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Stan Lee tenía una condición para aparecer en el clásico de culto de 1995 de Kevin Smith

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El guionista y director Kevin Smith reveló recientemente la única condición que tenía la leyenda del cómic Stan Lee para aparecer. Mallrats. Una película de comedia de 1995 que fue criticada y decepcionada en taquilla. No fue un éxito inmediato para Smith.. Pero gracias a su sentido del genio, sus diálogos ingeniosos y la aparición del fallecido Stan “The Man” Lee, Mallrats Ha pasado al estatus de clásico de culto desde su lanzamiento hace casi tres décadas.

en un vídeo de gq, Mientras analizaba sus películas más famosas, Smith compartió una anécdota en la que habló de cómo surgió Lee. El director declaró que escribió el papel como un experto en cómics al estilo de Stan Lee, pero el productor Jim Jacks, que conocía a Lee, Sugirió que Smith reescribiera el guión para incluir al cocreador de Spider-Man. Él accedió y Jack le envió el guión a Lee, lo que provocó que el propio Stan llamara a Smith.

Stan Lee es uno de los actores. Tiene varias escenas en la película. Obtuvo varias escenas en la película gracias a él. Ni siquiera se suponía que estuviera en la película, Stan Lee no era un personaje en el primer borrador, ni un par de Mallrats. Jim Jacks, nuestro productor, leyó la escena con Brody, donde Brody conoce al tipo que le está dando consejos. Él dice: “¿Quién se supone que es este profesor de cómics?” Pensé: “Oh, será como Stan Lee o algo así”. Y él dice: “Bueno, ¿por qué no lo conviertes en Stan Lee?” Y dije: “Bueno, no conozco a Stan Lee”. Y Jim Jack dice: “Está bien, lo hago”. Fue entonces cuando me di cuenta de que Hollywood es bueno, como todos estos alborotadores que se conocen. Entonces dijo: “¿Por qué no reescribes la escena para Stan y yo se la llevo y veo qué dice?”. Y yo digo “Está bien”. Así que se lo reescribí a Stan. Llamado al mediodía, Stan Lee fue quien llamó. Yo estaba como, “Oh”. Y él dijo: “Oye, este es Stan Lee”.

Durante esa llamada telefónica, Lee Smith advirtió sobre aparecer en la película. Como su conversación trataba sobre una chica que se había escapado, quería que Smith prolongara la conversación con Lee mientras bromeaba, para no molestar a su esposa, Joan Lee. Sin embargo, Smith pronto descubrió esto. El motivo era ampliar la marca Stan Lee. Pensé que era inteligente.

Y él dijo: “Oye, este es Stan Lee”, y yo dije: “Dios mío, sé quién eres”. Y dije: “Esto es una locura, hombre. Crecí escuchándote. Soy un gran admirador. Él obviamente es un gran admirador del trabajo. Y me dice: 'Lo noto, he leído las páginas'”. ' Se siente tan bien.” Y dije: “Está bien, ¿puedes hacer eso? ¿Quieres hacer eso? ¿Vienes a jugar con nosotros? Y él dice: “Bueno, esta es la cuestión, Kevin. Me tienes en esta película hablando de la chica que se escapó en un monólogo muy hermoso. Si estuviera en una película como yo, y estuviera hablando de la chica que se escapó, la chica que metí en la casa cerraba la puerta y no me dejaba.” De regreso a casa, lo que sugiero es que pongamos otra escena donde hable de que solo estaba bromeando, de esa manera Joan No se enojará conmigo.” Y pensé que era increíblemente genial, así que escribí otra escena en la que Stan conoce a TS, el personaje de Jeremy London….

Lo conozco desde hace mucho tiempo y lo que descubrí es que Stan no era muy bueno expandiendo la marca Stan. Entonces, Stan descubrió cómo conseguir otra escena en la película. A Stan realmente no le importaba lo que pensara Joan. Era una película. Me importa una mierda. Fue el hombre que creó a Thor, por el amor de Dios. Pero él dijo: “Sabes, esta sería una buena manera de ampliar mi papel en la película”. Entonces él era inteligente. Muy inteligente, viejo Stan Lee.

¿Qué significa el cameo de Stan Lee para Mallrats?

Proporcionó credibilidad geek

Kevin Smith ya había hecho eso Se estableció como un maníaco portador de tarjetas.gracias a la iconografía El imperio ataca de nuevo/ Conversación con la Estrella de la Muerte en su exitosa película de comedia independiente, Oficinistas. La salida se duplicó con Mallratslo que fortaleció su posición en el mundo del genio. Brodie (Jason Lee) es una enciclopedia ambulante de cómics, y también fue presagiado por el cruce de cómics Marvel/DC de 1996 en una conversación con Rene (Shannen Doherty). Sin embargo, el cameo de Stan Lee fue un gran problema.

Imagen compuesta de Jason Lee guiñando un ojo frente a un cartel de Mallrats

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Stan Lee ya era un nombre muy conocido para los lectores de cómics en ese momento. Mallrats Fue liberado para verlo aparecer en una película dirigida hacia ellos. Dio cierta credibilidad muy necesaria.. Mallrats Este no fue mi primer papel en la pantalla, ya que apareció en una película para televisión de 1989. Juicio del Increíble Hulk. Sin embargo, como señala Smith en el vídeo, su papel aquí es más que un simple cameo, ya que tiene múltiples escenas y varias líneas de diálogo. Lee incluso apareció en el cartel de la película.

Nuestra versión de los Mallrats de Stan Lee

Marcó el tono de las películas venideras.

antes MallratsStan Lee no actuó mucho, aparte de narrar y brindar trabajo de voz en varios proyectos de Marvel en la década de 1980. pero Mallrats Pruébalo Lee no sólo era un narrador prolífico, sino que también podía actuar.. Esto allanó el camino para casi 40 apariciones en películas y series de televisión relacionadas con Marvel. De hecho, la aparición de Stan Lee se ha convertido en sinónimo de las películas del MCU que su ausencia en ellas desde su muerte ha sido notoria. Todo esto es gracias a que Lee intentó reducir un poco su tiempo frente a la pantalla. Mallrats.

Fuente: GQ

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La comedia de terror de Netflix, What's Inside, reinventa un tropo cinematográfico clásico

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es lo que hay dentro
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Este artículo contiene Spoilers Acerca de “Es lo que hay dentro”.

Aunque la idea parezca extravagante, la primera película sobre intercambio de cuerpos se remonta a 1916, con la película británica de fantasía Vice Versa, en la que un joven escolar intercambia mágicamente cuerpos con su dominante padre. Se basa en una novela anterior de 1882 del mismo nombre y marcará el comienzo de uno de los tropos cinematográficos más imperecederos que existen fuera de los límites del género. Las películas de intercambio de cuerpos son más prominentes en comedias familiares como Franquicia “Freaky Friday”. O la criminalmente subestimada Wish Upon a Star con Danielle Harris y una joven Katherine Heigl, o incluso películas de acción como Face/Off de John Woo. Las películas de ciencia ficción suelen explorar el intercambio de cuerpos como una forma de avance tecnológico, los cómics cuentan con muchas historias de intercambio de cuerpos (por lo que es sólo cuestión de tiempo antes de que veamos una en acción real), e incluso… Películas de terror como la película de terror “Freaky” La película surcoreana “Demons” está dispuesta a explorar las pesadillas que pueden seguir al despertar en el cuerpo de otra persona.

Netflix lanzó recientemente el éxito de Sundance de Greg Jardin “It's What's Inside” en su plataforma de streaming, y Un thriller retorcido y enérgico Es la película perfecta para ver esta temporada espeluznante. Las películas de intercambio de cuerpos ofrecen una forma fascinante, aunque ficticia, de explorar temas de identidad y autopercepción. Dado que ahora vivimos en un mundo donde es imposible no ser observado en todo momento, la Generación Z tiene una perspectiva única sobre el lugar que cada uno ocupa ante el ojo público. Por lo general, las películas de intercambio de cuerpos se utilizan para que los personajes puedan “caminar una milla en los zapatos de otra persona”, una forma de ganar empatía por otra persona. En el caso de “Eso es lo que hay dentro”, el intercambio de cuerpos es una herramienta para extraer secretos de las profundidades de cada uno, y el teatro definitivo de “¿Qué harías?” dilema.

