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He cambiado de opinión La escena inicial de Deadpool y Wolverine de Ryan Reynolds muestra cuánto respeta a Logan

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Admito que pensé Lobezno Deadpool La escena inicial fue un poco irrespetuosa con el legado de Wolverine tras su emotiva despedida. loganPero conocer la forma en que Ryan Reynolds presentó la escena aumentó enormemente mis críticas. Lobezno Deadpool Caos prometedor, irreverencia y mucho metahumor, mientras los personajes homónimos de Marvel se unen oficialmente a la línea temporal del MCU. Esto se expresó con creces en la icónica secuencia de apertura. La escena puede parecer obscena en la superficie, pero el cuidado con el que fue elaborada muestra que Reynolds y los realizadores eran muy conscientes de sus implicaciones.

el Lobezno Deadpool La escena inicial no pierde el tiempo en hacer una declaración. Deadpool cava la tumba de Wolverine, en la que murió logan Fue uno de los momentos más conmovedores del cine de superhéroes. Con un aire de alegre desprecio por el cierre emocional, Deadpool usa el esqueleto de Wolverine como arma para defenderse de los agentes de TVA que lo persiguen durante una caótica aventura de salto en el tiempo, todo listo para “Bye, Bye, Bye” de N-Sync. Al principio, esta escena parecía una bofetada deliberada. loganespecialmente después de la cita de Deadpool Lobezno Deadpoolque es más o menos lo que afirma.

Los créditos iniciales de Deadpool & Wolverine en la escena de Logan Skeleton fueron idea de Ryan Reynolds

Notorio Lobezno Deadpool La secuencia de créditos iniciales no fue solo un chiste aleatorio: vino directamente del propio Ryan Reynolds. en Montado: La realización de Deadpool y WolverineEl director Shawn Levy compartió cómo surgió la idea y Reynolds dudó incluso en sugerir que. Levy declaró: “Me odio por la idea que estoy a punto de tener”, dice Ryan, “tengo que usar su cuerpo como arma”. A pesar de sus reservas, Reynolds planteó la idea y se convirtió en uno de los momentos más comentados de la película.

Lobezno Deadpool
Disponible para transmitir en Disney+.

Esta profunda visión del proceso creativo enfatiza el nivel de autoconciencia necesario para crear la escena. Reynolds reconoció lo inherentemente irrespetuoso que era el concepto para la resonancia emocional. logan. Sin embargo, también entendió que El personaje de Deadpool se nutre de este tipo de humor exagerado.. Reconocer la audacia de la escena refleja un delicado equilibrio entre honrar el legado de Wolverine y mantenerse fiel a la energía deliciosamente anárquica de Deadpool.

Me alivia que Ryan Reynolds supiera lo irrespetuosa que fue la escena para Logan.

Reynolds comenta sobre “Se odia a sí mismo” para promover Lobezno Deadpool La escena dice. Revela una profunda conciencia de las posibles reacciones violentas de quienes miran. logan Como tierra santa. A pesar de la ridícula premisa, los realizadores no trataron esta escena a la ligera.Sabían exactamente lo sacrílego que parecería Para profanar la tumba de Wolverine por risas.

Esta autoconciencia es crucial para garantizar que el momento parezca una broma y no un verdadero rechazo al legado del personaje. Más que una broma irreflexiva, la escena refleja respeto por logan Tratando con él directamente. Cineastas Sabían que tenían que abordar la muerte de Wolverine Para devolverlo a Lobezno DeadpoolCómo exactamente manejarían esto fue un punto importante de discusión.

Hugh Jackman como Wolverine junto a Deadpool en Deadpool & Wolverine

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En lugar de avergonzarse de ello, Lobezno Deadpool La enfrentó de frente y Deadpool incluso lo comentó. “¿Cómo vamos a hacer esto sin deshonrar la memoria de Logan? Y te diré cómo. No lo haremos”. Al hacer que la secuencia de excavación de tumbas sea absurda y consciente de sí misma, Una señal de que entienden la importancia. logan Al mismo tiempo que se compromete plenamente con la perspectiva irreverente de Deadpool.

Por qué Deadpool y Wolverine se salen con la suya al faltarle el respeto al final de Logan

Deadpool se retiró de TVA en una escena eliminada de Deadpool y Wolverine

Al final, Lobezno Deadpool La escena inicial funciona porque Combina perfectamente con el personaje de Deadpool.. Como cuarto héroe que rompe muros, Deadpool no respeta límites: emocionales, narrativos o de otro tipo. Su total desprecio por la dignidad y la reverencia es la piedra angular de su humor, y usar el esqueleto de Wolverine como arma es el tipo de broma escandalosa que sólo él puede lograr. En este contexto, el momento no parece una traición. logan Por mucho que sea una extensión del espíritu anárquico de Deadpool.

Deadpool Wolverine y Cassandra Nova en Deadpool Wolverine

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También vale la pena señalar que el propio Wolverine, como se muestra en Lobezno DeadpoolTendrá algunas palabras sobre el incidente del robo de tumbas. La tensión entre la irreverencia de Deadpool y la seriedad de Wolverine es la dinámica central de su relación. La escena prepara el escenario para la colisión de sus personalidades en conflicto. De una manera hilarante y honesta. Al apoyarse completamente en la falta de decencia de Deadpool, Lobezno Deadpool Se las arregla para recorrer la línea entre la comedia y la respetabilidad, lo que demuestra que el programa de Ryan Reynolds no fue solo una broma barata, sino una pieza de narración cuidadosamente considerada.

Póster de Deadpool y Wolverine con las espadas de Wade Wilson y el reflejo de Hugh Jackman.

Una continuación del exitoso Deadpool y Deadpool 2, protagonizada por Ryan Reynolds como el Mercader con Boca. La tercera película será la primera de la serie que se desarrollará bajo el estandarte de Marvel Studios luego de la adquisición de 20th Century Fox por parte de Disney.

Próximas películas del MCU

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Al Pacino luchó por conseguir una escena de corte de Tarde de perros

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Día del perro por la tarde
Warner Bros.

En el clásico de 1975 de Sidney Lumet “Tarde de perros”, basado en la biografía de 1972 de la revista Life “The Boys in the Bank” de B.F. Klug, Al Pacino interpreta a Sonny Wurtzyk, el líder de la pandilla del primer equipo de robo a un banco. Él y sus amigos, incluidos Sal (John Cazale) y Stevie (Gary Springer), han puesto sus miras en el First Savings Bank de Brooklyn, pensando que pueden entrar y salir con un mínimo de alboroto y un montón de dinero en efectivo. Sin embargo, todo sale mal inmediatamente. Stevie huye de la escena, dejando a sus compatriotas un poco varados, y Sonny se entera de que la recogida diaria ya se realizó, dejándolo con solo $1,100 en efectivo.

A partir de ahí la situación crece como una bola de nieve. Un pequeño incendio en el banco alerta a la policía y Sonny se encierra dentro del banco, lo que le obliga a permanecer como rehén. Sonny, que no es un criminal de carrera, sigue sospechando de todos los policías, desde que ocurrió el infame motín en la prisión de Attica hace menos de un año. Para recordar a los lectores, en ese motín los guardias de la prisión mataron a 43 reclusos, lo que lo convirtió en el levantamiento carcelario más sangriento de la historia. Sonny claramente no quiere que la policía lo mate y grita “¡Attica! ¡Attica!” A la multitud de espectadores ahora reunidos (De por sí, un momento célebre fue improvisado por Pacino).

