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La verdadera razón por la que funcionan los huesos, según David Boreanaz

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Aunque Bones terminó en 2017 después de doce temporadas, sigue siendo un gran éxito. en serio Una serie de procedimiento popular, que atrae nuevas audiencias a los servicios de streaming y que sigue siendo totalmente reproducible después de todos estos años. Entonces, ¿cuál es el secreto del éxito del programa? La estrella David Boreanaz cree saber la respuesta y tiene que ver con su profesora de actuación, Ivana Chubbuck.

En una entrevista con diversoBoreanaz también habló sobre el final de la serie “SEAL Team”, la serie que dirigió para CBS y Paramount+ hasta que terminó oficialmente el 6 de octubre. Boreanaz Él y su coprotagonista de “Bones”, Emily Deschaneltrabajaron extensamente con Chubbuck para perfeccionar sus personajes. (El agente del FBI de Bornaz, Seeley Booth, y la antropóloga forense de Deschanel, Temperance “Bones” Brennan).

“Poder acudir a tu compañero de actuación y decirle: 'Oye, voy a trabajar los fines de semana con mi profesor de actuación, quien creo que es el mejor y puede facilitar cierta comunicación entre nosotros'”. “Ese fue el comienzo. ”, dijo Boreanaz. Creo que fue un poco difícil para mí hacerlo uno a uno y luego tratar de explicarle todo esto a mi coprotagonista competidor, y también al showrunner y al actor. El libro se convierte entonces en un tipo diferente de proyecto, ¿verdad? Y es difícil, así que estoy agradecido por su gracia al aceptarlo y luego seguir así durante tantos años. De 12 o 13 años, han sido nueve o 10 años sólidos. [where] Cada fin de semana reescribíamos el diálogo, hacíamos ejercicios y encontrábamos el espacio”.

El profesor de interpretación de David Boreanaz fue el arma secreta detrás del éxito de Bones

Como dijo David Boreanaz a Variety, el trabajo que él y Emily Deschanel hicieron con Ivana Chubbuck fue vital para su trabajo juntos en la pantalla, aunque también Dijo que la cadena no siempre estuvo contenta con las clases de actuación extracurriculares. aún, La química entre Booth y Bones demuestra que el entrenamiento de Chubbuck realmente funcionóY, como dijo Boreanaz, pasar tiempo con Chubbuck fuera del rodaje para desarrollar sus personajes sólo sirvió para unir aún más a Boreanaz y Deschanel.

“Saber que habíamos hecho el trabajo y que podíamos lograrlo (y luego podías hacer este personaje y salir instintivamente) fue el punto de inflexión para este programa”, señaló Boreanaz. “Realmente conectamos con ello y, a pesar de todo el rechazo que recibimos de la red en ciertos momentos, seguimos haciéndolo”.

Al final, Boreanaz le dio la mayor parte del crédito a las dos mujeres con las que trabajó tanto en “Bones”, y señaló que si Deschanel no hubiera estado dispuesto a entrenar con Chubbuck, las cosas podrían haber sido muy diferentes. “Ivana viene con un increíble conjunto de herramientas de ideas que encajan y desarrollan el personaje hasta el punto en que los pones juntos en la misma habitación, y luego comienza a ser realmente genial”, continuó el actor. “No obtendrás eso si no tienes a Ivana; no lo obtendrás si Emily no dice que sí. Así que fue una gran bendición conseguir eso, y no es fácil de conseguir”.

¿David Boreanaz regresará para un posible resurgimiento de Bones?

Entonces, ¿David Boreanaz cree que él y Emily Deschanel estarían dispuestos a repetir sus papeles como Booth y Bones? Para una potencial decimotercera temporada ¿O algún otro avivamiento de algún tipo? Ambos han hecho comentarios optimistas y positivos sobre la posibilidad en los años transcurridos desde que terminó “Bones” (aunque Boreanaz parecía reticente al principio), y en esta entrevista de Variety, dijo que parecía que podría ser muy fácil trabajar juntos.

“En realidad nada ha cambiado”, dijo Boreanaz cuando un escritor de Variety señaló que el actor solía decir que quería “esperar hacia adelante” cuando se le preguntaba sobre una reposición de “Bones”, pero ha cambiado de rumbo en los últimos años. “Cuando realmente lo miro, es el tipo de programa que era muy respetable y querido, y no quiero decir que sea tonto, pero es entretenimiento tonto cuando realmente lo piensas. La dinámica entre estos dos personajes fue realmente. divertido de jugar, y si hubiera felicidad y alegría en ello, habría sido fácil y no difícil; [a revival] Será limitado. No pasará mucho tiempo, pero también será genial trabajar con ella. Confía en mí: No es algo en lo que me concentre ahora mismo en mi vida en la que estoy ahora, pero es el único programa en el que pensaré, y diré: se considera.

“Bones” se transmite ahora en Hulu.


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Hace 10 años, una de las mejores películas de David Fincher marcó el surgimiento de la locura por el crimen real.

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El verdadero género criminal es más antiguo de lo que piensas. Se remonta a Inglaterra a mediados del siglo XVI, cuando comenzaron a circular entre la aristocracia educada “panfletos sobre crímenes” que contenían historias sangrientas y sangrientas sobre crímenes locales. La gente siempre ha estado fascinada por los lados más oscuros de la humanidad, pero había algo más promiscuo en la lectura de historias de crímenes reales, y el mercado de esos folletos se disparó. En el siglo XIX surgió la moraleja de estas historias y se hicieron más populares las historias de crímenes ficticios con detectives heroicos. Los verdaderos crímenes se convirtieron en una especie de subgénero sórdido, un “placer culpable” para los moralmente arruinados, incluso cuando los libros sobre crímenes reales se convirtieron en bestsellers. Luego, alrededor de 2014, todo cambió de la noche a la mañana.

A la vanguardia del aparentemente rápido aumento de popularidad del género se encuentra Gone Girl, una adaptación de la novela homónima de Gillian Flynn de David Fincher, una historia ficticia sobre cómo todos lidiamos con el crimen real. Aunque la novela explotó en 2012, la película fue un paso más allá y ayudó a predecir nuestra obsesión cultural actual con todo lo relacionado con los crímenes reales. En 2024 se estrenarán dramas criminales reales “Monstruos: La historia de Lyle y Eric Menéndez” de Ryan Murphy y Programas de estilo documental como Missing: Dead or Alive?“Ambos encabezan regularmente las listas de streaming, y parece que ningún crimen es demasiado inquietante para ser tratado como entretenimiento. Hace 10 años, 'Gone Girl' no sólo predijo este aumento, sino que nos advirtió sobre cuán cómplice es el verdadero público criminal. .

(Puede que sea innecesario decirlo, pero… Spoilers Para seguir “Gone Girl”.)