Una película de intercambio de cuerpos donde no puedes volver a cambiarlo.


Alicia Debnam-Carey, David W. Thompson, Esto es lo que hay dentro
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El intercambio de cuerpos en “Eso es lo que hay dentro” no se realiza mediante una maldición o magia, sino mediante una nueva y poderosa tecnología inventada por un hombre llamado Forbes (David W. Thompson), que lleva la máquina a una reunión de fin de semana con su viejo contrapartida. Amigos de la universidad antes de que uno de ellos se casara. Es muy “háblame” en su premisa.donde una actividad extremadamente peligrosa y completamente contraproducente se trata de manera horrible como un truco de fiesta similar a estar sobre un barril.

El grupo utiliza máquinas para cambiar a los cuerpos de los demás, y el juego consiste en que todos intenten adivinar quién está realmente dentro de cada persona. Me recuerda a un viejo juego de teatro que solía jugar en la universidad donde todos teníamos que imitar las travesuras de otra persona mientras el resto del grupo tenía que adivinar a quién estábamos imitando, pero, yanno, sin todo el asunto de la “habitación literal del cuerpo”. A tus amigos les encanta esta escena de la película live-action Scooby-Doo “Donde Fred habla de querer mirarse desnudo después de habitar el cuerpo de Daphne es contundente, siendo un juego de alto nivel teatral que también ambienta la película”. En línea con “Cuerpos, Cuerpos, Cuerpos” Cuál sería la combinación perfecta de funciones duales con esta.

Pero a diferencia de la mayoría de las películas sobre intercambio de cuerpos, que a menudo se centran en personas que corren contra el tiempo antes de que el intercambio se vuelva permanente, “It's What's Inside” trata sobre lo que sucede cuando el intercambio se vuelve imposible. Durante la segunda ronda de intercambio, dos personajes que habitan en los cuerpos de sus amigos se escapan para tener sexo en el balcón. Desafortunadamente, la integridad estructural del balcón no puede sostenerlos y los dos caen y mueren, llevándose los cuerpos de sus amigos a la tumba con ellos. Claro, los verdaderos dueños de los cuerpos podrían, en teoría, apoderarse de los cuerpos de sus amigos ahora muertos, pero ¿realmente harían eso? el quiere ¿Sus vidas? ¿Es esto realmente un comercio justo?

Película de fiesta perfecta para amigos.


Alicia Debnam-Carey, Eso es lo que hay dentro
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Para ayudar al público a realizar un seguimiento de quién está en cada cuerpo, la película utiliza técnicas de iluminación antiguas para ayudar a diferenciar lo que ven los personajes en comparación con quiénes son. realmente En la escena. Al inundar la habitación con luz roja para indicar quién está “adentro” y colores brillantes para mostrar lo que cada personaje está viendo, se siente como una imitación de las antiguas técnicas de maquillaje e iluminación utilizadas en la película de 1931 “Dr. Jekyll y Mr. Hyde”, actualizado para las sensibilidades de la Generación Z.

Cuando Netflix compró “It's What's Inside” después de su estreno en Sundance, muchos críticos de cine lamentaron la idea de que la película nunca llegaría a la pantalla grande. No negaré que ver las impresionantes imágenes de la película en el mayor tamaño posible sería un placer, pero entiendo completamente por qué Netflix querría capturarla desde el dispositivo de transmisión. Esta es la película de terror perfecta para ver con amigos durante una reunión de Halloween. Invita a algunos amigos a tu casa, corta un poco de calabaza, come algunos dulces y aprende la dolorosa verdad sobre cómo te ven tus amigos y cómo te ven tus amigos al discutir si es apropiado o no pasar el resto de tu vida en el cuerpo. . ¡Para alguien más en la habitación! El terror divertido regresa a lo grande este año gracias a lanzamientos como La bailarina y el vampiro película “Abigail” y Película de comedia de terror “Lisa Frankenstein” Y “Es lo que hay dentro” continúa esa tendencia.

El giro de la fórmula del intercambio de cuerpos es lo que hace de este un reloj fascinante, y dado que los diferentes enfoques para resolver un rompecabezas hipotético se basan en la autoestima de cada individuo y la percepción de su lugar en el mundo, se puede aprender mucho sobre un persona en función de su resolución de problemas. Esta nueva versión de un concepto probado y verdadero ha transformado la metáfora en un experimento de pensamiento ético e interactivo. No se sabe qué hará Greg Jardine a continuación, pero si la popularidad de la película en Netflix es una indicación, se le podría dar el potencial de convertir esto en una franquicia con grupos de amigos desprevenidos que se involucran en aventuras de intercambio de cuerpos. Con un concepto tan establecido y un nuevo enfoque del tropo, sería una pena que este fuera el último viaje para descubrir si lo que hay dentro realmente importa.

“Es lo que hay dentro” ahora está disponible para transmitir en Netflix.


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Mi película favorita de Clint Eastwood de todos los tiempos es un clásico de 1950

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Clint Eastwood
Warner Bros.

La carrera de Clint Eastwood en Hollywood comenzó oficialmente en 1955 cuando hizo una breve aparición no acreditada como técnico de laboratorio en La venganza de la criatura de Jack Arnold. Después de nueve años, Infeliz como una mediocre estrella de televisión en la serie occidental de CBS “Rawhide”, Viajó a España para hacer un western diferente con un director muy diferente llamado Sergio Leone. El resultado, Por un puñado de dólares, cambió la faz del género para siempre y puso a Eastwood en el camino de convertirse en un cineasta por derecho propio.

La carrera de Eastwood tuvo un comienzo extrañamente enfático con el thriller de suspenso “Play Misty for Me”, en el que la dura y fanfarrona estrella de “The Good, the Bad and the Ugly” y “Dirty Harry” interpretó a una víctima del disc jockey del Área de la Bahía. . Nadie esperaba esto de Eastwood, y es justo decir que nadie vio a este ídolo enormemente popular en la pantalla grande haciendo una película sobre el gran jazz Charlie “Bird” Parker, una desgarradora adaptación de la novela descaradamente sentimental “The Bridges of Madison.” Condado” y “Vaqueros Espaciales”.

Desde la obra maestra revisionista de 1992 Imperdonables Eastwood sale repetidamente de su zona de confort para compartir con el público su visión del mundo difícil de definir. Podrías pensar que lo tienes políticamente relevante (especialmente después de que bombardeó la Convención Nacional Republicana de 2012), pero a juzgar por sus películas, trata con tonos de gris. Así que tengo curiosidad por ver cómo se manifiesta esta filosofía en su última película, “Jurado #2”, otro giro de la leyenda. Si el tráiler es un fiel reflejo de la película finalEs un drama judicial a la antigua usanza con un toque de suspenso.

Hablando de divagar, cuando se trata de adelantar sus películas favoritas de todos los tiempos, Eastwood ha expresado su profundo y permanente amor por películas como “How Green Was My Valley” de John Ford, “The Ox-Bow Incident” de William A. Wellman y “El “incidente Ox-Bow” dirigida por John Ford. John Huston, “El tesoro de la Sierra Madre”. ¿Pero su favorito de todos los tiempos? No es un western, aunque alguien recibe un disparo.

El Sr. Eastwood está listo para su primer plano.


Sunset Boulevard Gloria Swanson
Supremo

En una entrevista conjunta con su hijo Scott Eastwood para la revista EsquireEastwood papá Billy Wilder eligió “Sunset Boulevard” como su película favorita de todos los tiempos. Esta oscura comedia negra (que también es cine negro) protagonizada por William Holden como un guionista que se encuentra contratando a una estrella del cine mudo de fuera del prado (Gloria Swanson), no parece tener un buen carácter. Influencia directa en cualquiera de las películas de Eastwood. ¿Quizás “Cazador Negro, Corazón Blanco”? Un drama ficticio de Hollywood sobre la realización de la “Reina de África”. ¿Qué es lo que la sitúa por encima de todos los westerns de Ford y las duras películas de detectives que influyeron, respectivamente, en El hombre sin nombre y “El sucio” Harry Callahan?

Según Eastwood:

“Dos estilos diferentes: el estilo de una actriz de cine mudo y luego el estilo del personaje de William Holden, alguien más contemporáneo. Los dos estilos combinan bien. Siempre me ha encantado Billy Wilder”.