Pero ¿por qué Sonny quería siquiera robar un banco? Al parecer, su novia trans, que vive con el nombre de Leon (Chris Sarandon), ha pedido dinero para una cirugía de confirmación de género. Sonny tiene esposa, Angie (Susan Peretz) e hijos, pero están separados. Después de un tiempo, Sonny se da cuenta de que la situación está fuera de su control y que su muerte al menos podría proporcionar dinero para el seguro para su esposa e hijos y dinero para la cirugía de su novia.

Sonny y Leon se comunican principalmente de forma remota, aunque hay una escena en el guión de la película donde se suponía que los dos se besarían en persona… con Leon vestido como Marilyn Monroe. Según la nueva autobiografía de Al Pacino, “Sonny Boy”, (a través de Semanal de entretenimiento), El actor se opuso a la escena drag, sintiendo que era de mal gusto. Esencialmente, Pacino vio la película como una versión absurda y caricaturesca de Leone que se desviaba demasiado de la situación realista.

Pacino pensó que el guión inicial de Tarde de perros era demasiado exagerado


Tarde de perros, Chris Sarandon
Warner Bros.

Cabe señalar que Leon está basado en Elizabeth Eden de la vida real, mientras que Sonny está basado en el ladrón de bancos de la vida real John Wojtowicz. John y Elizabeth se casaron en una ceremonia pública en 1971, y Wojtowicz de hecho dirigió un banco en Brooklyn, al menos en parte para comprar una cirugía de confirmación de género para su esposa. El dinero que ganó filmando la película “Tarde de perros” Terminó pagando la cirugía de Eden.

En uno de los primeros borradores del guión de la película, el guionista Frank Pearson escribió una escena en la que León, vestido como Marilyn Monroe, llega al banco para apaciguar a Sonny, y los dos se dan un gran beso delante del público. Pacino leyó la escena y sintió que embellecía de manera inapropiada la relación de la vida real entre Voytoys y Eden. Muchos podrían señalar que “Tarde de perros” obtiene su fuerza artística de su realismo, ya que se basa en situaciones estresantes y absolutamente identificables. Vestir a León como un artista completo haría que el excéntrico personaje se volviera demasiado caricaturesco. “No sólo era falso, sino tremendamente exagerado”, escribió Pacino, y agregó que era “una especie de parodia cómica que minimiza la magnitud de la situación”.

Pacino recordó su conversación con Lumet, donde explicó:

“Estamos tratando con seres humanos, ya sean heterosexuales o homosexuales. Simplemente somos seres humanos. Pensé, ¿por qué estamos hablando de esto? ¿Habrían permitido los policías este tipo de exhibición?”. […] En nuestra película, la policía permite que Sonny y Leon hagan una llamada telefónica donde se despiden. Esta película se basó en una historia real, investigué y descubrí que hicieron una llamada telefónica. No aceptaron. Ni siquiera se tocaron. Nadie iba vestido como Marilyn Monroe. “Nunca fue así”.

En cambio, Pacino y Sarandon coescribieron sus escenas juntos.

A Pacino no le preocupaba la vida sexual de Sonny.


Tarde de perros, Al Pacino
Warner Bros.

Pacino señaló que él y Sarandon pasaron mucho tiempo ensayando juntos, improvisando el diálogo del personaje. Cuando llegó el momento de que los dos actores ensayaran su fatídica llamada telefónica, ambos improvisaron toda la escena, para bendición de Lumet. Luego se realizó ingeniería inversa al guión de “Tarde de perros”. Para coincidir con lo que dijeron, se ha limpiado un poco solo para mayor claridad.

Desde el lanzamiento de “Tarde de perros”, muchos espectadores y críticos han teorizado sobre cómo Sonny define su sexualidad. Se casó con una mujer cisgénero, pero la dejó por una mujer trans que todavía vive su vida principalmente como hombre. ¿Sonny era bisexual? Sin embargo, a Pacino no le preocupan tanto las etiquetas que uno podría usar, sino que se centra más en la humanidad del personaje. Encontró a Sonny interesante debido a su viaje emocional y no consideró lo “atrevido” que sería interpretar a un personaje excéntrico. Simplemente interpretó a un personaje enamorado. Como dijo el actor:

“Lo que interpreté del escenario es que es un hombre con esposa e hijos que casualmente está en una relación con alguien que se identifica como mujer, a quien hoy entendemos como transgénero, pero saber eso de él no significa. cualquier cosa. 'Él no me excita ni me molesta; “No hizo que el papel pareciera más atractivo o peligroso”. […] tal vez [in 1975] “Era inusual tener un personaje principal en una película de Hollywood que fuera gay o queer y ser tratado como un héroe o merecedor del afecto del público, pero hay que entender que no se me ocurre nada de eso”.

Por supuesto, ésta es una posición admirable.



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La escena favorita de Bruce Willis en Die Hard es inesperada

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John McClane en un avión en Duro de matar
Estudios del siglo XX

Esta publicación contiene Spoilers Por “morir duro”.

Tener que elegir una escena favorita de “Duro de matar” es como limitarse a un plato en un buffet libre. Los beneficios de “Die Hard” de 1988, ahora considerada una de las mejores películas de acción de todos los tiempos, son abundantes, pero lo que hace mejor es establecer un protagonista masculino que no es ni invencible ni inmune a las emociones; En cambio, son tan imperfectos y débiles como la persona promedio. Sin embargo, al mismo tiempo, John McClane (Bruce Willis) es todo menos ordinario, dada su capacidad para eludir cada intento de matarlo por pura suerte y emerger como un héroe reacio que debe sucumbir a su despertar contra viento y marea.

La apertura de “Die Hard” puede considerarse una escena poderosa en sí misma. Mientras McClane es llevado a Nakatomi Plaza por su conductor Argyle (DeVoro White), su intercambio nos permite conocer algunos datos breves sobre el tipo de mundo en el que viven. McClane no puede soportar sentarse atrás, por lo que se sienta al frente junto a Argyle, y cuando este último toca “Christmas in Hollis” de Run-DMC, McClane solicita música navideña en su lugar. “Pero esto Él es “Música navideña”, bromeó Argyle, y claramente tenía razón; El tono de la escena inicial y la forma en que se filma este viaje en la cúspide del anochecer, “Duro de matar” se consolida como una película navideña diferenteLa mayor diferencia es que hay algo siniestro acechando en el horizonte.

Muchas otras escenas de la película se pueden volver a ver sin cesar, como cuando McClane se arrastra por un respiradero mientras se da una charla humorística o un salto verdaderamente atrevido al tejado (Que Welles fotografió en su primer día de rodaje) parece ser realista y ficticio a partes iguales. Sin embargo, cuando Semanal de entretenimiento Cuando le preguntaron a Bruce Willis sobre su escena favorita en la película de 2007 “Duro de matar”, el actor destacó un momento poco convencional pero poderoso que define sutilmente a John McClane como un héroe de acción.

