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David Lynch nos dio una vez pistas para desbloquear su obra

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Si hay una cosa Se revela que David Lynch murió el 16 de enero de 2025El director y artista tuvo un profundo y enorme impacto en muchas personas. Esto es sorprendente sobre el papel, dado lo oscuros y extraños que han sido sus trabajos a lo largo de su carrera, sin mencionar lo sin disculpas que se ha mostrado por ese hecho. Lynch, un artista consumado, confundió y deleitó a muchos porque era una de las criaturas más raras: un surrealista estadounidense por excelencia. Los estadounidenses están algo acostumbrados a que los cineastas europeos utilicen el surrealismo o el simbolismo. Como mínimo, pueden descartar fácilmente a los directores extranjeros por considerarlos provenientes de una cultura y tradiciones que no conocen ni comprenden. Lynch no deja que la gente se sienta cómoda con esa respuesta, ya que incluso un vistazo rápido a su filmografía revela que está impregnada de pura América: el viento que sopla a través de Douglas Firs, el olor a café negro recién caliente y pastel de cerezas que sale de una pequeña -restaurante de la ciudad, etc. Estas imágenes, estos elementos, son muy conocidos por los estadounidenses, pero Lynch se complació en cambiar su significado ligeramente, encontrando amenazas y siniestros secretos reprimidos acechando detrás de cada fachada de Hollywood y cada valla blanca.

Uno de los memes más populares que rodean a Lynch proviene de Entrevista a David Lean en los BAFTADurante el cual describió “Eraserhead” como su “película más espiritual”. Cuando Lin le pidió a Lynch que aclarara el asunto, Lynch se negó rotundamente. Este meme resume sucintamente el enfoque habitual de Lynch para discutir, y mucho menos decodificar, sus obras, con el director decidido a dejar que el público interprete sus películas a su manera. Si bien este no es un camino nuevo o inusual para el director, Brady Corbett actualmente está esquivando todo tipo de preguntas sobre la interpretación durante su gira de prensa. “brutal” Por ejemplo, el espíritu de Lynch se destaca por lo tremendamente interpretativo que es su trabajo y la constancia que ha tenido a lo largo de su carrera al no ceder nunca en ese frente.

Nunca, salvo en raras ocasiones. Cuanto más se profundiza en el material adicional que Lynch acordó publicar oficialmente, más (ligeras) pistas se pueden encontrar sobre su misterioso proceso y sus formas creativas de pensar. Materiales como sus libros (particularmente “Room to Dream”) y metraje detrás de escena (particularmente los publicados en los medios locales “Inland Empire” y “Twin Peaks: The Return”) revelan un poco el misterio de Lynch. Sin embargo, podría decirse que la clave más importante para decodificar a Lynch llegó a través de una publicación que escribió personalmente para su inclusión en “Mulholland Dr.” El DVD, que es un documental, esté nivelado o no, es un gran punto de partida a la hora de descubrir su trabajo.

¿Por qué Lynch eligió a Mulholland Dr. ¿Como lugar para comenzar a descifrar?

Por supuesto, las preguntas iniciales al enfrentar este documento son por qué Lynch decidió dar de repente pistas para descifrar una de sus películas, y por qué “Mulholland Dr.” particularmente. Después de todo, Este clip está circulando actualmente en la 74ª edición de los Premios de la Academia.en el que Roger Ebert nota a Lynch en la fila de prensa y le hace una pregunta directa sobre cuántos personajes interpreta Naomi Watts en “Mulholland's Doctor”, ve a Lynch negándose a responder la pregunta de Ebert con “¿Cómo estás, Roger?” “Y luego Hay este otro clipen el que Lynch resume elocuentemente su amor por el cine como forma de arte y por qué cree que las numerosas interpretaciones individuales de sus películas son mucho más valiosas que las suyas propias.

Una respuesta fácil a por qué Lynch escribió el folleto que acompañaba a “Mulholland Dr.” El DVD (titulado “Mulholland Drive: Las 10 pistas de David Lynch para desbloquear este thriller”) indica que la carrera de Lynch estaba en un punto bajo cuando “Mulholland Dr.” Estaba corriendo. La película comenzó originalmente como piloto de televisión para Touchstone Television y ABC, y Lynch buscaba regresar a la pantalla chica a continuación. Su éxito con “Twin Peaks”. Después de que el fenómeno que rodeaba a la serie decayera, Lynch enfrentó varios fracasos financieros y críticos, con las ahora queridas películas “Twin Peaks: Fire Walk With Me” y “Lost Highway” fracasando, y una serie de comedia llamada “On the Air” que apenas alcanzó el éxito. éxito. Air, e incluso su bien recibida película que demostró ser capaz de expandirse a todas las edades, “The Straight Story”, no lograron alcanzar su presupuesto en taquilla.

Después de “Mulholland D.” Rechazado por ABC, Lynch rechazó el Ave María y decidió escribir y filmar material adicional para convertir el piloto en su propia película cerrada (al menos en cierto modo). Afortunadamente, la versión icónica de “Mulholland Dr.” Fue bien recibido cuando debutó en Cannes en 2001, y el buen revuelo en torno a él duró lo suficiente como para generar ganancias cuando Universal Pictures lo estrenó más tarde ese año. Por lo tanto, es comprensible que Lynch haya sido doblemente tímido acerca de su trabajo y su recepción, lo que puede conducir al lanzamiento de este DVD y su evidencia.

Sin embargo, Lynch parece haber ejercido un grado significativo de control creativo sobre el lanzamiento de “Mulholland Dr.”, llegando incluso a enviar sus instrucciones de proyección a todos los cines que proyectan la película e insistiendo en que el lanzamiento en DVD no contenga puntos de interrupción. En disco, lo que significa que la película debe verse de una sola vez. De esta manera, el documento de pistas no significa la aquiescencia de Lynch a la demanda del público, sino más bien una pieza más del rompecabezas de la película y de su trabajo que claramente pretendía.

Las guías de David Lynch para abrir su negocio

Para aquellos de ustedes que no han leído “Mulholland Dr.” documento de pistas, se podría pensar que estas pistas son pistas bastante obvias en cuanto al significado más amplio de La narrativa en capas de la película. No tan rápido como puedes ver:

  1. “Presta especial atención al principio de la película: al menos dos pistas se revelan antes de los créditos.
  2. Observe la apariencia de la pantalla roja.
  3. ¿Puedes oír el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando actrices? ¿Se volvió a mencionar?
  4. Un accidente es un acontecimiento terrible: tenga en cuenta el lugar del accidente.
  5. ¿Quién da la clave y por qué?
  6. Observe la bata, el cenicero y la taza de café.
  7. ¿Qué se siente, se percibe y se recoge en el Club Silencio?
  8. ¿El talento por sí solo ayudó a Camila?
  9. Tenga en cuenta los acontecimientos que rodean al hombre detrás de Winkie.
  10. ¿Dónde está la tía Ruth?

Estas pistas se presentan con el estilo único de Lynch; Es al mismo tiempo absolutamente simple y desconcertantemente engañoso. También son muy sencillas y las preguntas formuladas podrían parecerse a las de un examen de una escuela pública. Las pistas se parecen menos a la guía de Cliff's Notes de la película y más a una extensión de la misma, con frases como “nota que aparece la pantalla de la lámpara roja” que suenan más como un vaquero (Monty Montgomery) diciéndole a Adam (Justin Theroux) lo que sucederá si lo hace. bueno” o “malo”. Existe una tensión innegable entre las imágenes, los diálogos y las escenas de Lynch y sus significados esquivos, e incluso los que más odian a Lynch pueden sentir que hay lógica e intención en funcionamiento en las películas de Lynch. En otras palabras, todas estas cosas significan algo, y no son simplemente rarezas arbitrarias por ser raras.

Se mantuvieron muchas discusiones en foros de mensajes y otros foros en línea sobre estas pistas y sus respuestas reales, y muchas personas se sintieron frustradas porque, y es una gran sorpresa, tenían opiniones diferentes sobre cuáles eran las respuestas y lo que sumaban. . Los principios de la década de 2000 fueron una especie de época dorada para los cineastas que utilizaban su capacidad para discutir y compilar sus películas en medios físicos como una forma de mejorar y ampliar el impacto de una película; Mira a Christopher Nolan grabar múltiples finales de su pista de comentarios para la canción “Memento”. Garantizar que ningún oyente casual obtenga la misma interpretación “definitiva” de los acontecimientos de esta película. Estas pistas son la versión de Lynch de la idea de la película “Mulholland Dr.” – Otras preguntas disfrazadas de respuestas.