Si alguna vez has visto las películas habladas de Eastwood o incluso has profundizado en su propio oficio, esto es lo más introspectivo posible. No tengo ninguna duda de que le encanta esta película, pero si esperas que se abra un poco más, puedes olvidarte de ella. Lo que realmente hace que “Sunset Boulevard” sea especial para Eastwood seguirá siendo un secreto. Y si se pregunta qué mirar cuando necesita reírse, pruebe “Tropic Thunder”. El hombre es un misterio.


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Revisión de Astro Bot: el juego de plataformas estilo Nintendo del equipo Asobi es un clásico instantáneo de PS5

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En los últimos años, el primer partido sony Los juegos se distinguían por su preocupación única por la fidelidad gráfica. Uncharted 4, The Last of Us Part 2, Ghost of Tsushima, Horizon Forbidden West, God of War y Spider-Man, todos buenos juegos, están limitados por su propia vanidad. Sin embargo, en su búsqueda de imágenes casi realistas (esa apariencia dura y sombría), están dejando atrás la vibrante estética de los videojuegos, que ahora solo se encuentra en… nintendo Títulos o juegos independientes.

Y es por esto Astrobot Es una anomalía. Como un lindo, colorido y dulce juego de plataformas en 3D, está claramente posicionado en el mundo de los videojuegos. Estación de juegos Catálogo de juegos. Actualmente no hay nada parecido en la lista de Sony; Incluso Ratchet y Clank, con su nuevo y brillante abrigo con trazado de rayos, no se salvaron. Más allá de la magia de la animada presentación visual, Astro Bot es una aventura deslumbrante e imperdible que dejará tu corazón cantando. Su autenticidad infantil, su innegable seriedad y su entrañable simplicidad se destacan en medio de las tristes y serias exclusivas de PlayStation que parecen esforzarse por ser más que un simple videojuego.

¡Lo cual no es ninguna sorpresa! Después de todo, equipo asobi Proporcionó la misma experiencia en un paquete pequeño con Astro's Playroom cuando PS5 Se lanzó en 2020. De una linda mascota que sirvió como demostración técnica gratuita para el controlador DualSense, Astro ha evolucionado hasta convertirse en un gran ícono de PlayStation con un juego completo que fue cuidadosamente diseñado y realizado con amor. Sí, Astro Bot tiene algunas deficiencias mecánicas: no tiene tantas piezas móviles como un robot. Super Mario Odisea. Pero la experiencia que ofrece no es en absoluto débil: para ver todos sus secretos y huevos de Pascua y recolectar todos los robots, podrías pasar entre 15 y 20 horas moviéndote por su ramo planetario. Tampoco está completamente libre de desafíos; Es una aventura sencilla, pero hay niveles que pondrán a prueba tu paciencia y habilidad. Lo más importante es que, entre la abundancia de juegos obsesionados con verse bien, Astro Bot destaca por su obsesión por la diversión.

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Hay una historia de estilo anime el sábado por la mañana en Astro Bot que enmarca el viaje galáctico en el que te encuentras. Astro y sus robots viajan al espacio a bordo de su nave nodriza, la PS5, antes de que su némesis Nebulax ataque a la alegre tripulación y robe la CPU que alimenta la consola. La PS5 chisporrotea y explota, haciendo que sus partes centrales se dispersen por múltiples galaxias. Los simpáticos robots también son expulsados ​​de la nave, que se estrella en un planeta desértico con Astro a bordo. A continuación, nuestro héroe robot titular emprende una aventura intergaláctica, en el proceso. Súper Mario Galaxia Juegos para rescatar a compañeros de equipo dispersos y recuperar partes perdidas de la nave antes del enfrentamiento final con Nebulax.

Con la nave nodriza de PS5 retirada, Astro tendrá un nuevo vehículo: el Dual Speeder, un vehículo más pequeño que esencialmente representa Doble sentido Control. Aquí es básicamente donde comienza el juego, con seis galaxias y más de 70 niveles repartidos en planetas claramente temáticos esperando a ser explorados. Y en el centro de todo está el lugar del accidente, que se convierte en su base de operaciones. A medida que recuperas robots varados de otros planetas y reparas tu PS5 recogiendo las piezas que faltan, el desierto florece y se transforma en un oasis. Con el tiempo, los compañeros de equipo de Astro pueblan el lugar del accidente, ayudándolo a crear nuevos experimentos y completar misiones que anteriormente estaban cerradas. El sitio también se convierte en un museo de recuerdos de PlayStation cuando rescatas y recuperas robots VIP basados ​​en personajes de videojuegos populares.

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El lugar del accidente se llena a medida que rescatas a más robots.
Crédito de la imagen: Sony/Captura de pantalla: La leyenda de Manas

Si el resto del juego es desafiante, el lugar del accidente se convierte en un paraíso de entretenimiento. Aquí puedes caminar con tus robots, encontrar baratijas ocultas y desbloquear premios. Una vez que rescates suficientes robots, te ayudarán a reparar la ubicación y acceder a áreas que antes eran inaccesibles y que traerán más cosas por descubrir. Puedes interactuar con bots VIP: ¡hay más de 150! –– Simplemente acércate a ellos y golpéalos en la cabeza y aparecerá una linda animación específica del juego al que pertenece el robot. Mi favorito era el robot cazador de Bloodborne. Cuando intentas golpearlo, ¡te bloquea!

Las otras seis galaxias que rodean el lugar del accidente vienen con un conjunto de planetas de diseño único, cada uno de los cuales sigue un tema visual específico. Uno se compone de dulces y bollería. Otro es un planeta volcánico que escupe fuego y cenizas. Hay niveles tropicales, donde brilla el sol y el mar brilla. Un planeta está representado en un estilo pixel art estilo Minecraft y el otro es un nivel de casino diseñado con herramientas de juego. Por supuesto, hay algunos niveles que parecen haber sido reutilizados, con orígenes repetitivos y motivos recurrentes, pero el gran volumen de experiencias que se ofrecen aquí hace que el planeta déjà vu ocasional sea tolerable.

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Remasterización de Bloodborne ¿cuándo?
Crédito de la imagen: Sony/Captura de pantalla: La leyenda de Manas

Algunos planetas especiales están diseñados a partir de otras franquicias de PlayStation como God of War, Uncharted y Horizon. Aquí, Astro usa un avatar único y obtiene habilidades especiales asociadas con esos mismos juegos. Por ejemplo, en dios de la guerra En el nivel llamado “War Bot”, Astro Kratos se convierte en un lindo robot y toma su hacha Leviatán, que puede lanzar y luego conectar nuevamente, como el martillo de Thor. Y en “Amigo Ryder” desconocido En el primer nivel, juegas como Nathan Drake y te abres camino a través de un laberinto lleno de acción con emboscadas esperando en cada esquina. Estos mundos, que también incluyen las partes faltantes de la nave de PS5, se desbloquean después de derrotar al jefe principal de la galaxia. No es una gran desviación de lo que encuentras en los planetas normales en términos de exploración, pero las nuevas habilidades ofrecen una nueva forma de navegar en el espacio.

Los planetas estándar también están llenos de sorpresas. Ocultan secretos subterráneos, portales a niveles completamente nuevos y, a veces, se transforman por completo, desplegándose en espacios invisibles que esconden auténticas maravillas, como desenvolver un caramelo y encontrar dos en su interior. En un planeta, que comienza como un agradable jardín, ves un humilde árbol joven, lo riegas y un enorme árbol explota, su copa perfora las nubes y besa el cielo como si estuvieras en Jack and the Beanstalk. Ahora, todo el nivel se desarrolla en las ramas de un árbol imponente mientras trepas y avanzas en tu misión de rescate. Estos trucos de transformación, detalles sutiles dentro de los niveles y sorpresas creadas de la nada hacen que Astro Bot se sienta mágico y te sorprenderá en todo momento.

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¡niño!
Crédito de la imagen: Sony/Captura de pantalla: La leyenda de Manas

Explorar cada rincón de estos maravillosos mundos es un auténtico placer para Astro Bot. De hecho, la exploración no es algo que hagas en tu camino hacia tu objetivo aquí; La exploración es el objetivo. Además del grupo de robots que debes rescatar para avanzar en la historia, cada nivel esconde piezas de rompecabezas opcionales que desbloquean la tienda de regalos y opciones de personalización especiales para Astro y el Dual Speeder en el lugar del accidente. Algunos planetas también vienen con portales ocultos a niveles secretos escondidos en la Galaxia Perdida; estos planetas son más eclécticos en su estilo visual y temas, y adoptan una estética más colorida y colorida.

