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Esta comedia oscura y apocalíptica reinventa un cuento de hadas clásico de Disney.

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“Briar” no es el primer trabajo revisionista sobre “La Bella Durmiente”. La propia Disney hizo uno con Películas de “Maléfica” protagonizadas por Angelina Jolie. Convirtieron al villano de la película animada original en una heroína, con la princesa Aurora simplemente como un personaje secundario en el viaje de la Señora del Mal hacia la redención. Princesa Él es El personaje principal de este cómic es “La Bella Durmiente”, pero él la saca del papel de princesa.

La princesa Aurora de Disney es un personaje muy negativo, y eso es inevitable, porque el clímax de la historia es ella al borde de la muerte mientras otros luchan por su destino. Hay una razón por la cual Maléfica fue el personaje más popular en la película animada original y la versión de acción real fue reelaborada en torno a ella.

La introducción a Briar explica que el príncipe no vio diferencia entre despertarla y dejarla dormir. Él sólo quería su mano en matrimonio con los ejércitos de su padre, por lo que era una buena idea dejar dormir a su reina. El resto de la historia trata sobre Briar tomando su destino incluso cuando otros, desde Gendred hasta los guardias de la prisión, intentan tomarlo ellos mismos.

A pesar de su lenta narrativa, La Bella Durmiente es una de las películas más bellas de Disney, desde su nítido arte lineal hasta su ingeniosa paleta de colores. También en Briar el equipo artístico es la estrella. El dibujo a lápiz de García es redondo y dulce, negándose a permitir que el cómic olvide sus raíces de cuento, y los colores de Matthews López son vívidos. El prólogo, ambientado hace 100 años, utiliza colores dorados, que se tornan en un triste blanco azulado una vez que Briar finalmente se despierta. Cada número incluye una portada idéntica, que muestra un cardo dormido rodeado de espinas agrandadas.

La propia Briar es una niña, más parecida a un fantasma que a una princesa primitiva. “También se supone que la apariencia de Briar choca con la Bella Durmiente en todos los sentidos”. Cantwell explicó. “Duermes lo suficiente y no te verás muy bonita cuando te despiertes. Especialmente si la gente te olvida. Estarás tosiendo insectos que han estado viviendo en tu garganta durante años. Ese es el tono de este libro, este Una especie de horror absurdo de la historia y el personaje”.

La llamativa portada de García para “Briar” #1 (ver arriba) muestra a la heroína rediseñada: piel y cabello de color blanco pálido, una capa de piel de rata gigante y empuñando una espada que alimenta un charco de sangre debajo (que Briar es No principiante puro). La sensación de volver a imaginar se extiende a los villanos. En lugar del personaje de Maléfica con capa negra, que tenía cuernos de cabra propios de un demonio, Gendrid fue dibujado como una ninfa del bosque, con piel de clorofila verde y cabello frondoso.

“Briar” consta de dos arcos, cada uno de cuatro números. (Hay más problemas que son posibles pero no confirmados: el segundo arco tiene un final abierto y el conflicto principal sigue sin resolverse). Crucemos los dedos para que la Bella Durmiente continúe contando su historia a su manera.

“Brayer” Volumen 1 Disponible en ediciones impresa y digital. “Brayer” Volumen 2 Su publicación está prevista para el 21 de enero de 2025 y actualmente está disponible para pedidos por adelantado.

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Un clásico del anime plantea la pregunta más importante que cualquier otro programa de acción ignora

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(Bienvenido a ani ani dondeuna columna periódica dedicada a ayudar a los principiantes a comprender y apreciar el mundo del anime).

Si bien existen innumerables tipos de historias contadas en los medios de anime, hay un género que es el rey: el shounen. Es el tipo más popular de todos, sin embargo. no esta exento de problemas. Programas como “Naruto” y “Dragon Ball” tienden a seguir una fórmula muy específica sin muchos cambios, lo que significa incluso el más mínimo cambio en la fórmula; Lo que convierte al protagonista en un joven de 30 años y no en un estudiante de secundaria enojado. – Es algo emocionante.

Uno de los tropos más importantes del género, y uno que Dragon Ball perfeccionó e hizo su pan de cada día, es la idea del entrenamiento de combate. Específicamente, es la idea de que el entrenamiento lo es todo y que la lucha es la forma más pura de vida. “Dragon Ball Z” tiene a Goku abandonando constantemente a su esposa e hijos porque le gusta demasiado pelear (literalmente termina la serie original dejando atrás a su familia para entrenar la reencarnación de un antiguo oponente), mientras que el héroe de “Hunter x Hunter”, Gon, llega. darse cuenta de que ser un Cazador debe ser una vida maravillosa ya que se rindió. Su padre lo hizo convertirse en uno.

Esto puede generar una gran narración, por supuesto, pero demasiado “luchar es bueno y puro” puede volverse aburrido fácilmente. Luego está Yu Yu Hakushu, la primera de las tres obras maestras del artista Yoshihiro Togashi. Esta es una historia llena de contradicciones, una fantasía oscura donde el combate es apasionante, pero tiene costes enormes. La historia gira en torno a Yusuke Urameshi, un delincuente adolescente inútil, que un día empuja a un niño fuera del tráfico que viene en sentido contrario, muriendo en el proceso. Esto es un shock para todos, incluso los gobernantes del más allá no esperaban esto. Para recompensar a Yusuke por sus sacrificios desinteresados, se convierte en un detective espiritual, con la tarea de trabajar con el Rey Espíritu para luchar contra demonios malvados e investigar eventos paranormales en el plano físico.

¿Qué hace grande a Yu Yu Hakusho?

