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La estrella de The Last Dance, Tom Hardy, y el director Kelly Marcel analizan el proceso de narración de Symbiote.

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La estrella de Venom: The Last Dance, Tom Hardy, y el director Kelly Marcel, echan un vistazo a la tercera y última historia de Eddie Brock en el universo Spider-Man de Sony.

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Hace 10 años, el thriller policial del director Jake Gyllenhaal fue robado en los Oscar

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“Nightcrawler” de Dan Gilroy está diseñado para hacerte sentir enfermo fácilmente. Cuando se presenta por primera vez al ladrón Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), la incomodidad que provoca proviene de la desesperación con la que el capitalismo de última etapa se ha arraigado en nuestras almas y de cómo nos lleva por caminos desagradables. Sin embargo, una vez que Bloom empeña una bicicleta robada a cambio de una cámara de video, y nos vemos obligados a diseccionar escenas de crímenes violentos y extremos con él, se revela el verdadero y aterrador corazón de Nightcrawler. Bloom no solo se ve obligado a tomar medidas moralmente aborrecibles para asegurar su supervivencia, sino que también tiene sed de estas transgresiones, como lo demuestra su mirada implacable y con los ojos muy abiertos, que Gyllenhaal inviste con una intensidad inquietante que le da a Nightcrawler su color inquietante. . Es una experiencia que cobra vida sólo gracias a él, y Gyllenhaal lleva esa carga a través de la dirección. Una actuación inquietante y que define su carrera Esto es algo preciso y profundamente sentido en nuestros huesos.

Gyllenhaal no es un prodigio cuando se trata de interpretar papeles que exploran matices similares. Su turno también El extremadamente meticuloso y obsesionado detective Loki en “Prisioneros” Aparece como contraste para Lou Bloom, mientras abraza el funcionamiento interno de un novelista de venganza en la brillante “Animales nocturnos”. El mejor ejemplo del alcance del actor es su actuación en Brokeback Mountain, por la que recibió una nominación al Mejor Actor de Reparto en los Premios de la Academia de 2006. Sin embargo, este es el único caso en el que Gyllenhaal estuvo cerca de llevarse a casa un Oscar, lo cual es desconcertante. , Como mínimo, Nightcrawler solo recibió una nominación a Mejor Guión Original, aunque el discurso crítico que rodea a la película se centra en gran medida en la memorable actuación de Gyllenhaal, que ancla todo lo demás que el impresionante debut como director de Gilroy tiene para ofrecer.

A Gyllenhaal, como dicen los niños, le robaron en los Oscar con respecto a esta actuación en particular, pero nunca es demasiado tarde para abordar el legado que dejó Nightcrawler y lo que tiene que decir sobre los abominables peligros del capitalismo y el capitalismo. Su relación directa con prácticas periodísticas poco éticas que anteponen el impacto a la verdad sin adornos.

Hay algo deliberadamente repugnante en Nightcrawler

Lo más terrorífico de la película es el propio Bloom, nuestro Nightcrawler, que vuelve a la vida en la oscuridad como una especie de antivigilante dispuesto a documentar, manipular e incluso sensacionalizar escenas de crímenes que se venderán por una considerable suma de dinero una vez vendidas. Después de ver a otro fotoperiodista independiente en acción, Bloom retoma la profesión de la noche a la mañana, sintiéndose inquietantemente a gusto mientras busca accidentes horribles o robos para fotografiar. Al principio, actúa como un espectador neutral que simplemente busca esa emoción enfermiza, pero después de una conversación con la directora de KWLA, Nina Romina (Rene Russo), Bloom se da cuenta de que el juego es más sucio de lo que inicialmente imaginó. Cuanto más horribles son las imágenes, mayores son las calificaciones, especialmente cuando los crímenes ocurren en vecindarios específicos (en su mayoría blancos, de clase alta para ser precisos) y tienen algún tipo de toque espantoso.

La objetividad ya no es un elemento de la mirada voyeurista de Bloom, ya que debe manipular y manipular la escena del crimen lo suficiente para mantener la crueldad que requieren los canales de noticias que la transmiten. Retener información se vuelve clave para obtener ganancias aquí, ya que los deseos oportunistas y la deshonestidad van de la mano para un hombre que no tiene casi nada que perder, excepto su deseo de consumir el próximo subidón extremo que se traducirá en dinero. “Si sangra, lidera”, es el eslogan más feo, alentado por administradores de canales como Romina, a quienes les importa poco la verdad mientras persiguen ratings que son resultado directo de un sesgo de confirmación tóxico.

Cada relación en “Nightcrawler” está teñida de cautela e inherentemente transaccional: incluso Rick (Riz Ahmed), financieramente desesperado, no es más que un peón de Bloom una vez que lo contrata para trabajar como asistente y lo deja por muerto después de que Rick lo chantajea para retener una información. De las autoridades. No hay amistad social en este mundo, donde sólo se permite que exista la forma más repugnante de competencia despiadada creada por la economía y el sistema de difusión de información colapsados.

