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Uno de los mejores documentales de Netflix cuenta con animación 3D realizada por una sola persona [Exclusive]

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Me cautivó el director Benjamin Rhee El maravilloso documental “El pintor y el ladrón” En 2020, me emocionó saber que su última película se proyectaría en el Festival de Cine de Sundance de este año. La nueva película, adquirida por Netflix y ahora titulada “La notable vida de Ibelin”, cuenta la historia de Mats Steen, un niño noruego que nació con un trastorno muscular que finalmente lo mata a la edad de 25 años. Confiado en una silla de ruedas e incapaz de participar en actividades físicas como los deportes tradicionales, Mats pasa largas horas inmerso en World of Warcraft en su ordenador, lo que sus padres vieron como una tragedia: deseaban que su hijo experimentara el amor, las amistades significativas, y la angustia con la que había crecido. Pero cuando Mats murió, su familia recibió una ola de mensajes de los amigos en línea de su hijo, lo que abrió los ojos de sus padres a la rica y emocional vida digital que Mats vivía en la comunidad de World of Warcraft. Si bien los primeros minutos del documental están llenos de material de archivo y entrevistas con altos funcionarios, la película lo lleva a otro nivel cuando nos muestra versiones informáticas largas de las interacciones de Mats con sus amigos y amantes en el mundo digital.. El resultado es muy convincente y emotivo. La película está entre Mejores películas de 2024.

Tuve la oportunidad de hablar con Rey sobre este documental poderoso y revelador. Nunca antes había trabajado en animación, así que le pregunté si, cuando planeaba hacer la película, sabía si era técnicamente posible lograr el estilo visual que quería aquí, ya que gran parte de la película parece haber sido filmada dentro de un entorno familiar. -Buscando un mundo de fantasía para jugadores.

“En realidad no sabía nada sobre qué hacer”, admitió. “Entonces, por un tiempo, tuve que tomar unas pastillas para dormir por la noche, porque [I was thinking], ¿Qué hiciste? ¿Qué tipo de proyecto es este? Nunca antes había jugado a World of Warcraft y nunca antes había jugado anime. Sólo he hecho documentales de observación.. Entonces me sentí un poco asustado. Nunca antes había trabajado con actores de doblaje. Entonces, para el segmento “Tengo miedo”, uno de nuestros colegas y yo realizamos una investigación sobre YouTubers. Hay una gran comunidad en YouTube que crea animaciones para fanáticos basadas en juegos, y lo hacen independientemente de las empresas propietarias de esos juegos. Allí encontramos una empresa sueca llamada Pivotal que hacía animaciones increíbles basadas en World of Warcraft. “Está bellamente animado y también es muy auténtico para el juego”.

Como pronto descubrieron Rhee y su equipo, Pivotal no era una empresa tradicional.

La animación 3D de La notable vida de Ibelín fue realizada por un solo hombre

Hasta ahora, un director siguió a una empresa de efectos visuales mientras se preparaba para trabajar en un proyecto. Una historia bastante típica hasta ahora: no sucede nada inusual allí. Pero no pasó mucho tiempo antes de que Rey se reuniera con los líderes de la empresa e hiciera un descubrimiento interesante:

“Entonces conocí al presidente de esa empresa. Su nombre era Rasmus. [Tukia]Y lo primero que me dijo fue que en realidad él era el único que trabajaba en esa empresa. Luego lo segundo que me dijo es que durante el día estudia y trabaja en el almacén, y por la noche hace estas animaciones en YouTube. Y lo último, cuando le pregunté si podíamos ir a sus oficinas, [he said]”Vivo con mi mamá y mi papá”. Así que fuimos a su casa con su mamá y su papá, y Rasmus hizo toda la animación 3D de esta película solo. Ellos y otras dos personas hicieron gran parte de la iluminación, el montaje y la puesta en escena de los personajes de fondo. Pero él mismo hizo toda la animación 3D en la película, lo cual es increíble, si lo piensas bien, desde su habitación en la casa de sus padres. “Tiene un buen salario y ahora se mudó de casa por esta película, lo cual es genial”.

Puedes ver algunos de los otros trabajos de Tukia. Su página en ArtStationdonde dice que ha sido animador autodidacta durante casi una década, y más Su canal de YouTube.

Para escuchar mi entrevista completa con el director de “La notable vida de Ibelin”, Benjamin Rhee, mire el episodio de hoy del podcast /Film Daily a continuación.:

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“La notable vida de Ibelin” ahora se transmite en Netflix.


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depredador vs. Black Panther #3 desata una matanza a medida que aumenta el número de cadáveres de Marvel [Exclusive Preview]

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La nación ficticia de Wakanda de Marvel Comics, al igual que los países reales, puede significar cosas diferentes para diferentes personas. Las primeras historias de Wakanda de los días de Stan Lee/Jack Kirby en el Universo Marvel se basaban en el exotismo africano; Los habitantes de Wakanda todavía viven en el monte y en los delantales. Los nuevos escritores de Marvel han dado un giro a la imaginación. Wakanda es un país africano que nunca ha sido conquistado y se ha convertido en una superpotencia. Es ese sueño hecho realidad La película de 2018 “Black Panther” se ha convertido en un gigante cultural (y de taquilla).