Al igual que otros animes shounen como “Dragon Ball”, puedes dividir “Yu Yu Hakusho” en dos programas diferentes. La primera es una impresionante historia de detectives sobrenatural sobre la investigación de demonios y apariciones en el mundo humano. Las historias son de pequeña escala, con el protagonista Yusuke Urameshi asumiendo pequeños casos para demostrar que es un buen niño, como ayudar a un niño a superar la muerte de su perro, o ayudar a una niña fantasma a superar su obsesión con un niño que amaba cuando ella estaba viva. .

Hay una mezcla de imágenes de terror, como un mini-arco en el que Yusuke se une a un compañero de escuela y un par de demonios para derrotar a algunos villanos del mundo demoníaco que se apoderan de la raza humana por parásitos demoníacos, y un tono suave y melancólico que sabe cómo y cuándo. tomarse su tiempo hace que los primeros “Yu Yu Hakusho” se destaquen de otros programas que giran en torno a una rápida escalada.

La otra parte del programa es, bueno, una gran película de acción. Con relativa rapidez durante la ejecución de la serie, el autor Yoshihiro Togashi cambió el tono de la historia para volverse más orientada a la acción, introduciendo los grandes actos heroicos que llegaron a definir a “Yu Yu Hakusho”. Lo que ya eran escenas de lucha emocionantes y geniales en el manga han recibido nueva vida en la adaptación al anime, y el Arco del Torneo Oscuro generalmente se considera el arco de torneo más grande en la historia del anime, debido en gran parte a las imágenes.

Noriyuki Abe (quien luego supervisaría Uno de los tres grandes del mundo del anime “Bleach”.) dirigió el equipo de animación de Studio Pierrot, que resalta las influencias de terror del manga y lo convierte en uno de los mejores animes de fantasía oscura que existen. Toyashi ya era un gran admirador de H.R. Giger, quien aparece en los diseños de los demonios y la infraestructura del mundo de los demonios, pero el anime lo lleva a un nuevo nivel al agregar momentos de terror muy detallados en las escenas de lucha, centrándose en las mutaciones corporales. y transformaciones como algo verdaderamente horroroso. Los objetos se distorsionan constantemente mientras la cámara proporciona ángulos imposibles para transmitir la enorme diferencia de poder durante las escenas de lucha. El programa también utiliza fondos oscuros y contrastes, evocando el uso de papel negro para los fondos de “Batman: The Animated Series”, e inmediatamente agrega un ambiente opresivo a la historia.

Lo que Yu Yu Hakusho aporta a la conversación

Cuando se estrenó “Yu Yu Hakusho”, llegó en un momento en que “Dragon Ball” dominaba el anime y el manga shounen, y se crearon innumerables imitadores. Aunque existen similitudes obvias al pasar de una serie de pequeñas aventuras a una historia sobre luchas interminables y actos heroicos, lo más importante que hace “Yu Yu Hakusho”, que se desvía radicalmente del espíritu de batalla shounen, es distorsionar la idea de luchar. como la forma más pura de vida.

Cada gran batalla shounen contiene entrenamiento, ganancia de fuerza y ​​lucha contra oponentes como el camino definitivo hacia un gran héroe. A Goku le encanta tanto pelear que termina la historia dejando atrás a su familia para entrenar a un extraño. A Luffy le gusta luchar contra oponentes más fuertes y su sonrisa aumenta cada vez que lo derrotan. Eso no es lo que sucede en “Yu Yu Hakusho”, una historia que muestra continuamente cómo el camino para volvernos más fuertes por el bien de la fuerza inevitablemente nos consumirá. Si bien la serie gira hacia la acción incesante, Togashi hace del combate no solo un medio para lograr un fin, sino un fin inevitable en sí mismo. Como dijo Daniel Dockery en retrospectiva rollo crujienteEs como si Togashi estuviera preguntando a los personajes y al público por igual: “¿Te gusta tanto pelear? Bueno, ¿y si eso fuera todo lo que puedes hacer?”.

Esto lo vemos en el propio Yusuke, un personaje que se establece desde el principio como alguien que se esforzará para hacer cosas buenas por los demás. Pero cuando comienza la pelea, queda claro que no está por encima de abandonar a sus amigos o la misión para aprovechar cada oportunidad de luchar sin sentido por diversión. Su superación personal a través del entrenamiento y la lucha también se vuelve autodestructiva, y cuando las consecuencias de sus acciones salen a la luz, son sombrías y emocionalmente devastadoras. La idea de mostrar el lado oscuro de un protagonista que anhela luchar y volverse más fuerte es una que Togashi exploró más a fondo en “Hunter x Hunter”. Lo que llevó a algunos de los mejores episodios de este programa.

El costo de la superación personal

Los héroes no son los únicos que ven el problema de que el combate controle sus vidas. La primera vez que vemos el final de este concepto es durante el arco del Torneo Oscuro, en el personaje de Younger Toguro. Este oponente se presenta por primera vez como el oponente soñado de Yusuke: un hombre cuyo superpoder es volverse infinitamente más fuerte.

Sin embargo, rápidamente queda claro que toda la razón de vivir de Toguro radica en la batalla, a medida que aprendemos que vendió su humanidad solo para volverse más fuerte. Tortura a Yusuke durante su enfrentamiento final para obligarlo a convertirse en un oponente digno, después de destrozar cada aspecto de su humanidad en la búsqueda del poder y la buena lucha. Incluso las transformaciones de Toguro durante el combate, en lugar de ser sorprendentes como las de Dragon Ball Z, son dolorosas y horribles. Su masculinidad y deseo de poder son puro combustible para pesadillas.

La idea de perderse en combate se convierte en parte integral de las etapas finales de la historia, que concluye con otro torneo masivo. Sin embargo, en este momento los personajes se han visto afectados por su historia con la violencia, y por ver hasta dónde cae la gente en su sed de sangre. En una muestra de rara valentía por parte del autor del manga, algunos personajes abandonan la batalla final al darse cuenta de que no ganarán nada con ella. “Yu Yu Hakusho” se ríe del tono ambicioso de la idea de combate sin fin del anime Battle Shonen y, en cambio, convierte el sueño de volverse más fuerte que nunca en una pesadilla ineludible.