El falso crimen real de Gone Girl

En Gone Girl, Amy Dunne (Rosamund Pike) desaparece sin dejar rastro un día, con evidencia de una pelea violenta en su casa con su esposo Nick (Ben Affleck). Nick y Amy se encaminaban hacia el divorcio y todos parecían pensar que Nick era responsable de la desaparición de Amy. La gente considera su aventura y su matrimonio roto en su contra. De hecho, tienden a pensar que él la mató, pero se sorprenden cuando ella reaparece y afirma haber sido secuestrada por su exnovio Desi (Neil Patrick Harris). Resulta que Amy fingió todo, plantó pruebas durante meses antes de su desaparición y provocó la simpatía del público al fingir el embarazo y escribir sobre abusos que nunca sucedieron en su diario. al final, Amy y Nick están atrapados en una confrontación constante.obligados a fingir que se aman para mantener las mentiras que le dijeron al mundo.

Amy Dunne es una antihéroe que raya en una auténtica villana. Es la contraparte femenina de personajes como Walter White de “Breaking Bad” o Tony Soprano de “Los Soprano”: una hermosa mujer blanca de una familia adinerada que usa su privilegio como arma. Flynn estaba pensando en el “síndrome de la mujer blanca desaparecida” mientras escribía “Gone Girl”, un término que se refiere a la forma en que los medios tienden a centrarse en los crímenes en los que las mujeres blancas son las víctimas mucho más que cuando la víctima es un hombre o una mujer negra. . Blanco. Color, y pretende mostrar que el sesgo de los medios es parte de la razón por la que Amy pudo llevar a cabo su plan.

La historia de Amy es muy similar a la de Amy. El caso Lacey Petersonque desapareció mientras estaba embarazada en la víspera de Navidad de 2002, y algunos investigadores aficionados creyeron que Lacey había fingido su secuestro. Lamentablemente, ese no fue el caso, ya que Peterson fue asesinada por su esposo Scott y su cuerpo fue descubierto en abril de 2003. La versión de Flynn de las cosas es ciertamente menos trágica, pero el final de Amy y Nick no es de ninguna manera feliz. .

Gone Girl fue una advertencia que en su mayoría pasó desapercibida

La última toma de “Gone Girl” fue aterradora, con Nick preguntándole a Amy qué iban a hacer ahora y ella lo miró y le dedicó una pequeña sonrisa malvada. Ella ganó, básicamente, y lo puso en una prisión que ella misma creó. Ella mira no sólo a Nick, sino también a la audiencia, rompiendo un poco la cuarta pared e incriminando a la audiencia en sus crímenes. Al permitirnos ver el sufrimiento de los demás como entretenimiento, somos cómplices de alguna manera. Incluso es posible que la promesa de fama (o infamia) pueda llevar a las personas a cometer sus propios crímenes. El verdadero crimen es moralmente cuestionable, y la mirada y la sonrisa de Amy fueron una advertencia de que la comercialización del verdadero crimen puede ser muy peligrosa.

Irónicamente, “Gone Girl” se estrenó en los cines de Estados Unidos el 3 de octubre de 2014, el mismo día que el podcast “Serial”, la serie presentada por Sarah Koenig que detalla un crimen real a lo largo de una temporada y comenzará la historia real. . Tendencia de podcasts sobre crímenes. En 2016, los medios de comunicación se dieron cuenta del verdadero auge del crimen y notaron la popularidad no solo de los podcasts sino también de programas como “The Jinx: The Life and Deaths of Robert Durst” en HBO y “Making a Murderer” en Netflix, los cuales debutó en 2016. 2015. “The Jinx” Incluso tuvo una continuación este año con “The Jinx Part Two”. Lo que indica que la tendencia sigue fuerte. El crimen real todavía domina el panorama de la cultura popular, hasta el punto que el crimen ficticio se ha vuelto regular. Se inspira en situaciones del mundo real.Lo que lo hace más convincente y más controvertido.

La moralidad ambigua del verdadero crimen

Hay muchas razones por las que alguien podría sentirse fascinado por las historias de crímenes reales, pero es importante para nosotros reconocer el impacto muy real que los medios sobre crímenes reales tienen en nuestro mundo. Incluso cuando un caso no es tan grave como un cargo de asesinato, la participación de los medios en el caso puede provocar un trauma mayor para las víctimas del delito y sus seres queridos. Publicar detalles de estos crímenes en los medios puede provocar sensacionalismo y aislamiento para las víctimas y sus seres queridos, como en el caso de Mary Kay Letourneau, cuyos crímenes fueron descritos en la película May-Diciembre de Todd Haynes. “May Dec” sigue a una actriz (Natalie Portman) que sigue a la agente de Letourneau, Gracie Atherton-Waugh (Julianne Moore), para aprender cómo interpretarla en una película. Haynes no sólo critica a la actriz de Portman por simpatizar con Gracie, sino que también la critica por retratarla como una mujer mayor, sexy y solitaria, en lugar de la depredadora que realmente era. es cruel Acusar el verdadero crimen como entretenimientocontinuando las lecciones que “Gone Girl” intentó enseñarnos hace una década. Independientemente de la intención, un verdadero crimen siempre será al menos algo dañino.

Entonces, ¿qué debe hacer un verdadero amante del crimen? ¿Existe una forma ética de “disfrutar” estos documentales y narrativas de ficción sin sentirnos culpables por contribuir a muchos de los problemas del género? Desafortunadamente, no hay una respuesta fácil, aunque la gente puede intentar evitar programas más dramáticos y problemáticos, como el programa “monstruos” antes mencionado, que Murphy está en problemas Tomarlo no tiene gusto. (Esta tampoco es la primera vez que ha sido criticado por ello. Víctimas retraumatizadas del asesino en serie Jeffrey Dahmer en su miniserie “Dahmer”.) Alternativamente, aquellos curiosos sobre el crimen pueden recurrir a Documentales sobre crímenes reales bien hechos Esto se hace prestando mayor atención a la ética periodística y su impacto público. Al menos, no se trata sólo de albergar la verdadera miseria humana y causar más en el proceso.


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David Cronenberg hace una película emocionante sobre el sexo, la muerte y el duelo [NYFF]

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¿Es una película de David Cronenberg una película de David Cronenberg si no trata sobre la intersección de tecnología, existencialismo y sexo? Ambientada en el futuro cercano de un tortuoso mundo distópico, “The Shrouds” es una experiencia sombría y que invita a la reflexión desde su primer cuadro: un primer plano del cadáver desnudo de una mujer en una animación fantasmal suspendida, seguido de un aullido con la boca abierta de dolor y pena de su viudo. Sin embargo, el humor negro del director aparece casi de inmediato, con una cruda transición a una visita al dentista años más tarde y la divertida y franca declaración del médico de que “la tristeza arruina los dientes”. ¿Sentido solapado? ¡Quién lo necesita! La imprecisión de estos momentos iniciales es, por decirlo suavemente, un resumen perfecto de todo lo que vendrá en los próximos 119 minutos.