Hay más de 300 robots y 120 piezas de rompecabezas para encontrar, y aunque no los necesitas todos para terminar la historia del juego, vale la pena el esfuerzo. Astro Bot es, en esencia, un museo de cosas interesantes. Para ver todas las maravillosas exhibiciones, debes sumergirte en el complejo. Honestamente, no tienes que esforzarte mucho para descubrir todos los trofeos del juego; No es un proceso tan riguroso como recolectar todas las Power Moons en Super Mario Odyssey (créanme, lo intenté). Odisea Es más consumidor, complejo y cavernoso, y sus profundidades parecen ininterrumpidas. Astro Bot, por otro lado, es relativamente sencillo. Aunque la simplicidad es intencionada y forma parte del encanto del juego, no me hubiera importado una experiencia un poco más desafiante.

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Astro y las habichuelas mágicas
Crédito de la imagen: Sony/Captura de pantalla: La leyenda de Manas

La misma claridad se encuentra en la jugabilidad de Astro Bot: el enfoque está firmemente en la diversión, en lugar de algo poderoso y en capas. Astro puede saltar, volar, golpear enemigos y realizar un ataque giratorio que también ayuda con la exploración. Además de su repertorio de movimientos estándar, son las diversas habilidades especiales que adquiere a lo largo de los niveles las que añaden sabor al juego. Algunas de estas habilidades se han visto en la sala de juegos de Astro, pero la mayoría de ellas son brillantemente nuevas. En un planeta, Astro adquiere la capacidad de reducirse al tamaño de un ratón. En el momento en que lo hagas, comenzarás a ver todo el nivel desde una perspectiva completamente diferente, encontrando nuevas formas de explorar e interactuar con el mismo espacio. En otra forma, se convierte en una esponja, absorbe agua y la rocía para formar nuevos caminos. Algunos pueden encontrar la jugabilidad aquí primitiva, pero a mí eso no me importó en absoluto. De hecho, la mecánica sencilla proporciona diversión para Astro Bot que se adapta perfectamente a lo que intenta lograr. Es un juego en el que te sientas y lo disfrutas, no te inclinas y lo enfrentas.

Sería negligente por mi parte no mencionar la excelente banda sonora del juego y el personaje que añade a cada nivel. La música de Astro Bot no sólo enfatiza la experiencia; Llega incluso a darle vida a tus acciones. Todas tus acciones se vuelven tangibles y reales a través de la retroalimentación en el controlador DualSense. Al igual que Astro's Playroom, Astro Bot utiliza los estímulos hápticos y resistivos del controlador de PS5 en toda su extensión. El suave susurro de caminar sobre las hojas caídas, la fuerte fricción del metal sobre el hielo, el suave zumbido de tu nave espacial: todo juega en tus manos. Es sutil y nunca intrusivo, y desearía que más juegos de PlayStation adoptaran un enfoque similar en el diseño de retroalimentación del controlador.

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El paseo Dual Speeder viene con retroalimentación inmersiva del controlador
Crédito de la imagen: Sony/Captura de pantalla: La leyenda de Manas

Si observa algunos de los lanzamientos recientes de PlayStation, puede ver claramente la inflación arrasando la plataforma. Una lista de remakes y remasterizaciones innecesarios, apuestas de servicio en vivo defectuosas y la falta de exclusivas han arrinconado a la PS5. Cuatro años después del lanzamiento de la consola, parece que la generación actual aún no ha despegado. Quizás 2025 cambie eso, pero por ahora, Sony no debería buscar más allá de Astro Bot en busca de inspiración.

Los títulos Triple A de gran presupuesto, con imágenes impresionantes y ciclos de desarrollo interminables, no son la única forma de salir adelante. Y los juguetes más pequeños no son sólo una opción, son una necesidad. Con Astro Bot, el equipo de Asobi ha creado uno de los mejores juegos de plataformas en 3D desde Super Mario Odyssey. Es un juego comprometido a ser un juego y a ser divertido, estimulante y divertido. Es difícil encontrar un título más animado en la plataforma PlayStation y Sony debería invertir en juegos similares más pequeños en el futuro. Porque por ahora, los propietarios de PS5 parecen estar atrapados jugando remasterizaciones y remasterizaciones mientras esperan el próximo God of War y el próximo Spider-Man. Sony ha tenido muchas IP queridas en el pasado, y los padres de PlayStation ciertamente deben darse cuenta de que a la gente le encantan todo tipo de juegos, no solo las aventuras de acción triple A de mundo abierto. Astro Bot es la prueba viviente de ello.

Ventajas

  • Juego divertido y atractivo.
  • Imágenes vibrantes
  • Recompensa de exploración
  • Diseño de niveles de flujo libre
  • Excelente banda sonora
  • La respuesta del DualSense es excelente

contras

  • Falta de desafío
  • La jugabilidad carece de profundidad.

Calificación (sobre 10): 9

Astro Bot se lanzó el 6 de septiembre exclusivamente en PS5.

El precio comienza desde Rs. 3999 para la edición estándar Tienda PlayStation Para PS5.

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El final clásico de Hombres de negro fue una adición frenética de último minuto

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Una vez a la semana, durante la fotografía principal de “Hombres de negro”, Sonnenfeld tenía una rutina dominical, que comenzó en las películas de “La familia Addams”, donde releía el guión y lo veía ensamblarse. Cada semana, aprendía algo nuevo sobre su película, mientras le recordaban constantemente que, como escribió en sus memorias, “no teníamos final”.

¿Qué tenían? Según Sonnenfeld, “El clímax de nuestra película consistió en Will Smith discutiendo la naturaleza del universo con un Edgar Bug animado diseñado por Rick Baker, de un millón de dólares y 15 pies de altura”. Atendía una llamada con Walter F. Parks y Laurie MacDonald (que acababa de asociarse con Steven Spielberg para lanzar la división cinematográfica de DreamWorks SKG) y la vicepresidenta de Sony, Lucy Fisher, para recordarles que su final, como él dijo, “apestaba”. “.

El guión está acreditado a Ed Solomon, un brillante escritor. Y quién, hasta donde yo sé, más merece este crédito individual. Claramente no estaba disponible para arreglar el final, y creo que por eso trajo al escritor de “Friends” para averiguarlo. Según Sonnenfeld, aparte de contribuir con algunos chistes, éste no cumplió su cometido.

Sonnenfeld tenía una vaga idea de lo que debían hacer:

“Necesitamos perder el debate”, continuó refunfuñando. “Necesitamos que Edgar se mueva, suba a la torre hasta su platillo volante, y necesitamos que Will luche contra Edgar, tratando de mantenerlo en el planeta. Cuando eso falla, necesitamos “Haré algo que haga que Edgar se dé la vuelta y baje de la torre”.

Edgar (interpretado con excéntrica perfección por Vincent D'Onofrio) tenía algunas debilidades. Uno era su amor por el “agua azucarada”. Es posible que haya arrojado a Will de la torre a la máquina de Coca-Cola, que comienza a rociar refrescos azucarados en el suelo. La otra opción era que Will comenzara a aplastar a los parientes de los insectos terrestres de Edgar, las cucarachas, mientras corrían por la acera.

A Spielberg le encantaban las cucarachas, así que, respaldados por algunas improvisaciones inspiradas de Will Smith, optaron por el final que ves ahora en la película.

Aparte de cierta incomodidad con el cuidador de cucarachas (Sonnenfeld estaba perplejo por la necesidad de tratar la vida de cada cucaracha como algo sagrado), consiguieron lo que necesitaban en el set. Desafortunadamente, el director enfrentó un nuevo problema, dos problemas nuevos en realidad. Tuvo que solicitar fondos adicionales para filmar las secuencias de créditos de apertura y cierre con muchas imágenes generadas por computadora, y necesitaba más dinero para completar el escenario de la Exposición Universal que también estaba cargado de imágenes generadas por computadora. Precio: 4,5 millones de dólares.

¿Cómo lo logró?