Lynch insiste en darnos espacio para soñar

En definitiva, el documento Clues fue un gran regalo para los fans de David Lynch y su trabajo. Este no fue necesariamente el regalo que se decía que era, porque aunque estas pistas pueden o no desbloquear “Mulholland Dr.”, ciertamente invitan a más reflexión y preguntas por parte de la audiencia, que es el punto. Sí, algunas de estas personas piensan que la ambigüedad es una especie de defecto o al menos una fuente de frustración. Sin embargo, estas personas, a pesar del riesgo de humillación, simplemente no logran comprender el atractivo y el poder del misterio. Quizás les falte francamente imaginación, y ese es su problema; Ni el artista, ni nosotros. Afortunadamente para ellos, existe una amplia gama de artes y entretenimiento, y ciertamente existen esas películas y programas de televisión que solo requieren una conciencia del tamaño de una pelota de golf para comprenderlos.

Mientras tanto, para aquellos de nosotros lo suficientemente aventureros e imaginativos, La obra de David Lynch. continuará proporcionando una fuente inagotable de pensamiento, deseo y confusión, el tiene miedoY sobre todo, diversión. Lynch fue uno de esos artistas que entendió inherentemente que el arte no es algo finito y que, aunque está completo y atrapado en una pintura, período de tiempo u otra cosa efímera en particular, también puede ser interminable. Los sueños de Lynch me han dado sueños propios, así como sueños para muchos otros. Sus prácticas y filosofías trascendentales se abrieron paso en su trabajo, hasta el punto en que pudo trascender el efecto natural que todo cine puede tener, que es que casi cualquier película puede parecer nueva con múltiples visualizaciones. Con las películas de Lynch, no sólo puedes encontrar nuevos elementos dentro de ellas, sino que también tienen la capacidad de abrir nuevas profundidades dentro de tu alma y darte nuevas pistas sobre preguntas que quizás no hayas hecho antes.

En otras palabras, el arte de David Lynch es una entidad viva que respira, y su disponibilidad y accesibilidad garantizarán que permanezca atemporal. Lamentablemente, David ya no está en este mundo, pero para muchos de nosotros, a través de su trabajo y en nuestros corazones, nunca morirá.

“¿Quién da la llave y por qué?” Nos lo dio para que pudiéramos desbloquear nuevos sueños, para siempre.

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¿Dónde se volvió a filmar la obra? Explicación de todos los lugares de rodaje.

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Película de Jamie Foxx y Cameron Diaz en Netflix volver al trabajo Los llevó por todo el mundo, pero ¿dónde se rodó realmente la comedia de acción? volver al trabajo Marca el regreso de Cameron Diaz a la actuación después de un retiro de una década y la coloca inmediatamente en una amplia gama de situaciones. Emily (Diaz) y Matt (Fox) conocen al elenco repleto de estrellas volver al trabajoque incluía grandes nombres como Glenn Close, Kyle Chandler y Andrew Scott, y tuvo más que una buena cantidad de disparos y peleas a puñetazos. El no solo hizo eso volver al trabajo Le dio a Díaz mucho que hacer, pero también la envió por todo el mundo.

Al final volver al trabajoEmily y Matt viajaron a diferentes continentes, lucharon contra asesinos en ríos y cadenas montañosas emblemáticos e incluso lideraron una caótica persecución de automóviles por un vecindario suburbano. Si bien algunos de esos momentos sucedieron gracias a la magia de los efectos visuales y las pantallas verdes, otros fueron filmados en exteriores. En realidad, volver al trabajo Se utilizó una cantidad increíble de filmación en locaciones y el equipo de producción viajó más lejos que Matt y Emily. Desde famosos monumentos históricos hasta increíbles países alpinos y lugares de rodaje volver al trabajo Infinitamente interesante.

Eslovenia

El primer pueblo de montaña de Back In Action probablemente sea esloveno

La escena inicial de volver al trabajo Los acontecimientos de la película tienen lugar en un país pintoresco y montañoso, probablemente Eslovenia. Créditos volver al trabajo Se informó que la película recibió un reembolso en efectivo del Centro de Cine de Eslovenia, lo que significa que la escena del accidente aéreo probablemente se filmó en el país.. No está claro si Jamie Foxx y Cameron Diaz están realmente en el país, o si fueron filmados en un estudio y el dúo fue utilizado para tomas en locaciones.

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atlanta, georgia

Back to Action se filmó en locaciones y estudios en Atlanta, Georgia.

Un gran pedazo de volver al trabajo Fue filmado en exteriores o en estudios en el área de Atlanta, Georgia.. Ciertas escenas, como cuando Matt y Emily siguen a Alice hasta un club nocturno, se filmaron en la propia ciudad, mientras que otras se filmaron en los suburbios circundantes. Georgia tiene muchos incentivos fiscales para la producción de cine y televisión (a través de Georgia), lo que la convierte en un lugar muy deseable para muchos proyectos. volver al trabajo También usó un suburbio de Atlanta como casa de la familia y, de hecho, condujo la película para arruinar el césped de una familia real (a través de House Beautiful).

Londres, Inglaterra

Muchas de las escenas de regreso a la acción en Londres se filmaron en exteriores.

La segunda mitad de volver al trabajo Está ambientada en Londres, Inglaterra, y una gran parte de sus escenas se filmaron allí. Al igual que Georgia, Londres también cuenta con amplias exenciones fiscales disponibles para la producción cinematográfica, lo que la convierte en un destino popular. Las estrellas lo dijeron volver al trabajo Fue vista en Londres y sus alrededores durante la fotografía principal.. Cameron Diaz incluso condujo un barco por el río Támesis en el corazón de Londres en un momento dado (a través del metro). También se han utilizado otros lugares de Londres, como el aeropuerto de Heathrow.

Mansión Waddesdon, Buckinghamshire, Inglaterra

Jenny Manor era una mansión histórica inglesa

Uno de los sitios más impresionantes de volver al trabajo Era la mansión de Jenny (Glenn Close). La mansión de Jenny era un lugar real: Waddesdon Manor en Buckinghamshire, Inglaterra.. Waddesdon Manor es un sitio de patrimonio nacional que atrae a cientos de miles de turistas cada año. volver al trabajo Pudo filmar tanto dentro como fuera del edificio histórico. La arquitectura y el diseño neorrenacentistas del Palacio Genie son auténticos del siglo XIX.

Québec, Canadá

El regreso al trabajo probablemente habría aprovechado algunos estudios canadienses.

Una corriente de fuego en una gasolinera en la película De nuevo en acción

Aunque no fue el lugar al que viajaron Matt, Emily y sus hijos en la película, volver al trabajo Algunas de sus escenas también fueron filmadas en Quebec, Canadá. No está del todo claro cuál volver al trabajo Las escenas fueron filmadas en Quebec, pero es posible que la película haya utilizado estudios en la ciudad canadiense.. Quebec también ofrece deducciones fiscales que muchas producciones cinematográficas consideran lucrativas. volver al trabajoLos créditos confirmaron que la comedia de acción hizo uso de ello. También es posible que Quebec fuera el lugar de la pelea de Matt y Emily en la gasolinera. volver al trabajoaunque eso aún no está confirmado.

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¿Por qué David Lynch tardó cinco años en crear su primera obra maestra?

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En 1967, cuando sólo tenía 21 años, El difunto David Lynch Se mudó a Filadelfia con su esposa embarazada, Peggy. La ciudad lo cambiaría para siempre. Múdate a una casa barata en un barrio pobre y plagado de crímenes. También sentía que no estaba preparado para ser padre, a pesar de que amaba mucho a su hija Jennifer. En el libro de entrevistas “Lynch on Lynch”, el director dijo que Filadelfia era una ciudad del miedo. La gente irrumpía regularmente en su casa y le robaban el coche. Y añadió: “Había violencia, odio e inmundicia”. Consiguió un trabajo como grabador y sus pensamientos se volvieron oscuros.