“Las Sábanas Santas” es un testimonio de la idea de que, a estas alturas, la vida personal de Cronenberg sólo puede traspasar la página. El director de 81 años ha hecho una carrera incomparable con la forma en que maneja el horror corporal y las narrativas cerebrales (algunos podrían decir frías y emocionalmente distantes), y esos aspectos ciertamente también están presentes en abundancia a lo largo de su último trabajo. Pero en este caso, él personalmente fue testigo de la tragedia que pasa a primer plano en esta historia. Su esposa, la editora de cine Carolyn Ziffman, durante casi 40 años, murió de cáncer en 2017, y ella fue claramente el impulso y la inspiración detrás de este guión. Y en una reverencia adecuada a la narrativa sobre las formas en que la vida no se puede dividir claramente, la educación judía secular y el ferviente ateísmo de Cronenberg sangran directamente en el viaje de su personaje principal, Karsh… y qué viaje tan desgarrador es.

Digámoslo de esta manera: gracias a los dioses del cine por eso. El plan inicial es convertir esto en una serie de Netflix. Cayó. No sólo se garantiza que será una de las experiencias teatrales más memorables, sino que “The Shrouds” es una máquina delgada, mezquina y diabólicamente inquietante, una que fácilmente se ubica como la película más personal de Cronenberg.

Es difícil resistirse al tratado de David Cronenberg sobre el duelo

Tal vez los vivos nunca debieron pensar este Mucho sobre la muerte. Los personajes de Cronenberg siempre han pecado del lado de la manía, y poco en su trabajo puede igualar el nivel de entusiasmo decidido que consume a Karsh de adentro hacia afuera. La inspiración del director esta vez es Vincent Cassel (que ya ha colaborado tres veces con Cronenberg, después de “Eastern Promises” y “A Dangerous Method”), que interpreta a un herrero. apenas Lo reúne todo mientras lidia con la inevitabilidad de la decadencia. Después de sufrir la devastadora pérdida de su esposa Becca (Diane Kruger) a causa del cáncer, se nos dice que ha canalizado sus turbulentas emociones en un nuevo invento que revoluciona la forma en que percibimos la muerte. Fiel a su nombre, un sudario es una envoltura de cuerpo completo que envuelve al recién fallecido en un sudario funerario de alta tecnología y permite a los que quedan ver a sus seres queridos fallecidos desde el interior de su ataúd… siempre que pague la considerable tarifa para compre este lujo disponible exclusivamente a través de la compañía de Karsh conocida como GraveTech. En parte galería de arte (las pantallas inteligentes instaladas en cada lápida son cómicas en el mejor de los casos y perturbadoras en el peor) y en parte empresa comercial descarada (hay un componente compatible con una aplicación, por supuesto), la espeluznante destreza de Karsh le ha valido el apodo de “voyeur cadáver”.

Si la tecnología que implica una alimentación viva de alta resolución en la tumba (que también funciona como una máquina de rayos X, descomponiendo el cuerpo en detalles microscópicos) no le parece de su agrado, bueno, eso es sólo parte del proceso. diversión en “Las Sábanas Santas”. Cronenberg, un maestro desde hace mucho tiempo de las simulaciones de construcción de mundos, es consciente del fatalismo desenfrenado que se muestra en la pantalla. Una cita a ciegas inicialmente desastrosa (ambientada en el restaurante que posee Karsh con vistas al cementerio cubierto de mortajas de su empresa, claro está) deja claro que no todos en este mundo están dispuestos a mirar más allá del “loco” hacia el “genio loco” de Karsh. Sus clientes adinerados pueden compartir su curiosidad morbosa y su incapacidad para dejar ir a los muertos, pero no se puede decir lo mismo de su paranoica cuñada Terry (la gemela idéntica de Bekka, también interpretada por Krueger), convencida de que Becca fue víctima de una astuta conspiración médica, o el exmarido de Terry, Morrie (Guy Pearce), un solitario experto en tecnología acostumbrado a aferrarse obstinadamente al pasado. Incluso Honey, la asistente personal de Karsh impulsada por inteligencia artificial (una creación digital de apariencia intencionadamente ridícula, también con la voz de Krueger) puede darse cuenta de que algo pasa.

Cuando su preciosa tumba termina siendo brutalmente destrozada por un grupo desconocido y el misterio se profundiza hasta convertirse en algo con implicaciones potencialmente globales, la espiral descendente de Karsh encuentra la salida perfecta para su dolor no procesado y busca echarle la culpa a los críticos vocales de GraveTech, como los fanáticos religiosos, los ecologistas. -terroristas y malos actores políticos que ven esto… El Cementerio Digital (y sus planes de expandirse rápidamente a escala internacional) como una afrenta a Dios y la naturaleza… o una red de vigilancia puramente digital. Mendicidad Para ser explotado. Antes de que te des cuenta, la sabia mano de Cronenberg al volante hace que sea fácil aceptar esta extravagante premisa y ser arrojado al abismo junto al protagonista profundamente atribulado, que está muy feliz de rodearse literalmente de muerte.

The Shrouds es un thriller tecno, un drama emocionante y una advertencia de ciencia ficción, todo en uno.

Es mejor dejar intactas las partes más sustanciosas de “The Shrouds” que requieren discusión y análisis, especialmente en el acto final, que concluye con las líneas más oscuras y sarcásticas. Pero se recomienda a los espectadores que ajusten sus expectativas. Aunque ni siquiera es tan violento o sangriento como el de Cronenberg en el pasado (“¿Qué tan oscuro quieres ser?”, le pregunta Karsh a alguien desde el principio, una respuesta audaz e implícitamente prometedora que los amantes del terror incondicional encontrarán en gran medida incumplida), esto puede en muchos casos maneras ser sólo una de sus obras más inaccesibles hasta la fecha. Esto se hace evidente cuando la película se niega a elegir un camino de género y, en cambio, incursiona en múltiples actos a la vez. Es en parte un thriller tecno sobre las consecuencias no deseadas del caos de la tecnología y en parte un drama emocionante que explora la masculinidad de Karsh en medio de su dolor (la forma en que las mujeres constantemente se lanzan hacia él no es un salto; este es un personaje que él siempre retrata (después de todo, un Cassel canoso) pero rápidamente se convierte… Cronenberg convierte esto en un chiste recurrente), e incluso en un misterio atractivo del tipo que Karsh llama un “problema detective clásico” en un momento. Sobre todo, es principalmente una advertencia que nunca olvida sus raíces (relativamente) de ciencia ficción.

Sin embargo, cuanto más profundiza el guión en la psique verdaderamente dañada de Karsh, más aterrador se vuelve el proceso. Al director de fotografía Douglas Koch (que también trabajó en Future Crimes de Cronenberg) le gusta jugar con luces y sombras, generando tensión incluso cuando siempre mantiene una mano firme en el trabajo de la cámara, una yuxtaposición directa con el aflojamiento de Karsh sobre la cámara. realidad. De hecho, las verdaderas profundidades de su depresión solo se revelan a través de una serie de pesadillas (¿recuerdos? ¿fantasías?) de una Becca desnuda en medio de la enfermedad debilitante que finalmente le quita la vida. Aquí, el estilo sincero de Cronenberg de capturar la forma humana desnuda da paso a impresionantes explosiones de horror corporal, mientras “The Shrouds” se convierte en un crisol de emociones confusas: lujuria, pérdida e hipocresía, todas ellas alimentadas unas a otras.