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Marvel's Ultimates #5 presenta el clásico Vengador, con un giro muy bienvenido [Exclusive Preview]

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El nuevo universo “Ultimate” de Marvel Comics ahora está inundado de publicaciones, pero no debería ser así Asusta a los nuevos lectores para que no se pierdan el libro “Ultimates” de Deniz Camp.

“Ultimates” está ambientada en una versión del Universo Marvel (“Tierra-6160”) donde las cosas salieron mal debido a un malvado creador, y sigue a algunos héroes familiares que intentan formar el equipo de superhéroes que el mundo merece. Muchos de estos nuevos héroes “Ultimate” tienen nombres familiares, pero antecedentes muy diferentes. mes pasado “Ultimates” #4 describe cómo Reed Richards, cuyo creador le robó a su familia y su futuro, se convirtió en el heroico Doctor Doom.no el Sr. Fantástico. “Ultimates” #5, que se publicará próximamente (ilustrado por Juan Frigieri), realiza cambios drásticos en Hawkeye.

“Ultimates” es el libro más extremo que Marvel está publicando en este momento, y Camp sabe lo que está haciendo. El éxito de Image Comics, “Hombres del siglo XX”, reinventó la guerra afgana-soviética en un mundo donde las superpotencias tenían supersoldados. Camp hizo la misma crítica al imperio estadounidense en “Ultimates”, incluso si Estados Unidos ya no existe en este mundo (una larga historia, solo debes saber que puedes culpar al creador).

En “Ultimates” #2, el Capitán América tuvo que considerar cómo el alma de Estados Unidos no es la libertad, sino el beneficio. “Ultimates” #3 reimaginó a She-Hulk; No es Jennifer Walters, sino un isleño del Pacífico llamado Liguori Zacharias. Esta She-Hulk es una mutante gamma porque el ejército estadounidense eligió la tierra de su pueblo para probar bombas gamma y descartó a los nativos como desechables.

Marvel compartió un avance exclusivo de las primeras cuatro páginas de “Ultimates” #5 con /Film. El problema parece similar a “Ultimates” #3 porque Ultimate Hawkeye es un hombre nativo americano, no Clint Barton, de cabello rubio y ojos azules. Es un cambio apropiado. El nombre “Halcón” proviene de La novela frecuentemente citada de James Fenimore Cooper “El último de los mohicanos” Un texto colonial sobre el desplazamiento de los nativos americanos. más, Marvel necesita héroes originales además de Maya López/Echo.

Ultimate Hawkeye tiene un traje familiar morado y azul con arco y flecha, pero lleva el pelo recogido en una trenza y un Mohawk con plumas, connotaciones visuales que enfatizan su herencia nativa. La portada de “Ultimates” #5 muestra el ojo de Hawkeye reflejado en el escudo del Capitán América; Parece atrapado alrededor del núcleo del escudo, porque el genocidio de los indígenas es el pecado original de esa estrella blanca.

Escudo del Capitán América de Marvel Comics #5 HawkeyeCómics Marvel

El resumen del caso decía lo siguiente:

“¡ULTIMATE HAWKEYE Apunta AL CAPITÁN AMÉRICA! ¿No más Hawkeye? ¡No por mucho tiempo! Un nuevo rival se acerca cuando un civil desconocido recoge un arco y una flecha abandonados, ¡y se niega a permitir que los Ultimates recuperen la tecnología Stark robada! El Capitán América intenta resolver el conflicto. , lo que lleva a una pelea llena de acción entre los arqueros y las armaduras, mientras tanto, el Ultimate Hellfire Club está en algo…

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El episodio favorito de Star Trek de Patrick Stewart es el episodio clásico de TNG.

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Star Trek: La próxima generación La luz interior
Supremo

Pregúntele a cualquier fan de Star Trek: The Next Generation y probablemente estará de acuerdo sobre los mejores cinco o seis episodios de la serie. Pocos, por ejemplo, desafiarían el poder de “Lo mejor de ambos mundos” (18 de junio-24 de septiembre de 1990), el famoso episodio en el que el Capitán Picard (Patrick Stewart) es secuestrado y absorbido por los Borg, una especie de irreflexivo máquina. pueblo. De hecho, el episodio se volvió tan popular que obligó a los creadores de “Star Trek” a volver a abrazar a los Borg una y otra vez; Las historias de los Borg se cuentan hasta 2023.

También es muy querido “Tapestry” (15 de febrero de 1993), un episodio en el que Picard muere y descubre que el más allá está supervisado por el jovial dios embaucador Q (John de Lancie). Q se ofrece a llevar a Picard al pasado, a su juventud, específicamente al día antes de tener una pelea en un bar que destruyó su corazón. Si Picard puede evitar peleas y evitar que apuñalen su corazón, podría vivir en el presente. Sin embargo, Picard descubre que le ha pedido a su imprudente necedad juvenil que aprenda lecciones sobre la madurez, o de lo contrario crecerá y se convertirá en un cobarde.

A otros les puede gustar “La medida del hombre” (13 de febrero de 1989), una película en la que se pone a prueba la conciencia y la personalidad de Data (Brent Spiner). O “Yesterday's Enterprise” (19 de febrero de 1990) en la que el Enterprise-C viaja accidentalmente al futuro, sólo para cambiar la línea de tiempo para peor. También se acordó que Final del programa “Todas las cosas buenas…” (23 de mayo de 1994) sigue siendo una de sus mejores temporadas.

El episodio favorito de Stewart parece ser considerado a menudo uno de los mejores. El actor habló con la revista Wired en 2023Reiteró su afición por “La Luz Interior” (1 de junio de 1992). De hecho, a Stewart le preguntaron directamente sobre su episodio favorito de “The Next Generation”, y rápidamente nombró “The Inner Light”.

“luz interior”


Star Trek: La próxima generación La luz interior
Supremo

“The Inner Light” ve al Enterprise-D encontrándose con una misteriosa sonda antigua en el espacio. Mientras lo escanean, un rayo de luz llega a los ojos de Picard y cae al suelo inconsciente. Se despierta en un planeta desconocido llamado Catan vistiendo ropa nueva. A Picard le dicen que es nativo de Catan y que su verdadero nombre es Kamen. Está casado con una mujer llamada Elaine (Margot Rose), una destacada investigadora que trabaja para el ayuntamiento local. Parece que Kamen padecía una enfermedad cerebral y que a veces alucinaba que era el capitán de una nave espacial.

Picard sospecha que algo anda mal y pasa meses tratando de descubrir por qué fue enviado a este planeta. Después de un tiempo, descubrió que no había nada que temer en Catán, ya que era pacífico y acogedor. De hecho, Picard/Kamen descubre que debe aplicar sus habilidades de investigación para resolver una sequía que azota el planeta desde hace años. Pasan los años y se enamora de Eileen. Tienen hijos. Picard no es más que un recuerdo lejano.

Sin embargo, de regreso en el Enterprise, la audiencia encuentra a Picard todavía tirado en el piso del puente, con sus compañeros de tripulación a solo unos minutos de distancia. Al final del episodio, Picard sale de su ensueño, ya que vivió hasta una edad muy avanzada y vio crecer a sus nietos. Se sorprendió al saber que era Picard otra vez.

Es fácil ver por qué a Stewart le encantó The Inner Light, porque presentó un desafío actoral único para él. Él dijo:

“Me he convertido en alguien distinto de Jean-Luc Picard después de décadas de vivir una vida diferente y, por lo tanto, en una persona diferente. Una persona local, no un capitán de nave estelar. Y hay otra razón personal. Mi hijo Daniel interpretó a mi hijo en 'The Luz Interior.' “Esa fue una experiencia extraordinaria”.

Es todo muy conmovedor.

Daniel Stewart


Star Trek: La próxima generación La luz interior
Supremo

En su autobiografía “Making It So” Stewart señaló que ha estado muy ocupado como actor. Que rara vez tenía tiempo para su familia y que en ocasiones se arrepentía de pasar tanto tiempo lejos de ellos. Cuando su hijo adulto Daniel pudo aparecer en The Inner Light, Stewart estuvo feliz de compartirlo con él. No fue sólo un episodio emotivo con un guión excelente, sino una experiencia de unión personal para el actor.