Esto no significa que nadie lo haya intentado. En la primera aparición de Black Panther (“Los Cuatro Fantásticos” #52-53), el traficante de armas europeo Ulysses “Claw” Klaw lidera a los ladrones en un atraco. Vibranium, el súper mineral exclusivo de Wakanda. La película de 2010 “Doomwar” vio a Wakanda ir a la guerra con la nación de Latveria del Doctor Doom. Los nuevos invasores de Wakanda tienen otra cara familiar: la del Depredador. Desde que la empresa matriz de Marvel, Disney, se fusionó con 20th Century Fox (ahora conocida como 20th Century Studios), Marvel Comics ha estado enfrentando a sus superhéroes con los íconos heredados de la pantalla grande de Fox. Mira “Predator vs Wolverine” el año pasado o “Aliens vs. Vengadores” de este año.

“Predator vs Black Panther” es obra del escritor Benjamin Percy, quien anteriormente escribió “Predator vs Wolverine” y la actual serie de cómics “Wolverine”. Marvel compartió un avance exclusivo del tercer número de la miniserie con /Film. El resumen dice:

“¡Los Depredadores obtienen uno de los recursos más peligrosos de la Tierra! ¡El Gran Montículo cae en manos de los Invasores! El Vibranium finalmente está al alcance de los Depredadores. Pero los posibles invasores están divididos… y Wakanda sabe mejor que la mayoría lo que eso significa”. le haría a un depredador”. Si Shuri y T'Challa no encuentran una manera de detener a los clanes rivales Yautja, Wakanda será un daño colateral en una batalla que comenzó en estrellas distantes… y la guerra no terminará ahí.

Mira la portada de “Predator vs Black Panther” #3, dibujada por Ken Lashley, a continuación:

En Marvel Comics, los Depredadores han hecho de Wakanda su presa

Cuando se abre el problema, los Depredadores (o más bien, como los llama la narración, el nombre correcto de la especie, Yautja) se han asegurado el control del Gran Montículo de Wakanda, el centro de las Tiendas de Vibranium. Los Depredadores son los mayores cazadores de la galaxia, pero incluso ellos pueden soñar con armas nuevas y más poderosas.

Entonces uno de los otros depredadores se lleva el cráneo de un león como trofeo. Mientras mata a un león, se olvida del tigre.

“Predator vs Black Panther” #2 mostró a los Depredadores aprovechando sus capas para tender una emboscada a un grupo de guerreras Dora Milaje. Sin embargo, Okoye (interpretado por… Danai Gurira en las películas de “Pantera Negra”.) Sacó a sus hermanas durante el ataque.

Mientras T'Challa y Okoye se reagrupan, discuten planes iniciales para un contraataque. Al final de esta breve serie, sabremos con seguridad si los depredadores merecen este título o si son simplemente presas de los guepardos.

“Predator vs Black Panther” #3 estará disponible en versión impresa y digital el 31 de octubre de 2024.


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La directora de We Live in Time, Florence Pugh, lo compara con un “misil buscador de calor” [Exclusive]

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El brillante drama romántico de John Crowley “Vivimos en el tiempo” Sigue a una pareja interpretada por Andrew Garfield y Florence Pugh mientras exploran cómo afrontar un diagnóstico de cáncer. Pero no dejes que esa descripción te asuste: si bien hay momentos tristes aquí, también hay mucha alegría en todas partes. Ambos actores son fantásticos y ofrecen exactamente las mejores actuaciones que podría esperar de artistas de su talento; Su trabajo es a menudo silencioso, a veces explosivo, pero siempre identificable y muy humano. La película marca una reunión de Crawley y Garfield, quienes trabajaron juntos en Boy A de 2007, pero esta fue la primera vez que el director trabajó con Pugh.

Cuando hablé con él antes del estreno de la película y le pregunté qué tipo de conversaciones tuvo con la actriz estrella antes de que ella firmara, me sorprendió escuchar que no estaba inmediatamente convencido de que las cosas saldrían bien:

“Ella es muy directa, Florence. 'Eso es maravilloso', dijo. Me encanta. Quiero hacer eso. “Sí”. Fue muy intenso, y de una manera extraña, fue como, “¿En serio?” Y casi no confiaba en que funcionaría, porque la primera vez que llamamos sobre Florence, ella no estaba disponible porque de la película Marvel, y luego eso retrocedió y obtuve ocho semanas gratis y entré. Ella estaba muy interesada en afeitarse la cabeza, y eso fue en nuestra primera conversación, y le dije: 'Wow, eso es increíble'. ' porque supuse que un actor que iba a hacer una gran película de superhéroes no se afeitaría todo el cabello, pero ella se mantuvo firme: “Absolutamente, lo cual es genial”.

Pugh es parte del elenco de “Thunderbolts*” de Marvel Studios y, curiosamente, La primera elección de Marvel para el papel de Yelena Belova fue en realidad la actriz con la que trabajó Crawley en la película “Brooklyn” de 2015: Saoirse Ronan..