Le Bloom de Gyllenhaal nos pone de los nervios por una razón

El sombrío mundo de “Nightcrawler”, impulsado por una agenda. Se siente constantemente inmerso en la oscuridad, incluso durante el día, como si el calor del sol se atenuara y no pudiera alcanzar a alguien como Bloom, que permanece desconectado de todo lo agradable y auténtico. Si nos basamos en su punto de vista, Bloom no puede darse el lujo de agonizar por estos suaves sentimientos, ya que su inquietante desesperación lo ha mantenido con vida hasta ahora, por lo que confiar en instintos tan desagradables es una segunda naturaleza para él.

El director de fotografía Robert Elswit infunde una sensación de belleza satisfactoria en cada escena en la que aparece Bloom, y nos vemos obligados a seguir su mirada y vivir en ella, ya sea cuando captura las secuelas de un horrible accidente automovilístico o las últimas palabras de un moribundo. hombre. Traicionó voluntariamente. Los resultados son inquietantes, y ese es el punto, ya que las imágenes de la escena del crimen no son las de un espectador no involucrado, sino las de un voyeur involucrado que se deleita en su capacidad para torcer y distorsionar la verdad.

A medida que el trabajo de Bloom gana más atención, desarrolla una inclinación por el poder, y este hambre desplaza gradualmente la necesidad de supervivencia, especialmente cuando se da cuenta de que puede salirse con la suya con sus acciones inmorales siempre y cuando los corruptos administradores del canal continúen alimentando sus impulsos compulsivos. . Cuando Bloom obliga a Romina a ofrecer favores sexuales a cambio de imágenes del crimen más “sofisticadas”, no se trata sólo de una agresión sexual, sino de una afirmación despiadada de una dinámica de poder invertida, ya que quiere demostrar que puede imponer la autoridad. Forma en el cumplimiento de sus órdenes. Gyllenhaal interpreta estas escenas con el mismo regocijo demacrado y con la mirada vacía que adopta mientras se arrastra por la noche, creando un retrato deliberadamente repugnante de un hambre parasitaria alimentada por el capitalismo que nunca desaparece. Es realmente extraño que no haya obtenido una nominación por una actuación tan grandiosa.

La película no termina con Bloom recibiendo su merecido o tropezando con alguna dolorosa fantasía sobre su falta de motivación moral: en cambio, vemos a Bloom prosperar incluso después de haber sido interrogado, donde las autoridades no tienen la evidencia necesaria para probar su culpabilidad. . Lo que Bloom está haciendo es expandir su red maliciosa contratando subordinados para que cumplan sus órdenes, y esta red de explotación en expansión refuerza la horrible realidad de las empresas que se benefician de la desesperación y la demanda, creando un ciclo interminable de mentiras y engaños. Esto también garantiza que las cámaras de eco basadas en prejuicios sean mantenidas y validadas por lo que se transmite como la verdad, con las minorías oprimidas recibiendo la peor parte mientras haya personas como Lou Bloom cerca.


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La serie de televisión God Of War ha contratado a la leyenda de Star Trek, Ronald D. Moore, como nuevo director de la serie.

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Toma tu hacha Leviatán y disfruta de la música de Bear McCreary, porque el veterano escritor de Star Trek y Battlestar Galactica, Ronald D. Moore, acaba de ser elegido para dirigir la sala de escritores y ser productor ejecutivo y escribir para la nueva franquicia de Sony. Serie de televisión de Prime Video/Amazon MGM Studios “God of War” según El tiempo de entrega. Para los que erais fans de la serie de videojuegos del mismo nombre, aclaremos ya una cuestión legal: esta nueva serie está prevista que se base en La versión reiniciada del juego en 2018.que se inspira en la mitología nórdica en lugar de la serie de juegos original publicada entre 2005 y 2013, que se basó en la mitología griega.

Eso no quiere decir que la mitología griega esté completamente descartada, por supuesto, porque el juego de 2018 todavía ve al mismo personaje héroe/jugador Kratos unos 150 años después de “God of War III” de 2010, y esta versión de televisión podría tener una apariencia muy similar. personaje. Una dramática historia de lucha contra los dioses griegos en una misión de venganza. Todo este material parece funcionar a favor de Moore, ya que el prolífico gurú de la televisión ha abordado varios elementos de la mitología de la Tierra en sus trabajos anteriores para “Star Trek: The Next Generation”, “Star Trek: Deep Space Nine” y “Star Trek”. : Espacio Profundo Nueve.” “. “Battlestar Galáctica”. Esta última serie en particular puede indicar la dirección que Moore podría tomar en “God of War”, ya que “BSG” y “GoW” comparten temas similares de padres e hijos. Sin embargo, la noticia es un avance emocionante como resultado del reciente acuerdo de Moore con Sony Pictures Television, la productora con la que ha desarrollado otras dos exitosas series: “forastero” y “Por toda la humanidad” Ambos tienen su propia subserie y están listos para llegar a las pantallas pronto.

¿God of War estará más orientado a la acción o al drama?