De 1967 a 1970, Lynch comenzó a realizar sus primeros cortometrajes, entre ellos “Six Men Getting Sick” y “The Alphabet”. El primero iba a ser proyectado en una pantalla esculpida a medida por el propio Lynch, con seis figuras humanas emergiendo de la pared. Casi al mismo tiempo, se fundó el American Film Institute y Lynch consideró que era un excelente camino para obtener financiación para proyectos cinematográficos adicionales, además de participar en el Centro de Estudios Cinematográficos Avanzados del programa. La AFI, según recuerda Lynch, todavía se estaba organizando en ese momento y parecía haber estado mal organizada. Lynch finalmente recibió financiación de la AFI para realizar su cortometraje “Granny”, que rodó en su casa. Mientras filmaba “Grandma”, se enteró de que la AFI rara vez lo examinaba y no parecía exigir ningún resultado. Le entregué algo de dinero y quedó libre.

Descubrió que este espíritu se trasladaría a su primer largometraje, “Eraserhead”. Lynch recibió una beca y se le permitió trabajar a su propio ritmo. Al ser un perfeccionista, Lynch disparó lenta y precisamente. Muchas veces nos quedamos sin dinero. Se tomaron descansos. El rodaje de “Eraserhead” comenzó en 1972. No se completó hasta 1977.

AFI dejó solo a David Lynch para hacer Eraserhead

A Lynch no le gustaba mucho la AFI como organización, pero cuando se le presentó la oportunidad de hacer cualquier guión que quisiera sin ninguna interferencia, aprovechó la oportunidad. Presentó un guión de 21 páginas a los funcionarios, y éstos quedaron asombrados cuando les aseguró que se trataba de un largometraje y no un cortometraje. El decano de la universidad, Frank Daniel, insistió en que se le permitiera a Lynch hacerlo, e incluso amenazó con dimitir si no se aseguraba la financiación. El guión se inspiró en la fascinación de Lynch por Franz Kafka, así como en el cuento “La nariz” de Nokilai Gogol. Pero más que nada, Lynch se inspiró en su miserable estancia en Filadelfia, recordando la gran ciudad llena de odio y suciedad. No es el lugar más cálido para un bebé nacido en Missoula, Montana.

La película fue la primera obra maestra de Lynch, “Eraserhead”. La película gira en torno a un hombre con cara de preocupación llamado Henry Spencer (Jack Nance) que vive en un aterrador infierno industrial. Su ventana da a una pared de ladrillos y su apartamento está tenso y ruidoso. Las tuberías silban y el radiador le atrae con su cálido resplandor interior. Tiene una novia llamada Mary (Charlotte Stewart), pero nunca se conocen. Henry va a cenar a la casa de la familia de Mary y las gallinas de Cornualles cobran vida (y sangran) cuando las corta. También hay un bebé, aunque nadie está seguro de que en realidad sea un bebé. Con el tiempo, Mary y Henry se mudan al departamento de Henry con el bebé, que parece un animal pequeño sin piel envuelto en vendas. Lynch siempre ha sido tímida acerca de cómo se construyó el bebé para “Eraserhead”, pero los fanáticos han asumido durante mucho tiempo que fue creado a partir de un feto de oveja.

Lynch filmó Eraserhead de forma intermitente durante años, tomándose varios meses de descanso durante la producción. Se quedaría sin dinero, por lo que tendría que complementar la financiación con su propio bolsillo, el de Sissy Spacek (que estaba casada con el diseñador de producción de la película, Jack Fiske) y otros amigos. Terreno de producción. Y sigue. La construcción ha comenzado. Me detuve. Lynch trabajó cuando pudo.

Después de cinco años, Lynch's Eraserhead finalmente se completó

Las historias dicen que Nance nunca estuvo seguro de cuándo lo llamarían para interpretar a Henry durante los cinco años de filmación, por lo que mantuvo el cabello recogido todo el tiempo. Durante esos cinco años, Nance caminaba por Los Ángeles con su peinado de quince centímetros.

También se dijo que Lynch vendaría los ojos a los proyeccionistas que dirigían los diarios de la película para poder retener el misterio de los efectos especiales para el niño. Esto no puede acelerar el proceso en absoluto.

Luego, después de cuatro años de filmación, Lynch colaboró ​​con el diseñador de sonido Alan Splitt para crear los tonos industriales únicos de la película. No hay ninguna película que se parezca a “Eraserhead”. Se siente como si estuviera dentro del útero o atrapado en las profundidades del agua. Es aterrador y reconfortante al mismo tiempo. El diseño de sonido fue tan meticuloso que tomó un año entero. Finalmente, después de todo el rodaje, los retrasos y la edición, a Lynch se le ocurrió una versión de 109 minutos de la película.

Como era de esperar, fue mal recibido por las audiencias de prueba y Lynch eliminó 20 minutos. También lo mezcló para que fuera un poco más tranquilo, ya que sintió que muchas audiencias estaban abrumadas por todos los gemidos y silbidos. Armado con el familiar corte de 89 minutos, Lynch finalmente estuvo listo para presentar la película al público. Era marzo de 1977. Lynch contó historias de cómo el American Film Institute (AFI) se sorprendió, cuando se enteró de que “Eraserhead” finalmente se iba a estrenar, de que su proyecto aún continuaba. Lynch fue algo olvidado, a pesar de que existía.

Sin embargo, nadie puede olvidar a Eraser Head. Es una completa pesadilla, una mirada a los miedos más profundos de Lynch. También fue un espejo oscuro de su paso por Filadelfia y, como muchos decían, un retrato de él. Sus temores de ser un nuevo padre (que Lynch negó). La película tardó cinco años en producirse, pero la espera valió la pena.



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La cumbre en forma de pirámide de la Antártida: una obra maestra geológica

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La cresta se parece a una hecha por el hombre. pirámideUbicado en una región cubierta de nieve de la Antártida, ha captado la atención generalizada debido a su sorprendente simetría. Ubicada dentro de las montañas South Ellsworth, esta formación natural presenta cuatro caras empinadas y simétricas, lo que genera comparaciones con la antigüedad. Egipto Pirámides. Se eleva unos 4150 pies (1265 m). montaña Se ha convertido en el foco de especulación desde que ganó fama en línea en 2016, y muchos se preguntan si su forma podría ser obra de civilizaciones antiguas o seres extraterrestres.

Formación natural a través de la erosión.

como mencioné Por Live Science La geometría única de la montaña se atribuye a procesos de erosión natural. Los expertos señalan que el pico probablemente se formó debido a la erosión, el derretimiento y la congelación durante millones de años. Durante este proceso, el agua llena las grietas de las rocas durante el día, se congela por la noche y se expande, lo que hace que los pedazos de roca se rompan gradualmente, explicó a Live Science Maury Pelto, profesor de ciencias ambientales en Nichols College. Se cree que esta lenta y continua erosión es lo que le dio a la montaña su distintiva forma piramidal. Mientras que tres de los lados de la montaña parecen haber sido erosionados por igual, el cuarto lado, la cresta oriental, se formó por separado, señaló Pelto.

Teorías de conspiración y opiniones de expertos.

Las especulaciones sobre el origen de la montaña aumentaron cuando sus fotos se difundieron en Internet. Los teóricos de la conspiración han compartido ampliamente las afirmaciones de civilizaciones olvidadas o construcciones extraterrestres. Sin embargo, Eric Renaut, profesor de ciencias del sistema terrestre en la Universidad de California, Irvine, y científico investigador principal del Laboratorio de Propulsión a Chorro de la NASA, descartó estas ideas mientras hablaba con Live Science. Reno afirmó que las formas piramidales no son infrecuentes en naturalezaseñalando que a menudo se observan picos de caras afiladas o de dos lados, aunque las configuraciones completamente simétricas son raras.

Importancia histórica y geológica

Observadas por primera vez durante un vuelo de 1935 por el aviador estadounidense Lincoln Ellsworth, las montañas Ellsworth contienen una historia geológica importante, incluidos fósiles de 500 millones de años. El pico en forma de pirámide aumenta la curiosidad de esta zona remota, pero los científicos lo consideran un testimonio del poder escultórico de la naturaleza más que una evidencia de una intervención avanzada o extraterrestre.

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Vi el nuevo televisor mini-LED The Frame Pro de Samsung, una obra de arte completamente nueva

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Samsung Acaba de presentar su nuevo The Frame Pro TV, que finalmente agrega la tecnología mini-LED Neo QLED de la compañía a la línea de pantallas con iluminación QLED anterior de The Frame.