La escena favorita de Bruce Willis en Die Hard es más sutil de lo que piensas


John McClane mira a través de una ventana rota en Duro de matar
Estudios del siglo XX

Willis no fue la primera opción para interpretar a MacLaine en Duro de matar, ya que el papel fue rechazado por una serie de estrellas de acción, entre ellas Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone. Del mismo modo, en ese momento, Willis era conocido principalmente por sus papeles televisivos y tenía un papel estable en “Moonlighting” de ABC, pero “Die Hard” lo puso directamente en el centro de atención a pesar de que su actuación provocó reacciones críticas divididas en ese momento. . Sin embargo, la reevaluación de la franquicia “Die Hard” ha traído una nueva apreciación de la serie de películas “Die Hard”. Willis interpreta a MacLaine, interpretando a un héroe poco convencional. Esto ayudó a revitalizar la idea de la película de acción, junto con los riesgos que conllevan programas de este género.

Durante su entrevista con EW, Willis reveló que su momento favorito en “Die Hard” es cuando los ojos de McClane se llenan de lágrimas mientras habla de su ex esposa, Holly (Bonnie Bedelia), subrayando la vulnerabilidad subyacente a la masculinidad sarcástica del personaje:

“Sí, hubo una discusión sobre si MacLean debería llorar o ahogarse cuando hablaba de despedirse de su esposa y recuerdo que hicimos una toma con no y uno, y a todos les encantó la toma que recibí. un poco y pensé que era una escena interesante”.

Como todo buen protagonista, McClane también ha evolucionado a lo largo de los años, y Willis se refirió a esta evolución en la misma entrevista, señalando que la versión de McClane en “Live Free or Die Hard” es una versión mucho mayor y cansada del personaje que ” rebotando en el concreto con un pequeño “Zanj”. Es él mismo en el fondo, por supuesto, audaz y directo, con mucho espacio para la vulnerabilidad, pero en esta entrada es un “policía analógico en un mundo digital” y un poco desconectado de todo lo que sucede en su vida. Sin embargo, MacLean sigue siendo tan duro y motivado como siempre, incluso en casa. La astuta entrada de 2013, Un buen día para morir duro. Yippee ki yay, mamá… bueno, ya sabes cómo va.



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Harry Potter filmó dos versiones diferentes de la escena principal para el público de Reino Unido y Estados Unidos.

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Harry, Ron y Hermione en el Expreso de Hogwarts en Harry Potter y la piedra filosofal
Warner Bros.

¿Sabías que esta parte de la primera película en Franquicia cinematográfica “Harry Potter”. (“Harry Potter y la piedra filosofal”, como se le conoce en Estados Unidos) ¿varía según el país en el que vivas? Si no lo has hecho, no estás solo: los fanáticos de “Harry Potter” se sorprendieron porque nunca se dieron cuenta.

como revista gente Una cuenta de fan en Instagram, que, hay que decirlo, tiene el título bastante formal @harrypotter, habría publicado un clip de la primera película de “Harry Potter” protagonizado por Hermione Granger (Emma Watson), Ron Weasley (Rupert Grint) y Harry Potter Daniel Radcliffe analiza el misterioso objeto que se esconde debajo de una trampilla vigilada en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. En la versión del Reino Unido, Hermione la llama la “Piedra Filosofal”, pero en la versión estadounidense la llama la “Piedra Filosofal”.

Cualquiera que esté familiarizado con los libros que escribió. Joan Kathleen Rowling, la creadora transfóbica de la droga Sabe que sus títulos también varían de un país a otro, y que el público estadounidense fue el único que recibió la palabra “mago” en lugar de “filósofo”. La gente nota que en Estados Unidos un filósofo simplemente estudia filosofía, por lo que la palabra “mago” parece más apropiada; El medio también cita una entrevista de Rowling sobre el cambio. “Arthur Levin, mi editor estadounidense, y yo hemos decidido que las palabras deberían cambiarse sólo cuando consideremos que serían incomprensibles, incluso en contexto, para un lector estadounidense”. Según se informa, Rowling le dijo a Borders Online en 1999 (a través de HP Lexicon).

Entonces, ¿qué hace esta piedra con dos nombres en el universo de Harry Potter?


La piedra filosofal en Harry Potter y la piedra filosofal
Warner Bros.

No importa Qué ¿Cómo se llama esta pequeña piedra mágica? ¿Cuál es su papel? ¿Y por qué es tan especial como para ser el título de la primera parte de la serie “Harry Potter”? Basada en una piedra legendaria “real” que fue muy buscada durante la Edad Media, la versión de Harry Potter de la Piedra Filosofal es que fue creada por un hombre llamado Nicholas Flamel, un mago y alquimista que usó la piedra para crear. un elixir de vida y sobrevivir durante siglos. (Por cierto, también puede convertir cualquier metal en oro, así que, junto con esa vida eterna, realmente puedes tener, realmente rico.)

El motivo de esta pequeña roca Entonces Gran parte de la importancia del primer libro y película de Harry Potter gira en torno al hecho de que el enemigo de Harry, el Señor Oscuro Voldemort, está tratando de regresar… y utiliza al profesor de Hogwarts Quirinus Quirrell como anfitrión para las partes restantes de su libro. El alma que sobrevivió después de que intentó matar al bebé Harry y enfrentó su propia maldición asesina cuando revivió. Albus Dumbledore (Richard Harris) lo sabe y, como resultado, esconde la piedra en lo profundo de Hogwarts para tratar de protegerla, mientras completa enormes tareas mágicas establecidas por los numerosos profesores de la escuela. (El hecho de que tres niños de 11 años puedan realizar estas tareas mágicas con relativa facilidad no habla muy bien del plan de Dumbledore). Harry terminó encontrando la piedra usando el Espejo de Erised, que Dumbledore encantó para darle la piedra. . Para alguien que quería tenerlo pero no usarlo para beneficio egoísta, evitando así que Voldemort volviera a tener todo su poder.

¿Este pequeño pero importante cambio será parte de la serie de reinicios de Harry Potter?


Hermione lanza un hechizo junto a Harry y Ron en Harry Potter y la piedra filosofal
Warner Bros.

Ahora que la serie de reinicio de “Harry Potter” llega oficialmente a Max, el servicio de transmisión de HBO con un nombre tonto, ¿implementará el equipo creativo detrás de la serie este mismo cambio para la primera entrega (presumiblemente la primera temporada)? No conocemos un todo Mucho sobre la serie, pero nosotros el lo hace sé que será Está dirigida por el veterano director de “Succession” y “Game of Thrones”, Mark Mylod.quien dirigirá los episodios y será productor ejecutivo del programa bajo la atenta mirada de su colega de “Succession” Francesca Gardiner (que actuará como showrunner).

Creo que décadas después, cualquier nueva entrega de Harry Potter supondría que el público estadounidense sabía que la Piedra Filosofal no se refería a una roca ordinaria propiedad de alguien que leyera mucho a René Descartes, pero ¿quién sabe? Todavía es muy posible que la serie haga todo lo posible para no confundir a las personas que viven en los Estados Unidos. Han sucedido cosas extrañas. De todos modos, ahora puedes ver la versión americana de esta escena en Peacock.