A partir de este momento, no está claro hacia dónde pretende Moore llevar “God of War” como serie. No es ajeno a adaptar material de ciencia ficción/fantasía preexistente, dado lo que tiene. Historia con “Viaje” “Battlestar” y “Outlander”, así como la antología “Philip K. Dick’s Electric Dreams”. Si “God of War” se desarrolla como una característica, es casi seguro que se centrará en gran medida en la historia del juego hack-n-slash. Dado que “God of War” de 2018 es una historia más emotiva y reflexiva de un padre y un hijo (aunque aparentemente sigue siendo un juego de acción con elementos de rol), tal vez sea esta confusión de enfoque lo que llevó a “God of War” a perder la serie. Su equipo creativo inicial está formado por el showrunner Rafe Judkins y los productores ejecutivos Hawk Ostby y Mark Fergus. El trabajo de Moore, en general, tiende a ser más reflexivo y centrado en los personajes que centrado en grandes escenas de acción, y es posible que este cambio indique que la serie se está moviendo en esa dirección.

Sin embargo, también es posible que Sony/Amazon estén buscando diferenciar esta serie de otras próximas series de Netflix con un tema similar: “Barbaric” está dirigida por Michael Bay y, según todos los indicios, parece que se centrará en gran medida en la acción. Incluso si Moore y su equipo buscan hacer su propio “God of War” con más profundidad que la oferta de Bay, es seguro decir que su serie conservará algunas de las batallas más intensas del juego. Quizás este cambio de enfoque alinee el programa con otro videojuego que ha sido elogiado por su profundidad, The Last of Us de HBO Max. Independientemente de lo que terminen haciendo Moore y compañía, el showrunner es una muy buena persona por la que apostar cuando se trata de éxito en la pantalla chica. Al igual que el propio Kratos, Moore sabe cómo planificar a largo plazo. Veremos si lo vuelve a hacer cuando “God of War” llegue a Prime Video en un futuro próximo.


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Iloanusi asume el cargo de director general interino de la NRC

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La Corporación de Ferrocarriles de Nigeria (NRC) consiguió el fin de semana un nuevo líder con su ex Director de Adquisiciones. Ben Ilonosi asume el cargo de nuevo director general interino del principal organismo de gestión ferroviaria del país.

Iluanusi ha estado al frente de Adquisiciones desde 2019 y reemplazó al Director General saliente, Vidit Okheria, quien completó sus dos mandatos de cuatro años el viernes 18.y Octubre.

Una declaración electrónica del director adjunto de Relaciones Públicas del Consejo Noruego para los Refugiados, Yaqoob Mahmud, reveló que Ilonosi, director ejecutivo senior de la organización, asumió desde entonces el cargo de director general interino.

El nuevo Director General del Consejo Noruego para los Refugiados es licenciado en Ciencias Políticas por la Universidad de Nigeria, Nsukka, y Máster en Administración de Empresas (MBA) en Gestión Internacional por la Universidad South Bank de Londres, Reino Unido.

Mahmood señaló que Okheria expresó su gratitud a todo el equipo de NRC por su apoyo durante su mandato como Director General e instó al personal a extender la misma cooperación y comprensión a su sucesor.

En respuesta, Ilonosi pidió apoyo para el personal de la NRC y agradeció las críticas constructivas para ayudar a avanzar a la organización.

Expresó su compromiso de liderar eficazmente la empresa durante este período de transición.

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La futura película Star Trek 31 ambientada después de 2025 recibe una respuesta entusiasta del director: 'Hay un millón de historias'

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Star Trek: Sección 31 El director Olatunde Osunsanmi dio una respuesta entusiasta sobre el futuro de la película después de 2025 mientras hablaba de ella en la Comic Con de Nueva York. Próximo Star Trek: Sección 31 Philippa Georgiou (Michelle Yeoh) sigue desde Star Trek: Descubrimientoque se une a la división secreta titular de la Flota Estelar para proteger la Federación Unida de Planetas. La película para televisión es la primera de la serie y también es el primer largometraje de la serie de ciencia ficción desde 2016. Star Trek: más allá. Llegará a Paramount+ el 24 de enero de 2025.

Hablar a Pantalla gritando En la Comic Con de Nueva York, Osunsanmi dio una respuesta entusiasta a Future Star Trek: Sección 31 Después de 2025Lo que sugiere que podrían surgir más historias de la película para televisión dependiendo de su recepción. El director elogia al escritor Craig Sweeney y al productor ejecutivo Alex Kurtzman por su visión de la película y por cómo encaja en la historia más amplia de la franquicia. Dice que hay muchas direcciones que la serie podría tomar después de la película, lo que significa que probablemente no será la última vez que aparezca Philippa. Mira lo que Osunsanmi dijo a continuación:

Lo maravilloso de lo que Craig ha hecho con este crecimiento, y lo maravilloso de lo que Alex está haciendo con esta iteración de Star Trek que ha fomentado, es que cada serie, y ahora esta película, está increíblemente repleta de personajes y mundos. . Entonces, si al público le encanta tanto como a nosotros y yo estoy muy emocionado de verlo, existe un gran potencial para que continúe. Sí, hay un millón de historias que podrían surgir de la Sección 31, así que espero que les gusten.