Luego está el capítulo negro, una historia completamente diferente. Se basa en títulos legendarios como “Devilman”, cuya influencia todavía se siente en programas como “Demon Slayer” y “Dan Da Dan”, en la forma en que invierte el guión sobre la idea de los demonios como enemigos. En The Black Chapter, el principal antagonista es un hombre tan perturbado al ver la crueldad y brutalidad que los humanos infligen a los demonios que decide que la humanidad misma debe ser erradicada. Es una historia inteligente que cuestiona cada victoria que hemos visto lograr a los personajes contra los demonios en la historia, y la idea de utilizar una raza ficticia o sobrenatural como villanos en aras de la simplicidad.

¿Por qué los fanáticos que no son fanáticos del anime deberían ver a Yu Yu Hakusho?

“Yu Yu Hakusho” es una brillante subversión de los tropos del shonen de batalla, una historia que abraza la diversión de títulos populares como “Dragon Ball”, pero inclina sus ideales hacia el territorio del terror. El programa pide a los espectadores que cuestionen la idea de esforzarse siempre por ser más fuertes, no como algo a lo que aspirar, sino más bien como ver la naturaleza tóxica y autodestructiva de hacer de la lucha no sólo un medio, sino un fin.

Gracias a una animación impresionante realizada por un equipo de animadores de primer nivel (que incluye jugadores clave en la industria de “Naruto” y uno de los miembros fundadores de PA Works), este programa no se parece a ningún otro shounen de batalla que existe. La historia presenta una estética de fantasía oscura que resalta las inspiraciones de terror y los capítulos más oscuros de la historia. Ya sea que quieras un anime de lucha con diseños brutales que parezcan sacados directamente de tus pesadillas, o simplemente una historia de aventuras con un grupo de cuatro adorables idiotas uniéndose como equipo, “Yu Yu Hakusho” sigue siendo una historia esencial en el anime, y una que no se puede olvidar. Hace preguntas que otros animes de acción se niegan a hacer.

Mira esto si quieres: “Dragon Ball”, “Hunter x Hunter”, “My Hero Academia”

“Yu Yu Hakusho” se transmite en Crunchyroll, Netflix y Hulu.



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El remake de Prime Video del clásico de culto de Sarah Michelle Gellar ha sido un éxito

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Cuando Amy Heckerling anotó Comedia adolescente de 1995 con la canción “Clueless” Al trabajar en la novela Emma de Jane Austen de 1816, Hollywood se dio cuenta de que podría haber una mina de oro potencial en las películas dirigidas a jóvenes basadas en obras de ficción clásicas. Jill Junger ciertamente descubrió que este era el caso Con “10 cosas que odio de ti” Su versión de la escuela secundaria de “La fierecilla domada” de William Shakespeare, mientras que Robert Isikoff tuvo un éxito de taquilla con su canción “Pygmalion” “She's All That”. Así que no fue tan impactante cuando Roger Combel exploró la intriga y el atractivo sexual con Cruel Intentions, su intrigante reelaboración de niños ricos de Les Liaisons Dangereuses de Pierre Choderlos de Laclos.

¿Por qué la película funcionó tan bien? La voluntad de Columbia Pictures de estrenar la película con clasificación R permitió a Kumble seguir adelante con la sensualidad. También tuvo un tirano absoluto de actores jóvenes en Sarah Michelle Gellar, Ryan Phillippe, Reese Witherspoon y la encantadora ladrona de escenas Selma Blair. La película recaudó aproximadamente 80 millones de dólares con un presupuesto de 11 millones de dólares y generó dos secuelas directas en DVD a principios de la década de 2000.

Como ocurrió con muchas películas exitosas de finales de los 90 y principios de los 2000, parecía sólo cuestión de tiempo antes de que se rehiciera “Cruel Intentions”. Ese momento había llegado y los suscriptores de Prime Video estaban claramente entusiasmados con ello.

“Crueles Intenciones” volvió a ser un éxito

Según la calificación de esta semana.el nuevo spin-off de la serie “Cruel Intentions”, es exactamente lo que estaban buscando aquellos a los que les gustan las tácticas románticas deliciosamente oscuras. El programa solo está detrás de “Cross” mejor calificado en la plataforma de transmisión Prime Video, y actualmente está por delante de “Jeff Dunham's Scrooged-Up Holiday Special” (que puede superar a “Cruel Intentions” una vez que la temporada navideña esté completamente floreciente).

¿Vale la pena dedicar tu tiempo a la oferta? Protagonizada por Sarah Katherine Hook (“El conjuro: El diablo me obligó a hacerlo”), Zach Burgess (“Boy Swallows Universe”) y Savannah Lee Smith (El reinicio de “Gossip Girl” de Max) Parece que el juego va hacia donde originalmente iba el trío de Gellar, Phillippe y Witherspoon. Las creadoras Phoebe Fisher y Sarah Goodman tienen experiencia con remakes de los años 90 de la serie Sé lo que hicisteis el último verano, mientras que tienen un talento de primer nivel detrás de la cámara con el veterano director de televisión Adam Arkin. Desafortunadamente, las críticas aún no han sido buenas. Cruel Intentions actualmente tiene una escasa calificación de 36% en Rotten Tomatoes, con Hannah J. Davies de The Guardian escribiendo: “De hecho, esto se siente como un programa adolescente genérico con cualquier otro nombre”. La mayoría de sus compañeros de reparto tienen el mismo problema con la serie, así que quizás tenga esto en cuenta al programar su tiempo de transmisión durante las próximas semanas.