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La escena más triste de las películas de Monk es un recordatorio de que este personaje desaparecido debería estar en la secuela.

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Este artículo habla sobre el suicidio.

El último caso del Sr. Monk: una película de Monk Incluye una escena en la que Adrian escribe cartas a amigos y familiares mientras contempla el suicidio, lo que es un recordatorio agridulce de que Ambrose debería estar en la secuela. secuela de El último caso del Sr. Monk No se ha confirmado, aunque el elenco y los creadores estarían abiertos a regresar. dado como El último caso del Sr. MonkAl final de la película, Adrian decide volver a trabajar, y reunir a la banda para otra aventura no debería ser difícil, al menos en cuanto a la historia.

A pesar de monjeEl elenco se reunió en 2020 para un episodio web de cuatro minutos sobre cómo Adrien manejó la pandemia, y una reunión adecuada no se produciría hasta dos años después, por primera vez. monje película. 14 años después de los acontecimientos de la temporada 8, El último caso del Sr. Monk Adrián dio uno de sus estados más personales hasta la fecha – La muerte del prometido de su hijastra. Sin embargo, la película se centró no tanto en el caso sino en la salud mental de Adrian Monk. El monje pensó en suicidarse y quiso dejarle una nota a Ambrose.

Ambrose debería estar en el caso final de Mr. Monk 2 si eso sucede

Ambrose Monk es un personaje demasiado notable para ser revisado

Ambrose Monk no se menciona ni se menciona en él. El último caso del Sr. MonkPero se hace referencia a ello al final de la película cuando Adrian escribe cartas a personas importantes en su vida. Una de las cartas de despedida de Monk fue para Ambrose.Es imposible determinar el contenido. Teniendo en cuenta que han pasado casi dos décadas desde la última vez que vimos juntos a Adrien y Ambrose en la pantalla, es difícil imaginar cómo será su relación en 2024.

John Turturro ganó el premio Emmy al actor destacado en una serie de comedia por su primera aparición en una serie de comedia.
monje
.

pero, El último caso del Sr. Monk El reconocimiento de Ambrose sirve como recordatorio de que el personaje de John Turturro debería estar en la secuela si eso sucede. Ambrose no solo es uno de los pocos miembros de la familia que le quedan a Adrian, sino que la secuela debería ofrecer algo diferente y emocionante en comparación con la primera película. Excepto Sharona. no hay mucho monje Personajes que aparecen en El último caso del señor Monk 2 Será tan bueno como Ambrose.

Ambrose era uno de los mejores personajes de Monk aunque no aparecía mucho.

Ambrose tuvo dos episodios dedicados a él en Monk.

John Turturro sólo apareció en tres monje episodios, uno de los cuales fue una celebración del episodio número 100 del programa con breves apariciones especiales de ciertos personajes. aún, Ambrose ha dejado su huella en el programa. Ella es una de las más queridas. monje Personajes. Ambrose era un gran personaje por sí solo, pero también brindó una mirada fascinante a cómo era Adrian años antes de los eventos del programa, incluso cuando era un niño.

Tony Shalhoub como Adrian Monk sobre un retrato rosa del equipo de Monk.

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Monk tuvo muchos episodios maravillosos y queridos a lo largo de sus ocho temporadas. Muchos recibieron elogios de la crítica y varios elogios por el programa.

Ambrose fue escrito para ser similar a un monje en muchos aspectos, desde sus muchos miedos hasta su forma de vestir. Sin embargo, nunca se sintió como un personaje de parodia o un truco. Parte de esto tiene que ver con la actuación de Turturro, ya que el actor ganador del premio Emmy interpreta a Ambrose con dulzura y tristeza al mismo tiempo. Por esto Ambrose Monk tiene un potencial regreso La última película del señor Monk: El caso de un monje La secuela será muy emocionante.

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El final del Pingüino casi tuvo una escena de muerte diferente para Víctor Aguilar

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Colin Farrell como Oswald Cobb en El pingüino
McCall Pollay/HBO

Advertencia: este artículo contiene Grandes spoilers Para el final de temporada de “Penguin”.

¿Todavía te recuperas del momento más impactante del final de “Penguin”? Nosotros también. En un trabajo que es tan implacable Consolidó a Oswald Cobb/Penguin de Colin Farrell como un villano sin posibilidad de redención.Un gángster ambicioso ha llegado a la cima de la cadena alimentaria criminal de Gotham City para siempre al cometer el asesinato más espantoso que jamás hayas visto. Esta no era la primera vez que mataba a alguien, por supuesto, ya que había orquestado la muerte de sus hermanos cuando era solo un niño. Pero considerando lo cercanos que se han vuelto él y su sorprendentemente útil compañero Víctor Aguilar (Renzy Feliz) a lo largo de la serie, matar al pobre niño sin otra razón que mostrar un poco de debilidad emocional fue despreciable en extremo.

Como era de esperar, esto dejó un sabor amargo en la boca de los espectadores, haciendo que muchos se preguntaran exactamente qué ¿Por qué la showrunner Lauren LeFranc decidió terminar el arco de Victor de una manera tan brutal?. Sin embargo, cuanto más nos alejamos del final, más fans aceptarán la serie como una de las mejores series de cómics de los últimos años, a pesar del sorprendente destino de Víctor. Sin embargo, el equipo creativo demostró ser muy comunicativo con el proceso de escritura y, en este caso, no se siguieron los caminos. Según el director de The Batman, Matt Reeves (quien también fue productor ejecutivo de The Penguin), LeFranc inicialmente describió un punto final diferente para Victor. Siempre estuvo condenado a morir, pero las circunstancias originales no podrían haberse desarrollado de la misma manera.

Originalmente, Sofia Falcone había manipulado a Oz para que matara a Víctor.


Oz Cobb y Victor Aguilar en su escena final juntos en El Pingüino
McCall Pollay/HBO

Si bien los esquemas de “El Pingüino” se resolvieron con mucha antelación, cuando Lauren LeFranc le presentó por primera vez su esquema para la serie a Matt Reeves, algunos aspectos terminaron evolucionando a lo largo del proceso de escritura. En una nueva entrevista con reportero de hollywoodReeves dejó caer una pepita interesante sobre cómo Lefranc describió por primera vez la muerte de Víctor. Al final, la elección de Oz se presenta enteramente como suya. En el momento en que Vic comete el error fatal de llamar “familia” a su jefe y revelar su propio afecto, el Pingüino actúa impulsivamente para eliminar esta debilidad y sacarlo de escena por completo. Sin embargo, originalmente esta muerte podría haber sido mucho más trágica, como resultado Sofia Falcone (Cristin Milioti) convierte a los amigos en enemigos. Como explicó Reeves:

“Lo único que fue un poco diferente fue [regarding how] Vic murió. En la visualización inicial, me imaginé cómo se suponía que debía proteger a Vic. [Oz’s mom] Francisco, algo ha ido mal. En el conflicto entre Sofía y Oz, Sofía pudo manipular las cosas de una manera que hizo que Oz se volviera contra Vic. “Eso sería lo trágico”.

finalmente, LeFranc eligió un final que enfatiza las profundidades de la corrupción de Oz – Algo que se habría sentido un poco diluido si hubiera sido manipulado por Sofía. Al elogiar esta idea inicial como “sonaba genial”, Reeves continuó describiendo cómo LeFranc terminó mejorándola:

“Pero luego, a medida que profundizamos más y más, y escribí la escena, cambié un poco el concepto, pero de una manera crítica que creo que la hizo más poderosa, una idea que fue realmente horrible, pero también muy trágico”, que es que Oz necesitaba matar a Víctor porque no podía soportar este nivel de debilidad”.