No solo eso, The Frame Pro también agrega una caja externa Wireless One Connect, lo que significa que puedes colgar The Frame Pro en la pared con un cable de alimentación conectado y nada más: todos tus receptores, etc., están conectados a la caja externa inalámbrica. Box, que puedes colocar en cualquier lugar a menos de 33 pies de tu televisor (incluso dentro de un armario) y el video se transmite 4K 144 Hz a la televisión. Samsung dice que no debería haber una latencia notable aquí; específicamente, se dice que la latencia es de alrededor de 1,5 cuadros, muy por debajo de 20 ms.



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La duración aparentemente siniestra se reveló con la primera parte tan larga como la obra de Broadway.

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el demonio Las películas serán significativamente más largas. Adaptado de la obra original de Broadway. Las películas fueron diseñadas para cambiar la percepción pública de la Bruja Malvada. mago de oz (1939)con un elenco formado por Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jeff Goldblum, Michelle Yeoh y más. mientras demonio La película está fuertemente inspirada en el musical y se agregarán nuevos elementos para ampliar su duración.

Según los detalles que publiqué originalmente. fandango, la primera demonio La película tiene una duración de 2 horas y 40 minutos.. En comparación, el musical de Broadway dura 2 horas y 45 minutos. La continuación probablemente duplicará el tiempo de pantalla del musical original.

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Tin Man (2007) de Syfy es la miniserie perfecta para ver después de ver Wicked Part I. Tin Man es una versión subestimada de El mago de Oz.

¿Qué significa el tiempo de actividad para los malos?

Nuevo contenido agregado

demonio Tiene una duración excepcional y, a diferencia de un musical, no habrá intermedio. Con la versión original que contiene una gama más amplia de canciones y una historia completamente desarrollada, El material agregado es una mezcla de escenas extendidas y contenido completamente nuevo.. Por ejemplo, se ha confirmado que Dorothy se unirá demonioelenco, aunque no apareció en la obra original de Broadway. Los avances hicieron sentir su presencia e insinuaron una historia completamente nueva, así como el querido musical original, que probablemente será revisado en la secuela.

También habrá nuevas canciones además de todas las actuaciones originales. Se espera que estas canciones vengan. Malvado: Parte 2aunque las secuencias musicales de la primera película se ampliaron, aunque sólo fuera para llamar la atención durante la próxima temporada de premios. Las películas se estrenarán con un año de diferencia.por lo que las nuevas canciones podrán beneficiarse de dos temporadas diferentes para ganar el premio a la Mejor Canción Original. Aparte de esas canciones adicionales, es probable que se desarrollen nuevas tramas secundarias. mago de ozPersonajes. El material agregado significa una nueva historia tanto para los espectadores de música como para audiencias completamente nuevas.

Nuestra visión sobre la villanía en tiempo de ejecución

La longitud larga puede ser algo muy bueno.

los malos Las canciones más famosas y los ritmos de las historias aparecen en el primer acto del musical…

Ampliar los detalles de la historia no se ve como algo malo, especialmente por los fanáticos o incluso los fanáticos del musical de Broadway o la novela original que lo inspiró. mago de oz. La duración más larga significa que los personajes que tal vez no hayan sido completamente desarrollados en el escenario pueden tener más tiempo en pantalla, y que las secuencias musicales pueden volverse más complejas y deslumbrantes de ver, como “Dancing Through Life” de Fierro con piezas en movimiento.. Sin embargo, existe la posibilidad de que al final todo salga muy bien.

Después de todo, los malos Las canciones y los ritmos de las historias más famosos tienen lugar en el primer acto del musical, todos los cuales aparecieron en las dos primeras películas. Cumplir la segunda parte de la historia de la misma manera podría hacer que la historia sea demasiado larga para algunos fanáticos, haciendo que la primera película tenga más éxito que la segunda.

Por supuesto, el público puede sorprender a los analistas de taquilla con su compromiso de ver ambas partes de la película, ya que muchos analistas predijeron que la apertura contra moana 2 y El segundo luchador dolerá demonio Al principio, esto resultó no ser cierto.

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Wicked hace que una canción sea mejor que un musical de Broadway gracias a un gran cambio

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La perversa duración no afectó la taquilla

Wicked es la segunda adaptación musical más taquillera de Broadway

…Ha recaudado más de 477 millones de dólares en todo el mundo hasta el 14 de diciembre de 2024.

Aunque a menudo se teme que las películas largas alienen a los cinéfilos, esto no ha sido cierto para ellos. demonio. Con el mayor uso del streaming, los cinéfilos a menudo se preguntan si quieren pagar una entrada al cine y refrigerios en el cine o simplemente esperar a que la película esté disponible en una plataforma digital que ya utilizan. La idea de poder ver una película en casa atrae a mucha gente, pero verla demonio En la pantalla grande y la inmersión total en la película parece ganar.

Quizás esto era lo que los fanáticos de toda la vida esperaban. demonio Sigue siendo uno de los espectáculos de Broadway más antiguos y más vendidos de todos los tiempos. Rompió su propio récord de venta de entradas en el Teatro Gershwin más de 20 veces durante su estancia allí (a través de mundo de Broadway). También fue el primer musical de Broadway en recaudar más de 3 millones de dólares en una sola semana (a través de Playbill). Con su popularidad en Broadway, que no es tan fácilmente accesible como las salas de cine, y sus récords de ventas, no sorprende que la película haya tenido un gran éxito financiero.

los malos Su primer fin de semana en taquilla recaudó más de 162 millones de dólares, superando por goleada al anterior fin de semana de mayor venta de la adaptación musical (a través de El tiempo de entrega). El registro fue mantenido por Miserable Cuando se estrenó en 2012, su estreno global recaudó 103 millones de dólares. Desde entonces, ha recaudado más de 477 millones de dólares en todo el mundo hasta el 14 de diciembre de 2024 (a través de Box Office Mojo).

Estos grandes números de taquilla representan algunos hitos impresionantes demonio. Es la mayor fuente de ingresos de una adaptación musical del escenario a la pantalla desde gordo En 1978. gordo Mantuvo el récord durante más de 40 años. Es Actualmente es la segunda adaptación de un musical más taquillera en Broadway.quedando atrás Oh mamá Por menos de 150 millones de dólares cuando este último se estrenó en 2008. demonioSin embargo, todavía está en los cines al momento de escribir este artículo, lo que lo hace completamente posible. demonio puede exceder Oh mamá Antes de que abandone los cines para siempre.

Fuente: Fandango, Broadway World, Playbill, Deadline, Box Office Mojo

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Sí, es perfecto, pero me sorprende lo mucho que mejora cada año la obra maestra de Capra.

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Sin examen es una vida maravillosa No está completo sin reconocer el hecho de que las críticas contemporáneas estuvieron lejos de ser universalmente positivas y que hicieron que RKO Films perdiera más de 500.000 dólares. Después de haber sido ridiculizada por algunos por su sentimentalismo e ideas simplistas, la obra maestra de Frank Capra ha crecido en estatura y aprecio en las décadas transcurridas desde su lanzamiento hasta tal punto que en este contexto parece completamente desconcertante. Supongo que no se puede forzar el buen gusto.

Se ha repetido incesantemente en Navidad a lo largo de los años, es una vida maravillosa Ha vuelto a los cines casi 80 años después de su estreno, como si alguien necesitara una excusa para volver a verlo. Se ha ganado su lugar como una de las mejores películas navideñas jamás realizadas, aunque Capra nunca aspiró a esa hazaña en particular. Quería que fuera una celebración de la vida y lo logró de una manera que nunca podría haberse predicho.

Volver a mirar es una vida maravillosa Arraigado en algo más que una simple tradición navideña; Una especie de proceso espiritual habitual y, en lo que respecta a los mensajes filosóficos, su énfasis positivo parece apropiado para esta época del año. No quiero ser romántico con esto, pero si buscas un espejo donde reflejar los mejores aspectos de la humanidad, podrías hacerlo mucho peor que Jimmy Stewart.