En todo momento, Cassell, Pierce, Sandrine Hoult en un papel secundario como una aspirante a agente de GraveTech, y especialmente Krueger en sus múltiples papeles, ofrecen actuaciones profundamente comprometidas que te obligan a mantener los ojos pegados a la pantalla… incluso cuando son tan intensas. es posible que estés desesperado por un descanso o dos. Algunos pueden sentirse tentados a referirse a “The Shrouds” como Cronenberg tocando en tono menor, pero eso no hace justicia en absoluto a un drama frío, casi impactante, que obtiene mucho significado e incluso impacto de su distanciamiento emocional. Fanáticos de Cronenberg, lo harán. No Quiero perderme este.

/ Calificación de la película: 7,5 sobre 10

“The Shrouds” está previsto que se estrene en los cines en la primavera de 2025.


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“Obviamente está dolido porque David es un niño rico” – Destiny Etiko y Sarah Martinez reaccionan al constante ataque de Wizkid a Davido

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La actriz de Nollywood Destiny Etiko y otros han reaccionado ante el constante ataque de la estrella de la música Wizkid a su colega Davido.

El lunes por la noche, Wizkid, mientras anunciaba el lanzamiento de su primer sencillo del año, disparó contra Davido después de que un usuario de X le preguntara si no podía vender una canción sin quedar empañado. Declaró que no trata con negros tontos y también describió a Davido como un hombre sin talento. Le puso un nuevo nombre, llamándolo Davido Fregodo.

Y la cosa no terminó ahí, en otro tuit afirmó que no le iría bien a Davido y sus sentimientos luego de que un fan expresara preocupación por los sentimientos de Davido.

En reacción a sus arrebatos en las redes sociales, Destiny Etiko se preguntó si le habían robado el teléfono.

“¿Están seguros de que no le robaron el teléfono?”

La esposa de Yomi Casual, Grace Makon, ha observado cómo el amigo de Davido, Tunde Ednut, ha atraído constantemente la ira de Wizkid, pero él ha permanecido en silencio, y ahora está desatando su ira.

“Tunde, lo has hecho enojar una y otra vez. Ha estado callado todo este tiempo. Incluso tú no has descansado desde la mañana. Esta noche va a ser larga”.

Sarah Martínez afirmó que estaba claro que Wizkid estaba herido porque Davido es un niño rico. Me pregunté si fue Davido quien le dijo a su padre que no se apresurara.

“Obviamente está dolido porque Davido es un niño rico. Na Adeleke le dice a tu padre que no se molesta. ¿Por qué te duele así?
¡¡Weezy está creciendo!!

Destiny Etiko y Sarah Martins reaccionan al ataque de Wizkid a Davido

La personalidad de los medios, Do2dtun, también ha intervenido en el asunto. Describió su problema como una de las rivalidades más largas en la historia del entretenimiento nigeriano y expresó lo cansado que está del problema constante.

La relación entre Davido y Wizkid ha sido difícil a lo largo de los años. Se suponía que las estrellas de la música se habían reconciliado después de que Wizkid anunciara su interés en ir de gira con Davido hace dos años después de que éste perdiera a su hijo. Desafortunadamente, nos equivocamos, en abril, Wizkid le lanzó el primer tiro a Davido y los dos se destrozaron, con Davido acusando a Wizkid de abusar de su novia y mamá bebé, Jada Bullock, mientras Wizkid se burlaba de él por rogar por sexo. De uno de sus polluelos polifacéticos.

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Cómo se sintieron realmente David Boreanaz y Emily Deschanel al trabajar juntos en Bones

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Cuando lo contratan para hacer un trabajo, desempeñar sus funciones de manera profesional y eficiente no significa que deba agradarle a todas las personas con las que trabaja. Obviamente, debes tratar a todos tus compañeros de trabajo con cierto nivel de respeto (a menos que sean terribles o completamente incompetentes), pero también puedes estar completamente molesto con las personas que ves cinco o más días a la semana.

Sin embargo, esto se vuelve difícil cuando su trabajo requiere que finja que no solo molesta a su compañero de trabajo sino que, en algunos casos, le agrada mucho. Los actores son criaturas verdaderamente únicas que usan su imaginación para ganarse la vida; Cuando han desarrollado un gran ego o simplemente son raros, pretender ser la niña de tus ojos puede ser absolutamente brutal. Entonces, me quito el sombrero ante Nathan Fillion y Stana Katic, quienes claramente no se soportan pero parecen buenos amigos mientras veo los últimos cinco minutos del episodio “Castle” antes de que comience “Inside the NBA” en TNT. ¿O qué pasa con Lea Michele y Naya Rivera de Glee, quienes claramente no se hablaban durante la última temporada de Glee? Luego están Alyssa Milano y Shannon Doherty, quienes se pelearon durante años después de que esta última abandonara su exitosa serie “Charmed”. Pase lo que pase fuera de cámara en estos programas, nunca aparece ante la cámara.

Con eso en mente, probablemente no quieras saber sobre las relaciones detrás de escena entre los actores de tu serie de televisión favorita. Si eres fanático de “Bones”, sin duda te preguntarás si eso es posible. Emily Deschanel y David Boreanaz Al 100% fingieron esa chispeante química durante 12 temporadas. ¿Los humanos que nos dieron Temperance Brennan y Seely Booth realmente se odian? Bien…

La insoportable bondad de huesos y stand.

La impactante verdad es que si eres fanático de las fiestas de celebridades, no hay nada que ver aquí. Deschanel y Boreanaz tenían una excelente relación de trabajo. Boreanaz fue elegido primero y ya ha protagonizado Su larga cadena (“Ángel”)por lo que fácilmente podría haber tomado el primer puesto sobre el menos experimentado Deschanel. Pero no. Como dijo Deschanel reportero de hollywood En 2019, “fue muy respetuoso conmigo. Me respetó desde el principio y siempre lo apreciaré. Tuvimos una gran relación”.

Ella debe estar mintiendo, ¿verdad? No según Boreanaz, quien dijo en una entrevista con TV adentroDijo estar “muy orgulloso” de su “pareja”.

¿Cuál es el secreto para que hayan estado juntos durante más de una década, durante la cual pasaron más tiempo juntos que con sus familias? Según Deschanel:

“Él nunca trató de decirme qué hacer, nunca trató de enseñarme de ninguna manera o me hizo sentir como si no perteneciera o como si estuviera aprendiendo y fuera nuevo. Fuimos a un entrenador de actuación, así que estábamos en terapia todos los días. día.” Una semana juntos, lo cual es un poco divertido, en cierto modo, porque también hablábamos de nuestras vidas en las sesiones.

