: Cruise Control”.

Es bueno que Die Hard 3 no fuera Speed ​​​​2

mientras “Speed” es una película de acción perfectay la secuela de la película se convirtió en un error histórico. hasta La estrella de la primera película, Keanu Reeves, se negó a participar en la película “Speed ​​​​2” Después de leer su texto, Dicho:

“Fue simplemente una situación en la vida en la que recibí el guión, lo leí y dije: 'Oh', se trataba de un crucero y estaba pensando: 'Autobús, crucero… 'velocidad', autobús”. , pero el crucero es más lento que el autobús”, y dije: “Los amo, pero no puedo hacer esto”.

En cambio, la película gira en torno al personaje de Sandra Bullock de la primera película, Annie Porter, quien junto con el oficial Alex Shaw, interpretado por Jason Patric, intentan desviar su crucero después de que fue reprogramado para chocar con un petrolero. Quizás como era de esperar, la película fracasó crítica y comercialmente, recaudando sólo 100 millones de dólares. 150 millones de dolares Con un presupuesto de 110 millones de dólares y manteniendo un realmente exiguo 4% tomates podridos.

Con eso en mente, es una suerte que John McTiernan y 20th Century Fox decidieran no producir este guión para Die Hard 3, aunque estoy seguro de que Bruce Willis habría contribuido a la película resultante simplemente por estar en ella. Sin embargo, esta película probablemente sería un desastre al que ni siquiera John McClane habría sobrevivido.


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Las peores películas de Daniel Day-Lewis, según Rotten Tomatoes

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“Nine” de 2009, que no debe confundirse con “9” de 2009, fue una de las favoritas del público muy decepcionante en los Oscar. Estuvo nominada a cuatro premios de la Academia, incluyendo Mejor Actriz de Reparto (Penélope Cruz), Mejor Diseño Artístico, Mejor Vestuario y Mejor Canción Original. Esta cantidad de nominaciones fue suficiente para que los fanáticos del Oscar se vieran obligados a ver “Nine”, una película que muchos coincidieron en que parecía aburrida y confusa. Los críticos parecen pensar que sí de todos modos, ya que “Nine” sólo recibió un índice de aprobación del 39% en Rotten Tomatoes. Este es el índice de aprobación más bajo jamás registrado. ¿Qué película protagoniza Daniel Day-Lewis?.

La película “Nine” necesita algunas aclaraciones. Primero, la película fue una adaptación de un musical de Broadway que se estrenó en 1982. La producción original fue protagonizada por Raúl Giulia, quien interpretó a un personaje muy similar, pero legalmente distinto, al director italiano Federico Fellini. El personaje, llamado Guido Contini, encuentra su matrimonio y su espíritu creativo debilitándose ante una crisis de la mediana edad. Estaba a punto de cumplir cuarenta (¡cuántos años!) y empezó a temer un futuro aburrido, en ausencia de las hermosas mujeres italianas a las que había cortejado en su juventud. También tiene una amante, lo que parece una extensión natural de la historia de Fellini. Como sugiere el título, Nine está inspirada en la película semiautobiográfica de Fellini de 1963, Eight and a Half, sin duda una de las películas más satisfactorias jamás realizadas.

Nine fue un espectáculo de Broadway de los años 80 basado en una de las películas italianas de los años 60 más populares de todos los tiempos, y uno podría imaginar que había un cierto tipo de urbanita artístico en medio de un diagrama de Venn de Broadway y galerías de arte italianas.

Pero en 2009, cuando Rob Marshall adaptó el musical a la pantalla grande, muchos se preguntaron quién querría ver algo así. Marshall ya había tenido un gran éxito con su terrible versión de Chicago en 2002, por lo que parecía lógico -desde la perspectiva de “queremos ganar premios”- darle otro espectáculo de Broadway para adaptar la obra. Pero parece que el rayo no le cayó dos veces. La película fracasó, los críticos la odiaron e incluso Daniel Day-Lewis, que interpretó a Contini, no pudo salvarla.

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Los 5 peores episodios de Twilight Zone, clasificados en orden de importancia

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La serie original “The Twilight Zone”, creada por Rod Serling y transmitida por CBS de 1959 a 1964, es simplemente una de las mejores series de televisión de la historia del medio. Ha sido increíblemente influyente en muchas áreas, desde la propia televisión (que proporcionó un gran modelo para las series de antología), hasta la ciencia ficción y el terror en general, e incluso hizo de su título un término de jerga general para lo extraño e inusual. Serling no solo reunió a la flor y nata de los escritores prometedores del género, sino que también utilizó sus talentos inimitables, escribiendo la mayor parte de los 156 episodios de la serie y creando el tono y el estilo de toda la serie.