Lo que significa la declaración de Osunsanmi para Stark Trek después de la Sección 31

Parece muy posible seguir centrándose en Philippa.

desde
Star Trek: Descubrimiento
El final de esta película para televisión condujo a esta película para televisión, y hay muchas maneras en que esta entrada final podría ser una puerta de entrada a historias más interesantes para sus personajes.

Aunque sólo se han revelado algunos detalles sobre la próxima película, está claro El ex líder del Imperio Terran en el Universo Espejo está listo para comenzar una nueva vida después de los eventos de… descubrimiento. De todos los que vienen viaje a las estrellas películas y programas de televisión, Artículo 31 Sin embargo, sigue siendo el más misterioso a medida que se acerca su fecha de lanzamiento, ya que no está claro qué tareas se le asignarán a Philippa. Sin embargo, la declaración de Osunsanmi sugiere que su aparición podría llevar la serie al siguiente capítulo, con más historias protagonizadas por ella en el futuro.

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Junto con Yeoh en el papel principal, Artículo 31El reparto incluirá a Omari Hardwick (ejército de los muertos), Casey Ruhl (Pinos descarriados), Sam Richardson (Ted Lasso) en los roles más destacados. Aunque el talentoso elenco aún no ha revelado el alcance de sus roles, Es probable que sus historias conduzcan a tramas más profundas que podrían destacarse en el futuro de la franquicia. desde Star Trek: DescubrimientoEl final de esta película para televisión condujo a esta película para televisión, y hay muchas maneras en que esta entrada final podría ser una puerta de entrada a historias más interesantes para sus personajes.

Nuestra visión de Star Trek: el futuro de la Sección 31 después de la película

Hay muchas historias de las que Philippa podría ser parte.

Philippa Georgiou (Michelle Yeoh) resulta herida tras una explosión en el tráiler de la temporada 31 de Star Trek.
Imagen vía Paramount+

Porque aún queda mucho por revelar Star Trek: Sección 31No está claro cómo la película podría expandirse hacia más historias potenciales más adelante. Sin embargo, el optimismo de Osunsanmi sobre la película sugiere que hay mucho potencial para que la historia de Philippa continúe. Dada la evolución que ha tenido desde su debut descubrimientoCreemos que será interesante ver a su personaje continuar evolucionando en su nuevo papel, más allá de los límites de una sola película para televisión.

Próximo viaje a las estrellas Película o programa de televisión

fecha de lanzamiento

Star Trek: cubiertas inferiores Temporada 5

24-10-2024

Star Trek: Sección 31

24-01-2025

Star Trek: Nuevos mundos extraños Temporada 3

2025

Star Trek: Academia de la Flota Estelar Temporada 1

2025 o 2026

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¿Por qué Alan Alda compite con el director de MASH, ganador del premio Emmy, Jackie Cooper?

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“M*A*S*H” es una de las comedias de situación más queridas de todos los tiempos, pero no sería lo que es sin la estrella Alan Alda. Si bien el programa era aparentemente una serie coral, el capitán Benjamin Franklin “Hawkeye” Pierce de Alda terminó siendo el personaje central y Alda asumió un papel más importante detrás de escena al escribir y dirigir los episodios. La influencia de Alda ha dado forma a M*A*S*H, impulsándola a ser una serie progresiva, sentida y divertida. Si bien esto provocó una intensa ira entre aquellos con inclinaciones un tanto conservadoras El autor que escribió el libro original. En lo que se basó libremente la serie, terminó haciendo que el programa fuera mucho mejor. Por lo demás, Alda es muy agradable, incluso sus compañeros de reparto como Wayne Rogers y… McLean Stevenson, quien dejó la serie. Porque sentían que estaban jugando un papel secundario frente al Hawkeye de Alda y, en general, elogiaban a su carismática estrella. Sin embargo, hubo un director de la serie que tenía grandes frustraciones con el actor.

En su autobiografía, Please Don't Shoot My Dog (trad. Me TV), actor W. El director Jackie Cooper compartió algunas historias sobre cómo él y Alda chocaron detrás de escena de “*M*A*S*H”. – Aunque la historia está contada desde el punto de vista del director, Alda todavía huele a rosas.

¿Por qué Alda se enfrentó al director?

Según Cooper, originalmente se suponía que él y Alda trabajarían juntos en el debut como director de Cooper, “Stand Up and Be Counted”, pero Alda solo aceptó protagonizar si hubo algunos cambios que finalmente no se realizaron. Dejó el proyecto, pero Cooper todavía tenía grandes esperanzas en su futura relación profesional. Cuando empezó a trabajar en “M*A*S*H”, sentía muy diferente acerca de Alda y escribió:

“A primera vista, era el hombre que esperaba: muy concienzudo, muy serio en su trabajo y bastante profesional al llegar a tiempo mientras aprendía sus líneas. Sin embargo, debajo de esa superficie tranquila, las cosas eran diferentes. […] stevenson, [Gary] Burghoff y Loretta Sweet estaban aterrorizados. Entonces le pidió a Alda que interviniera con ellos para mejorar la moral de todo el grupo. Después de todo, él estaba allí todas las semanas y yo no. Él se negó. Si surgía algún problema, iba al vestuario y se sentaba allí hasta que las nubes se despejaban”.