Además de la franqueza y el compromiso de Pugh de afeitarse la cabeza para su papel en “Vivimos en el tiempo”, Crawley también me impresionó con su incesante búsqueda de la verdad en cada escena durante el rodaje.

Florence Pugh puede manejar la verdad

“Tiene instinto para la verdad”, me dijo Crawley sobre las habilidades interpretativas de Pugh. “Es como un misil en busca de calor. Va directo al corazón de algo. No le gusta hablar mucho de eso, no le gusta pensar, quiere hacerlo y lo sigue haciendo.. Me encantó ensayar con Andrew y creo que les dio el espacio para encontrarse. Tuvimos dos semanas de entrenamiento y ayudó que realmente se agradaran, lo cual fue genial. Esto les permitió estudiar un mapa de la zona antes de tener que escalar la montaña, por así decirlo. Simplemente entendieron cuáles eran todas esas escenas, así que, bajo la presión de ese día, realmente pudieron conectarse con ello y atravesarlo emocionalmente.

Este enfoque ha dado como resultado un trabajo realmente impresionante por parte de Pugh, quien ha demostrado una y otra vez que es una de las artistas más talentosas de su generación. Hay una escena en esta película donde su personaje y el personaje de Garfield están peleando por un secreto que ella guarda, y la explicación que surge de ella es una clase magistral sobre cómo liberar emociones reprimidas sin conectar con ellas hasta el punto de comenzar a sentir. abrumado. Estaba completamente en el momento mientras veía la película, pero en retrospectiva, la precisión que demostró en ese momento en particular fue asombrosa.

Puedes escuchar mi entrevista completa con John Crowley sobre We Live in Times en el episodio de hoy del podcast Film Daily:

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El director Sean Baker explica cómo se relaciona Anora con una película de vampiros gay [Exclusive Interview]

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Muchas de tus películas incluyen personajes que son trabajadoras sexuales o que están pensando en serlo. Usted mismo ha pedido públicamente la desestigmatización y la despenalización del trabajo sexual. Mientras hacía Anora, ¿descubrió algo nuevo sobre las trabajadoras sexuales y su mundo? ¿Crees que las cosas mejoraron o empeoraron allí o siguieron igual? ¿Dónde crees que está nuestra sociedad ahora?

Ha habido ligeras mejoras. Me refiero al hecho de que ahora estamos usando un nuevo término. El “trabajo sexual” es básicamente algo que ha surgido en los últimos años. Quiero decir, antes de eso, usábamos términos como “prostitución” y esas cosas, pero creo que ese término general realmente ayuda de muchas maneras.

Y además, para responder a tu pregunta sobre lo que he aprendido, cada película que he cubierto sobre el trabajo sexual es como un aspecto diferente del trabajo sexual. Entonces, en este caso, este club de lap dance era muy extraño para mí y tuve que aprender la mecánica de ese mundo. Este club en particular nos permitió pasar algún tiempo allí. Mickey y yo pasábamos allí muchas noches observando y observando, y luego ella observaba a algunos de los bailarines para comprender las interacciones con los clientes y en qué se diferenciaba cada persona. Cada uno es diferente.

Estas jóvenes se encuentran en esa situación, en ese mundo, es un trabajo duro. Es un trabajo realmente duro. Tienen que acercarse a uno de los muchachos del club o hacer que los muchachos se acerquen a ellos y en segundos, leer a esta persona y descubrir qué tienen que hacer a un nivel casi psicológico para tranquilizarla y luego tratar de ganar algo de dinero. De esa persona. Todo esto debería suceder en segundos.

Entonces, en muchos sentidos, creo que muchos de estos jóvenes bailarines que trabajan en un ambiente como este son psiquiatras y psicólogos hasta cierto punto.

Y en ese mismo sentido, ¿qué crees que ayudaría a Hollywood a dejar de ser tan lamentablemente malo a la hora de abordar historias de grupos estigmatizados como las trabajadoras sexuales, pero también las personas trans, los que viven en la pobreza, los discapacitados, etc.?

Creo que se trata simplemente de abordar la representación de una manera más respetuosa. Y lo que quiero decir con esto es que paremos con las caricaturas, número uno. Utilicemos, en el sentido de contratar, a trabajadoras sexuales como consultoras. Son sus historias, son sus voces. Tienes que involucrarlos cuando haces este tipo de cosas. Finalmente, estos personajes deben ser humanos. Tiene que ser tridimensional, integrado, para que el público pueda conectarse con él, identificarse con él y apoyarlo. [them]. Lo que eso significa es un ser humano completamente carnoso e impío, no puesto en un pedestal. Tienen defectos. Cometen errores como todos nosotros. Y cuando vemos eso, cuando la gente fuera de este mundo ve eso, realmente se ven a sí mismos. Entonces creo que esta es la manera de hacerlo.