El clásico navideño de Frank Capra cuenta la historia de George Bailey, un hombre de negocios y padre de familia de un pequeño pueblo que, después de una serie de pérdidas personales y comerciales, intenta saltar de un puente en Nochebuena. Clarence, un ángel que quiere mostrarle cuánto puede influir en quienes lo rodean para evitar que se suicide, detiene a Billy antes de que pueda saltar. Jimmy Stewart interpreta a George Bailey, con otro elenco que incluye a Donna Reed, Lionel Barrymore y Henry Travers.

fecha de lanzamiento
7 de enero de 1947
tiempo de funcionamiento
130 minutos
el calumnia
James Stewart, Thomas Mitchell, Lionel Barrymore, Donna Reed, Henry Travers
salida
Frank Capra

La historia de amor del mundo con es una vida maravillosa Es mágica en sí misma: no es la película más profunda jamás realizada, ni la más impresionante desde el punto de vista artístico; simplemente trata sobre hechos establecidos, y lo hace de una manera que equilibra el sentimentalismo con una especie de pesimismo cauteloso sobre la realidad de la existencia. Lecturas contemporáneas más populistas podrían sugerir que George Bailey está atrapado en la pesadilla de una caja de chocolate, destinado a aceptar su tragedia personal por el bien común, y hay cierto mérito en no burlarse de eso. porque parte de es una vida maravillosa Su atractivo duradero se debe a la escala del producto en su época y, al mismo tiempo, a su universalidad.

Es un maravilloso mensaje de vida de absoluto consuelo.

Ven por la alegría, quédate por el mensaje profundo.

Su desarrollo e historia sorprendentemente complejos, es una vida maravillosa Estaba definido por el conflicto. Cuando se estrenó, el mundo todavía se estaba recuperando de las heridas de la Segunda Guerra Mundial y la estrella Jimmy Stewart aportó sus propias experiencias de guerra a su actuación. Por esta razón, Debajo de todo el brillo de la pasión es una vida maravillosa el fin, es un sentimiento Quiero decir, totalmentetanto es así que hasta la epifanía de George, el título parecía irónico. George vive para los demás, sacrifica sus sueños y su libertad por el bien de los demás y es recompensado por su altruismo con la amenaza de la quiebra y la prisión.

Si bien hay ciertamente una lectura satírica de que George está finalmente convencido de que el infierno que lo lleva a casi suicidarse no es tan malo al explotar su buen carácter, el idealismo de George no es digno de ridículo. Su verdadero sentido de bondad lo sacó del abismo y está dispuesto a pudrirse en prisión porque está decidido a haber hecho lo suficiente. Eso fue suficiente.

Según los estándares modernos, su presencia puede parecer insignificante, pero su felicidad es una de esas revelaciones accesibles que hacen que el público sienta algo bien acerca de la humanidad. No hay ninguna duda sobre eso La combinación de la narración de Capra y la actuación de Stewart consigue este truco para el público.. Que sigan haciéndolo 80 años después es una hazaña asombrosa que se pasa por alto por completo en mi hábito de volver a mirar.

Es una gran actuación de Jimmy Stewart, más bien él.

El elenco secundario es genial, pero bien podría ser un espectáculo de un solo hombre.

es una vida maravillosa No debería sentirse tan personal como es.: Es una película de 1946 sobre una industria en gran parte extinta en un pequeño pueblo que sólo pertenece a la memoria o al blanco y negro de la pantalla. La gente habla, se viste e interactúa de manera muy diferente. Sin embargo, hay una universalidad persistente en la sórdida explotación del señor Potter (Lionel Barrymore) y la imperiosa desesperación de George. Sus luchas con la identidad y la autorrealización y el sentimiento de completo aislamiento a pesar de su “riqueza” de amor y amistad se sienten exactamente como si pertenecieran a la gente triste de las redes sociales, como cree la gente de la posguerra.

Está claro que Stewart está impulsando toda la película. Al verlo ahora, podrás rastrear cada una de las mejores actuaciones de Tom Hanks, Denzel Washington o cualquier actor dotado de patetismo y encanto deslumbrante. La sensación atemporal de la actuación es cortesía de la audaz aceptación de temas más oscuros por parte de Capra y del hecho de que George no es un héroe perfecto.. Es propenso a estallidos, está en conflicto con su altruismo y, a veces, está tan en carne viva como un nervio expuesto. Es humano: una cualidad que a menudo se pasa por alto en el mundo de la exageración teatral.

George también ofrece una actuación de dos caras, ya que Stewart es capaz de cambiar sin esfuerzo entre su encanto embriagador y su aterradora vulnerabilidad: y uno tiene una idea inmediata de por qué ha llegado al punto de desesperación en el que se encuentra. La sensación personal de su historia significa que cuando se hunde en su punto más bajo, el público se sienta a su lado en la misma tristeza horrible, y cuando finalmente se siente dotado de alegría, nos sentamos sobre sus hombros. Él es, y siempre será, uno de mis actores favoritos por eso.

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También hay muy buenas actuaciones secundarias, que no deben pasarse por alto. El Sr. Potter de Barrymore es un monstruo impresionantemente convincente, que se mantiene en el lado correcto de la caricatura; Mary Donna Reed es completamente creíble como objeto de la adoración universal de George; Thomas Mitchell merece crédito por su torpe tío Billy; y Henry Travers es tan bueno como Clarence que es muy fácil olvidar lo poco que realmente participa en él..

Me detengo intencionalmente para presentar mis respetos a estos personajes secundarios, porque es muy fácil con ellos. es una vida maravillosa La excelencia de Stewart te deslumbra, al igual que el final eufórico roba la atención de gran parte de lo que vino antes. En realidad, esta es en parte la razón por la que volver a verlo es tan gratificante; Hay que recordar los pequeños momentos, los destellos de alegría y dramatismo que no están directamente relacionados con la revelación final de George. La escena de la luna es una de mis escenas románticas favoritas, por ejemplo, y el desastroso baile escolar es adorable, a pesar de lo claramente que Stuart parece de mediana edad.

Deberíamos estar más agradecidos porque ahora es una vida maravillosa.

Abróchate el cinturón, se va a poner pesado.

Una escena de Es una vida maravillosa.

Prometí que no sería romántico. es una vida maravillosaPero sabes qué, lo retiraré. Necesitamos películas como esta es una vida maravillosa. Los necesitamos para las constantes citas sobre tocar campanas, prometer a la luna amor y atención y correr por las calles gritando con alegre abandono. Los necesitamos por su comodidad, por sus descubrimientos y por el desafío que ofrecen a las sensibilidades modernas.

El descubrimiento de George de que ha moldeado y salvado tantas vidas, a menudo a través de simples actos de comunicación que ni siquiera se da cuenta de su importancia, resuena con fuerza a lo largo de la película. Si bien la descripción que hace la película de la avaricia y el altruismo egoísta de los banqueros fue suficiente para inspirar al FBI a intervenir con acusaciones falsas de comunismo, en un mundo definido por los logros personales y la búsqueda incesante de hitos, a expensas de aspiraciones sociales más amables. George Bailey puede ser el mayor héroe de la historia de Hollywood.

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El clásico navideño de 1946 Es una vida maravillosa se estrenó originalmente en blanco y negro antes de que la película fuera coloreada 40 años después.

Si alguien creara una alegoría demasiado inteligente de la obsesión del mundo moderno por la gratificación instantánea, la contradicción entre la hiperconexión y la epidemia de soledad, estaría creando un mundo falso similar a es una vida maravillosa Para un cuento de moralidad swiftiano. Es un logro enorme, capaz de hacerte llorar incontables horas después, conectarte de nuevas maneras a medida que envejeces y dejarte al borde de crisis existenciales similares al tono de esta revisión. Pero está bien, estoy bien, es una vida maravillosa.

Es un gran cartel de la película de la vida.
Ventajas

  • La actuación de Jimmy Stewart fue perfecta.
  • El mensaje, incluso 80 años después, conecta a nivel espiritual.
  • El equilibrio entre emoción y oscuridad es magistral.
contras

  • Evite la versión coloreada.

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Este fracaso de Steven Spielberg aclamado por la crítica es en realidad una obra maestra de comedia caótica.

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Steven Spielberg jugaba con el dinero de la casa mientras se preparaba para realizar su quinto largometraje. Sus dos películas anteriores, Tiburón y Encuentros en la tercera fase, han recaudado el equivalente a 4.400 millones de dólares en 2024. Podría haber obtenido luz verde para una nueva versión de “Andrei Rublev” si hubiera insistido en el tema. También podría haber asegurado sus apuestas y haber dirigido “Tiburón 2”. Lo que fuera que hiciera a continuación, lo haría enteramente en sus propios términos.