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El cómic definitivo de Wonder Woman de DC toma prestado de un manga clásico brutal

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Para entender a Wonder Woman, hay que entender Su creador: el profesor William Moulton Marston. Marston, una feminista radical, esculpió a Wonder Woman a partir de su creencia de que las mujeres deberían liderar y salvar el mundo. A partir de los mitos griegos de las amazonas, Marston imaginó el personaje que se convirtió en Diana: una mujer criada en una isla paradisíaca (toda mujer) y enviada a un mundo de hombres para difundir un mensaje de paz y cambiar nuestros corazones. .

La Diana definitiva sigue siendo una heroína, que encarna los rasgos clásicos de la Mujer Maravilla: “Belleza. Gracia. Compasión. Bondad. Sabiduría”. Ella posee estas cualidades no porque fue criada en el cielo, sino porque fue criada en el infierno. En esta novela, Zeus encarcela a todas las Amazonas por un crimen no especificado y prohíbe que se vuelvan a mencionar sus nombres. Diana, la única hija entre ellos, fue entregada a la hechicera Circe (tradicionalmente enemiga de la Mujer Maravilla) y luego criada en la prisión infernal de Circe.

Para representar a Diana creciendo, Sherman utiliza una serie de tres páginas dobles consecutivas, con cuatro paneles rectangulares que abarcan dos páginas, cada uno de los cuales muestra a Diana creciendo ligeramente. Vea uno a continuación:

Estas páginas transmiten cómo, aunque estaba literalmente en el infierno, la Mujer Maravilla definitiva tuvo una infancia mejor que Guts, porque tuvo un padre amoroso. Thompson admitió que tuvo problemas para redefinir adecuadamente a Wonder Woman hasta que se le ocurrió la idea de “Growing Up in Hell”. En conversación con SnyderTambién afirmó que no quería que esto fuera simplemente una Mujer Maravilla de “God of War”. Entonces, Realizado (a través de CBR)puede cambiar todo acerca de Diana: su historia, sus armas, sus personajes secundarios, etc. El diseño final de Diana puede ser más “metálico” en palabras de Thompson, pero gracias al amor de Circe, esta Mujer Maravilla sigue siendo pura de corazón. “Wonder Woman” #1 termina con su heroína haciéndose pasar por Diana la Amazona, la heroína que conocemos y amamos.

Thompson citó varios otros cómics de Wonder Woman como su investigación, incluido “Wonder Woman: Dead Earth” de 2020 de Daniel Warren Johnson. Esta miniserie es una historia no canónica sobre el despertar de Diana en un mundo post-apocalíptico devastado por una guerra nuclear, donde su misión ahora es un fracaso miserable y quizás irreversible. La Mujer Maravilla “Dead Earth”, al igual que la Mujer Maravilla “Ultimate”, también lleva una espada enorme.

Thompson y Sherman lo hicieron No Hasta donde yo sé, “Berserk” se llama explícitamente una influencia en “The Ultimate Wonder Woman”. (Aunque otros críticos también han hecho la comparación.) Sin embargo, Johnson es un famoso fanático de Berserk: ¿podría el manga haber ayudado a inspirar a Wonder Woman, que a su vez ayudó a inspirar a Thompson y Sherman?

En una entrevista en octubre, Thompson dijo que esperaba alguna reacción violenta por darle la espada a la Mujer Maravilla definitiva. Como puede ver, el uso de una espada por parte de Wonder Woman es un rasgo de carácter más moderno, visto en proyectos como las películas de acción real de “Wonder Woman” y el reinicio de DC Comics de 2011 “New 52”. Había una sensación clara de que, para hacer que Wonder Woman fuera “más genial”, tenía que ser más guerrera (esencialmente Thor de DC), pero esto traiciona por completo el propósito original de Marston al crearla.

Como psicóloga, Marston no sólo fue la inventora de Wonder Woman, sino también del polígrafo. Por lo tanto, el arma principal de Wonder Woman siempre ha sido el lazo, que obliga a las personas atrapadas en él a decir la verdad. Incluso cuando Diana pelea, lo hace con una herramienta no letal diseñada para cambiar los corazones de sus enemigos, no para herirlos. ¿Darle una espada, el arma más clásica de la historia, una que representa la ira de los hombres (incluso su forma fálica)? Contrasta con Wonder Woman.

Se siente menos mal en “The Ultimate Wonder Woman”, porque Diana tiene la misión de proteger a la humanidad de los monstruos. Incluso entonces, el primer número termina con el lazo de Diana mientras se prepara para enfrentarse a un demonio, por lo que es posible que la espada no sea su arma preferida para siempre.

“La Mujer Maravilla Definitiva” #1 Disponible para su compra en formato impreso y digital. “Absolute Wonder Woman” #2 está previsto que se publique el 27 de noviembre de 2024.

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Javier Bardem en Cape Fear: Un clásico reinventado en Apple TV+

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En lo que parece un golpe para Apple TV+, el ganador del Oscar Javier Bardem asumirá uno de los papeles de villano más emblemáticos del cine en una nueva serie adaptada de capa de miedosegún nuevos informes. Por supuesto, será interpretado por Max Cady. Este es el personaje que Robert Mitchum hizo famoso en versiones cinematográficas anteriores en 1962 y Robert De Niro en 1991. (¿Y quién puede olvidar la versión de Cuddy de Sideshow Bob de Los Simpson1993 Episodio satírico “Cape Fear”.)

El anuncio se produce mientras Bardem está generando revuelo con su debut televisivo en Netflix. Monstruos: La historia de Lyle y Eric Menéndez.

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Javier Bardem en capa de miedo Serie en Apple TV+: Él interpreta al villano, por supuesto

Disponible en Apple TV+ Luz verde para una serie de 10 episodios Promete ofrecer una nueva perspectiva del thriller clásico. Cabo del miedo. explorará la fascinación contemporánea de Estados Unidos por el crimen real, reportero de hollywood Y otras publicaciones mencionadas. El proyecto tiene un pedigrí impresionante, con Martin Scorsese y Steven Spielberg como productores ejecutivos. Scorsese, quien dirigió la aclamada versión cinematográfica de 1991, ciertamente aporta su comprensión del material original.