Para convertirse en el Pingüino, todos los caminos siempre conducían a las mayores malas acciones de Oz. Puedes revivir el trágico final de Víctor y el ascenso de Oz, ya que cada episodio de “El Pingüino” ahora se transmite en Max.



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La icónica escena que salvó a Al Pacino de ser despedido de El Padrino

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Michael Corleone (Al Pacino) sostiene un retrato en la película El Padrino
medios estáticos/persianas

“El Padrino” es una de las mejores películas jamás realizadas, y la historia de su realización se ha convertido en materia de leyenda. Las travesuras detrás de escena de la obra maestra estadounidense de Francis Ford Coppola se han arraigado tanto en la cultura popular que alguien incluso hizo un programa de televisión completo sobre la realización de la película (El programa se estrenará en 2022.). Si eres cinéfilo, probablemente conozcas los detalles: Coppola todavía era un director joven en ese momento y tuvo que luchar duro para mantener su visión específica del proyecto. Al final, Coppola se salió con la suya y “El Padrino” fue un éxito de taquilla y recibió varios premios de la Academia. Pero llegar allí no fue fácil.

Una de las muchas disputas de Coppola con el estudio Paramount tuvo que ver con el casting de la película. Los miembros del elenco de El Padrino son tan buenos que es difícil imaginar a alguien más interpretándolos, pero Coppola tuvo dificultades para convencer a los productores sobre el actor que quería. estos días, Todo el mundo sabe quién es Al PacinoPero cuando “El Padrino” dio el salto de la novela más vendida de Mario Puzo a la pantalla, Pacino todavía estaba en ascenso. Pacino comenzó a hacerse un nombre en el escenario, apareciendo en producciones Off-Broadway. Hizo su debut en la pantalla grande con un papel muy pequeño en “Me, Natalie” de 1969, pero fue “The Panic in Needle Park” de 1971 la que lo ayudó a encaminarse en el camino que lo llevaría a “El Padrino”. Pacino fue nominado al Oscar por su papel de adicto a la heroína en esta película, y aunque esa nominación ciertamente lo ayudó, no lo convirtió exactamente en una estrella. Por eso a Coppola le costó mucho vender al estudio de Pacino el papel de Michael Corleone en El Padrino.

Coppola finalmente lo logró, pero Pacino y el director inmediatamente tuvieron problemas. Pacino estuvo muy cerca de ser despedido de la película. Pacino habla de cómo casi lo despiden de El Padrino en el pasadoY en sus nuevas memorias, “Sonny Boy”, el legendario actor entra en más detalles y revela que filmar una escena específica puede haberle salvado el trabajo.

Al Pacino quería que Michael Corleone fuera un misterio en El Padrino


Al Pacino como Michael Corleone, luciendo duro con la mandíbula rota en El Padrino
Imágenes supremas

En El Padrino, Michael Corleone es el hijo menor del jefe de la mafia Vito Corleone (Marlon Brando). Mientras que los hermanos mayores de Michael, Sonny (James Caan) y Fredo (John Cazale), están involucrados en el negocio criminal de la familia, Michael comienza la película como un outsider, un hecho que a Vito le complace; No quería que Michael fuera parte de su imperio criminal. Por supuesto, todo el mundo sabe lo que está pasando: a medida que avanza la película, Michael acaba inmerso de lleno en el negocio familiar y, al final de la película, se ha convertido en el nuevo jefe del imperio criminal Corleone. La historia es, en última instancia, una tragedia, que sigue al lento deslizamiento de un hombre hacia el libertinaje.

Pacino es un actor que piensa detenidamente en sus personajes, y cuando asumió el papel de Michael Corleone, lo interpretó deliberadamente como una figura ambigua. Como dice en su nuevo libro, “Sonny Boy”, “Todo mi plan para Michael era mostrar que este niño no era consciente de las cosas y no era particularmente carismático. Y mi idea era que se tratara de un chico. Eso era “El poder de esta caracterización era la única forma en que esto podía funcionar: que esta persona apareciera, descubriera sus habilidades y potencial… y al final de la película, esperaba que eso creara un misterio”.

Como resultado de este enfoque, muchas de las primeras escenas que Coppola rodó con Pacino como Michael fueron minimizadas. Hoy en día, cuando la gente piensa en las actuaciones de Al Pacino, tiende a pensar en él gritando a todo pulmón. Pero su trabajo en “El Padrino” fue silencioso. Michael es un hombre tranquilo y, aunque eventualmente se convierte en un jefe criminal, permanece sumiso durante toda la película. La historia ha demostrado que Pacino tenía razón al adoptar este enfoque, pero cuando los jefes de estudio vieron una avalancha inicial de imágenes, quedaron atónitos. El plan de Pacino fracasó y el estudio quería que Coppola le diera una carta rosa.

Francis Ford Coppola filmó la escena del restaurante en El Padrino.


Al Pacino como Michael Corleone, con el ceño fruncido durante la escena del restaurante en El Padrino.
Imágenes supremas

Como cuenta Pacino en Sonny Boy, unas semanas después del rodaje, Coppola lo convocó a una reunión y le dijo sin rodeos: “No vas a lograrlo”. Pacino se recostó y observó algunos estallidos de su actuación. “Fui a la sala de proyección al día siguiente”, dice Pacino en su libro. “De hecho, me habían advertido que podría salirme de escena. Y cuando miré las imágenes, todas las escenas del principio de la película, me dije: 'No creo que haya nada espectacular aquí'. No sabía qué hacer con esto, pero el efecto fue definitivamente el que quería y no quería ver.

En otras palabras, Pacino sintió que estaba haciendo exactamente lo que tenía que hacer por el personaje, pero los peces gordos del estudio estaban decepcionados. Se rumorea que Coppola tomó el asunto en sus propias manos y cambió el calendario de rodaje de la película para filmar escenas más orientadas a la acción.. Pacino dice en su libro que Coppola niega haberlo hecho intencionalmente, diciendo: “El jurado no decidió si lo hizo intencionalmente, y el propio Francisco negó que lo hubiera arreglado para mi beneficio…” independientemente de si fue intencional o no. No, Coppola decidió llevar el rodaje de la ahora famosa escena del restaurante a un nivel superior.

Esta escena indica el verdadero comienzo del giro de Michael hacia el crimen. En este punto de la película, el padre de Michael, Vito, ha sobrevivido a un intento de asesinato organizado por el jefe de la mafia rival, Sollozzo (Al Lettieri). Se arreglan las cosas para que Michael se reúna con Sollozzo y un policía corrupto llamado McCluskey (Sterling Hayden). El concepto es que, dado que Michael es un extraño (o “civil”, como se dice en la película) y no está involucrado en el negocio familiar, la reunión será segura. Pero Michael, que quiere venganza, planea matar a los dos hombres a sangre fría.