Si bien la estructura de una historia por episodio de “The Twilight Zone” permitió a la serie evitar muchos de los errores habituales de las series de larga duración que son ligeras o intensas, eso no significa que la serie estuviera en la cima de su éxito a lo largo de su carrera. La serie estaba en deuda con algunos aspectos inevitables de la producción televisiva como… CensuraSudden Tragedy (con un episodio Sufre la inesperada pérdida de su estrellaDe hecho, esta serie no está exenta de cierta fatiga creativa. No hay duda de que la mayoría de los episodios de “The Twilight Zone” contienen algunos de los mejores ejemplos de programación televisiva que jamás haya producido el medio. Pero no todos los episodios pueden ser un éxito y sólo unos pocos son realmente malos. Aquí están los cinco peores episodios de la serie, clasificados desde decepcionantes hasta tan desagradables que pasar una hora en la Dimensión Desconocida real es mejor que mirarla.

5. Fiebre (Temporada 1, Episodio 17)

Uno de los principales objetivos de Serling con The Twilight Zone era emplear una técnica que todos estamos acostumbrados a ver en películas y programas de televisión de este género hoy en día: explorar temas serios e incómodos de la vida real a través de una lente de ciencia ficción y terror. En lugar de simplemente filmar un episodio sobre un hombre que lucha contra una adicción al juego, lo que requeriría un nivel de drama interno que sería difícil de lograr en un episodio de televisión de 25 minutos, Serling escribió un guión que encarna la lucha del hombre en la forma de una máquina de juego aparentemente sensible (y malvada). “Fever” de Robert Florey intenta hacer que la terrible experiencia de Franklin Gibbs (Everett Sloan) sea horrible cuando la malvada máquina lo atrae al juego, que finalmente lo mata.

“The Twilight Zone” tiene mucho éxito en el tratamiento de objetos inanimados que adquieren una vida espeluznante en otros lugares; hay varios episodios excelentes de la serie que tratan, por ejemplo, de muñecos asesinos, maniquíes o marionetas. Es lamentable que “The Fever” simplemente pueda hacerlo. No convierte a una máquina tragamonedas en un antagonista aterrador, y no importa cuánta iluminación tenue o sonrisas falsas lance Flurry al enorme e incómodo cubo de monedas, no hay nada inherentemente “malo” en el programa. Simplemente no está a la altura de sus intenciones; , así que piense en esta entrada como una alternativa a cualquier “Zona” que comprenda intelectualmente, tal vez admire sus objetivos, pero sienta que no alcanza la marca.

4. Otro portador del féretro (temporada 3, episodio 17)

Simultáneamente con el deseo de Serling de explorar temas serios a través de la lente del género, estuvo su intento de utilizar “The Twilight Zone” para comentar sobre Cuestiones políticas y sociales que se estaban debatiendo en ese momento y que las cadenas de televisión nunca permitirían transmitir. Aunque Serling recibió una sólida educación en lugares como Antioch College, creció en un ambiente bastante modesto en Syracuse, Nueva York, y esta experiencia le da a su trabajo una cualidad emocional de “voz del hombre común”. En su mayor parte, fue este aspecto realista el que dio mucha credibilidad a algunas de las ideas más extravagantes presentadas por The Twilight Zone. Este aspecto también permitió que el otrora sutil comentario social de Serling resonara mucho más poderosamente cuando estaba a plena capacidad.

Pero a veces la película no estaba funcionando en todo su potencial, como se ve en One More Pallbearer de Lamont Johnson. El episodio adolece de un tono duro, una trampa en la que Serling puede caer de vez en cuando. No ayuda la complicada configuración en la que un hombre excéntrico, rico e independiente, interpretado por Joseph Weissman, reúne a su antiguo mentor, ex comandante y sacerdote local en un refugio antiaéreo con el pretexto de una guerra nuclear. Los tres les ofrecen la oportunidad de quedarse en su refugio si le piden disculpas por reprenderlo por sus fechorías y herir sus sentimientos en el pasado, y naturalmente se niegan a hacerlo, dejando solo al millonario mientras cae en la ilusión de que el El fin del mundo ya ha ocurrido. El comentario de Serling aquí sigue siendo tan poderoso hoy como entonces; El problema es que está envuelto en un paquete sin vida. Pasará un rato mucho más interesante y enriquecedor leyendo un artículo de Onion sobre Elon Musk que viendo este episodio.