Nick Antoscaconocido por su convincente drama criminal real amigo de la familia y la leyactuará como showrunner y escritor. La serie gira en torno a los abogados Amanda y Steve Bowden, cuyas vidas dan un vuelco cuando Cady se ve obligada a (bardem), un peligroso criminal de su pasado, sale de prisión.

Los fanáticos de las versiones anteriores de la película disfrutarán viendo si el actor español puede ponerse en el lugar de Mitchum y De Niro (no es justo contar aquí a Bob el Actor secundario, debido a los zapatos de payaso de gran tamaño que usa, pero me quito el sombrero ante Culto a MacEd Hardy por recordarme simpsons episodio). Bardem puede lograrlo. Su papel de psicópata con una pistola para ganado y un mal corte de pelo en la obra de los hermanos Coen. No hay país para viejos Los fanáticos están emocionados y helados. También ganó un Oscar por eso.

El lago de los suspiros del terror, Los Simpson "capa de miedo" episodio
Bienvenido a “Terror Lake” de la parodia de Los Simpson “Cape Feare” de 1993. ¿Puede Bardem ser más astuto que Sideshow Bob?
Imagen: Zorro

Más grandes colaboradores de Apple TV+

Para los suscriptores de Apple TV+, esta serie representa otra prestigiosa incorporación al creciente catálogo de la plataforma. El proyecto reúne a Apple con varios colaboradores exitosos, incluido el nuevo Amblin Television. victoria con Maestros del airey Scorsese, quien recientemente presentó la película nominada al Oscar Asesinos de flores lunares Al servicio de transmisión.

La serie está basada en la novela de John D. MacDonald. verdugos Y sus posteriores adaptaciones cinematográficas. Promete ofrecer un “tenso thriller hitchcockiano” actualizado para el público moderno.

Bardem está trabajando actualmente en otro proyecto para Apple: el próximo Ventaja de carrera F1protagonizada por Brad Pitt. Nuevo capa de miedo La serie representa una importante expansión de su relación con la división de entretenimiento del gigante iPhone. UCP y Amblin Television producirán la serie. Los productores ejecutivos adicionales incluyen a Alex Hedlund, Darryl Frank y Justin Falvey.



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The Boys Comics tiene un claro homenaje al clásico western de Clint Eastwood

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“Unforgiven” sigue a William Mooney (Eastwood), un hombre mayor con dos hijos y una granja en quiebra a su nombre. En su juventud, Mooney fue un proscrito y un asesino (aparentemente también despiadado) hasta que conoció y se enamoró de una mujer llamada Claudia. Muni intentó ser un hombre mejor, digno de su esposa, por lo que renunció al asesinato y se dedicó a un trabajo legítimo. Ahora Claudia está muerta y la familia Mooney se encuentra en una situación desesperada. Will, que realmente necesita el dinero, decide buscar una recompensa. En ese viaje, aprende que no hay redención para él en su vida, sólo condenación una vez que entre en la próxima vida.

Eastwood continuó haciendo películas durante más de 30 años después de protagonizar y dirigir “Unforgiven”. (Lea nuestra reseña del nuevo drama judicial “Juror No. 2” aquí.) Cuando se lanzó Unforgiven, fue anunciado como el final de su carrera.

Clint se convirtió en una estrella de cine interpretando a pistoleros en los westerns. Sin perdón trata sobre las consecuencias de vivir una vida tan violenta; Es una conclusión espiritual para todos los westerns de Eastwood, desde la trilogía Dollars hasta The Outlaw Josey Wales. Piense en cómo el personaje de Eastwood en Por un puñado de dólares hasta El bueno, el feo y el malo se llama el Hombre sin nombre. Es una figura mítica, la encarnación del héroe occidental arquetípico, el fantasma que pasa de una aventura a la siguiente. “Unforgiven” trae a este héroe a la tierra; William Mooney se enfrenta a la edad, el fracaso y otras debilidades que nos preocupan a los humanos.

El final de la película es exactamente este: Bill Daggett (Gene Hackman), el tiránico sheriff de Little Whiskey, mata al socio de Moony, Ned (Morgan Freeman). Mooney luego mata al sheriff en represalia (obsérvese cómo toma un trago de alcohol en esta escena, al no haber logrado mantenerse sobrio). Luego Manny emerge de Little Whiskey sobre un caballo pálido como el ángel de la muerte en “Revelación”, no en un tranquilo atardecer sino en una oscura tormenta. La película termina con una toma amplia de Mooney caminando hacia la tumba de Claudia en su granja, con el siguiente texto en movimiento:

“Unos años más tarde, la señora Ansonia Feathers hizo el arduo viaje al condado de Hodgman para visitar el lugar de descanso final de su única hija. William Mooney hacía mucho tiempo que había desaparecido con los niños… Algunos decían que a San Francisco, donde se rumoreaba que florecía en productos secos y no había “Algo en el letrero le explica a la Sra. Feathers por qué su única hija está casada con un conocido ladrón y asesino, un hombre de mal carácter”.

(Para obtener más detalles sobre el final de “Unforgiven”, haga clic aquí).

La portada de “Butcher, Baker, Candlestickmaker” #6 también se parece al final de “Unforgiven”. El carnicero se encuentra junto a la tumba de Pekka y la puesta de sol naranja convierte a todos los sujetos en siluetas. Compara las siguientes imágenes:

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¿Por qué Forrest Gump Reunion no pudo igualar al clásico de Tom Hanks en taquilla?