La escena del restaurante El Padrino salvó el trabajo de Al Pacino


Michael Corleone dispara a McCloskey en El Padrino
Imágenes supremas

Es una escena explosiva y violenta, y también es un gran escaparate para Al Pacino. Es comprensible que Michael estuviera nervioso durante toda la reunión: nunca antes había matado a nadie. La escena crece y crece, y hay momentos en los que Coppola y el director de fotografía Gordon Willis mantienen la cámara fija en el rostro de Pacino mientras espera el momento adecuado para disparar. Pacino actúa mucho con sus ojos aquí: podemos sentir los engranajes girando en su cabeza a medida que la tensión se vuelve casi insoportable. Entonces, finalmente, Michael aprovechó su oportunidad, literalmente. Le dispara a ambos hombres en la cabeza, deja caer el arma (algo que le aconsejaron hacer, aunque es un buen toque, hay una fracción de segundo en la que parece que se olvidará de seguir estas instrucciones y se llevará el arma con él) y se va. justo cuando comienza la ya famosa partitura musical de Nino Rota.

Si bien está en debate si Coppola movió o no el rodaje de esta escena para salvar el trabajo de Pacino, ese es exactamente el efecto que finalmente tuvo. Como dice Pacino en “Sonny Boy”:

“Debido a esa escena que acabo de hacer, me mantuvieron en la película. Así que no me despidieron de El Padrino”. Seguí haciendo lo que hacía… Tenía un plan, una dirección que realmente pensé que era el camino a seguir con este personaje y estaba seguro de que Francis sentía lo mismo.

Vale la pena señalar que Pacino no hizo nada diferente; Continuó interpretando al personaje de la misma manera que lo había hecho desde el principio. Pero claramente la intensidad de la escena del restaurante ayudó a señalar que su enfoque estaba en lo cierto. Al final, todo valió la pena: “El Padrino” se convirtió en un gran éxito y un fenómeno cultural que todavía es bienvenido hasta el día de hoy, y Pacino volverá a interpretar a Michael tanto en “El Padrino II” como en “El Padrino III”. “.



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¿Por qué Tina Louise se negó una vez a filmar la escena de la isla de Gilligan?

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Tina Louise dibuja tres en la isla de Gilligan
CBS

El estereotipo del actor como cantante es exagerado. La mayoría de los actores son absolutamente profesionales y, en ocasiones, caen presa de un ataque de mal humor o de un sentimiento de no ser apreciados; es decir, son como todos los demás en el planeta. La mayoría de las veces, quieren hacer aquello para lo que fueron contratados: memorizar sus líneas, estudiar su carácter (tanto como haya carácter que estudiar), obtener sus calificaciones, básicamente ser lo mejor que puedan ser y llamarlo un día. Preferirían no ser miserables, lo que significa que no quieren hacerle la vida imposible a nadie más.

Pero este estereotipo no surgió de la nada. No es un invento de tela. No, estoy aquí para decirte que los monstruos son reales. De hecho, Marlon Brando se negó a memorizar sus líneas en un momento de su carrera, prefiriendo ensuciar el set con trozos de papel (a veces pegados a otros actores) para poder descifrarlos a medida que avanzaba en el proceso de bloqueo (no estaba muy preparado). para “Apocalypse Now” (tanto es así que Francis Ford Coppola tuvo que detener la producción durante una semana y hablarle personalmente sobre su papel). Nicol Williamson se sumergió tanto en interpretar el papel de John Barrymore durante la producción de Broadway de “I Hate Hamlet” que golpeó a su coprotagonista Evan Handler en el trasero con su espada. Luego está el último trabajo de Joaquin Phoenix, El sorprendente abandono de la última película de Todd Haynes – Un proyecto que la estrella desarrolló con el director, cuya partida dejó repentinamente a todo el elenco y equipo sin trabajo.

¿Era el desconocido paraíso tropical de la isla de Gilligan un refugio seguro contra tal comportamiento? Así no, no. No con Tina Louise.

Tina Louise y el secreto del vestidor gris


Tina Louise canta en la isla de Gilligan
CBS

Según Russell Johnson en sus memorias “Aquí en la isla de Gilligan” Hubo algunos momentos difíciles en el set de la clásica comedia de situación, que en ocasiones requirieron la intervención del showrunner Sherwood Schwartz. Una de esas rupturas menores involucró a Louise, quien tal vez tomó una página del libro de Williamson, profundizando un poco más en el personaje como la estrella de cine mimada Ginger (Que técnicamente no creaste). Según Schwartz, Louise puede tener pensamientos un poco vagos. Tenga esto en cuenta cuando cuente esta historia:

“Una vez, Tina se negó a hacer una escena, por qué razón no sé. Tuve que intervenir para que todo siguiera funcionando. Así que fui a su camerino, donde ella se había aislado, y le pregunté cuál era el ¿Importa? El problema fue que ella me dijo: 'Esta puta escena, y no quiero hacer eso'. Le señalé que era una escena completa y que debía hacerla sin ritmo, y ella me dijo: '¿Puedes pintar el vestidor de gris?'

¿Qué pasó aquí? Al parecer esto es suficiente para que Louise se sienta escuchada sobre la escena. Se puso frente a las cámaras y filmó su papel como una profesional total: conocía sus líneas, no golpeó a nadie y respetó su contrato. distinto.



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Esta escena de Expendables 2 hizo que toda la franquicia de 840 millones de dólares valiera la pena

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Una escena de cuatro minutos llena de acción de… Consumible 2 Este es posiblemente el punto culminante de toda la serie. mientras Objetos gastables de suministro Las películas cuentan con muchas de las mejores estrellas de acción de todos los tiempos, y no todas las películas fueron amadas en su estreno. Por ejemplo, la cuarta película de la serie, Gastar4bleslanzado casi una década después de la tercera entrada, fue odiado por la mayoría de los fanáticos y críticos. Gastar4bles Recibió excelentes críticas y Tiene una puntuación de Rotten Tomatoes de sólo el 14%. Por otra parte, el Consumible 2 Es la película mejor valorada de toda la serie.

Consumible 2 Ampliado sobre la primera película en todos los sentidos. Además de estrellas como Sylvester Stallone, Jason Statham, Bruce Willis y Dolph Lundgren, Consumible 2 Trajo a Arnold Schwarzenegger (que anteriormente sólo había hecho un breve cameo en la primera película). Objetos gastables de suministro Película) y Chuck Norris. Por lo tanto, Consumible 2 Definitivamente es la entrada más estrellada de la serie.y fue un placer ver a todos los actores reunirse para la escena del aeropuerto llena de acción.

La escena del aeropuerto en The Expendables 2 es de lo que se tratan estas películas

durante el pico Consumible 2, El equipo se enfrenta al antagonista de la película, Jean Vaillant (Jean-Claude Van Damme).líder del grupo terrorista Sangh. Stallone, Schwarzenegger, Willis, Norris, Statham y los demás interceptan a Phelan en el aeropuerto mientras intenta transportar plutonio. el Consumible 2La escena del aeropuerto presenta a todas las estrellas de acción legendarias mostrando sus habilidades, junto con otra estrella de acción importante interpretando al villano. Dispararon a docenas de matones de Phelan mientras lo perseguían por el aeropuerto.