En ese momento, Alda aún no estaba dirigiendo ningún episodio y era solo una actriz en el programa, por lo que que Cooper le pida que asuma un papel principal está un poco fuera de límites. era alda El único actor que aparece en cada episodio.entonces Cooper tenía razón sobre su existencia. Sin embargo, no era justo intentar que discutiera con los otros actores, especialmente cuando ya había posibles resentimientos por el hecho de que su personaje tuviera más tiempo en pantalla.

¿Cómo puede alguien odiar a Alan Alda?

Además del autor original del libro, W Robert Altman, director original de “M*A*S*H”Es difícil pensar en alguien que tenga motivos para odiar a Alda. Fue prácticamente todo Responsable del tono de la serie. Debido a que insistió en que el programa no usara humor cansado ni recurriera a remates, esto resultó en una serie que mezclaba drama y comedia. (Honestamente, se parece tanto al prototipo del querido drama hospitalario “Scrubs” que a veces es incluso extraño). Entonces, no sorprende que cuando Cooper comentó sobre la capacidad de los actores para actuar de manera cómica, Alda se puso un poco a la defensiva. . Cooper dijo que les dijo a los actores: “Si los productores solo quisieran a alguien divertido, habrían contratado a Carl Reiner. Pero querían buenos actores, así que los contrataron a ustedes”, creyendo por alguna razón que esto haría que les agradara más. En cambio, la gente estaba enojada porque era importante para ambos ser dramáticos en “M*A*S*H”. y Es curioso, fueron insultados.

Cooper contó que Alda se le acercó y lo vistió, diciéndole al director que “no tenía idea de qué clase de personas éramos”, defendiéndose a sí mismo y a sus compañeros de trabajo. Parece que Cooper realmente no entendió la frase “M*A*S*H” y le vendrían bien algunas lecciones de manejo, pero Alda salió absolutamente limpia.


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El director de Smile 2 habla sobre si futuras secuelas explicarán la mitología de The Smiler

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jefe Sonrisa 2 Compartió algunas ideas sobre el infame mito de Smiler, provocando a los fanáticos sobre cuánto podría revelarse en futuras secuelas. La película de terror 2024 es la nueva parte de la serie de películas de terror. el sonrie La película gira en torno a una maldición que se alimenta del trauma de las personas y utiliza sonrisas inquietantes para llevar a sus víctimas a la locura y, por tanto, a la muerte. Si bien la primera película proporcionó algunas pistas vagas sobre la naturaleza de The Smiler, la secuela sugiere que la maldición está lejos de comprenderse completamente.

En una entrevista reciente con diversoParker Finn, guionista y director de ambas partes, describió su aproximación a la función del emoticón en el cine. Finn reveló que la criatura es muy personal.Reacciona de manera diferente ante cada personaje dependiendo de sus miedos específicos. También enfatizó su preferencia por dejar partes de los mitos desconocidas después. Sonrisa 2Señalando que está más interesado en explorar la historia de cada personaje principal. Lea su cita completa a continuación:

Definitivamente tengo todos estos pensamientos y consideraciones sobre The Smiler, y me ayudan a informar cómo los uso en la película. Me encanta el hecho de que, debido a que está diseñado para adentrarse en las grietas del cerebro de un personaje y comenzar a disfrutar de las peores cosas que hay dentro de sus cabezas, es increíblemente específico, único y personal para todos los que interactúan con él. Cualquier cosa que aprendimos sobre él en la primera película, podríamos darnos cuenta: “Oh, esa fue solo una versión de él interactuando con [“Smile” protagonist] “Rose, esto es para Skye.” Sí, esta línea existe, pero tiene algunos trucos nuevos y cosas que no sabíamos.

Muchas veces me siento menos conectado con cosas como la mitología en las películas de terror, especialmente si se trata de lo sobrenatural. Primero, estoy más interesado en la historia del personaje. Me encantan las cosas que vuelan en la noche, pero quiero usar ese impulso sobrenatural para explorar el horror humano y las cosas psicológicas internas. Pero, también, encuentro que a veces, cuando empiezas a sobreexplicarlo – darle un nombre y un origen – toda la audiencia comienza a distorsionarlo. Creo que el miedo a lo desconocido es más aterrador, pero también creo que vale la pena repartir migas de pan para atraer al público. Son pequeños dulces para comer en el camino, lo cual me encanta, pero si estoy respondiendo una pregunta o cerrando una puerta, quiero asegurarme de abrir un par más.

¿Qué significa esto para la franquicia Smile?