Spielberg convirtió el dinero de esta casa en jodido dinero, filmando una comedia desordenada que es como ver al niño más rico de la ciudad construir un modelo de tren inmaculado preparado durante meses, filmar a Jules durante un día y tumbarse completamente y destrozar completamente su creación en la sombra durante menos de dos horas.

“1941” es una película loca Sobre los estadounidenses imprudentes e irresponsables alarmados por un inminente ataque japonés a las playas de California. Sus temores están bien fundados, pero su pánico los convierte en una amenaza para sus amigos y vecinos, especialmente cuando uno de ellos deja caer una batería antiaérea en su jardín delantero (con instrucciones hilarantemente precisas sobre cómo hacerlo). No dispararle). Finalmente, el estallido de los “nervios de guerra” provoca una conflagración masiva en Hollywood Boulevard que se extiende como la pólvora hasta Santa Mónica, donde un intercambio de artillería coloca la noria (y dos guardias) en el Océano Pacífico y deja una casa completamente destruida. .

La quinta película de Spielberg a menudo se considera su primer fracaso, pero recaudó 95 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 35 millones de dólares (su recaudación nacional de 31 millones de dólares habría sido aún mayor si Universal no la hubiera estrenado el mismo día que la película). Jerk” en la cima de su éxito). a la popularidad de Steve Martin). Sin embargo, fue un fracaso a los ojos de los críticos del país, que estaban bastante ansiosos por ver devorado al genio cinematográfico.

A los críticos no les hizo gracia 1941.

En su artículo de una estrella y media para “1941”, “Todo el mundo corre de un lado a otro como personas atrapadas en un sketch de Jack Davis para la revista Mad”, escribió Roger Ebert. Eso no es malo, Rog. Es la virtud rectora de la película. El caos a gran escala no es necesariamente divertido por sí solo (ver la estridente monotonía de John McTiernan en “Last Action Hero”), pero cuando se desata al servicio de la sátira estadounidense en tiempos de guerra, se siente completamente apropiado. Otros críticos, como Vincent Canby del New York Times y Gary Arnold del Washington Post, fueron más duros. El primero califica la película de Spielberg “Tan divertido como un reloj de 40 libras (¿se supone que los relojes son divertidos?) Este último lo condenó como “un horrible desperdicio de recursos cinematográficos y escénicos”. Pauline Kael de The New Yorker fue una de las pocas voces prominentes en el rincón de Spielberg, pero moderó su crítica positiva al decirle a Spielberg: “No te saldrás con la tuya fácilmente; estamos esperando que fracases”.

El punto de comparación más adecuado para “1941” es “It's a Mad, Mad, Mad, Mad, Mad World” de Stanley Kramer, una animada comedia épica sobre un grupo de gente corriente que llega a los extremos en su frenética búsqueda de un mundo oculto. suerte. Los chistes de esta película son intencionalmente exagerados (como Jonathan Winters destruyendo una estación de servicio entera mientras intenta golpear a dos asistentes molestos), y te ríes de hasta dónde llega Kramer para entretenernos. Spielberg también hizo lo mismo en 1941, pero creo que los críticos más enojados de su película pensaron, por ejemplo, que desenroscó la noria y la hizo rodar por la acera de verdad. Como ocurre con la mayoría de las grandes escenas de la película, esta secuencia se representa a través de miniaturas sorprendentemente precisas.

Las películas de estudio suelen ser caras por muchas razones tontas, y eso conviene señalarlo. Pero cuando hay un director genial como Spielberg al mando, puedes esperar recibir la mitad de lo que pagas (siempre que el título de la película no sea “Hook”). Y en “1941”, utilizó todo su presupuesto para montar una escena brillantemente diseñada tras otra. Y ahora es un buen momento para hablar del legendario número musical de la USO que se hunde en un caos que corrompe la realeza.

La deslumbrante audición de Steven Spielberg para West Side Story

Vi “1941” por primera vez cuando tenía seis años y abrumó mis sentidos con cine puro y sin cortes. Rápidamente me obsesioné con él y dejaría todo para verlo cuando lo veía por cable. Obviamente me gustó tanto la noria como Ward Douglas (Ned Beatty), que redujo su casa a escombros en un desastroso e inútil intento de hundir un submarino japonés que apareció frente a la costa de Santa Mónica, pero lo más destacado siempre fue el baile USO. y todo lo que surge de eso después de que Wally quedó expuesto. El pobre Stevens (Bobby Di Cicco) es atacado por el cabo Chuck Sitarski (Treat Williams) y, para golpearlo aún más, el hombre que le robó el uniforme de la Marina.

Durante muchos años, esta secuencia fue la promesa de un musical de Spielberg que estaba por llegar. fue la razon Algunos de nosotros estábamos muy emocionados por “West Side Story”. Una vez que Wally llega al baile de graduación, tiene que bailar como un poseso mientras esquiva los puños de cemento de Sitarski, quien desea pasar tiempo con su compañera Betty (Diane Kaye). Así que Wally tiene dos compañeros en esta escena y, sinceramente, es más interesante cuando evade a Sitarski. Spielberg filma todo con una combinación perfecta de cortes hábiles (en conjunto con su brillante editor Michael Kahn) y otros que están tan perfectamente organizados que tienes que esforzarte para buscarlos en repetidas visualizaciones. Esto no me suena a cine. Es una hazaña brillantemente orquestada de caos controlado que finalmente estalla y se derrama entre la multitud y las calles. Es estimulante, y no entiendo cómo esta cosa técnica y emocionalmente deslumbrante termina rutinariamente cerca o al final de la clasificación de películas de Spielberg, debajo de películas en gran medida principales como “The Lost World: Jurassic Park”, “The BFG” y, oh Sí, ” “Gancho”.

1941 es un panorama oportuno de una América fuera de control

El aspecto más preocupante de “1941” a los ojos de algunos críticos es que trafica descuidadamente con insultos y caricaturas raciales. El uso repetido de un epíteto es ciertamente difícil de digerir y nada divertido, dado que el presidente Franklin Roosevelt firmaría la Orden Ejecutiva 9066 menos de dos meses después de los acontecimientos ficticios de la película. Personas que sólo parecían japoneses estaban a punto de ser arrestadas, abusadas e incluso asesinadas en Estados Unidos.

“1941” no intenta abordar esto. Se centra en el pánico que provocarían tales ataques y deja muy claro que todos en esta película, excepto el enojado comandante del submarino Toshiro Mifune, son una especie de bufón estadounidense. El más peligroso del grupo es el capitán Wild Bill Kelso, interpretado por John Belushi, un piloto borracho de la Fuerza Aérea convencido de que las fuerzas invasoras japonesas ya han aterrizado. Es un teórico de la conspiración, Alex Jones de Heaven, y se está preparando para causar la muerte de un gran número de personas inocentes mientras persigue una amenaza inventada.

Kelso es el corazón oscuro de “1941”, un payaso armado sin tiempo para la razón y con mucha munición. Hará que nos maten a todos, o más probablemente, nos matará en su búsqueda por proteger el país que dice amar. El mundo está en guerra en 1941 y los ciudadanos responsables del país se alistan o se ofrecen como voluntarios para hacer su parte para salvar la civilización. No necesitan la distracción de un fanático como Kelso, cuya certeza ebria fácilmente podría poner al país en contra de sí mismo. Hace años nos hubiésemos reído de su estupidez. Ahora que el país está gobernado por un gran grupo de Kelso, “1941” es desgraciadamente una de las películas más interesantes e importantes de ver de la obra de Spielberg. Simplemente no cometa el error de ver el avance de 146 minutos. “1941” hace todo lo que tiene que hacer y más en su versión teatral de 118 minutos.



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Robot Ai-Da vende obra de arte por 1 millón de dólares

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Vivimos en una era Artistas de inteligencia artificial y Museos de arte impulsados ​​por inteligencia artificialentonces el hecho de que Amnistía InternacionalUn robot motorizado que acaba de recaudar dinero en una subasta de arte no debería ser una sorpresa. pero estamos hablando Banco.

AI-Síun robot realista con pelo corto Fotos personales Las obras de arte son ahora materia de leyenda moderna, y él se ha convertido en el primer robot humanoide en vender una obra en una subasta (aunque no lo sea). La primera obra creada por inteligencia artificial se vende en una subasta). El jueves pasado, un retrato de Ai-Da realizado por el científico, matemático y solucionador de códigos Enigma de la Segunda Guerra Mundial Alan Turing se vendió por 1,08 millones de dólares en Sotheby's.