De todas las escenas de acción Objetos gastables de suministro serie, esta escena del aeropuerto está a la altura de lo mejor de la promesa original de Stallone Objetos gastables de suministro Franquicia: Reunir a las estrellas de acción más importantes de todos los tiempos en películas llenas de acción. Mientras que diferentes actores siempre se sumaban Objetos gastables de suministro A lo largo de la franquicia, muchas personas han argumentado que algunas películas, específicamente la cuarta, no estuvieron a la altura de la publicidad de Stallone en absoluto. Por lo tanto, Es genial que Consumible 2 Consigue reunir a grandes nombres y, al hacerlo, entretener al público de todo el mundo..

The Expendables 2 se parece a los héroes de acción de los Vengadores de los 80

Las Estrellas De Los Mercenarios 2 son las películas de acción que dominaron los años 80

Muchas estrellas diferentes aparecen todo el tiempo. Objetos gastables de suministro serie. Sin embargo, de todas las películas, Consumible 2 Parece más dedicado a crear una película coral protagonizada por las estrellas de acción más importantes de la década de 1980.. El equipo de los Vengadores de los 80 está formado por Stallone, Schwarzenegger, Willis y Norris y esa es probablemente la razón principal. Consumible 2 A menudo se considera la mejor película de la franquicia. La química entre los personajes de esta película es incomparable y muy nostálgica para los espectadores que crecieron con estos actores.

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Chuck Norris casi obligó a The Expendables 2 a ser PG-13 (por qué falló)

Una de las condiciones de Chuck Norris para aparecer en The Expendables 2 fue que fuera PG-13; Por este motivo su estado fue posteriormente ignorado.

En la década de 1980, Stallone era una de las estrellas más importantes del mundo con dos grandes franquicias: rocoso y rambo. Asimismo, Schwarzenegger abandonó el mundo del levantamiento de pesas competitivo para trasladarse a Hollywood y protagonizar películas de acción como… acabador, Conan el Bárbaroy depredador. Norris también protagonizó numerosas películas de acción y artes marciales a lo largo de la década de 1980, y Willis se unió a la lucha en 1988 con su propia película de éxito. Morir duro. Por lo tanto, Consumible 2 En realidad, presenta a las principales estrellas de acción de los años 80, lo que lo convierte en un emocionante tributo a la década.

Algunas de las mejores escenas de The Expendables provienen de la segunda película.

The Expendables 2 no se detuvo en su trabajo

Además de la emocionante escena del aeropuerto, en ella se encuentran muchas de las mejores escenas de acción. Objetos gastables de suministro La serie proviene de la segunda película. mientras La mayor parte de la escena del aeropuerto se centra en el trío de Stallone, Schwarzenegger y Willis.Otras escenas de acción de la película destacan a diferentes miembros del elenco. Por ejemplo, durante la escena al principio. Consumible 2Jet Li se queda sin municiones en la cocina, por lo que debe luchar contra varios enemigos usando solo ollas y sartenes. Este es otro momento notable de la película, especialmente porque Lee no aparece en muchas películas de acción estadounidenses.

La batalla final entre Barney y Villan es una de las mejores escenas de pelea individual de toda la serie.
Consumible 2
a un resultado satisfactorio.

Después de que Stallone deje atrás al resto del equipo durante la batalla en el aeropuerto, se enfrentará a Van Damme interpretando a uno de los villanos icónicos de la película. Objetos gastables de suministro privilegio. La batalla final entre Barney y Villan es una de las mejores escenas de pelea individual de toda la serie. y trae Consumible 2 a un resultado satisfactorio. Todas estas grandes escenas crean una película llena de acción y muestran por qué. Consumible 2 Es la entrada más fuerte de la serie.

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Momentos intensos de la segunda temporada de Arcane Team Hypes y la emoción de la última escena de VI & Jinx

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misterioso Este mes regresa la segunda y última temporada, que se mostrará en Netflix en tres capítulos. Cita League of Legends Esta serie se centra en las dos hermanas Fiolite (Hayley Steinfield) y Boder (Ella Burnil), donde terminan en dos partes en lo opuesto de un conflicto cada vez mayor entre la rica y virtuosa ciudad de Peltof. Al final de la primera temporada, el polvo se convirtió en el favorito de los fanáticos. League of Legends Personalidad Jinse.

misterioso La primera temporada refuerza la posición de Netflix como empresa líder en concesiones de juegos con fenómenos culturales animados. La serie animada para adultos fue elogiada a nivel mundial como uno de los mejores programas de televisión de 2021 y también ganó cuatro premios Primetime Emmy (2022), incluido el programa de animación distinguido: la primera serie fluida en ganar este premio. El último capítulo de misterioso La primera vez se muestra en Netflix en tres obras diferentes: el primer capítulo el 9 de noviembre, el segundo capítulo el 16 de noviembre y el tercer capítulo el 23 de noviembre.

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La segunda temporada de Arcane establece un gran récord en animación antes del primer programa

La segunda temporada de ARCANE logra un gran récord en animación antes de su primer programa, ya que la serie de televisión Legends hace historia antes de sus episodios finales.

pantalla SRANT Tuve una entrevista con Elien Thomas (Amba Midarda), Red Shannon (Eco), Make Winjrt (Heimardigger), Princess Van (Civica), Brett Taker (Singh), Cristian Link (producto innovador/ejecutivo) y Amanda Overton (escritora). ) en caña. La primera oferta de la alfombra. misterioso Segunda temporada. Están molestos por lo que los fanáticos pueden esperar la próxima temporada y también revelan lo que les encanta de la primera temporada. Actores y creadores también explican qué es un icónico misterioso Y la frase “al buscar alcanzar lo grande, fallamos en el bien”, significa para ellos.

La última escena de Vi y Jinx juntos fue la misteriosa luz guía del libro desde el principio.

“Escribimos su última escena juntos hace seis años. Nunca ha cambiado. Nuestra estrella del norte ha permanecido, y nuestra luz guía para toda la serie, durante su creación.

Screen Rant: ¿Qué puede despertar su interés en la segunda temporada?

Amanda Overton: Al final, apenas hay un timbre por el que no lloro por una razón u otra, pero soy una persona feliz que llama. Entonces hay al menos dos anillos llorando a la vez. Hay algunos de ellos que tal vez tengan que mirar hacia otro lado. Es muy triste verlo una y otra vez. Pero para mí, esto es si puedes captar una amplia gama de sentimientos, expresar sentimientos de esta manera, como escritor, novelista, y estás haciendo tu trabajo.

Screen Rant: ¿Hay algo que te guste del viaje de las hermanas?

Amanda Overton: Los amo mucho. Lo que puedo decir es que por la forma en que escribimos esta escena, creo que escribimos la última escena juntos hace seis años. Nunca ha cambiado. Nuestra estrella del norte y nuestra luz guía para toda la serie permaneció durante toda su creación. Creo que todo lo que giró, cambió y agregó a la cadena la hizo más poderosa. Y estoy emocionado.

Fuente: Screen Rant Plus

La animación de la segunda temporada de Arcane se ha vuelto más grande que la animación de la primera temporada.