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Vivimos una época en la que el director tuvo una reacción física al rodar la escena más difícil de la película [Exclusive Interview]

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La música parece ser muy importante en una película como esta, especialmente en las secuencias de montaje donde vemos florecer y progresar la relación. Y me preguntaba cuál fue su enfoque al trabajar con Bryce Dessner en la partitura aquí y obtener lo que necesitaba para esos momentos. Me encontré viendo la película y pensando en cómo se verían esas escenas de montaje sin la música y pensé: es algo simple de decir, pero obviamente la atmósfera sería muy diferente sin la música. Entonces, para una película como esta y el tejido conectivo de las escenas en las que estás trabajando, ¿qué necesitas musicalmente?

Bueno, nos tomó mucho tiempo encontrar la identidad musical, esa es la simple verdad. Antes de conocer a Price, probablemente durante las primeras 12 semanas de edición, tuve un supervisor musical que estaba probando muchas piezas musicales diferentes en todas estas secuencias para que pudiera identificar lo que realmente estaba buscando. Y fue difícil, porque pusiste la pieza musical equivocada en esta película y gritaste. Es aterrador. Es terrible. De repente la hace más delgada y la convierte en un tipo de película diferente. Lo incluiría en algún tipo de comedia romántica o, no sé, se convertiría en todo este tipo de películas. Entonces fue de forma negativa, fue como, “Está bien, sé que no es eso, no eso, no eso, no eso”.

Conocí a Price y era un gran admirador suyo (me encantaba The National, por supuesto), pero también era un gran admirador de su música y sus obras clásicas, que son un género diferente a lo que él hace. Tuvo una reacción muy fuerte hacia la película y le encantó, estaba clara y estaba entusiasmado con las posibilidades de lo que la banda sonora podía aportar. No habló mucho después de eso. No necesariamente dijo: 'Y debería ser ¡este!” Pensé: “Podría ser esto o aquello”. Y me encanta. Me encantó el hecho de que estuviera dispuesto a comenzar el viaje e intentarlo.

Me envió una enorme cantidad de música en muy poco tiempo, que es su respuesta o respuestas a la película. No empezó desde la primera escena y luego dijo: “Esta es la primera pieza musical de la primera escena”. Así que se convirtió en una cuestión de casi probar esas piezas musicales en este trabajo de cuadrícula, tratando de ver: “Está bien, esto va allí y esto va allí”.

Aproximadamente cuatro semanas después de este proceso, la pieza que surgió, que no tenía muchos héroes a mi alrededor en la sala de edición, fue el principal objeto de amor. Es la primera vez al principio, la vez que están espalda con espalda en la entrada, al salir del plano montaje, y luego el final con los huevos rompiéndose. Pensé que era una gran melodía y bastante inusual. Pero tal como estaba la pieza original, no encajaba muy bien en la película. ha sido un poco también Triste, casi. Era una pieza musical triste, casi oscura.

Pero ella se sentó entre un lugar feliz y un lugar triste, las notas reales. Sentí que ella estaba haciendo ambas cosas exactamente al mismo tiempo de una manera que me pareció genial. Entonces le pedí que lo reelaborara y lo hizo, e hizo diferentes versiones, en dos escalas diferentes. Entonces eso empezó a parecer una buena columna vertebral de sus triples. Luego escribió otras piezas, tocó y vino a Londres, nos sentamos juntos frente a la película, sacó la guitarra y a veces tocaba con ella para intentar ver: “¿Es esta la vibra?” Y entiende eso.

Luego, a veces, en algunas piezas más abstractas, decía: “Mira, creo que tenemos que profundizar en la melodía, tiene que ser más ambiental aquí”. También hizo un montón de eso en la habitación y lo quitó y luego tomó esas ideas y las hizo, que eran simplemente masas de cuerdas que se movían entre sí, pero dejaban espacio para que la emoción en la escena brillara. . Así fue el proceso. Era rica, feliz e increíblemente divertida. Y luego vienes a AIR Studios y ves cómo se graba, lo que siempre es la mayor emoción del proceso de realización cinematográfica: escuchar a una orquesta darle vida a la película mientras miras esas imágenes.

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40 años después, las estrellas de Pesadilla en Elm Street saben por qué la película se convirtió en un clásico del terror [Exclusive]

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“Pesadilla en Elm Street” de Wes Craven cumple 40 años este año y la popularidad de Freddy Krueger no muestra signos de detenerse. Nació la ahora famosa morgue Querida franquicia de terror Y convirtieron a las estrellas Robert Englund y Heather Langenkamp en figuras apreciadas del género. I Hablé con Robert Englund el año pasado. Sobre su carrera, así que cuando tuve la oportunidad de entrevistarlo a él y a Langenkamp en honor al aniversario de la película, en lugar de preguntarle sobre Freddy Krueger nuevamente, le pedí a Heather Langenkamp que expresara sus sentimientos sobre “El hijo ilegítimo de 100 locos” y Englund para dar su opinión sobre Nancy Thompson.

“Freddy es un gran asesino porque ocupa nuestros sueños y, sin embargo, cada detalle de su presencia (su caminar, su charla, su disfraz, todo) es bastante aterrador y realza todo el trabajo que Robert hizo para hacerlo tan memorable”. Lagenkamp explicó que la seriedad con la que se acercó al personaje realmente trasciende, creo, a todos los demás monstruos de las películas de terror, y creo que eso se debe simplemente a su propio esfuerzo y a la cantidad de amor, que es una palabra extraña de usar, pero. amor que tenía por el proyecto de actuación que estaba creando Freddy.