También hubo otro truco para que su relación laboral fuera bastante similar.

“Realmente me estás molestando ahora”.

En la entrevista con THR, Deschanel dijo que se llevaban bien anticipando que a veces no se llevarían bien.

“Nos dimos permiso el uno al otro para alejarnos en diferentes momentos, o simplemente decir 'Realmente me estás molestando en este momento' o 'Me estás molestando, debería mantenerme alejado de ti'. Rara vez usamos eso porque nos dimos permiso. El uno al otro se dio permiso y hablamos de ello”.

Ese espíritu rosado probablemente se marchitó cuando se dirigieron mutuamente en episodios separados durante la última temporada, pero eso también transcurrió sin problemas. Como dijo Boreanaz a TV Insider:

“Tener a Emily, y le pedí que participara en toda la serie para dirigir un episodio; la animé a hacerlo. El hecho de que ella nos iniciara fue increíble. Estoy muy orgulloso de ella. que ella fue capaz de conseguir eso en su haber, y fue genial tenerla.” Por otro lado, recibe sus órdenes.

“Siempre trato de controlarlo, pero esta vez obtuve la aprobación oficial para hacerlo”, bromeó Deschenal.

Entonces esto es todo. Emily Deschanel y David Boreanaz fueron aburridamente adorables el uno con el otro durante este Toda la pista larga de “Bones”. ¡Cómo se atreven a actuar literalmente como profesionales!


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La serie Harry Potter de HBO de David Zaslav está en medio de una demanda

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Warner Bros. se está preparando. Descubrimiento para un proyecto muy ambicioso, Un programa de televisión de 10 temporadas de “Harry Potter” que adaptará todos los libros de la serie en su totalidad. Muchas cosas pueden salir mal en un proyecto tan ambicioso. Con ese fin, las cosas salen mal incluso antes de que las cámaras comiencen a grabar. WBD ahora enfrenta una demanda de Sky en el Reino Unido, propiedad de Comcast, por la próxima serie.

de acuerdo a El tiempo de entregarecientemente se presentó una denuncia de 36 páginas en un tribunal federal de Nueva York. Se relaciona con el acuerdo de 2019 firmado por Warner Bros. Con Cielo. La demanda surge de un acuerdo que firmaron las dos compañías, en el que WB se comprometió a asociarse con Sky en varios programas al año. Parte del expediente dice lo siguiente:

“Warner no ha presentado repetidamente a Sky el requisito mínimo anual de series elegibles contractualmente para su consideración. Específicamente, Warner estaba obligado a presentar a Sky al menos cuatro programas por año durante 2021, 2022 y 2023, pero indiscutiblemente estuvieron muy por debajo de ” De eso.” Mark, en ciertos años apenas ofreció una sola serie elegible y retuvo información importante, requerida por contrato, necesaria para que Sky evaluara las posibles opciones que recibiera”.

En resumen, Warner Bros. no se comprometió. sus obligaciones en el trato. Todo esto llega en un momento en que Warner Bros. Riesgos financieros, ya que la empresa está cargada de deudas y el precio de sus acciones ha caído. La empresa también tiene que intentar Manténgase en la guerra del streaming con Max y al mismo tiempo proteja la marca HBO. Todo ha sido difícil. Esta demanda no ayuda en nada.

Harry Potter y el pleito incómodo

El programa ha recorrido un largo camino en el proceso de desarrollo. el La franquicia “Harry Potter” contrató recientemente a Francesca Gardiner (“Succession”, “Killing Eve”) para que actúe como showrunner. y productor ejecutivo, con Mark Mylod (“Succession”, “Game of Thrones”) como productor ejecutivo y director. También se dice que el proceso de casting está en marcha. Esta demanda podría ensombrecer el proceso. La demanda también establece lo siguiente:

“Warner ha negado descaradamente a Sky el derecho a ser socio en la muy valiosa adaptación en serie de televisión de una década de duración de las populares novelas de Harry Potter de JK Rowling, cuyo estreno está previsto para 2026 o 2027. En cambio, Warner ignoró en gran medida a las dos partes. ' y buscó quedarse con el contenido de Harry Potter para que Warner pudiera usarlo como piedra angular para el lanzamiento de su servicio de transmisión Max en Europa.

De hecho, Max se está preparando para expandirse a Europa y otras regiones. Es lógico que “Harry Potter” sirva como emisora ​​exclusiva del servicio cuando esto suceda. Queda por ver qué resultará de todo esto. Sky busca daños y perjuicios no especificados. Lo más importante es que quieren una orden que “obligue al demandado Warner a presentar inmediatamente la serie 'Harry Potter' para que la demandante Sky la considere”. En otras palabras, quieren participar en el espectáculo.

Dependiendo de cómo resulte esto, Sky podría (énfasis en la posibilidad) ser incorporado como socio creativo y financiero en el programa. Esto sólo complicará las cosas. La creadora JK Rowling ya está involucrada. Debido a sus continuas y controvertidas declaraciones sobre la comunidad transgénero, Esto no les sienta bien a muchos espectadores potenciales.. Veremos cómo cambia todo esto en los próximos meses, pero ese es un obstáculo que WBD y el CEO David Zaslav no pueden permitirse en este momento.

La serie de televisión “Harry Potter” actualmente no tiene fecha de estreno.


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Stanbic IBTC Holdings nombra a Olusola David Borha presidente de la junta directiva

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La junta directiva de Stanbic IBTC Holdings Plc ha anunciado el nombramiento de la señora Olusola David Borha como presidenta de la junta.

Así se afirma en el aviso enviado por la empresa a Nigerian Stock Exchange Limited (NGX), que revisó Silbar.

Según el comunicado, el nombramiento entra en vigor a partir del 26 de septiembre de 2024 después de recibir todas las aprobaciones regulatorias requeridas.

La señora Sola David Borha sucede al señor Basil Omiyi como presidente tras la jubilación del señor Omiyi como director no ejecutivo y presidente de la junta directiva el 16 de mayo de 2024.

Según la declaración firmada por el secretario de la empresa, Chidi Okezie, Sola David-Borha se desempeñó anteriormente como director ejecutivo de Standard Bank, regiones de África. Antes de eso, también se desempeñó como directora ejecutiva de Stanbic IBTC Holdings y Stanbic IBTC Bank. Señora.

Sola David-Borha tiene una extensa carrera en el sector de servicios financieros, que abarca más de 35 años.

Su experiencia en educación ejecutiva incluye el Programa de Gestión Avanzada en Harvard Business School y el Programa Ejecutivo Global en CEIBS, Wharton e IESE.

Es Miembro Honorario Distinguido del Chartered Institute of Bankers of Nigeria y ganadora del Premio CNBC a la Mujer Africana del Año 2016.

La Junta señaló que confía en que el liderazgo de Sola David Borha será fundamental para impulsar la estrategia de crecimiento de Stanbic IBTC Group.