Una serie de terror puede tener mucha longevidad

Los comentarios de Finn indican esto. el sonrie Continuaremos explorando la convergencia del horror y el trauma sobrenatural. En lugar de centrarse únicamente en mitos rígidos o explicar los orígenes del emoticón, Es probable que las películas futuras profundicen en los demonios internos del nuevo personaje.Usar la maldición como una forma de resaltar su trauma. Esta estrategia garantizará que la serie se mantenga fresca, y que cada película ofrezca nuevas experiencias en lugar de repetir el mismo concepto, como lo hacen muchas películas de terror. Al resistirse a las explicaciones excesivas, Finn aprovecha el miedo a lo desconocido, que a menudo es más aterrador que cualquier monstruo o historia de fondo específica.

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Smile 2 sigue a la estrella del pop Skye Riley mientras se enfrenta a la entidad, y la historia tiene un final salvaje que se insinúa a lo largo de la película.

La idea de que cada víctima experimente una versión diferente de Smiler también plantea nuevas y emocionantes posibilidades de historia. Esta estrategia permite Potencial Sonrisa 3 Introducir nuevas dimensiones psicológicas. Y conmoción para cada héroe, manteniendo a la audiencia involucrada en la imprevisibilidad. Además, su enfoque puede garantizar que el sonrie La franquicia se convierte en un elemento básico del terror del futuro al permitir que nuevas audiencias experimenten y disfruten las secuelas sin necesariamente tener que estudiar la historia de las películas antes de ir al cine.

Hará que los fans quieran más.

La decisión de mantener misteriosos los orígenes de Smiler está en consonancia con lo que hace que el horror sobrenatural sea efectivo. Explicar demasiado el monstruo puede diluir su impacto, ya que la audiencia comienza a sentirse más cómoda una vez que puede comprender la amenaza. En cambio, la decisión del director de omitir migajas en lugar de explicaciones completas le da al público suficiente misterio para mantener el interés. Al centrarse en el horror psicológico, el sonrie También se distingue de otras películas, lo que garantiza que siga siendo relevante en un mercado saturado.

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Con una mitología que evoluciona junto a sus personajes y un enfoque en el terror psicológico, en futuras entregas posteriores. Sonrisa 2 Tiene la capacidad de sorprender y emocionar al público de formas innovadoras. Aquellos que deseen saber más sobre el emoticono deben prepararse, porque cada respuesta sólo puede generar más preguntas.

Fuente: Variedad

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El director Sean Baker explica cómo se relaciona Anora con una película de vampiros gay [Exclusive Interview]

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Muchas de tus películas incluyen personajes que son trabajadoras sexuales o que están pensando en serlo. Usted mismo ha pedido públicamente la desestigmatización y la despenalización del trabajo sexual. Mientras hacía Anora, ¿descubrió algo nuevo sobre las trabajadoras sexuales y su mundo? ¿Crees que las cosas mejoraron o empeoraron allí o siguieron igual? ¿Dónde crees que está nuestra sociedad ahora?

Ha habido ligeras mejoras. Me refiero al hecho de que ahora estamos usando un nuevo término. El “trabajo sexual” es básicamente algo que ha surgido en los últimos años. Quiero decir, antes de eso, usábamos términos como “prostitución” y esas cosas, pero creo que ese término general realmente ayuda de muchas maneras.

Y además, para responder a tu pregunta sobre lo que he aprendido, cada película que he cubierto sobre el trabajo sexual es como un aspecto diferente del trabajo sexual. Entonces, en este caso, este club de lap dance era muy extraño para mí y tuve que aprender la mecánica de ese mundo. Este club en particular nos permitió pasar algún tiempo allí. Mickey y yo pasábamos allí muchas noches observando y observando, y luego ella observaba a algunos de los bailarines para comprender las interacciones con los clientes y en qué se diferenciaba cada persona. Cada uno es diferente.

Estas jóvenes se encuentran en esa situación, en ese mundo, es un trabajo duro. Es un trabajo realmente duro. Tienen que acercarse a uno de los muchachos del club o hacer que los muchachos se acerquen a ellos y en segundos, leer a esta persona y descubrir qué tienen que hacer a un nivel casi psicológico para tranquilizarla y luego tratar de ganar algo de dinero. De esa persona. Todo esto debería suceder en segundos.

Entonces, en muchos sentidos, creo que muchos de estos jóvenes bailarines que trabajan en un ambiente como este son psiquiatras y psicólogos hasta cierto punto.

Y en ese mismo sentido, ¿qué crees que ayudaría a Hollywood a dejar de ser tan lamentablemente malo a la hora de abordar historias de grupos estigmatizados como las trabajadoras sexuales, pero también las personas trans, los que viven en la pobreza, los discapacitados, etc.?