En cuanto a la proactiva chica final Nancy Thompson, Englund le da crédito al hecho de que “está habitada por Heather”, y la actuación de la actriz convierte a Nancy en un personaje al que apoyar. “Creo que Heather definitivamente tomó el relevo de Sigourney Weaver y Jamie Lee Curtis, y luego lo elevó a una chica final más estratégica y terca”, dijo. Aunque las películas de terror ciertamente no eran nuevas en el momento de su estreno, Ambas estrellas se dieron cuenta desde el principio que había algo especial en “A Nightmare on Elm Street” y que esta película no iba a aterrizar en el carrito de ventas de la tienda de videos Mom & Pop local..

La visión de Wes Craven convirtió Nightmare on Elm Street en un clásico del terror

Langenkamp me dijo que el equipo a menudo tuvo la oportunidad de ver imágenes diarias del día anterior durante la hora del almuerzo durante la producción, y se sorprendieron de lo hermosa que era la película incluso en las tomas sin editar. “Hay una cualidad mágica y onírica en cada fotograma”, dijo. “Sabía que la película iba a ser increíblemente hermosa, pero también extraña”. Ella explica que cada fotograma de la película tenía algo un poco extraño o que “realmente” no se escondía en alguna parte, por lo que “supe de inmediato que no era sólo una película de John Hughes para adolescentes sobre estos adolescentes que intentaban luchar contra Freddy”. Englund estuvo de acuerdo y dijo que debió haber “algún código” entre Wes Craven y todos los diseñadores de producción porque la visión del director se ejecutó con mucha claridad.

A diferencia de muchas películas anteriores, “A Nightmare on Elm Street” es increíblemente vibrante en sus colores, pero esas ediciones sutiles que inconscientemente dejan inconsciente al espectador están en todas partes.. “A veces los marcos de las puertas eran un poco más pequeños para forzar la perspectiva o estaban un poco torcidos, lo que hacía perder el equilibrio”, dijo Englund. “Este tipo de truco genial ayudó con todas las primeras películas de 'Pesadilla': ¿Cuándo comienza realmente la pesadilla?”

Esta pesadilla se hizo realidad con efectos prácticos verdaderamente notables, que aún se mantienen cuatro décadas después. “Estos son todavía los tiempos de la franquicia The Thing y A Nightmare on Elm Street de John Carpenter”, elogió Englund. Me dijo que si bien el CGI selectivo está muy bien, hay algo que falta cuando las películas dependen demasiado del CGI: “No estás involucrado porque no es real”. La combinación ganadora de astral slasher, La chica asesina final, El diseñador de efectos especiales Jim Doyle protagonizóY el genio de Wes Craven ayudó a garantizar que “A Nightmare on Elm Street” fuera más que un simple éxito. Escuche mi entrevista completa con Englund y Lagenkamp a continuación:

“Pesadilla en Elm Street” ahora está disponible por primera vez en 4K, Que puedes adquirir aquí.


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Los locos detrás de Terrifier 3 tienen una idea descabellada para el ícono del terror Michael Myers [Exclusive Interview]

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¿Hay algún payaso silencioso que te guste? Siento que el arte es demasiado expresivo para ser Buster Keaton, pero tal vez haya un poco de Chaplin ahí.

David Howard Thornton: Oh, definitivamente Chaplin. Pero en realidad cuando me acerqué a él, lo miré como el hijo ilegítimo de Freddy Krueger y Harpo Marx.

Damián León: Y el señor Bean.

David Howard Thornton: Y el señor Bean. Pero también hay algo gracioso, y esto es algo de lo que me di cuenta hace aproximadamente un mes porque decidí sentarme cuando tenía una noche para mí y encontré un montón de películas antiguas de los hermanos Marx en Amazon. Dije: “Lo veré de nuevo”. Y yo estoy ahí sentado diciendo: “¿Cuál es el verdadero nombre de Harpo Marx?” Y lo miré. Arturo. Es arte. [laughs] Esto es algo que siempre ha estado en el fondo de mi mente. Miré a Harpo, era conocido por su sombrero. Era conocido por su siglo, al igual que su arte.

La última vez que hablé con Damien, Nuestra conversación fue principalmente sobre crear sangre.. Así que me encantaría saber cómo diriges a tus actores y cómo tus actores reciben tu dirección.

Damián León: Ten cuidado si quieres volver a trabajar conmigo. [laughs]

Chris Jericho: Lo que pasa con Damian es que me recuerda mucho a Kevin Smith en el sentido de que es un buen tipo. Básicamente, estás aquí por una razón. Entonces, ¿qué tienes? Y no hay nada como: “Haz esto, esto, esto”. [It’s more like]”Haz una escena o dos. Inténtalo de esta manera, inténtalo de otra manera”. Recuerdo la película “Terrifier 3”, que aún no has visto, pero hay una escena realmente loca con mi personaje, Burke, donde entra a la habitación y ve a Victoria en esta horrible, horrible escena. [scenario]. Y tu cerebro de película de terror está gritando. “No lo hagas como un grito. Hazlo casi”, dijo. “.