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Tom Hanks y Robert Zemeckis, el dream team detrás forrest gumpse reencontrarán después de casi tres décadas en 2024 aquí. A pesar de la anticipación, el poder de las estrellas y el director famoso, aquí Curiosamente, resultó ser una gran decepción en taquilla, especialmente si se compara con el fenómeno cultural del dúo ganador del Oscar en 1994. aquí También es poco probable que obtenga los mismos premios en efectivo que su predecesor.

aquí Cojeó hasta un fin de semana de estreno nominal de 4,8 millones de dólares, a años luz de distancia. forrest gumpUn impresionante debut de 24,5 millones de dólares. Dado que la película solo recaudó 11,4 millones de dólares en ingresos brutos nacionales, está bastante claro que esta colaboración entre Hanks y Zemeckis no se mencionará al mismo tiempo que sus películas taquilleras anteriores como abandonado (por un total de 233 millones de dólares) y Polaridad rápida (183 millones de dólares). En retrospectiva, varias cosas lo causaron. aquí Tropezar mucho al salir por la puerta.

Aquí hay una explicación de su decepcionante desempeño en taquilla en comparación con Forrest Gump.

Aquí siempre se enfrentó a un gran desafío para estar a la altura de la película histórica de Forrest Gump.

aquíUn desempeño comercial erróneo o incompleto puede atribuirse a una tormenta perfecta de factores que actúan en su contra. La mayoría de los críticos le dieron aquí Críticas negativas y muchos encontraron la película decepcionante dado el talento involucrado. Esto resultó en una calificación baja del 32% en Rotten Tomatoes, lo que disminuyó el interés de la audiencia. Se suponía que la premisa de alto concepto, que involucraba al personaje principal atrapado en un solo set de filmación, sería difícil de vender, lo que limitaba el atractivo general de la película. aquíSu sensibilidad cerebral y artística está muy lejos de su naturaleza ampliamente accesible y agradable para el público. forrest gump Y otros éxitos ampliamente conocidos de los creadores.

También es imposible ignorar la transformación radical que se ha producido en el panorama cinematográfico durante los últimos treinta años. forrest gump Se convirtió en un gran éxito en el espíritu de la época. En el entorno del cine moderno, obsesionado por la propiedad intelectual e impulsado por las franquicias, hay un drama único aquí Estaba destinado a enfrentar una batalla cuesta arriba para conectarse con el público, especialmente sin una base de fans incorporada a la cual recurrir.

Forrest Gump fue un gran éxito, pero fue considerado un fracaso artístico en la década de 1990.

Las complicaciones contables que rodearon a Forrest Gump lo calificaron de “fracaso”

Forrest (Tom Hanks) y Jenny (Robin Wright) el día de su boda en Forrest Gump

No te equivoques, forrest gump Fue un auténtico monstruo en taquilla. La película recaudó la asombrosa cifra de 330 millones de dólares a nivel nacional, lo que la convirtió en la película más taquillera de 1994. También dominó los Premios de la Academia, ganando seis premios, incluidos Mejor Película y Mejor Actor para Hanks. Sin embargo, en un impactante ejemplo de “Contabilidad de Hollywood“, afirmó Paramount Pictures. forrest gump Perdió más de $62 millones (a través de Los Ángeles Times).

El estudio supuestamente utilizó trucos de contabilidad clandestinos para duplicar los costos y aumentar el presupuesto de la película, haciendo que pareciera que la querida película de Tom Hanks era una pérdida de dinero. Esta afirmación ha sido particularmente escandalosa desde entonces. forrest gump Fue uno de los mayores éxitos de 1994. El estudio intentó decir que estaban en números rojos a pesar de que la película recaudó la asombrosa cifra de 677 millones de dólares en todo el mundo después de haber costado sólo 55 millones de dólares, una cifra que se suponía que significaba… Grandes ganancias para todos. participantes del proyecto.

Winston Groom escribió el libro. forrest gumpNo recibió ningún dinero más allá de su pago inicial de 350.000 dólares. Su contrato estipula que recibirá una parte de las ganancias después de gastos, no el dinero total que la película gane en los cines. mientras forrest gump Gané tanto dinero que las duras matemáticas en el estudio hicieron que pareciera un fracaso en el papel. Así que el novio no recibió nada extra, a pesar de que su historia se convirtió en uno de los mayores éxitos cinematográficos de todos los tiempos. Esto se compara con un verdadero fracaso de taquilla, donde es muy obvio ver una película perdiendo dinero.

Tom Hanks fue el gran atractivo de la taquilla de Forrest Gump, ¿lo sigue siendo ahora?

Es posible que Hanks no tenga tantas garantías de ganancias como en la época de Forrest Gump

Tom Hanks en Forrest Gump

La increíble fuerza de Hanks lo ayudó a lograr el éxito. forrest gump Gran éxito. Acaba de ganar un Premio de la Academia al Mejor Actor por su papel. Filadelfia y forrest gumpHanks fue alguna vez el actor principal más rentable de Hollywood. todavía aquíLa decepcionante taquilla muestra cuánto han cambiado el querido actor y la industria cinematográfica.

Años después forrest gump vio a Hanks continuar su racha con éxitos masivos como Apolo 13, Salvando al soldado Ryany abandonado. Su disco más reciente cuenta una historia diferente. mientras El código Da Vinci Recaudó 217 millones de dólares a nivel nacional, al igual que películas como La guerra de Charlie Wilson ($66 millones) Larry Corona ($35 millones) y ahora aquí, Luchó por encontrar una audiencia.