Parte de la casa de subastas Vender arte digitalobra titulada Buena IA (Se mostró por primera vez en mayo en la Sede de las Naciones Unidas en Ginebra durante la conferencia Cumbre Mundial sobre Inteligencia Artificial para el Bien) Se estimó que se vendería por entre 120.000 y 180.000 dólares y recibió 27 ofertas antes de que un comprador anónimo fuera declarado ganador.

Ai-Da, el primer robot artista del mundo creado por iDa Robot Estudios El director Aidan Miller y su equipo tienen cámaras en lugar de ojos, un brazo robótico y hablan utilizando un modelo de lenguaje de inteligencia artificial. Entrevistamos a Ai-Da Y ella puede confirmar que le encanta charlar. Miller explicó que Ai-Da eligió a Turing como tema.

“Hablamos con Ai-Da, utilizando su modelo de lenguaje de IA, sobre lo que le gustaría dibujar”, dijo Miller en un comunicado de prensa. “En este caso, tuvimos una conversación con ella sobre 'AI for Good', lo que llevó a Ai-Da a mencionar a Alan Turing como una persona clave en la historia de la IA que quería trazar”.

“Dios Dios” (2024) de Ai Da.
Crédito: Estudios de robots Ai-Da

Miller dijo que el equipo luego discutió las opciones estilísticas con Ai-Da; Qué tipo de textura, tono y color incorporará la pieza. El equipo le mostró a Ai-Da una imagen de Turing para que la estudiara y el algoritmo comenzó a tomar decisiones.

“Ai-Da luego usa las cámaras en sus ojos para mirar la imagen de Alan Turing combinada con algoritmos de dibujo y pintura impulsados ​​por inteligencia artificial y su brazo robótico para crear dibujos preliminares seguidos de varias pinturas de Alan Turing”, dijo Keller.

Naturalmente, Ai-Da también se basa en el arte existente para determinar el estilo de la pieza. Según Sotheby'sEl arte de Ai-Da está inspirado en las obras de Pablo Picasso. Guernica y doris salcedo atrabillarobras que representan el sufrimiento humano a través de una estética fragmentada y distorsionada. En particular, el estilo visual fracturado de Ai-Da, similar al de Käthe Kollwitz y Edvard Munch, rechaza la representación pura y prefiere reflejar las fracturas tecnológicas y psicológicas que caracterizan la vida moderna.

Velocidad de la luz triturable

El robot AI Ai-Da crea una obra de arte.

El infame brazo robótico de Ai-Da.
Crédito: Estudios de robots Ai-Da

Para el trabajo final, Ai-Da completó una serie de bocetos en tinta de Turing usando el brazo robótico antes de pintar 15 versiones separadas de tamaño A3 de la cara de Turing, usando hasta 10 colores de pintura al óleo y acrílica, cada una de las cuales tomó de seis a ocho horas. . Luego, el equipo le preguntó a Ai-Da cómo ensamblar estos paneles.

“a Buena IA“IDA seleccionó tres de las 15 fotografías de Alan Turing, junto con una pintura que hizo de la máquina bomba de Alan Turing”, explicó Miller. Máquina de Turing de Bombay galesa Fue el dispositivo utilizado por el equipo que descifró el código Enigma en Bletchley Park durante la Segunda Guerra Mundial.

“La placa de la máquina Bombe se puede ver en el fondo de la imagen final; observe las marcas circulares que representan la interpretación de Ai-Da de los diales de la máquina Bombe”, dijo Miller. “Las tres pinturas de Alan Turing y la pintura de la Máquina de Pompeya, todas elegidas por Ai-Da, fueron fotografiadas y cargadas en una computadora donde se armó la imagen final basándose en una discusión con Ai-Da (usando su modelo de lenguaje) sobre qué ella quería que pareciera “la obra de arte final”.

Un tríptico de imágenes de Alan Turing creado por AI DA.

Las tres fotografías elegidas por Ai-Da.
Crédito: Estudios de robots Ai-Da

La última obra de arte vendida en la subasta fue impresa en un lienzo gigante. Pero como muchos artistas a lo largo de los siglos (desde Miguel Ángel hasta Hirst), Ai-Da contó con la ayuda del estudio, donde los asistentes humanos agregaron textura adicional. “Esto se debe a que el brazo robótico de pintura del Ai-Da no puede estirarse hasta un lienzo grande y está limitado a un lienzo A3”, dijo Miller. “No hay ningún cambio en la imagen básica en este proceso. Ai-Da luego agrega marcas y texturas a la pintura final para completar la obra de arte. La posición y el color de estas marcas los determina Ai-Da basándose en una conversación. sobre lo que ella quiere hacer.”

Esta no es la primera vez que el trabajo de Ai-Da en las artes aparece en los titulares. En 2022, la exposición individual de Ai-Da “Salta al Metaverso” Ai-Da, que expuso en la Bienal de Venecia, ha expuesto en la Bienal de Diseño de Londres, el Festival de Diseño de Londres, el Museo Ashmolean, el Museo Victoria and Albert, la Tate Modern y ha realizado numerosas residencias. I-da pintó a la reina y Titulares de Glastonbury 2022 Incluyendo a Sir Paul McCartney, Diana Ross, Kendrick Lamar y Billie Eilish. Entonces, este tipo de periodismo es el trabajo diario de un artista de IA.

Naturalmente, Ai-Da envió un comunicado de prensa. Buena IA:

“El valor central de mi trabajo es su capacidad de servir como catalizador del diálogo sobre tecnologías emergentes. Buena IAun retrato del pionero Alan Turing, invita a los espectadores a considerar la naturaleza divina de la inteligencia artificial y la informática mientras consideran las implicaciones éticas y sociales de estos desarrollos. Alan Turing reconoció esta posibilidad y nos observa mientras corremos hacia este futuro.

Ai-Da se mantiene en acción

Ai da y “AI Dios”.
Crédito: Estudios de robots Ai-Da

El arte generado por inteligencia artificial se ha convertido en un tema delicado, con plataformas como En pleno vuelo, DALL-EGéminis, la difusión estable y otros suscitan controversia sobre todo, desde Información incorrecta a Falacias históricas, infracción de derechos de autor, y Amenaza profesional. pero El primer arte creado por inteligencia artificial se remonta a los años 70 – e interés en la industria del arte, InvestigadoresEs innegable que el número de artistas de IA ha aumentado en los últimos años.

En 2019, AICAN, un artista de inteligencia artificial semiautónomomostró su primera exposición en una galería repleta de Chelsea. hoy, Un museo de 20.000 pies cuadrados de arte generado por inteligencia artificial A punto de abrir en Los Ángeles.

En 2018, Christie's se convierte en la primera casa de subastas en ofrecer obras de arte generadas por un algoritmo,Venta de inteligencia artificial creada. Edmund de Bellamy, de la familia Bellamy Por $432.500. Hoy en día, el millón de dólares de pago de Ai-Da demuestra que los artistas de IA no van a ninguna parte, y tampoco los compradores.



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Entertainment

Una obra maestra de los chips para PC Lunar Lake AI de Intel

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Cuando revisé el Zenbook 14 OLED hace un año, no pude evitar notar lo anticuado que estaba. Era practicamente lo mismo Portátiles ASUS de hace una década (Aunque con biseles de pantalla más delgados). No es así con el Zenbook S14. Es impresionante el momento en que lo abres y sientes su tapa, que está hecha de un material que ASUS llama “Ceraluminio”. Como su nombre indica, es un Combinación de cerámica y aluminio.y parece casi exótico, como algo entre plástico de alta gama y metal liso. Sigue siendo premium, pero también es claramente diferente de la mayoría de las otras computadoras portátiles.

La combinación de cerámica y aluminio no es exactamente nueva (ASUS señala que es una opción popular para diseños de relojes y aviación), pero aún no la hemos visto generalizada en las computadoras portátiles. No se trata sólo de apariencia. El material también debe ser más duradero que el metal estándar. El resto del chasis del Zenbook 14 S está hecho de un bloque de metal sólido, pero ASUS también ha agregado algunos ajustes únicos allí. La parte inferior de la carcasa presenta una malla de ingeniería sobre el teclado, que consta de 2715 orificios de refrigeración circulares. ASUS afirma que este diseño mejora el flujo de aire y al mismo tiempo mantiene alejada la suciedad y el polvo.