Damián León: Es como si te dejara sin aliento.

Chris Jericho: “Es como si tuvieras dolor, te golpearan en el estómago y casi no pudieras respirar”. Y fue muy fácil de hacer. Esto no es lo que esperas. Esta fue una reacción muy dolorosa y pensé que era un gran consejo. Entonces, cuando tienes una buena relación, como dije, mis escenas con Damien duraron uno o dos días de filmación, pero tienes un poco de contacto. Estoy seguro de que tenéis una gran conexión. Confían el uno en el otro. “¿Qué tal esto? Prueba eso. Está bien”. Eso es lo que quieres en el set, alguien a quien puedas acudir. Damian es el capitán del barco. Él es el puto presidente. Pero si tengo una idea, no tengo miedo de exponerla, porque nueve de cada 10 veces incluso improvisamos algún diálogo que usamos en una de mis escenas. Simplemente, “Sí, hazlo. Intentémoslo”. Esta es una buena relación. Es un director con mucha confianza, lo cual es excelente para la relación y el desempeño.

David Howard Thornton: He tenido bastante éxito en eso. Es muy amigable con el actor y está dispuesto a escuchar nuevas ideas y experiencias. No es sólo el elenco. Verás, si tenemos un miembro del equipo que tiene una idea para algo, al final del día, creo que lo más importante para nosotros es conseguir la mejor película posible. Por eso está abierto a escuchar otras ideas. Por supuesto, él tiene la última palabra en todo. Hemos tenido muchos accidentes felices en el set cuando las cosas van mal. Es muy adaptable a todo lo que sucede. Recuerdo que en la segunda parte la escena que básicamente se nos ocurrió surgió de la nada y fue un feliz accidente.

Originalmente se suponía que debía romper esta ventana para perseguir a Allie y perseguirla escaleras abajo. Cuando conseguimos la ventana, ya estaba rota y era media noche y no podíamos conseguir una ventana nueva. Entonces Damien y algunos de nosotros juntamos nuestras cabezas. Teníamos esta pequeña cosa que pensamos que tendríamos a la mitad y dijimos: “Está bien, ¿por qué no ponemos eso aquí y le agregamos más, donde el arte se siente como en casa simplemente bebiendo agua?” Y siento que da más miedo de esa manera. Este chico tiene mucha confianza en lo que va a hacer.

Chris Jericho: Además, el solo hecho de que el espejo o la ventana estuvieran rotos, me daba más miedo que si hubiera atravesado ellos. Porque imagina que vas abajo y piensas: “Dios mío, hay algo aquí. No sé qué es”. Fue una gran vista.

David Howard Thornton: Fue genial. Pero esta fue una de esas cosas, es muy bueno adaptándose cuando las cosas van mal. Tiene una gran mente para idear cosas nuevas, nuevos conceptos cuando las cosas se ponen difíciles. Siempre puedo contar con él en el último momento si algo sale mal.

Damián León: Gracias chicos.

Especialmente por el presupuesto en el que estás trabajando. Si no puedes adaptarte, estás en mala forma.

Damián León: Oh sí. Bueno, sólo quiero ser una red de seguridad para los actores. Tal vez no puedan encontrar algo, y entonces siempre podrán apoyarse en mí y venir a decirme: “Bueno, ¿cómo imaginaste eso?”. Como soy el escritor/director, pase lo que pase, tengo una forma de visualizar todo lo que se dice y se dice, pero ellos aportan un conjunto de habilidades que yo no tengo. Hago suficientes cosas por mi cuenta y quiero deshacerme de ellas. Así que no quiero involucrarme con actores. Quiero que sean mucho mejores actuando. Quiero que me sorprendan y mejoren mis palabras.

Todo lo que puedan hacer para mejorarlo. Siempre creo que todo lo que escribo podría ser mil veces mejor. Por eso quiero ser lo más colaborativo posible. Pero repito, si no encuentran algo, definitivamente les diré lo que pienso y cómo creo que se debe jugar. Pero estoy abierto a muchas sugerencias. Y me gusta probar muchas opciones diferentes porque luego, nuevamente, entro a la sala de edición y tengo un montón de cosas entre las que puedo elegir. Y literalmente puedes darle forma a la interpretación en la sala de edición.

David Howard Thornton: También quiero mostrarlo. No sólo cómo es con los actores, sino también cómo es con el equipo. Llega a conocer a todos los miembros de estos grupos, incluso a nuestros asistentes personales, que tal vez solo estén allí durante aproximadamente un día. Conoce a todos y les da la bienvenida. Creo que esto añade aún más a la naturaleza colaborativa de la película. Todos se sienten seguros cuando trabajan juntos. Nos hemos convertido en una familia en lugar de ser solo personas que están ahí solo para recibir un cheque de pago. Creo que es por eso que terminamos con un mejor producto, porque todos trabajan juntos como un equipo, como una familia. Esto no habría sucedido si no tuviéramos un gran capitán detrás del barco.