Aunque decepcionante, el cambio en el poder de Hanks en la taquilla no es sorprendente. Hoy en día, el público está menos preocupado por el poder de las estrellas, Hollywood está produciendo menos películas centradas en las estrellas y, a sus 66 años, Hanks está muy alejado de los papeles protagónicos tradicionales. Con más de sus proyectos recientes como noticias mundiales y Pinocho Pasando directamente al streaming, está claro que el nombre de Hanks por sí solo ya no puede llenar los cines, especialmente con películas difíciles como aquí. Sin embargo, su estatus como uno de los mejores actores de Hollywood sigue siendo intocable.

fuente: Los Ángeles Times

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Clint Eastwood y Paul Newman rechazaron papeles en el clásico de M. Night Shyamalan

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Esta publicación contiene Spoilers Para “etiquetas”.

para mí, “Signs” es la mejor experiencia cinematográfica de M. Night ShyamalanY solo mejoró con el tiempo. Antes del lanzamiento de la película en 2002, Shyamalan había demostrado sus habilidades como director prometedor con “The Sixth Sense” y “Unbreakable”, dos películas que todavía está a la altura, pero “Signs” consolidó su habilidad para sorprender. , fascinación y entretenimiento. El discurso popular que rodea los “signos” a menudo gira en torno a su giro final, pero este thriller de ciencia ficción ofrece mucho más que eso; Es una exploración dinámica de miedos y ansiedades que culminan en un evento que puede conducir al fin del mundo.

Shyamalan invierte la premisa de invasión alienígena con un punto focal comprensivo en el retrato de la familia Hess, ya que estamos al tanto de cada duda, trabajo y crisis a medida que la película se acerca a su clímax estimulante. Graham (Mel Gibson), un pastor que lucha con su fe después de la muerte de su esposa, apenas puede trabajar, y mucho menos estar allí para sus dos hijos, Morgan (Rory Culkin) y Beau (Abigail Breslin). Tío infantil Merrill (Joaquin Phoenix)que se ha mudado para apoyar a la familia y ayudarlos a procesar su dolor, aparece como un alivio bienvenido, sin embargo, los cargados de fatalidad aparecen en forma de círculos de cultivos siniestros y avistamientos globales de eventos extraños. ¿Puede la fe, o la falta de ella, ayudar a una familia ordinaria sobrevivir, especialmente cuando ya están afligidas?

“Signs” responde a esta pregunta de una manera simple pero entrañable, tejiendo un tapiz de restauración de la fe a través del milagro, pero el efecto restante nunca se siente artificial o pretencioso. Naturalmente, la carga de vender una resolución tan ordenada y conveniente recae en los actores centrales, especialmente Gibson y Phoenix, cuyos personajes asumen la responsabilidad de navegar por una situación tan imposible (por el bien de los niños). Lo hacen, y notablemente bien.

Sin embargo, el papel de Graham fue rechazado por dos actores más famosos antes de que finalmente fuera a Gibson. Esto es lo que pasó.

Inicialmente, Shyamalan quería que un actor mayor interpretara a Graham Hess en señales

Shyamalan originalmente pretendía que Graham Hess fuera un hombre mayor que luchaba con su fe: alguien cuya lucha interna entre la fe esperanzadora y el realismo práctico se reflejaba en sus “ojos embrujados”, como lo expresó el director en una entrevista con la revista Newton. ¿No es una gran noticia? En 2001. Mientras que cualquier actor que valga la pena habría encajado en el proyecto de ley, Shyamalan apareció en Clint Eastwoodque no es ajeno a jugar personajes ligeramente distantes y profundamente complejos con una sensación de vulnerabilidad oculta, naturalmente sobresale en este tipo de papel. Sin embargo, en ese momento, Eastwood se había alejado de la actuación, por lo que no debería haber sido elegido. Después de esto, La segunda opción de Shyamalan para un personaje aparentemente conflictivo fue Paul Newman, pero el actor disminuyó debido a la falta de interés.

Después de que Gibson obtuvo el papel, Shyamalan cambió ligeramente el personaje de Graham, haciéndolo 20 años más joven y en gran medida cambiando la fuente de su tristeza e ira, ya que ahora era un sacerdote de mediana edad que sufría de una severa crisis de fe. Pero Graham no puede escapar de sus conexiones con la iglesia o la divinidad. No importa a dónde vaya, la gente todavía lo llama “papá”, e incluso los intentos de consolar a sus hijos conducen a una confrontación inesperada con la persona que mató accidentalmente a su esposa (interpretada por el propio Shyamalan). Esto, además del hecho de que Miedos en torno a una inevitable invasión alienígena En un máximo histórico de la película, contribuye con la presencia de una figura paterna que está a la vez basada y rota, alguien que intenta desesperadamente (y falla) a ser la persona que se espera que sea. Gibson encarna estas emociones dobles perfectamente, abrazando inevitabilidad sombría en un momento y aferrándose a la próxima esperanza.

“No hay nadie mirándonos, Meryl. Todos estamos solos”, dice Graham durante una escena fundamental, y esa sensación casi es cierto cuando la familia Hess está retrocedida en un rincón y obligado a luchar contra los extraterrestres con lo que esté disponible Dentro de su casa. . pero, Después de que Merrill balanceó ese murciélago La vida de Morgan se salva de una manera que Graham solo puede atribuir a la intervención divina, y se convierte en un hombre cambiado. Aunque la tristeza aún se aferraba a él, sus ojos ya no parecían embrujados.



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Eddie Redmayne asume el clásico papel de Bruce Willis en una serie de televisión imperdible

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Es una pena que ya no haya suficientes películas originales y que todas las películas que no son series nazcan de propiedad intelectual preexistente que probablemente ya haya sido extraída antes. Con qué frecuencia son los vuelos ¿Volveremos a la Tierra Media? ¿Realmente vamos a hacer Harry Potter otra vez? Y otra “Cumbres Borrascosas” con un Heathcliff blanco (Cuando se escribe en negro ¿En la novela de Emily Brontë?

Sin embargo, algunos hilos son más duraderos que otros. Siempre hay espacio para otro “Hamlet”, porque parte de la emoción es ver a grandes actores y directores abordar una de las mejores obras jamás escritas: una obra que podría transportarse desde Dinamarca a lugares como la ciudad de Nueva York, Elsinore Brewery o Pride. . Roca. Nadie se molesta cuando se desempolva uno de los misterios de Sherlock Holmes de Sir Arthur Conan Doyle, aunque todos sabemos cómo se desarrolla la historia.