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David Raya, del Arsenal, está tranquilo y no se queja, y ya no debe ser subestimado

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Como ocurre con todas las quemaduras lentas, apreciar algo que tomó tiempo comprender le da al calor un tipo diferente de profundidad. David Rayácuya firma ha confundido y frustrado a mucha gente. Arsenal El jugador recibió un aplauso especial de la afición del Atalanta a su llegada al nuevo estadio. No fueron los únicos que quedaron impresionados por sus increíbles paradas de goles. Gian Piero Gasperini, el técnico italiano que estuvo presente en muchos de los barrios, gritó: “¡Es un gato!”

Es un gato que ha vivido dos personalidades diferentes en su carrera con el Arsenal. El primer personaje se mostró un poco indeciso y cauteloso mientras se acostumbraba a su nuevo entorno. El personaje actual actúa como una criatura más audaz, caminando con confianza por su área, examinando todo, sin ser molestado por nada que encuentre.

La doble parada de Raya a Matip Retegui fue el momento decisivo de este partido. Liga de Campeones de Europa Fueron como dos tiros penales en una jugada, y hubo un silencio intenso entre ellos, debido a la naturaleza de las oportunidades que estaban disponibles en un encuentro uno contra uno. La primera parada a su derecha fue sólida, pero su ráfaga de giros y llegada al segundo gol, el rebote de Retegui, fue asombrosa. “En ese momento hice dos de las mejores paradas de mi carrera”, dijo Mikel Arteta.

La confianza, como siempre decía Arsene Wenger, es lo más fácil de perder y lo más difícil de ganar. Es sorprendente lo que la confianza ha hecho por Raya, de 29 años. Ahora que es sin duda el portero número uno del Arsenal, se comporta de otra manera. Está tranquilo y en control. No es el más alto (6 pies) para su posición -una de las críticas al inicio de todo esto- pero ha crecido en estatura y presencia.

Era comprensible que estuviera molesto cuando llegó por primera vez al club. Fue complicado. Estaba dando un gran paso en términos de auditoría antes. Brentford Al Arsenal. No recibió una bienvenida especial por parte de los fanáticos que querían a su predecesor. Aaron RamsdellVivió y entrenó todos los días con el portero al que reemplazó repentinamente, aunque hay que reconocer que Ramsdale nunca se mostró hostil ni falto de apoyo en circunstancias difíciles.

Esto no refleja en absoluto a Ramsdale como hombre o como portero, pero Raya parece liberada por el hecho de que ha pasado por una temporada de transición y salió del otro lado, y está a la altura de la confianza depositada en él por Arteta. . Ha encontrado un mayor nivel de excelencia constante y parece muy cómodo en la piel del portero. Ser muy relajado, tranquilo y concentrado, similar a Seaman. “Estoy en un buen lugar ahora”, dijo.


Raya salta hacia la derecha para negar el tiro penal de Retteje (Timothy Rogers/Getty Images)

Cuando Petr Cech llegó al Arsenal procedente de ChelseaJohn Terry comentó que es el tipo de portero que gana puntos y esperaba que valga entre 12 y 15 puntos para su club. Esto realmente no le sucedió a Chick una vez que la edad comenzó a afectar sus reacciones. Pero lo que complementa el nivel de Raya esta temporada es que juega como un portero que suma puntos para su equipo.

“El año pasado fue ciertamente realmente impresionante, incluso en este contexto ciertamente diferente”, dice Arteta, “y ha sido excepcional esta temporada. Hizo las paradas que hizo contra Villa y… Atalanta “Nos mantuvo en el juego. Eso es lo que necesitamos de un portero de este nivel”.

Cuando hubo presión para mantener el excelente récord defensivo del equipo este año, lo manejó con confianza. Atalanta ganó un tiro penal después Thomas Partey Hizo contacto torpe con EdersonVerificar la sanción llevó algún tiempo.

Raya aprovechó el retraso y salió de su portería para dirigirse al banquillo de suplentes por el lado equivocado de la línea media, una apuesta enorme para un hombre de su posición, para conectar con Iñaki Cana.

“Fui a hablar con el entrenador de porteros para tener una mejor idea de qué hacer y qué no hacer”, dijo Raya. “Me ayudó mucho en todos los aspectos, así que el crédito también es para él. Él hace todo el trabajo con todo. Los jugadores, el personal, los aficionados, la confianza que tienen en mí, Iñaki tiene mucha confianza en mí. Sólo tengo que hacerlo bien para el club”.

Retejoy se armó de valor para ejecutar el penalti, pisoteó el césped como si bailara un claqué y corrió a disparar. Raya se abalanzó sobre el balón para cortarlo, pero luego hizo la mejor parada cuando saltó para cambiar de dirección y despejar el rebote. Fue envuelto en un cálido abrazo por parte del guardia. William SalibaGabriel y Benjamin White, y eso significa muchos abrazos, por sus esfuerzos.

La inteligencia defensiva del Arsenal fue necesaria en una noche que confirmó que todavía están buscando establecer una manera de jugar sin Martín Odegaard Lleva el bastón de mando.

El sistema revisado parece tener mucho sentido y permitirá al Arsenal retener… Kai Havertz El Arsenal hizo bien sus pases finales, apoyándose en una gran cantidad de jugadores de ataque. Pero en ausencia de combinaciones y movimientos bien pensados, hubo falta de compostura y compostura. La noche no fue la mejor para los pases finales. No hay duda de que el Arsenal trabajará para mejorar la fluidez y precisión del juego en este aspecto.

Era la noche de Raya. Finalmente, silenciosamente recogió todas sus cosas de su boca y caminó por su mitad del campo hacia el resto del equipo. Abrazó durante mucho tiempo a Cañá, portero suplente del Arsenal en aquel momento. netoLuego su homólogo en Atalanta, Marko Carnesecchi, antes de dirigirse a la afición del equipo visitante. Los aplausos fueron para él. Era la canción que le cantaban. Fue apreciado.

Por eso vino aquí. Por eso lo contratamos. Es callado, no se queja y ya no es apreciado. Lleva la camiseta número 1 en la espalda, reliquia de su llegada aquí con otro portero vistiendo la camiseta principal. Pero sigue siendo el número 1 en todo lo demás.

(Imagen superior: Stuart Macfarlane/Arsenal FC vía Getty Images)



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La estrella de Friends, David Schwimmer, ha rechazado una de las mejores películas de Will Smith

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En alguna línea de tiempo alternativa, pudo haber sido la película “Hombres de Negro” la que catapultó la carrera cinematográfica pionera del actor. Estrella de la serie “Friends” David Schwimmer reemplaza al ganador del Oscar Will Smith. Las historias sobre el casting de Schwimmer para la primera película de “Hombres de Negro” han existido durante años. Sin embargo, durante una aparición esta semana en el podcast “Orígenes con Kush Jumbo” (Vía The Hollywood Reporter), Schwimmer explicó con más detalle por qué eligió un proyecto diferente a la exitosa comedia de ciencia ficción.