Chris Jericho: Bueno, también fue genial porque vine por dos años y luego me uní por tres años dos años después. Y es el mismo equipo, los mismos productores, el mismo vestuario. Esto es muy raro. Estoy seguro de que hay algunos, pero para mí, hay al menos 10 personas que reconocí del último. Es el mismo equipo. Ésta es una buena señal.

Damián León: Simplemente teníamos que traer más gente ahora.

David Howard Thornton: Fueron recibidos de inmediato. Tan solo en la primera semana de rodaje con estas nuevas personas, ya se sentían como en familia.

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Al director y escritor de Saturday Night le gustaría hacer una secuela ambientada en diferentes épocas de SNL [Exclusive]

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Con una historia tan rica en televisión después del estreno de la serie, existen infinitas posibilidades para una continuación de “Saturday Night”. Quizás lo más interesante, en términos de drama y detalles detrás de escena, sean los que se conocen como los “años de Dick Ebersol” de 1980 a 1985. Si bien esta era de “SNL” nos traería a Eddie Murphy y Joe Piscopo, el resto de el elenco nunca ganó atractivo entre el público y el productor Dick Ebersol no proporcionó a la serie la misma sátira aguda que había proporcionado Lorne Michaels anteriormente.

Han sido cinco años tumultuosos, y contar una historia que comienza con el elenco original dejando la serie con Michaels, solo para que el showrunner regrese y lo salve, podría ser una gran historia del mundo del espectáculo. No tendría que reutilizar el mismo marco de tiempo casi real, pero aún podría entrar y salir de los 30 pasillos del Rockefeller Center a medida que se desarrolla el drama.

Otra posibilidad podría ser la década de los 90, donde SNL vio queridos miembros del elenco. Chris Farley (que pronto tendrá su propia autobiografía) Adam Sandler fue despedido del programa. También abarcando varios años, una película sobre esta época también podría narrar la trágica muerte de Farley a finales de 1997, que ocurrió poco antes. Norm MacDonald fue despedido a principios de 1998A mitad de la vigésimo tercera temporada. Brindará una oportunidad fantástica para que el grupo joven dé vida a otro elenco fantástico de rostros famosos del programa, incluidos personajes como Phil Hartman, Mike Myers, Dana Carvey, Julia Sweeney, Tim Meadows y más. Por su parte, Gil Keenan ciertamente tiene afinidad por “SNL” de los 90:

“Creo que es una matriz basada en la edad, pero definitivamente soy Chris Farley, así que, básicamente, Dana Carvey, Mike Myers, Chris Farley, y luego los sigo viendo todas las semanas. Para mí, el comienzo del diluvio no retrocedió. Las aguas retrocedieron”.

Para ver más de mis entrevistas con Jason Reitman, Gale Keenan y algunos miembros del elenco de “Saturday Night”, vea el último episodio de /Film Daily aquí:

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El momento más triste de la cuarta temporada de Slow Horses surgió naturalmente de una escena devastadora de la tercera temporada [Exclusive]

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Esta publicación contiene Spoilers Para la cuarta temporada de “Slow Horses”.

La cuarta temporada recientemente concluida de la impresionante serie de espías de Apple TV+ “Slow Horses” continúa demostrando que es uno de los mejores programas de televisión, ya que la temporada culmina con una gran revelación sobre el origen de River, un clímax literalmente explosivo y un tiroteo mortal. En la casa de Slough. Pero una de las escenas más tristes de la temporada llega momentos antes del final, cuando el agente del MI5 River Cartwright (Jack Lowden) traslada a su desconcertado abuelo, el ex agente David Cartwright (Jonathan Pryce), a un centro de vida asistida porque su hombre sufre de demencia cada vez más grave. . Resulta que la única razón por la que funcionó de esta manera fue por un momento diferente que sucedió en la temporada anterior.

Hablé con el director de Slow Horses, ganador del premio Emmy, Will Smith (no, probablemente hayas oído hablar de él jajaja). Cual Will Smith ganó un Emmy por escribir una serie de televisión británica) para esta temporada, y le pregunté si había algún momento de actuación de este elenco estelar (que también incluye a personas como Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Hugo Weaving y más). Esto lo sorprendió. Gritó algunos nombres, pero brindó especial apoyo a Jonathan Pryce y explicó cómo ocurrió ese devastador momento final entre River y David:

“Esa última escena en la que River lo pone bajo cuidado, la escribí después de ver a Jonathan y Jack grabar esa escena en la Serie 3 donde Jack tiene que ir al Club de Miembros y decirle que ya no es miembro. Ha cancelado su membresía. membresía y simplemente lo olvidé, y al ver la cantidad de tristeza, orgullo y dolor que había en la forma en que lo hicieron, sentí como: “Oh, podemos ir más profundo, de verdad, y más tristes”.