Creo que se trata simplemente de abordar la representación de una manera más respetuosa. Y lo que quiero decir con esto es que paremos con las caricaturas, número uno. Utilicemos, en el sentido de contratar, a trabajadoras sexuales como consultoras. Son sus historias, son sus voces. Tienes que involucrarlos cuando haces este tipo de cosas. Finalmente, estos personajes deben ser humanos. Tiene que ser tridimensional, integrado, para que el público pueda conectarse con él, identificarse con él y apoyarlo. [them]. Lo que eso significa es un ser humano completamente carnoso e impío, no puesto en un pedestal. Tienen defectos. Cometen errores como todos nosotros. Y cuando vemos eso, cuando la gente fuera de este mundo ve eso, realmente se ven a sí mismos. Entonces creo que esta es la manera de hacerlo.

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Vivimos una época en la que el director tuvo una reacción física al rodar la escena más difícil de la película [Exclusive Interview]

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La música parece ser muy importante en una película como esta, especialmente en las secuencias de montaje donde vemos florecer y progresar la relación. Y me preguntaba cuál fue su enfoque al trabajar con Bryce Dessner en la partitura aquí y obtener lo que necesitaba para esos momentos. Me encontré viendo la película y pensando en cómo se verían esas escenas de montaje sin la música y pensé: es algo simple de decir, pero obviamente la atmósfera sería muy diferente sin la música. Entonces, para una película como esta y el tejido conectivo de las escenas en las que estás trabajando, ¿qué necesitas musicalmente?

Bueno, nos tomó mucho tiempo encontrar la identidad musical, esa es la simple verdad. Antes de conocer a Price, probablemente durante las primeras 12 semanas de edición, tuve un supervisor musical que estaba probando muchas piezas musicales diferentes en todas estas secuencias para que pudiera identificar lo que realmente estaba buscando. Y fue difícil, porque pusiste la pieza musical equivocada en esta película y gritaste. Es aterrador. Es terrible. De repente la hace más delgada y la convierte en un tipo de película diferente. Lo incluiría en algún tipo de comedia romántica o, no sé, se convertiría en todo este tipo de películas. Entonces fue de forma negativa, fue como, “Está bien, sé que no es eso, no eso, no eso, no eso”.

Conocí a Price y era un gran admirador suyo (me encantaba The National, por supuesto), pero también era un gran admirador de su música y sus obras clásicas, que son un género diferente a lo que él hace. Tuvo una reacción muy fuerte hacia la película y le encantó, estaba clara y estaba entusiasmado con las posibilidades de lo que la banda sonora podía aportar. No habló mucho después de eso. No necesariamente dijo: 'Y debería ser ¡este!” Pensé: “Podría ser esto o aquello”. Y me encanta. Me encantó el hecho de que estuviera dispuesto a comenzar el viaje e intentarlo.

Me envió una enorme cantidad de música en muy poco tiempo, que es su respuesta o respuestas a la película. No empezó desde la primera escena y luego dijo: “Esta es la primera pieza musical de la primera escena”. Así que se convirtió en una cuestión de casi probar esas piezas musicales en este trabajo de cuadrícula, tratando de ver: “Está bien, esto va allí y esto va allí”.

Aproximadamente cuatro semanas después de este proceso, la pieza que surgió, que no tenía muchos héroes a mi alrededor en la sala de edición, fue el principal objeto de amor. Es la primera vez al principio, la vez que están espalda con espalda en la entrada, al salir del plano montaje, y luego el final con los huevos rompiéndose. Pensé que era una gran melodía y bastante inusual. Pero tal como estaba la pieza original, no encajaba muy bien en la película. ha sido un poco también Triste, casi. Era una pieza musical triste, casi oscura.

Pero ella se sentó entre un lugar feliz y un lugar triste, las notas reales. Sentí que ella estaba haciendo ambas cosas exactamente al mismo tiempo de una manera que me pareció genial. Entonces le pedí que lo reelaborara y lo hizo, e hizo diferentes versiones, en dos escalas diferentes. Entonces eso empezó a parecer una buena columna vertebral de sus triples. Luego escribió otras piezas, tocó y vino a Londres, nos sentamos juntos frente a la película, sacó la guitarra y a veces tocaba con ella para intentar ver: “¿Es esta la vibra?” Y entiende eso.

Luego, a veces, en algunas piezas más abstractas, decía: “Mira, creo que tenemos que profundizar en la melodía, tiene que ser más ambiental aquí”. También hizo un montón de eso en la habitación y lo quitó y luego tomó esas ideas y las hizo, que eran simplemente masas de cuerdas que se movían entre sí, pero dejaban espacio para que la emoción en la escena brillara. . Así fue el proceso. Era rica, feliz e increíblemente divertida. Y luego vienes a AIR Studios y ves cómo se graba, lo que siempre es la mayor emoción del proceso de realización cinematográfica: escuchar a una orquesta darle vida a la película mientras miras esas imágenes.

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American Psycho de Christian Bale tendrá una nueva adaptación cinematográfica con un director perfecto

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A principios de este año, escribimos sobre cómo hacer precisamente eso. Lionsgate quería producir una nueva versión de “American Psycho”. Y ahora el estudio ha encontrado a su jefe: Luca Guadagnino, director de “Call Me By Your Name”, “Challengers” y del remake de 2018 de “Suspiria”, que parece ser… excelente Elige esta nueva toma.