“Desde el punto de vista visual, me gustaría decir que la segunda temporada es más alta que la primera en el campeonato de liga”.

Screen Rant: ¿Qué puedes emocionar para la segunda temporada?

Christian Link: En cuanto a la animación, definitivamente llegamos a un nivel mayor. La primera temporada contenía muchos conceptos básicos de construcción y aspectos técnicos y garantizaba que seamos capaces de hacer estas cosas bien. La segunda temporada, podemos soñar con un sueño mayor, por así decirlo. Por tanto, desde un punto de vista visual, me gustaría decir que la segunda temporada es superior a la primera temporada en los campeonatos de liga.

Screen Rant: Una de mis frases favoritas de la primera temporada de Arcane es: “En la búsqueda de lo grandioso, no logramos hacer el bien”. ¿Qué significa esta línea para ti?

Christian Link: Es gracioso poner esta línea. Creo que es fácil dejarse seducir o distraer por las cosas brillantes. Es fácil centrarse únicamente en grandes explosiones y maravillosos efectos cinematográficos. Creo que se trata de una historia maravillosa y grandes personajes, y realmente estamos tratando de hacerlo. Si lo logramos o no, nuestros fans nos lo dirán de una manera inolvidable.

Nuestros fanáticos dicen, veré después de esta noche si necesitan esconder o proteger a los testigos, pero realmente creo que deberían ser buenas historias. De lo contrario, todos los efectos visuales no hacen nada.

Fuente: Screen Rant Plus

Brett Taker sintió la tremenda presión por llegar a lo más alto de la primera temporada de Arcane

“Debo asistir a mi primer partido de la segunda temporada”.

Screen Rant: ¿Qué significa para ti que los fanáticos acogieran mucho la primera temporada?

Brett Taker: Es mucho, ¿sabes a qué me refiero? Es sorprendente y claro. Es sólo positivo. Fue increíble, especialmente teniendo en cuenta el momento en que estábamos trabajando en la primera temporada, incluso antes de eso. Recuerdo que obtuve los detalles del personaje. Ha pasado mucho tiempo. Así que ver la respuesta fue sorprendente. Pero también verlo desde la distancia, viendo la forma en que los fans interactúan entre sí y los involucran. Es genial. Pero entonces, bueno, debo traer mi primer juego para la segunda temporada. La presión continúa, ¿sabes a qué me refiero? Tienes que apoyarlo.

Fuente: Screen Rant Plus

Amira Van agradece a Civica por representar a todas las mujeres fuertes de su vida

“Todos los personajes que interpreto son mujeres hermosas”.

Screen Rant: ¿Qué significa para ti que los fanáticos acogieran mucho la primera temporada?

Amira Van: Creo que Christian y Alex hicieron un gran trabajo. El equipo creativo estaba formado por genios. Es su hijo. Me complace ser parte de ello e interpretar un personaje tan fuerte. Representa a todas las mujeres fuertes de mi vida.

Screen Rant: ¿Es este el lugar de donde deriva la inspiración?

Amira Van: Siempre. Cada persona que interpreto son mujeres muy hermosas.

Fuente: Screen Rant Plus

Todos están a punto de recibir lo que les espera en la segunda temporada de ARCANE, según Make Winjart

“Prepárense para que todos asuman las consecuencias de sus decisiones”.

Screen Rant: ¿Qué puedes plantear? misterioso ¿Temporada 2?

Mick Winjar: La forma en que plantearé la segunda temporada es prepararme para que todos paguen las consecuencias de todas sus opciones. Esto debería ser sorprendente en sí mismo porque se tomaron algunas decisiones muy dramáticas en la primera temporada. Todo, desde Heimerdinger del Consejo hasta Heimerdinger con Ekko, pasando por el comportamiento de Jinx al final de (alerta ardiente para la primera temporada), el comportamiento de Jinx al final de la primera temporada, las acciones de VI, Caitlyn, todos alcanzan su punto máximo y todo es importante. No se perdió nada y no podía esperar hasta que los fans lo probaran. El siguiente nivel será.

Fuente: Screen Rant Plus

Ellen Thomas no se parece a su misteriosa personalidad.

“Tuve la oportunidad de ser el más fuerte, el más fuerte y el más feroz”.

Screen Rant: ¿Qué es lo que más te emociona explorar en la segunda temporada de Arcane?

Elien Thomas: Cómo estropear el poder. De verdad, en serio, lo pasamos genial. Creo que ese fue un punto de inflexión para mí. Aunque todavía la amo.

Screen Rant: ¿Cómo entras en la mentalidad de Mubaisa?

Ellen Thomas: Dios mío. Estoy guiando porque no lo soy, y tengo la oportunidad de ser el más fuerte, el más fuerte y el malvado. Porque en la vida real no estoy cerca de eso.

Fuente: Screen Rant Plus

Red Shannon estaba emocionada de explorar las debilidades de Ekko en la segunda temporada de Arcane

“Es agradable ver este aspecto y verlo un poco obsesionado y es realmente tal como es”.

Screen Rant: ¿Cuáles son las reacciones de los fans? misterioso ¿La temporada 1 te refieres a ti?

Reed Shannon: Fue hermoso. De hecho, estuve hablando con mi amiga sobre ese día, porque preparar la segunda temporada tomó mucho tiempo, pero para saber la cantidad de personas que se enamoran de la serie con el tiempo. Vi a alguien tuiteando la semana pasada. Decían: “Lo acabo de ver por primera vez”. No podía esperar tres años para esto.

Screen Rant: ¿Qué fue lo que más nos emocionó explorar en la segunda temporada?

Red Shannon: Más sobre las debilidades de Eco. ¿usted sabe lo que quiero decir? Simplemente comprende la razón por la que hace las cosas que hace y cómo se siente al respecto. Es un hombre fuerte todo el tiempo, o intenta serlo, así que es bueno ver este aspecto de él y verlo un poco obsesionado y realmente es tal como es.

Fuente: Screen Rant Plus

Más sobre la misteriosa temporada 2

Los eventos de Arcane están ubicados en el mundo de Legends y se centran en las dos hermanas Violet y Powder (más tarde Jinx), donde terminan en dos lados opuestos de un conflicto cada vez mayor entre la rica y virtuosa ciudad de Piltover y sus Ciudad oscura cuyos ciudadanos quieren separarse de su opresión.

Serie de animación, basada en League of Legends y una de las series de animación más exitosas de Netflix, escrita por Christian Link y Alex Yi. Los productores ejecutivos incluyen a Link, Mark Merrill y Brandon Beck. Animation Studio es Fortiche Production.

Los votos incluyen a Haley Steinfield (VI), Ayla Burnil, the Genix (Jennx), Katie Lyong (Kaitlin), Raid Shannon (Eko), Princess Van (Civica), Make Winjrt (Heimenneger), Eline Thomas (Ambea) y Brett. . Taker (Singh) será anunciado entre otros. Fortiche dirigió y produjo la animación bajo la supervisión de los fundadores Pascal Sharo y Arno Delward.

El último capítulo de misterioso Se muestra por primera vez en Netflix en tres obras distinguidas.:

  • El primer capítulo el 9 de noviembre.
  • Capítulo dos el 16 de noviembre
  • Capítulo tres el 23 de noviembre

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