La actuación de Jonathan Pryce en Slow Horses fue tan convincente que engañó al espectador

Price, un actor veterano cuyos créditos incluyen las series “Piratas del Caribe”, “Brasil”, “Juego de Tronos”, “Los dos Papas” y decenas más, fue tan convincente en su actuación que logró engañar al público. . El espectador pensó que estaba a punto de disparar. Como explicó Smith:

“Ver a Jonathan hacer eso y llegar a un lugar donde parece tan perdido ante sus ojos, es tan convincente que este personaje está en una niebla mental y partes van y vienen hacia él. Hasta el punto en que haría estas pausas sería tan tan profundo que literalmente pensarías: '¿Se olvidó de esta línea?' Y luego volverá y dirás: “No, es simplemente un gran actor”. [laughs] Pero transportó a alguien que no sabía dónde estaba ni qué iba a decir a continuación, y tu reacción, como alguien que observaba su actuación y lo hacía, fue: “¡Ya lo olvidó!”. Por supuesto que no, pero estaba muy metido en el papel que le hacía sentir así”.

El compromiso del actor con el papel da sus frutos de manera desgarradora esta temporada, ya que la penúltima escena del episodio termina con David prácticamente rogándole a su nieto que no lo deje en el centro de vida asistida, y River conteniendo las lágrimas mientras se aleja. “Slow Horses” está llena de escenas de acción, ataques terroristas y maniobras de espionaje, pero lo más destacado es lo arraigada que está; Sus personajes no son súper espías, son personas comunes y corrientes que resultan heridas y pueden morir como todos los demás. Cualquier espectador que haya sido testigo de cómo un miembro de la familia pierde lentamente sus facultades mentales puede identificarse con el dolor emocional que tanto River como David sienten en esta escena, y la mezcla del programa de conexión a tierra con elevación ocasional continúa demostrándolo muy bien.

Jacob Hall de Film y yo hablamos sobre la temporada 4 de Slow Horses en el episodio de hoy del podcast /Film Daily, que también contiene mi conversación completa con Will Smith:

Puedes suscribirte a /Film Daily en Pódcast de Apple, Nublado, Spotifyo dondequiera que obtenga sus podcasts, y envíenos sus comentarios, preguntas, inquietudes y temas por correo electrónico a [email protected]. Deje su nombre y ubicación geográfica general en caso de que mencionemos su correo electrónico al aire.


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Marvel's Uncanny X-Men #4 enfrenta a Wolverine contra un nuevo villano, y no es bonito [Exclusive Preview]

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El reinicio de Marvel X-Men, “From The Ashes”, ciertamente tuvo ganas de reproducir los éxitos junto con La era revolucionaria de Krakoa que precede a los X-Men. Sin embargo, algunas de esas canciones tienen un sonido muy agradable. Uno de ellos es “Uncanny X-Men” de la escritora Gail Simone y el artista David Márquez.

“Uncanny X-Men” está ambientada en Luisiana, lo cual es fiel a su ambientación Marvel Comics con un toque de estilo gótico sureño. Simone eligió el elenco perfecto de X-Men por su enfoque de los superhéroes como personas (particularmente su decisión de centrar la serie en torno a un pícaro testarudo y atrevido) y por el hermoso arte de Márquez. Pero no todo va bien en Bayou.

Número 3 de “Uncanny ahora, Marvel ha compartido un avance exclusivo de las páginas iniciales de “Uncanny X-Men” #4 Con / película. El resumen preliminar del número dice lo siguiente:

“Con solo uno ¿Es el fin que destruirá a todos los seres mutantes?

La portada de Márquez para el número 4 (ver más abajo) es fácilmente su mejor trabajo en “Uncanny X-Men” hasta la fecha.

Esto no es para desacreditar a los números 1-3, pero la atmósfera de este evento está en otro nivel. Mientras Rogue se esconde detrás de un árbol torcido, mira entre las sombras. Es una fórmula de terror básica pero efectiva que podría recordar a los X-Fans la “Demon Bear Saga” de Bill Sienkiewicz en The New Mutants.

Mire la parte inferior de la portada y verá lápidas con los nombres de los compañeros de equipo de X-Men de Rogue. Por supuesto, estas muertes son falsas, pero su inclusión también evoca la portada más famosa de “X-Men”, “Uncanny X-Men” #141 de John ByrneLa primera parte del clásico de viajes en el tiempo Days of Future Past. Ambas portadas sugieren un peligro invisible y la desesperación que nuestros héroes ya han perdido.

Ahora el texto. Desde el número 2, cada portada de “Uncanny X-Men” tiene impresa una pequeña frase estilizada que evoca Marvel Comics en las Edades de Plata y Bronce. El número 2 se tituló “¿Quiénes son los valores atípicos?” Porque el caso presentó correctamente a cuatro jóvenes mutantes fugitivos. El número 3 fue “¡Atrapa al elfo!” Ya que el tema involucró a los Outliers entrenando a través de un juego de capturar la bandera (o más bien “conseguir el cinturón”) con Nightcrawler.

El número 4 dice: “En la oscuridad ella espera… ¡Sarah Gaunt!” En referencia al verdadero nombre de Haag. La transición del texto en blanco a las letras rojas que gotean parece simplemente el avance de una película de terror de los años 80.

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