3. Sr. Dingle, el Fuerte (Temporada 2, Episodio 19)

La relación entre “The Twilight Zone” y la comedia es incómoda. Aunque Serling y otros escritores se sintieron naturalmente atraídos por lo absurdo del género (además de aportar algo de ligereza a una serie que podría volverse sorprendentemente oscura), la relación éxito-fracaso de la serie se duplicó cuando se trataba de episodios cómicos. Como se ha señalado en otra parte, la comedia es un género voluble: o es tan duradera que puede abarcar generaciones, o tan específica que tiene una vida increíblemente corta. Lamentablemente, este último fue el caso en “The Twilight Zone”, y “Mr. Dingle, the Strong” es un ejemplo perfecto de esto.

Escrita por Serling y dirigida por John Brahm, “Mr. Dingle” está protagonizada por Burgess Meredith como el personaje principal, un paria social tonto que es seleccionado al azar por unos marcianos de aspecto miserable para un experimento en el que se les otorga una fuerza sobrehumana. El Sr. Dingle tiene una serie de aventuras “increíbles” y se hace famoso durante un minuto, sólo para que la experiencia termine repentinamente. La “sorpresa” involucra a algunos venusianos (que parecen más avergonzados que los marcianos) que buscan realizar su propio experimento con un humano y luego eligen darle al Sr. Dingle inteligencia sobrehumana.

Es comprensible por qué Serling pensó que Meredith podría asumir el papel, dado que le dio a la serie uno de los personajes trágicos más icónicos de la historia en “Time Enough at Last” de la temporada 1. Sin embargo, no hay tragedia ni sentimiento trágico en Mr. Dingle, sólo comedia física, en la que Meredith no es del todo buena. Por alguna razón, Serling pensaba que los tontos infantiles eran el pináculo del encanto y la diversión (ver “Mr. Beavis” de la temporada 1 o, ya sabes, no hagas eso), tal vez porque servían como respuesta a los tipos desalmados de Madison Avenue. Eso molestó a Serling. Si usted siente lo mismo, es posible que el “Sr. Dingle” también le resulte encantador. El resto de nosotros desearíamos que los marcianos se lo hubieran llevado con ellos.

2. El bardo (temporada 4, episodio 18)

No se puede hablar de los peores episodios de “The Twilight Zone” sin mencionarlos La infame cuarta temporada de la serie, Esto parece casi injusto, dado que la temporada 4 fue una tormenta perfecta de problemas detrás de escena e interferencia por parte de CBS. Serling creía que el programa había seguido su curso después del año anterior, el productor original Buck Hutton pasó a otra producción y CBS de repente decidió renovar “The Twilight Zone”, pero insistió en extenderla de media hora a una hora. La temporada resultante de episodios de una hora tuvo un punto brillante aquí y allá, pero en su mayor parte, cada episodio tuvo problemas para cumplir con su tiempo de ejecución, lo que resultó en mucho relleno aburrido y sin inspiración que reflejaba mal el entusiasmo habitual del programa.

Al final de esa temporada, un Serling amargado y resentido decidió escribir “El poeta”, una sátira apenas velada de la industria televisiva tal como él la veía, contada a través de la idea de que el propio William Shakespeare apareciera mágicamente a mediados de 1963. y ofreciendo sus servicios al tonto aspirante a guionista Jack Weston. Si bien las nuevas obras de Shakespeare fueron inicialmente bien recibidas, rápidamente fueron empañadas y debilitadas por el patrocinio corporativo y los comités de censura de la cadena. Serling y el director David Butler logran sus objetivos satíricos de manera bastante decente, pero la comedia sigue siendo un poco cliché y obvia.

Pero las cosas empeoran cuando Shakespeare es convencido de escribir una película, lo que lleva a una burla de las películas dramáticas que se hicieron populares durante la década de 1950, cuyas estrellas más destacadas eran Burt Reynolds, que interpreta el personaje de Marlon. Brando. Es una sátira que carece de emoción y permanece estancada en la crítica del “viejo gritando a la nube”, un reflejo de cómo los estilos cambiantes en el arte han molestado a los viejos artesanos de la industria (ver: el clip “Dances” de “White Christmas” ). Al no tener ninguna gracia, retratar a Shakespeare como nada más que un bastión de excelencia artística y burlarse de esos malditos niños, “El poeta” es un episodio que, a diferencia de la mayoría de las comedias de Shakespeare, está lejos de ser atemporal.