Stewart continuó, señalando que las reflexiones sobre la vida plena que se encuentran en The Inner Light le recordaron al actor de 84 años su tendencia a mirar hacia atrás. Mientras tanto, su pasado le da esperanzas para su futuro. Todavía quiere trabajar, vivir y tener aventuras. También tiene nuevos conocimientos sobre Picard todo el tiempo y aprende constantemente cosas nuevas de su puesto de décadas. Estuardo dijo:

“el [Borg] Cambios de absorción [Picard] Para siempre. Al igual que las experiencias extremas y quizás trágicas, no podemos ni debemos intentar borrarlas u olvidarlas. Son parte de nosotros, lo que somos. Tenemos que aprender a aceptarlos. Aquí es donde me encuentro ahora con Jean-Luc y, de hecho, me intriga. Así que conversaciones como ésta, en lugar de alentarme a alejarme de mi historia, en realidad me atraen gradualmente. Así que cada vez estoy más cerca de esa posibilidad. ¡Otro tiro!”.

Stewart interpretó a Picard en lo que podría ser la última vez en la tercera temporada de “Star Trek: Picard”, que se emitió en 2023. Actualmente no tiene proyectos cinematográficos o televisivos próximos, pero su vida está lejos de terminar. Tiene que hacer otro tiro.


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Este clásico cómic de ciencia ficción convierte a los Cuatro Fantásticos en villanos

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Portada de Planets #26 con arte de John Cassaday Elijah Snow
Cómics DC

El 9 de septiembre de 2024, el comediante John Cassaday, ganador del premio Eisner, falleció a la edad de 52 años. A gran escala tristeza con eso Compañeros de la industria Y los fanáticos, que nunca habían trabajado con Cassaday ni lo habían conocido, se estaban perdiendo nuevos frutos de su gran talento. Antes de convertirse en artista, Cassady estudió cine en la universidad. Una vez que sepas eso, su estilo de dibujo encajará. cassady A menudo pinta cuadros enormes. (tanto en pantalla ancha como en paneles estándar), el tipo requerido por la pantalla de cine, y sus personajes tenían rostros detallados y realistas. No es de extrañar que conquistara el mundo del cómic a mediados de los 90, cuando el estilo apenas comenzaba a despegar. Si pudiera comparar su trabajo con el de otro artista, Ese sería Brian Hitch. (“Finales”, “Poder”).

Así como Hitch comenzó a trabajar con el escritor Warren Ellis en “The Authority”, Cassady colaboró ​​con Ellis en la serie “Planetary”, que se publicó en WildStorm (el sello editorial de DC) de 1999 a 2009 en 27 números. Al leer “Planetary” de principio a fin, se puede ver que Cassady mejora su oficio de un número a otro a medida que el estilo se vuelve más distintivo y la caligrafía más segura.

¿Qué son los “planetas”? Es una comedia que sólo pudo haber surgido en la cúspide de un nuevo milenio, porque se basa en una mirada retrospectiva al milenio anterior. 25 años después, es una historia que rechaza claramente el consenso de la década de 1990 de que la humanidad había llegado al final de su historia y, en cambio, dice que aún queda más exploración por hacer más allá de desenterrar artefactos.

Cassaday ha trabajado mucho para Marvel Comics (Su serie de 24 números de “Astonishing X-Men” con Joss Whedon de 2004 a 2008 es muy querida.), pero “Planetary” se grabará en su mejor momento cómico. Curiosamente, los principales villanos del libro se inspiraron en ellos. La primera adorable familia de cuatro miembros de Marvel.

Planetary explora cada trozo de pulpa producida en el siglo XX


Planetas #27 El arte de los cuatro por John Cassaday
Cómics DC

La premisa de “Planetary” es que todas las historias de ficción de los siglos XIX y XX, desde la ciencia ficción hasta la fantasía, desde Sir Arthur Conan Doyle hasta Julio Verne, Edgar Rice Burroughs y Bram Stoker, realmente sucedieron. Los héroes son Planetary, el nombre que reciben tres arqueólogos con superpoderes: Elijah Snow (que puede congelar a las personas en su lugar), la velocista Jacquetta Wagner y un superhacker llamado The Drummer. Con dinero ilimitado del misterioso “Cuarto Hombre”, su misión es registrar y documentar todas las historias locas de tiempos pasados.

“Planetary” construye una mitología (sin agotarse, gracias a su corta duración), pero funciona como una antología espiritual. El número 2 trata sobre películas japonesas de Kaiju, luego el número 3 continúa Una historia de acción al estilo John Woo sobre un súper policía en Hong Kong. El cómic no sólo rinde homenaje a estas historias, sino que profundiza en los miedos que las impulsaron.

En torno a esto gira el número 7 de “Los Planetas”. La “invasión británica” del cómic en los años 80cuando escritores como Alan Moore, Garth Ennis, Jimmy Delano y Neil Gaiman llegaron al estanque para hacer cómics oscuros y desafiantes. Naturalmente, la portada de Cassaday sigue el modelo de “The Sandman” de Gaiman.

Planetas #7 John Cassaday Sandman DC ComicsCómics DC

Ellis, él mismo británico, concluye que sus compañeros escritores de cómics estaban locos y cínicos porque Margaret Thatcher era Primera Ministra. Próximo número ocho Sobre películas de monstruos de los años 50 como “¡Ellos!”Dice que estas criaturas fueron el resultado de experimentos humanos. El gobierno de Estados Unidos estaba lleno de militantes anticomunistas que buscaban un arma, pero no crearon más que monstruos. Estas películas de monstruos estadounidenses suelen presentar criaturas creadas mediante pruebas atómicas; Los estadounidenses temían la aniquilación. La herramienta que su gobierno (a través de J. Robert Oppenheimer) inventó por primera vez.

No hay nada destacable en The Four in Planetary


Planetas #6 Los Cuatro Fantásticos DC Comics Los Cuatro Fantásticos Astronautas
Cómics DC

No se puede discutir el núcleo del siglo XX y abandonar los cómics de superhéroes. Esto es aún más cierto hoy que en 1999; “Planetary” se adelantó al satirizar un gran conjunto de ideas. (Estoy seguro de que ser publicado en el concurso destacado no me hizo daño, pero la serie no está en un concurso de fanáticos, lo prometo).

El número 6 presenta a los rivales interplanetarios mientras exploran los misterios del multiverso. Conocidos como los Cuatro, son astronautas que realizaron un vuelo espacial en 1961 y surgieron con poderes increíbles. ¿Te suena familiar?

Los cuatro están dirigidos por el científico loco Randall Dowling, que tiene una “lista de especialidades”. Mientras tu brazo(Aunque, a diferencia de Reed Richards, los poderes de Dowling giran en torno al control de su mente, no de la materia de su cuerpo). Los otros tres son Jacob Green (el piloto de la nave que se convirtió en Algo grande e inhumano.), William Leather (el principal ejecutor de Dowling, que puede volar y disparar rayos de energía) y la amante de Dowling, Kim Susskind (que puede volverse invisible; dado que la luz la atraviesa, es ciega).

Ninguna de las pistas de “Planetary” es sutil, e incluso el fanático de los cómics más novato puede darse cuenta de que los Cuatro están destinados a ser los Cuatro Fantásticos. Para vincularlo con la historia real, “Planetary” se basa en cómo se impulsaron en gran medida los programas de cohetes y viajes espaciales de Estados Unidos. Reclutas de la Operación Paperclip como Wernher Von Braun; Se afirma explícitamente que Susskind es hija de un científico nazi de alto rango.

Los Cuatro Fantásticos Planetas es una parodia del arte de John CassadayCómics DC

Los personajes, por supuesto, también se utilizan como herramienta para explorar la influencia cultural de Marvel Comics. El número 10, que sigue las parodias de Superman, Green Lantern y Wonder Woman, tiene a los tres héroes asesinados por los Cuatro. Una reflexión de cómo, durante un tiempo, maravilla de stan lee ¿La Liga de la Justicia más clásica ha quedado en el polvo?

Si bien tanto Planetary como los Cuatro se consideran exploradores, estos últimos quieren atesorar el conocimiento y los secretos que descubren. Tienen la intención de mantener el mundo como está y han pasado décadas matando por ello. Al igual que Marvel Comics mantiene estrictos derechos de autor sobre sus personajes, reemplazando a los artistas reales que crearon sus fuentes de ingresos, ¿verdad?