“[It] “Fue una decisión brutal”, admitió el actor a la revista Jumbo, citando más razones detrás de su decisión de rechazar el papel del Agente J que el apretado calendario de rodaje de “Friends”. “Acababa de terminar de filmar The Pallbearer, que fue mi primera película con Gwyneth Paltrow, y había grandes expectativas que no se hicieron realidad”, le dijo Schwimmer al presentador, riendo. “Fue como una bomba, pero las hubo. Las expectativas eran altas y el estudio Miramax quiso vincularme a un contrato”. “Eran tres películas por un precio fijo y dije que lo haría si tuviera la oportunidad de dirigir mi primera película”.

Schwimmer pasó meses negociando con Miramax antes de llegar a un acuerdo: aparecería en tres películas adicionales para la compañía, pero también dirigiría una película con su “compañía teatral completa”. El actor habló sobre esto tr (a través de Guarida de frikis) también en 2016, y explicó: “Ese era mi objetivo, dar […] “Para mantener a todos conmigo, para darles a todos una oportunidad. Y lo hice”. La película en cuestión era “Desde que te has ido”, una comedia de reunión de clase que Schwimmer coprotagonizó y dirigió a partir de un guión de Jeff Steinberg. El elenco incluía a Philip Rayburn Smith, Joey E. Gregory, Joey Slotnick, Teri Hatcher, Jon Stewart, Rachel Griffiths y Lara Flynn Boyle, algunos de los cuales formaban parte de la compañía de teatro que amaba a Schwimmer.

Schwimmer eligió hacer una película protagonizada por sus amigos en lugar de interpretar al Agente J.

“Todos estos actores desconocidos, pero básicamente los iba a poner en el mapa. Iba a dejar que todos descubrieran el talento de esta increíble compañía”, le dijo Schwimmer a Jumbo, describiendo su ambición para el proyecto. Entonces, cuando Schwimmer recibió una llamada sobre un trabajo en “Hombres de Negro”, que se suponía pondría fin a toda la franquicia de “Desde que te fuiste”, rechazarlo fue una obviedad. “Todos mis mejores amigos en el mundo en mi compañía de teatro renunciaron a sus trabajos para poder estar en esta película durante el verano, cuyo rodaje estaba previsto para seis semanas en Chicago”, explicó Schwimmer. Por supuesto, tuvo que filmar “Hombres de negro” durante los cuatro meses que estuvo libre de interpretar a Ross Geller en “Friends”, por lo que aceptar el trabajo significó que los actores de la compañía de teatro, sin mencionar el equipo de filmación, perderían sus trabajos. .

“Por supuesto, fue una oportunidad increíble”, concluyó Schwimmer. “Sin embargo, mi compañía de teatro y mi relación con toda esa gente podrían haber terminado. No creo que se hubiera recuperado”. Eligió no interpretar al Agente J y, con Will Smith en el papel, Hombres de Negro recaudó más de 587 millones de dólares en todo el mundo y Condujo a varias secuelas directas (así como a una secuela/spinoff)Schwimmer admitió que ahora era “plenamente consciente” de que el papel le convertiría en una estrella de cine, pero cree que es importante seguir el instinto y el corazón a la hora de tomar decisiones como ésta.

El actor sabe que podría haberse convertido en una estrella de cine

En algunos niveles, esto parece una historia con final feliz. Schwimmer pudo hacer una película con todos sus amigos, algunos de los cuales continuaron trabajando en Hollywood. Además, es posible que el Agente J que presentó no haya sido un personaje tan innovador como el de Smith. (Es difícil imaginar que la versión de Schwimmer del Agente J moleste al Agente K de Tommy Lee Jones de una manera que parezca completamente discreta). Desafortunadamente, la película de Schwimmer ni siquiera tuvo la oportunidad de convertirse en un éxito en los cines. Si bien no mencionó esto en el podcast, terminó siendo lanzado como una película para televisión en ABC.

No está claro exactamente qué sucedió detrás de escena, pero vale la pena señalarlo. El escandaloso productor Harvey Weinstein Miramax tenía mucha influencia en ese momento. En su libro Preguntas para el hombre que responde preguntas sobre películas, Roger Ebert responde a una pregunta de alguien que tenía curiosidad sobre de dónde venían los malos rumores sobre la película relativamente buena (que se titulaba Treading in Dogwater), y si alguien podría intentar sabotear el proyecto. En las memorias de Kevin Smith, “Tough Sh*t”, el guionista y director también recuerda que Miramax intentó obligar a los actores con los que tenía acuerdos genéricos, incluido Schwimmer, a renunciar a sus papeles. En su especial de 1997, Chasing Amy. Claramente, han sucedido muchas cosas detrás de escena con respecto al acuerdo de Schwimmer con Miramax, y todo esto ha hecho que la oportunidad de Men in Black sea más complicada de lo que parecía inicialmente.

Aún así, Schwimmer merece crédito por permanecer junto a sus amigos y por ser honesto acerca de lo difícil que le parece la decisión incluso ahora, casi dos décadas después de haberla tomado.


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La clave del final está enterrada en la tercera temporada, dice David Chase, creador de Los Soprano

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¿Qué pasó realmente después de eso? Cortar a negro ¿Al final de “Los Soprano”? Es una pregunta que ha estado molestando a los fanáticos del drama de HBO durante casi dos décadas, pero a veces parece una pregunta sin respuesta. El final sorpresa de la historia de Tony Soprano, que se produjo mientras él y su familia estaban sentados en una cena bastante normal en Holston's, fue presentado durante muchos años por el creador de la serie David Chase como una especie de situación del gato de Schrödinger. O Tony (James Gandolfini) está muerto o no, pero no podemos saberlo porque no nos dan esa información. El fin es el que es y lo único que podemos hacer es aceptarlo.

Pero el hecho de que muchos fans de “Los Soprano” adoptaran la opinión de que cortar la escena en negro significaba que Tony podría haber sido asesinado debe significar algo, ¿verdad? Esta explicación no fue aleatoria, pues al final había detalles que sugerían que tal vez no todo iba bien en esta cena familiar. La escena incluye a un hombre blanco de aspecto sospechoso vestido con una chaqueta exclusiva para miembros, así como a dos hombres negros, a menudo chivos expiatorios de los crímenes de la mafia italiana en el programa, como en el episodio “Hombres negros anónimos”, que ingresan al restaurante poco antes de la escena. cortes. También está el hecho de que Tony, a quien últimamente le han disparado muchas personas en la cabeza, levanta la vista cada vez que suena el timbre de la puerta para llamar a Holston. ¿Está esperando a su hija Mido o se está preparando para un ataque? El final de “Made in America” ​​​​está editado para lograr el máximo suspenso, pero nos deja antes de que llegue la fuente de la tensión.

Hubo un intercambio en el episodio de la muerte de Livia Soprano en la mente de Chase al final.