1. El asombroso mundo de Horace Ford (temporada 4, episodio 15)

Algunos de los episodios más fuertes de The Twilight Zone involucran la idea de cómo la nostalgia puede apoderarse del presente, con Serling y otros escritores explorando ambos lados de esta moneda, tanto positivos como negativos. En estos episodios, el héroe suele estar convencido de que el presente y el pasado deben permanecer separados, ya sea porque el pasado es un mundo ideal e inocente o porque no es tan color de rosa como se pensaba inicialmente. El asombroso mundo de Horace Ford quiere que sean ambas cosas; Busca mimar al personaje principal como noble en sus fantasías infantiles frente a la compostura institucional, pero también expone el pasado de Horace como impactante y del que no vale la pena alardear. Esta mirada multifacética de un hombre que romantiza su pasado podría haber sido convincente dado el formato de una hora de la temporada 4, pero desafortunadamente, la actuación de Pat Hingle como Horace lo convierte en el personaje más molesto de toda la serie.

El guión, escrito originalmente por Reginald Rose para un episodio de Westinghouse Studio One protagonizado por Art Carney que se emitió en 1955, planteaba muchas exigencias al actor y director Abner Biberman. Horace no es sólo un bicho raro que trabaja en una empresa de juguetes; Incluso tiene una esposa cariñosa a la que menosprecia e ignora, además de una madre dominante que vive con la pareja y explota a su hijo. Es un guión espinoso e incómodo sobre personajes que tienen defectos devastadores, por lo que el hecho de que Hingle (con el apoyo de Biberman, al parecer) decidiera convertir a Horace en un niño de tipo adulto, petulante y despotricado, no le favorece a él, ni al personaje, ni el episodio cualquier favor. Parece haber una tormenta perfecta de problemas en el episodio que lo convierte en el peor de la serie, combinando sus problemas con la comedia, su comentario social en su forma más simple y sus aspectos más arcaicos en una hora de fracaso. Como ocurre con cualquier antología, su calificación y resultados pueden variar. Sin embargo, parece claro que si la mayoría de episodios de “The Twilight Zone” fueran como este, hoy no estaríamos hablando de esta gran serie.


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Las dos peores películas dirigidas por Tim Burton, según Rotten Tomatoes

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Tim Burton saltó a la fama durante una época muy extraña en la cultura popularLos cortos dramas sombríos y orientados a adultos de los años 70 habían dado paso a los thrillers más sutiles y contundentes de los años 80, cuando una nueva generación de películas de aventuras entró en el mercado, dirigidas por cineastas prematuros que habían pasado su juventud en auténticas escuelas de cine. . Al mismo tiempo, el conservadurismo financiero y cultural de la administración Reagan amplificó las voces de los punks rebeldes y de los artistas aventureros que no querían tener nada que ver con el mundo comercial. Las extrañas circunstancias –un aumento de los fondos junto con un malestar general con el régimen gobernante– fueron muy adecuadas para que estos maníacos anti-mainstream salieran a la luz pública.

De repente, cineastas como David Lynch, Tobe Hooper y Paul Verhoeven pudieron lograr grandes éxitos y el público pudo aceptar a Tim Burton. Burton en particular no podría haber alcanzado la fama en ninguna otra época.

Burton era hijo de películas de serie B y ayudó a dar origen al movimiento gótico, junto con el movimiento Bauhaus y el movimiento Siouxsie. Lydia Dietz, el personaje interpretado por Winona Ryder en la película Beetlejuice de Burton de 1988, se convirtió en un ícono para los góticos de todo el mundo, y la excentricidad semi-cuento de hadas, semi-depresiva y el amor por la muerte y los dibujos animados de Burton se extendieron por todo el mundo. Redefinió a Batman, convirtió al héroe en un antihéroe gótico expresionista y contó muchas historias románticas tristes entre excéntricos y forasteros.

Pero eventualmente, el público se cansó de su producción y muchos de ellos comenzaron a rechazar sus obras. Desde aproximadamente el año 2000, parecía como si Burton, en lugar de perseguir proyectos que le interesaran, simplemente estuviera incursionando en propiedad intelectual existente que ya se adaptaba a sus sensibilidades. Algunas de las películas recientes de Burton no han sido recibidas con los brazos abiertos y otras han sido directamente criticadas. Burton siempre puso su corazón en el diseño, el vestuario y las imágenes excéntricas de la película, pero no siempre trabajaba con buenas ideas o guiones.

Pero de todas las películas de Burton, su nueva versión de “El planeta de los simios” y su adaptación de “Sombras oscuras” han recibido la peor atención.

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