Todavía vale la pena leer los cómics de John Cassaday


El asombroso equipo de X-Men John Cassady Wolverine Emma Frost Bestia gigante Kitty Pryde
Cómics Marvel

Como los cómics definitorios de Cassaday fueron y serán para siempre “Planetary” y “Astonishing X-Men”, es doloroso que su legado esté en peligro de ser empañado por sus colaboradores. Desde 2020, se ha revelado pieza por pieza que, desde “Buffy, la cazavampiros” hasta las nuevas filmaciones de “La Liga de la Justicia” de 2017, Whedon ha creado numerosos lugares de trabajo tóxicos y actores y compañeros escritores acosadores. (El más popular, Charisma Carpenter despedida de 'Angel' Después de que ella quedó embarazada y “interrumpió” sus planes de historia).

En 2020, se reveló que Ellis tenía un largo historial de comportamiento manipulador.utilizando su fama en la industria para preparar a docenas de mujeres (muchas de las cuales intentaban iniciar una carrera en los cómics y vieron a Ellis como una mentora). Los acusadores de Ellis fueron denunciados en enero de 2023. Y que incluso después de reunirse con él para discutir la rendición de cuentas, no tomó las medidas que le solicitaron.

Desafortunadamente, el trabajo de Cassady con estos dos hombres está entrelazado. (Incluso dirigió un episodio de la serie de televisión de Whedon, “Dollhouse”, llamado “The Attic”). No puedo culpar a las personas que no pueden superar la participación de Whedon y Ellis en estos cómics y, por lo tanto, nunca los leerán, pero es triste. que el arte básico de Cassaday llevará siempre un asterisco sin que sea culpa suya. Creo que esto sirve para recordar que, como ocurre en el cine y la televisión, no uno La persona es responsable del cómic. Sí, la escritura de Ellis Whedon para estas dos series es inextricable, pero la obra de arte de Cassady no es menos complementaria.

Esta es mi portada favorita de “Astonishing X-Men” del segundo número de la serie.

Portada de Amazing X-Men #2 Emma Frost Giant John CassadayCómics Marvel

El bloqueo es perfecto y los detalles de los personajes son tan escasos que esas partes se sienten como un espacio más negativo. El azul ajusta instantáneamente el estado de ánimo, especialmente porque Cassaday baña toda la imagen (no solo el fondo) en color. Los rayos de los ojos del gigante se destacan más porque se parecen al color rojo que impulsa el poder del color azul. Si bien no podemos ver los ojos de Scott, la mirada helada de Emma Frost atraviesa la nuestra. Esta no solo es una gran portada, sino que también te hace hacer preguntas sobre la historia que contiene. ¿Emma está cegando a Scott? ¿Tiene un plan malvado secreto? ¿O es ella la voz de la razón por la que Scott necesita impedir que desate lo peor?

Esta portada es toda Casadei. El peor hábito del periodismo/crítica cómica es tratar al escritor como el autor principal del cómic y, a veces, descuidar el crédito al artista. Los dibujos de Cassady hablan por sí solos de la importancia del papel que desempeña un artista en la creación de cómics.

Si todavía estás listo para una aventura: “Planetary” está disponible en cuatro volúmenes comerciales de bolsillo y una edición general de tapa dura. También se puede leer en el servicio de lectura digital DC Universe Infinite.

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En un clásico instantáneo, los Mets aseguran su lugar en los playoffs con victoria sobre los Bravos

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ATLANTA— Francisco LindorLa tranquilidad del lugar contradecía la magnitud del momento. como Mets MVP paseaba tranquilamente por las bases, con Starling Marty alzando los brazos en señal de triunfo. El banquillo apenas pudo contener a sus compañeros.

Excepto uno, que fue directo al gerente. carlos mendoza.

“Volveré allí” Edwin Díaz Le dijo al gerente. “No me importa lo que digas, volveré allí”.

Díaz realizó 26 lanzamientos el domingo y 21 más en la octava entrada. Perdió el mando luego de olvidarse de cubrir la primera base en lo que debería haber sido el último de la entrada. Le permitió un jonrón de tres carreras a Ozzie Albies, y el entrenador de lanzadores Jeremy Hefner ya le había dicho que su día había terminado.

Bagatelas. Díaz se inclinó hacia Mendoza: “Tengo esto…”

Las súplicas del manager en la novena entrada no siempre terminan bien por estos lares. Pero quizás esto sea parte del cambio general que está ocurriendo en Queens. Mendoza confió en Díaz, incluso a través de una visita individual y una visita administrativa, y Díaz correspondió esa confianza.


Después del gran jonrón, Francisco Lindor mantuvo la calma y luego explicó que quería ahorrar energía. (Brett Davis/Imagine Imágenes)

cuando Travis d'Arnaud Con roletazo por corto, Díaz golpeó su guante y los Mets cerraron la puerta: consiguieron el undécimo lugar en los playoffs en la historia de la franquicia con una victoria de 8-7 en el primer juego de una doble cartelera de final de temporada el lunes.

“Estamos un paso más cerca”, dijo Lindor. “Seguimos subiendo y seguimos subiendo y seguimos subiendo. Nunca creímos que nos estábamos hundiendo”.

Por ahora, esa hazaña en sí está consagrada en el mejor juego de temporada regular en la historia de la franquicia: una sorprendente serie de pérdidas de balón al final del juego y un gráfico de probabilidad de ganar que habría aterrorizado a Edmund Hillary.

El lunes prometía ser funky. Cada equipo llegó al campo necesitando una victoria para abrir el champán, pero ambos conocían los beneficios de ganar el primer partido en particular. Mendoza se preguntó qué tan difícil sería para su equipo presionarlos si se quedaban atrás en el primer partido, y se preguntaba si guardar algo en la Copa Nocturna.

Y luego, durante siete entradas, los bates de Nueva York fueron nuevamente desarmados por el novato. Spencer Schellenbach. Cuando el derecho subió al montículo en la octava entrada, había lanzado 21 entradas esta temporada contra los Mets y había permitido una carrera y ocho hits. Incluso cuando se fue después de eso Tyrone TaylorA dúo introductorio, la multitud de Truist Park le dio una gran ovación; No había motivo para preocuparse.

Pero la doble captura de Taylor provocó una adormecida ofensiva de Nueva York. Francisco Álvarez seguido de su propio doblete para poner a los Mets en el tablero, y sencillos consecutivos de los bateadores emergentes Marte y Lindor produjeron otra carrera. bujía José Iglesias Lanzó un toque solitario al jardín derecho para empatar el juego, y un elevado de sacrificio de Mark Ventus persiguió a Lindor desde tercera con la carrera de la ventaja. Brandon Nimmo El rally culminó con un gran jonrón al jardín derecho y el veterano disfrutó cada momento.

Pero uno no entra simplemente en Mordor, y el regreso de los Mets no será suficiente para exorcizar a toda una generación de demonios en Atlanta. No pudieron mantener una ventaja de tres carreras en la parte baja de la entrada. Atlanta Poniendo dos en contra Phil Mattoon Para llamar a Díaz desde el corral.

Parecía que estaba fuera de la mitad cuando Casa Alonso Se detuvo para realizar un buen clavado, como ha hecho durante toda la temporada, tropezando Jared KelenicUn roletazo fuerte por la línea del jardín derecho. Sólo había un problema: Díaz todavía estaba de pie en el montículo del lanzador.

Díaz se olvidó de cubrir la primera base, lo que permitió que Kelenic alcanzara y corriera para anotar y que Atlanta extendiera la entrada. Ella aprovechó al máximo. después Michael Harris II Caminando para llenar las bases, Albies descorchó un doble que limpió las bases con una bola rápida de Díaz 3-1 para enviar a Truist Park al caos.

Eso despejó el camino para que Lindor volviera a cumplir.

“Aprovechen este momento”, les dijo a sus compañeros antes de la novena entrada. “Él pelea”.

Lindor, el mejor jugador del equipo en toda la temporada, volvió de sus problemas de espalda con una carga sobre sus hombros una vez más. estaba encendido Pierce JohnsonUna bola curva de primer nivel y la elevó hacia lo profundo del centro-derecho. Lo supo de inmediato.

Se dijo a sí mismo: “Gracias, Jesús”. ¿En cuanto a la celebración silenciosa? “Tengo que ahorrar energía”.