Una pieza de propiedad intelectual que ha sido revisada una sorprendente cantidad de veces es una historia de un período específico sobre un asesinato frustrado en la vida real. Esta ficción histórica se publicó por primera vez en 1971 y se convirtió en una exitosa película protagonizada por Edward Fox, Michael Lonsdale y Derek Jacobi. Hubo una adaptación al idioma malayalam en 1988 titulada “1 de agosto” con las leyendas del cine hindi Mammootty, Captain Raju y Sukumaran antes de que Universal actualizara la historia en 1997 para un thriller del gato y el ratón protagonizado por Bruce Willis y Richard Gere.

El largometraje se llama “El día del chacal” y ahora regresa para otra ronda como una miniserie con un sabor decididamente británico.

No puedes detener al chacal

Escrito por Ronan Bennett, un excelente novelista por derecho propio y guionista de “Enemigos públicos” de Michael Mann, El día del chacal está protagonizado por el ganador del Oscar Eddie Redmayne como un asesino que, en esta novela, es contratado para matar a alguien. Magnate tecnológico multimillonario. Si tan solo Bennett hubiera tenido el descaro del autor Frederick Forsyth, quien en 1971 convirtió al verdadero presidente francés, Charles de Gaulle, en blanco del chacal.

Esta es la primera adaptación importante de la novela de Forsyth desde el lanzamiento de The Jackal de Willis Geer, que fue un éxito modesto y recaudó 159 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 60 millones de dólares. A esta película no le fue bien con la crítica (actualmente tiene un 36 en Metacritic), pero sigue siendo una película de papá gracias a la distribución y la transmisión (aunque no al nivel de, digamos, “Backdraft” tendrá su propia remake). Compare esto con la miniserie 74 de “El día del Chacal” en Metacritic, y si nunca ha visto una reunión de Willis-Gere, también podría comenzar con la serie (especialmente con la increíble coprotagonista Lashana Lynch). Como acosador de Redmayne.)

Puedes comenzar esta semana en Peacock; Los primeros cinco episodios de “El Día del Chacal” comenzarán a transmitirse el 14 de noviembre de 2024.



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El evento clásico transportará a los fanáticos al principio.

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Por primera vez , Monitoreo 2 Los jugadores podrán agruparse en equipos de seis. El evento de tres semanas en este formato comenzará mañana 12 de noviembre. Pero hay un giro: todavía no podrás seleccionar a Kiriko o Sombra, ni competir con un jugador adicional en cada lado en los mapas Push. Eso es porque está en Monitoreo 2La primera verdadera experiencia 6v6, Blizzard nos lleva de regreso al principio con un modo de tiempo limitado llamado Overwatch: Classic.

Podrás experimentar Escucha Tal como era cuando debutó en mayo de 2016. Esto significa que puedes elegir entre los primeros 21 héroes, todos los cuales tienen sus propias herramientas y habilidades originales. Esto significa que Hanzo pierde su salto de carrera pero recupera su Flecha de dispersión, Bastion y Torbjorn son completamente diferentes de lo que son ahora, y el Flashbang de Cassidy una vez más aturde a los enemigos por un momento.

Symmetra vuelve a ser una herramienta de apoyo que puede teletransportar a los aliados a casi cualquier lugar del mapa desde la sala de generación, mientras que Mercy puede devolver la vida a cinco compañeros de equipo muertos. Las habilidades definitivas también se cargarán más rápido.

Además, al igual que en Escucha En resumen, al principio no hay restricciones para elegir un héroe. Entonces, si tú y tus compañeros de equipo queréis competir con una alineación de cuatro Winston y dos Lucius, hazlo. Sin embargo, esto sólo se aplicará a los primeros días, después de los cuales Blizzard implementará la regla del límite de un héroe durante el resto del evento. Los juegos se jugarán bajo un conjunto de reglas de Juego Rápido, en lugar de un formato competitivo.

Los 12 mapas originales también estarán disponibles, incluidos los mapas de Asalto que Blizzard sacó de los modos principales durante la transición a Monitoreo 2. Aunque los mapas de asalto todavía están disponibles en juegos arcade y personalizados, una vez más tendrás que enfrentarte a los infames puntos de estrangulamiento de las magníficas industrias Hanamura, el Templo de Anubis y Volskaya.

Una captura de pantalla de Overwatch 2 que muestra cinco versiones de Winston y varios escudos desplegados.Una captura de pantalla de Overwatch 2 que muestra cinco versiones de Winston y varios escudos desplegados.

Entretenimiento de ventisca

Sin embargo, las cosas nunca volverán a ser como eran en mayo de 2016. Los mapas originales que han sufrido modificaciones significativas a lo largo de los años (Dorado, Numbani, Ruta 66 y Watchpoint: Gibraltar) aparecerán tal como están en el juego actual. Sólo podrás utilizar la configuración predeterminada original. Escucha Sin pieles No hay cajas de botín. La interfaz de usuario también sigue siendo la misma, lo que significa que el sistema de ping seguirá vigente.

Blizzard no planea que este sea un acuerdo único. Habrá otros eventos de Overwatch: Classic en el futuro, centrados en diferentes momentos de la historia del juego, p. . Este modo de tiempo limitado también está separado de las otras pruebas 6v6. Se busca medir el interés de los jugadores en este formato y obtener comentarios.

Hay una buena posibilidad de que este modo limitado vuelva a traer a algunos jugadores caídos a la mezcla, aunque sea solo por un sorbo de nostalgia. lo jugué por primera vez Escucha Han pasado varios meses desde su debut, por lo que será interesante ver cómo se sintió inicialmente el juego. Fijaré a Mei en cada partida para poder recordar lo que significa congelar a un oponente antes de saludarlo descaradamente y dispararle carámbanos al cráneo. Ay recuerdos…

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