En los últimos años, Chase se ha vuelto menos reservado sobre el final de Made in America, aunque incluso cuando permite su propia interpretación de una escena, a menudo se muestra vago sobre lo que tenía en mente en ese momento. En el libro de Alan Sepinwall y Matt Zoller Seitz de 2019 “Las sesiones de soprano” Chase parece describir la escena final como una “escena de muerte”, aunque lo dirá más adelante. Le dijo a The Hollywood Reporter. Que no estaba pensando en la escena que terminó en el programa, sino en otra idea que tenía, que sería Tony. Fue asesinado en una reunión en Nueva York.Ahora, con el nuevo documental de dos partes de HBO “Wise Guy”, Chase es más sincero que nunca sobre el final, e incluso señala un intercambio en la temporada 3 que, según él, influyó en sus pensamientos sobre los momentos finales del programa.

Como muchos de los mejores diálogos de Los Soprano, la escena mencionada por Chase no llama la atención sobre su profundidad, sino que permite a los espectadores sacar sus propias conclusiones mientras retrata a los personajes de la serie como involuntariamente divertidos y más que simplemente estúpidos. Los espectadores recuerdan el episodio en cuestión, “Brushai, Levushka”, como aquel en el que murió Livia Soprano (Nancy Marchand), pero también incluye un diálogo entre Meadow (Jamie Lyn Sigler) y AJ (Robert Iler) que, según Chase, estaba en su mente cuando terminó el espectáculo. En este episodio, AJ intenta descifrar su tarea, el poema de Robert Frost “Stop by the Woods on a Snowy Evening”, mientras escucha música metal. “¡Idiota, Robert Frost!” Anuncia, antes de que Mido intervenga para ayudarlo.

AJ Soprano cree que el color negro simboliza la muerte

En su intento de hacer que AJ pensara metafóricamente, Meadow le preguntó qué podría representar la nieve en el poema. “Navidad”, dijo, pero ella estaba pensando en otra cosa. “¿Hola? ¿Frío? ¿Blancura sin fin? ¡Nada sin fin!” Cuando AJ no entendió la respuesta, Meadow le dio la respuesta: muerte. “Pensé que el negro era la muerte”, respondió AJ. Meadow explicó que el narrador de Frost “habla de su propia muerte, que aún está por llegar, pero… el vendraSu hermano concluye simplemente: “Esto es un desastre”. Sin embargo, cuando Meadow salió de la habitación, reafirmó su idea de que era el negro, no el blanco, lo que simbolizaba la muerte.

Al final del nuevo documental, Chase dice que extraña las opciones de escritura y resolución de problemas que conlleva la realización de películas, y cita como ejemplo la decisión de terminar Made in America con un corte en negro. “Durante el proceso de edición: OK, ¿por qué negro? ¿Por qué los cortes negros?” Se responde señalando “Brushai, Levushka” y dice: “Quiero decir, hubo esa escena entre Meadow y A.J. Eso fue hace mucho tiempo. Estaba haciendo su tarea. Creo que 'El bosque en una noche nevada' es El poema. El poema de Robert Frost.” Ella dice: “Aquí, el documental reproduce la escena y la afirmación de Mido de que el blanco es la muerte. “¡Pensé que negro significaba muerte!”, recuerda Chase que dijo AJ. “Así que eso también estaba en mi cabeza. Pero, mira, ahora la gente dirá: '¡Mira, lo admitió!'

“Made in America” nos pide imaginar lo que viene después

Esto parece una admisión, pero no es una admisión que disminuya el impacto de Made in America. El hecho de que Chase, Se sabe que tiene una gran memoria para los detalles.Vincular la posible muerte de Tony Soprano con la mala interpretación de un poema por parte de su hijo años antes es nada menos que genial. Por muy insignificante que fuera esta escena en ese momento, también ocurrió durante el episodio en el que se produjo la muerte de Livia Soprano. Dada la complejidad de la relación de Chase con su madre, a quien el director del documental “Wise Guy”, Alex Gibney, me dijo que se basó en su personaje (y alrededor de la cual construyó el mundo del programa), no sorprende que aparezcan conexiones con la muerte de su contraparte ficticia, intencionalmente o no, en la última hora de la serie.

Hablamos mucho sobre si Chase tenía la intención de que Tony Soprano muriera al final del programa, pero no hablamos lo suficiente sobre cuán horrible fue la parte de la historia que quedó a nuestra imaginación. Al volver a mirar la escena final a la luz de las recientes y misteriosas revelaciones de Chase, me sorprendió un pequeño detalle desgarrador que nunca antes había notado. No todos se dan cuenta de que están en los momentos finales de sus vidas mientras están en ello, y eso parece ser cierto para Carmella (Edie Falco), AJ y Meadow, si no para Tony. La cena familiar se da por sentada hasta el punto en que Carmella apenas mira a Tony en la escena, no por despecho, sino simplemente porque está segura de que lo volverá a ver más tarde. Mientras AJ está pensativo (refiriéndose a la petición de Tony de recordar los buenos tiempos, otro intercambio de la vieja temporada), Meadow simplemente se centra en el estacionamiento en paralelo. ¿Se adentrará en un baño de sangre con su padre baleado en el suelo? ¿O se puso a la derecha de Holston mientras sucedía y terminó en medio de la violencia?

Hay otra escena de muerte que David Chase no quiso mostrarnos

Es difícil imaginar a Tony muriendo frente a su familia en Holston, del mismo modo que es difícil imaginar que alguno de ellos termine baleado en el proceso. Chase nos permite elegir imaginar estas cosas o elegir no imaginarlas. Otra historia detrás de escena compartida por Wise Man, donde Chase decidió romper sus propias reglas al filmar la secuencia de la muerte de Adriana sin mostrar su muerte, también parece central para Made in America. La actriz Drea De Matteo explicó: “David no quería ver que le dispararan porque la amaba”, y Chase la secundó: “No podía soportar ver que le dispararan a Adrianna. No podía ver eso”. ¿Podría ocurrir lo mismo con Tony? En un mundo que a menudo enmarca el gran arte de manera más formal que sentimental, hay algo hermoso y personal en que un cineasta le ofrezca al mundo un espectáculo que él mismo no quiere ver.

Chase les da a los fanáticos una pista más sobre el final de la película de Tony Soprano antes de que “Wise Guys” pase a negro. Dice que usó la canción de Journey “Don't Stop Believing” en la escena final del programa en parte porque seguía volviendo a algunas letras clave: “La película nunca termina/Continúa y sigue y sigue y sigue”. Esta transición al negro fue el final de una película, por así decirlo, pero al terminar en medio de tanta acción cotidiana, Chase nos recuerda que las vidas de otros continuarán. “Creo que lo que estaba pensando era: 'El universo sigue y sigue'. Puede que no siga y siga, pero el universo seguirá y seguirá. La película continuará”, explicó. El negro puede significar la muerte aquí, pero no significa el final: el era Después de todo, todavía estoy aquí, pensando en cómo dejamos “Los Soprano” después de todos estos años. Eso en sí mismo hace que el destino de Tony sea fascinante.

“Wise Guy” ahora está disponible en Max.


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