De hecho, hay más juegos para jugar. Los Mets volarán el lunes por la noche a San Diego (si ganan el Juego 2) o… milwaukee (Si pierden). La Serie Wild Card al mejor de tres comienza el martes.

“Va a ser difícil”, dijo Lindor. “Y se va a volver más difícil. Sólo tenemos que seguir avanzando”.

(Foto superior de Francisco Álvarez y Edwin Díaz: Brett Davis/Imagine Images)

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Steven Spielberg casi dirige este clásico de Tim Burton

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Lincoln, Steven Spielberg
David James/DreamWorks

Steven Spielberg y Tim Burton estaban en extremos opuestos del espectro cinematográfico cuando este último irrumpió en escena en la década de 1980. El primero no era ajeno a las historias de terror suburbanas, ya que había estado involucrado en los “poltergeists” y “gremlins” de la época. (Incluso “E.T.” toma prestado el estilo de una película de terror en la escena en la que agentes del gobierno con trajes espaciales invaden la casa de la familia Taylor en busca del extraterrestre). Sin embargo, los propios suburbios eran acogedores y confortables en las películas de Spielberg; Generalmente eran fuerzas externas las que amenazaban sus vidas hogareñas. Las películas de Burton, por otra parte, retrataban los propios suburbios como inquietantes y desconcertantes. Su simpatía estaba con los forasteros como Pee-wee Herman y Eduardo Manostijeras, que estaban contentos con su existencia extraña y aislada hasta que otros insistieron en entrometerse en ellos.

El amor de Burton por la muerte contrastaba tanto con los sentimientos de Spielberg que Burton… Su clásica comedia de los años 80 “Beetlejuice” fue considerada la antítesis de la imagen de Spielberg. De esa época. En cuanto a su vida personal, los dos directores no estaban muy separados en ese momento. Spielberg estuvo alejado de su padre durante años después de su divorcio de la madre de Spielberg, y canalizó ese dolor en sus películas. A medida que Spielberg llegó a un acuerdo con su padre, también lo hicieron las películas del director, que se volvieron más comprensivas en su descripción de las dificultades de la paternidad (algo que se remonta a Indiana Jones y la última cruzada de 1989). A partir de los años noventa, Spielberg incluso dedicó “Salvar al soldado Ryan” a su padreél mismo un veterano de la Segunda Guerra Mundial.

Siendo ese el caso, se puede ver por qué Spielberg, en este punto de su carrera, habría estado interesado en dirigir Big Fish, una historia en sí misma sobre un padre y un hijo distanciados que simpatizan por igual con ambos. También estuvo a punto de hacerlo hasta su muerte, allanando el camino para que Burton dirigiera una de las mejores películas de su carrera.

Algunos de los peces gordos de Spielberg llegaron a la versión de Burton


Gran Pez, Ewan McGregor, Alison Lohman
Publicado por Sony Pictures

La adaptación cinematográfica de 1998 del libro de Daniel Wallace “Big Fish: A Novel of Mythic Proportions” fue un punto de inflexión para Burton porque fue la primera película que hizo donde su avatar no era un introvertido y/o excéntrico que era incomprendido por sus padres o colegas. Aquí, el patriarca es Edward Bloom (interpretado por Ewan McGregor y Albert Finney en varias etapas de su vida), un hombre de comportamiento sociable que deleita a casi todos los que conoce con historias locas sobre su juventud y sus aventuras como viajante de comercio. . todos, excepto su hastiado hijo Will (que interpreta… Interpretado como adulto por Billy Crudup, que está cansado de escuchar los cuentos de su padre una y otra vez y anhela decir la pura verdad. (También podemos inferir que la preferencia de Will por los hechos sobre la ficción puede haber sido en gran medida la motivación detrás de la transformación del personaje en periodista).

de acuerdo a “Burton sobre Burton” (Editado por Mark Salisbury) El escritor de Big Fish, John August, pasó casi un año reuniendo varias versiones del guión de Spielberg, quien se encargó de dirigir la película en 2000 después de leer el borrador inicial de August. Sin embargo, Spielberg no estaba completamente satisfecho con el guión, y aunque originalmente planeaba dirigir “Big Fish”, no estaba del todo satisfecho con el guión. Seguimiento del “Informe de las Minorías” Finalmente abandonó el proyecto. Luego, Augustus procedió a compilar su propio borrador “lo mejor de”, que incluía ciertos elementos de iteraciones anteriores y descartaba otros. Esto también llevó a que se eliminaran la mayoría de las adiciones al guión hechas a pedido de Spielberg, aunque algunas aún llegaron a la película final (en particular, una escena en la que árboles espeluznantes en un bosque oscuro cobran vida y atacan a MacGregor como el joven Edward ). Bloom (por mucho que parezca algo que a Burton se le podría haber ocurrido).

Spielberg también quería que Jack Nicholson interpretara al Edward mayor. Curiosamente, cuando Burton reemplazó a Spielberg como director, también se acercó a la leyenda de Hollywood para el papel antes de elegir a Finney, habiendo colaborado previamente con Nicholson en “Batman” y “Mars Attacks”. De hecho, antes de eso, Burton había estado jugando con la idea de alterar digitalmente a Nicholson para que pudiera representar a Edward cuando él también fuera más joven. “Fue una discusión divertida, pero no llegó a ninguna parte”, dijo Burton en “Burton on Burton”. (Gracias a Dios por eso; un Nicholson digitalmente envejecido alrededor de 2003 habría sido puro combustible para pesadillas, y no de una manera hilarante al estilo Burton).

Burton contactó personalmente a Big Fish


Gran Pez, Billy Crudup, Albert Finney
Publicado por Sony Pictures

Así como Spielberg se separó de su padre a una edad relativamente joven, Burton se mudó a su propio apartamento cuando sólo tenía 15 años y permaneció alejado de sus padres hasta la muerte de su padre y su madre en octubre de 2000 y marzo de 2002, respectivamente. “No sé si hay alguna razón real por la que no me llevaba bien con mi padre”, admitió Burton en “Burton on Burton”. “Se trataba más del hecho de que yo vivía allí [with them]“Me sentía viejo para mi edad”, dijo, y agregó que “no se llevaba bien” con su madre y que su padre “estaba mucho fuera y [he and my mother] Tenían sus problemas pase lo que pase y yo siempre estaba lejos”.

No es de extrañar, entonces, que Burton se sintiera atraído por Big Fish, para cuya dirección se unió oficialmente apenas un mes después de la muerte de su madre. Si bien Will tiene una relación mayormente fuerte con su madre, Sandra (interpretada por Jessica Lange en el cameo de la película y Alison Lohman como una mujer más joven), ella también tolera y acepta los cuentos de hadas de Edward por razones que Will tiene dificultades para entender al comienzo de la película. . . Mientras tanto, el trabajo de Edward significaba que él, al igual que el padre de Burton, estaba ausente durante largos períodos de tiempo mientras Will crecía, lo que aumentó su mística como Will siendo un niño impresionable, pero solo aumentó la sensación de que Will no conocía realmente a su hijo. . Mi padre de adulto.

Como señaló Burton en “Burton on Burton”, dirigir Big Fish le permitió emprender un viaje muy parecido al que Will emprendió en la película, mientras Will y su esposa, Josephine (Marion Cotillard), pasaban tiempo con Edward y Sandra. Después de que a Edward le diagnostican un cáncer terminal, se propone descubrir la verdad detrás de los cuentos de su padre (que aparecen en flashback, aunque en la forma en que Edward contó sus experiencias, elementos de fantasía y todo). Burton explicó: “Tuve terapia pero nunca hablé de mi padre. Pero al leer el guión pensé: 'Esto es exactamente, y esto establece una imagen de lo que no se puede transmitir'.

El resultado no fue sólo una de las películas más personales de Burton, sino también una de las más maduras emocionalmente y una oportunidad para combinar su destreza visual con una narrativa en capas (lo que hizo con gran efecto). En cuanto a Spielberg, salió y dirigió su distintiva película de una persona que crece y ve a sus padres como seres humanos reales y imperfectos. Con “Atrápame si puedes”. De hecho, por un momento, estos dos artistas coincidieron en sus puntos de vista. ¿Quién hubiera pensado eso?


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