Asus ZenBook S14 (2024)Asus ZenBook S14 (2024)
Fotografía de Devendra Hardwar/Engadget

El Zenbook S14 está dominado por la pantalla OLED ASUS “Lumina” 3K de 14 pulgadas y ofrece todo lo que deseo de una pantalla de computadora portátil moderna. Cuenta con una rápida frecuencia de actualización de 120 Hz y 500 nits de brillo máximo. Aunque sus biseles son relativamente delgados en comparación con los sistemas ASUS más antiguos, siguen siendo notablemente más grandes que las últimas pantallas InfinityEdge de Dell en XPS 13 y XPS 14. El sistema se vería más elegante si ASUS pudiera eliminar más biseles inferiores y laterales. Lo más importante es que la pantalla OLED se ve genial, con deliciosos niveles de negro profundo y colores que aparecen en la pantalla.

El Zenbook S14 es sorprendentemente potente para una computadora portátil de 14 pulgadas, pesa 2,65 libras y tiene 0,47 pulgadas de grosor. Es un poco más claro y grueso que el cabello. La última MacBook Air de 13 pulgadasY se siente igualmente pulido. En particular, también ofrece puertos muchos más útiles que los ultraportátiles de Apple. El S14 incluye dos conexiones Thunderbolt 4 USB-C, un puerto HDMI 2.1 de tamaño completo, un conector para auriculares e incluso un puerto USB tipo A heredado. Lo único que falta es Ethernet y una ranura para tarjetas SD.

Desafortunadamente, ASUS no pudo hacerlo todo bien con el Zenbook S14. El sistema de sonido de cuatro parlantes es útil, pero el sonido pierde profundidad y detalle a medida que se sube el volumen. Y si bien es bueno tener una cámara web compatible con Windows Hello para inicios de sesión rápidos, el sensor de 1080p parece más granulado y menos detallado que la línea XPS y MacBook Air de Dell.

Teclado ASUS Zenbook S 14 (2024).Teclado ASUS Zenbook S 14 (2024).
Fotografía de Devendra Hardwar/Engadget

Su teclado también parece útil, con poca o ninguna respuesta al escribir. Esto es especialmente desafortunado, ya que ha sido una queja constante que hemos tenido sobre los teclados ASUS. Al menos el panel táctil es grande y responde a deslizamientos y gestos con varios dedos. También puede ajustar el volumen y otras configuraciones deslizando el dedo por los lados del panel táctil.

Gracias al chip Intel Core Ultra 7 258V, el Zenbook S14 se sintió impresionantemente animado desde el principio. Completé rápidamente el proceso de configuración de Windows, descargué las últimas actualizaciones e instalé el software de prueba habitual en solo unos minutos. No sudé cuando necesitaba navegar por aplicaciones como Spotify, Slack y Evernote, y no noté ningún retraso que veo a menudo en las computadoras portátiles con Windows que se atascan con bloatware de terceros. Siempre estuvo dispuesto a realizar el trabajo.

PC marca 10

CPU Geekbench 6

3DMark Vida Silvestre Extrema

Cine 2024

Asus ZenBook S14 (Intel Core Ultra 7 258V)

6.688 (prueba básica)

14.215 (pedidos)

2.569/10.442

7.158

121/482

Dell XPS 13 Copiloto+ (Qualcomm Snapdragon

14.024 (pedidos)

2.621/14.194

6.191

122/748

Dell XPS 13 (Intel Core Ultra 7 155H, Intel Arc)

6.806 (prueba básica)

2.276/11.490

4.579

90/453

AppleMacBook Air (M3)

nada

3.190/12.102

8.310

141/490

En PCMark 10, el Zenbook S14 obtuvo aproximadamente la misma puntuación que el Surface Laptop 7 para empresas, que utiliza el Core Ultra 7 165H de última generación. También coincide con la versión XPS 13 Copilot+, que tiene el chip Snapdragon X Elite, en el punto de referencia de aplicaciones PCMark 10. El rendimiento multiproceso del Zenbook fue notablemente peor que el de cualquiera de esos dispositivos en Geekbench 6, probablemente debido al menor número de núcleos de esta generación.

El gran punto de venta de los chips Lunar Lake de Intel es su NPU (unidad de procesamiento neuronal) muy mejorada, que puede alcanzar hasta 47 TOPS (billones de operaciones por segundo) de rendimiento de IA. En comparación, los chips Core Ultra anteriores tenían una NPU de 11 TOPS significativamente menos potente, mientras que los nuevos chips Ryzen AI de AMD alcanzan hasta 50 TOPS. (Los chips Lunar Lake más potentes pueden alcanzar hasta 48 TOPS). Los números TOPS más altos significan que las PC Copilot+ como la Zenbook S14 podrán procesar cargas de trabajo de IA exigentes más rápidamente, sin afectar el rendimiento general de la CPU.

Desafortunadamente, todavía no hay muchas funciones de IA para probar en el momento de esta revisión. La actualización Microsoft Copilot+ Windows 11 para sistemas Intel y AMD no llegará hasta noviembre, e incluso eso solo incluirá una versión beta de la controvertida función de recuperación. También es difícil encontrar aplicaciones que aprovechen la NPU local: la mayoría de las entradas en el “AI Hub” de la Tienda Windows dependen del procesamiento de IA en la nube.

Funda trasera para ASUS Zenbook S 14 (2024).Funda trasera para ASUS Zenbook S 14 (2024).
Fotografía de Devendra Hardwar/Engadget

Al menos ahí Complemento OpenVino para Audacityque fue desarrollado por Intel para mostrar computadoras que funcionan con tecnología de inteligencia artificial. Ofrece funciones impulsadas por NPU como supresión de ruido y transcripción, pero también requiere un proceso de configuración complicado que puede resultar confuso para los principiantes de Audacity. Pude eliminar por completo los martillos neumáticos continuos de un clip de cinco minutos en un minuto y ocho segundos usando solo la NPU. Eso no es muy rápido en el mundo de la edición de audio (el ancho de la CPU puede procesar un archivo lleno de ruido de 90 minutos en tres minutos y treinta segundos), pero el problema es que la NPU maneja el mismo trabajo usando muy poca energía. Esto puede ser importante si no puede soltar la batería en el avión o en un lugar remoto.

También quedé impresionado con la última GPU Arc 140V de Intel, que me permitió jugar aura infinita Entre 35 fps y 45 fps a 1080p con configuraciones de gráficos de baja calidad. Esta no es una experiencia fluida en absoluto, pero es agradable verla a través de la GPU integrada. Los gráficos Intel también obtuvieron puntuaciones significativamente más altas que el Snapdragon X Elite en todos los ámbitos, especialmente en la prueba de GPU Geekbench 6.

ASUS Zenbook S 14 (2024) mostrando la pantalla de inicio de sesión de Windows 11ASUS Zenbook S 14 (2024) mostrando la pantalla de inicio de sesión de Windows 11
Fotografía de Devendra Hardwar/Engadget

ASUS lanzó el Zenbook S14 a un precio inicial de $1,500, pero ya tiene un ligero descuento en Best Buy por $1,400. Esta configuración le brinda un chip Core Ultra 7, 16 GB de RAM y un SSD de 1 TB. Eso no está tan mal, considerando el XPS 13 Copilot+ con Snapdragon El Zenbook tampoco sufre los problemas de compatibilidad inherentes a los sistemas Snapdragon, que tienen que emular aplicaciones antiguas de Windows y no pueden ejecutar muchos juegos populares.

Como es habitual, ASUS también ofrece mucho más valor que Apple. Una MacBook Air con 16 GB de RAM y un SSD de 1 TB cuesta $1,700 y también viene con una pantalla LCD de 60 Hz.

El Zenbook S14 depende más de la eficiencia que de la potencia bruta, pero aun así representa un logro impresionante para Intel, una empresa mejor conocida por sus chips móviles que consumen mucha energía. Si bien la NPU del chip Lunar Lake prepara el Zenbook para las funciones Copilot+ y AI, los verdaderos puntos de venta son la excelente duración de la batería, el elegante diseño de ASUS y la magnífica pantalla OLED.

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