Digo “nueva visión” porque aquí hay que hacer una distinción importante. Según el informe en El tiempo de entregaGuadagnino es No Rehacer La película de 2000 fue escrita y dirigida por Mary Haroun.protagonizada por Christian Bale como Patrick Bateman, un hermano financiero de Wall Street que también resulta ser un malvado asesino en serie. En cambio, Guadagnino está readaptando la novela de 1991 de Bret Easton Ellis, que es más enfermiza y más complicada que la película (cualquiera que esté familiarizado con el material original recordará toda la trama secundaria del zoológico, para empezar).

Hay muy poca información sobre este proyecto aparte del hecho de que está en proceso, pero Guadagnino, quien actualmente está promocionando su última película “Queer”, que es en sí misma una adaptación del libro clásico del mismo nombre de William S. Burroughs, es una gran película. excelente Selección para esta adaptación. El director nacido en Italia tiene una sensibilidad irónica, un buen ojo (a menudo crea imágenes llamativas e incluso impactantes) y gracias a películas como “Suspiria” y “Bones and All”, sabemos que es capaz de hacer una película profundamente aterradora.. Todo esto plantea una pregunta importante: ¿Quién podría interpretar a Patrick Bateman en “American Psycho” de Guadagnino?

Echemos un vistazo con admiración a Patrick Bateman en la versión de Luca Guadagnino de American Psycho

Únase a mí en la especulación salvaje por un momento, ¿quiere? Sí, la película acaba de ser anunciada, pero divirtámonos preguntándonos quién podría llenar los zapatos grandes y empapados de sangre de Christian Bale y interpretar al Batman de Patrick para una nueva generación.. Jacob Elordi parece una elección obvia. Si has visto la película “Euphoria”, sabrás que piensa como un héroe y que su gigantesco cuerpo australiano puede convertirlo en un Patrick verdaderamente intimidante. Robert Pattinson seguramente aportará una energía muy excéntrica a este papel, como es su estilo en estos días, pero puede que sea demasiado largo; Se supone que Patrick solo tiene 20 años y Pattinson 40. (Él todavía puede probablemente Sáquelo, pero puede haber un pequeño problema logístico).

Entonces, ¿quién debería interpretar a Patrick Bateman, el arrogante “protagonista” que rompe la cuarta pared en “American Psycho”? Mi contribución al discurso inevitable: Mike Faist, quien ya formó equipo con Luca Guadagnino en “Challengers” de 2024, Faist debería, sin duda, ser una estrella mucho más grande en este momento; diablos, debería haber obtenido una nominación al Oscar por su turno como Riff en la nueva versión criminalmente subestimada de “West Side Story” de Steven Spielberg, y tiene la capacidad de aportar una energía nueva y salvaje al personaje. Faist puede cambiar entre dulce (o incluso ingenuo) y siniestro en muy poco tiempo; Sería un Batman increíble.

Guadagnino es una elección perfecta para dirigir a un nuevo psicópata americano

Las películas de Luca Guadagnino pueden causar cierta división, y los fanáticos de la versión original de Suspiria de Dario Argento ciertamente están divididos… Su remake está protagonizado por Dakota Johnson y Tilda Swinton. – pero no se puede negar que el director tiene un talento único para tomar historias oscuras y extrañas y convertirlas en algo cinematográficamente brillante. Guadagnino había estado dirigiendo durante años antes de llegar a la lista A de Hollywood con “Call Me By Your Name” de 2017, una adaptación de la novela romántica de Andre Aciman protagonizada por Timothée Chalamet y Armie Hammer (que sirvió como la tercera película de lo que Guadagnino llama “su película”. “). . “Desire”, después de “I Am Love” de 2009 y “Greater Spray” de 2015, lo lanzó a la estratosfera. Después de que “Call Me By Your Name” recibiera múltiples nominaciones al Premio de la Academia, incluida una por la actuación de Chalamet, otra por su guión y otra por Mejor Película, Guadagnino pasó a proyectos como “Suspiria”, la miniserie de HBO de 2020 “We Are Who”. Somos”. ”, y “Bones and All” de 2022, que reunió a Chalamet y Guadagnino y se centró en el “canibalismo sexy”, a falta de un término mejor.

Puede que sean los “Challengers” de 2024 los que realmente expliquen por qué Guadagnino fue la elección correcta para esta nueva versión de “American Psycho”. La historia relativamente sencilla, sobre un enredo romántico y profesional entre tres tenistas enredados, toma varios giros extraños, sucios y sorprendentes.; En un momento durante un partido entre Art Donaldson (Mike Faist) y Patrick Zweig (Josh O'Connor), la cámara parece encajar en su lugar. en tenis Para aumentar la tensión. De alguna manera, este extraño movimiento funciona totalmente, por lo que ciertamente también podemos esperar algunas rarezas muy deliciosas de “American Psycho” de Guadagnino.


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