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Warner Bros. puso a Tim Burton una condición para estrenar Beetlejuice 2 en cines

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Las cosas buenas les llegan a quienes esperan; Pregúntale a Warner Bros. El estudio y Tim Burton han pasado casi cuatro décadas discutiendo ideas para una secuela del clásico de comedia de terror Beetlejuice de 1988, desde el popular guión de los años 90 “Beetlejuice Goes to Hawaii” hasta “Beetlejuice Goes to…Outer Space”. , O eso bromeó Burton (?) en las semanas previas al lanzamiento de “Beetlejuice” de este mes. La versión final de la secuela ha sido ampliamente elogiada como un regreso tan esperado para el hito de la comedia extraña y de terror, tanto crítica como financieramente, algo que sin duda complacerá a Warner Bros. Pero antes de que los ejecutivos pudieran decir la palabra “B” tres veces, parecía que estaban peligrosamente cerca de cancelar todo el proyecto.

Aunque pueda parecer que el enfoque del actual director ejecutivo de Warner Bros. Discovery, David Zaslav, para renovar el legendario estudio implica quemar la mayor parte para recaudar dinero para el seguro, todavía parece haber quienes en Warner Bros. Discovery realmente se preocupan por las películas como una forma de arte. . En un nuevo informe emitido por Los New York TimesMichael De Luca y Pamela Abdi revelaron que 'Beetlejuice' Beetlejuice fue en realidad la primera película de gran presupuesto que supervisaron de principio a fin después de ser nombrados copresidentes de Warner Bros. Pictures. Motion Picture Group en junio de 2022. (De Luca y Abdi también se hicieron cargo de Turner Classic Movies Después de que Zaslav amenazara con convertirse en un supervillano y destruir por completo al querido defensor y héroe del cine clásico). Antes de eso, WB aparentemente estaba presionando para enviar la secuela de “Beetlejuice” directamente a streaming en Max (anteriormente conocido como HBO Max), que no No le sienta bien a Burton. De Luca y Abdi lo entendieron y trataron de reparar la relación del estudio con el director, pero con una condición: debía mantener el presupuesto de la película a un nivel razonable.

Tim Burton parece muy sabio ahora

El sonido que estás escuchando ahora es el del gurú de la taquilla cinematográfica Ryan Scott dando un suspiro de alivio. El gasto excesivo ha sido un gran problema para Hollywood en la era de la pandemia, incluso Algunos de los cineastas más importantes de la industria no siempre entienden por qué esto es un problema.Con Burton saliendo de una serie de decepciones financieras (que culminaron con “Dumbo” de 2019, que casi lo llevó a dejar de dirigir películas), De Luca y Abdi dijeron que le darían a “Beetlejuice” el impulso teatral que el director quería siempre y cuando mantuviera el presupuesto de 100 dólares, 1 millón de dólares, una suma mucho mayor que los 15 millones de dólares de la primera película, pero relativamente modesta para los estándares del cine moderno.

Si bien el presupuesto proyectado para Beetlejuice Beetlejuice fue inicialmente de 147 millones de dólares, Burton pudo ahorrar 47 millones de dólares adicionales en gran parte al convertir a los actores que regresaron de la película original (Michael Keaton, Winona Ryder y Catherine O'Hara) y a los recién llegados como Jenna Ortega. a un salario reducido a cambio de una mayor parte de las ganancias finales (lo que el propio Burton también hizo). Afortunadamente para ellos, De Luca y Abdi avanzaron muy rápidamente con la preproducción mientras se llegaban a acuerdos y Burton hizo su parte para mantener bajos los costos de filmación, lo que permitió que la secuela de “Beetlejuice” comenzara a filmarse rápidamente una vez que todo estuvo en su lugar. Esto, a su vez, significó que Burton pudo completar la producción casi por completo antes de la huelga de actores en 2023, manteniendo la película en camino para su estreno previsto para finales del verano de este año.

Después de que “Beetlejuice” haya recaudado más de 250 millones de dólares en menos de dos semanas en los cines, Burton, De Luca y Abdi parecen sensatos por ahora, al igual que los actores que acordaron dividir las ganancias. (Pero Zaslav y todos los que pasaron tanto tiempo explotando a Burton no fueron tan sabios). El hecho de que la secuela de Beetlejuice se sienta legítimamente desordenada y menos aceptable corporativamente que cualquier otra cosa que Burton haya hecho en un instante es solo la guinda del pastel gótico.

La película “Beetlejuice Beetlejuice” se está proyectando actualmente en los cines.


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Las películas de ciencia ficción son tan malas que las han retirado de los cines

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Olvídese de “Spider-Man” (2002), “Iron Man” (2008) o “Los cuatro fantásticos” (1994) de Sam Rami, que nunca se estrenó oficialmente. “Howard the Duck” fue el primer intento cinematográfico exitoso de Marvel (Aunque técnicamente no fue la primera película de Marvel en general.).

Howard the Duck, creado por el escritor Steve Gerber y el artista Val Myrick, apareció en Marvel Comics desde finales de 1973 hasta 1980, siguiendo las aventuras de este pato antropomórfico en un mundo dominado por humanos. Este cine negro absurdo e irreverente exploró temas sociales y políticos a través de las desventuras de Howard. Entonces, cuando se anunció la adaptación cinematográfica con George Lucas como productor ejecutivo y sus coguionistas de “American Graffiti” Willard Howick y Gloria Katz escribiendo el guión, hubo una gran expectación.

Pero la película estaba muy equivocada, empezando por el propio Howard, quien inexplicablemente fue rediseñado para ser insulso y tener poco parecido, ya sea físicamente o en cuanto a personalidad, con el material original. La película fue criticada tanto por la crítica como por el público y ganó cuatro premios Golden Raspberry (Razzies), que honran las peores películas de un año determinado.

Los cines dejaron caer a Howard the Duck como una patata caliente. La película se estrenó en más de 1.500 salas, pero después de sólo cuatro semanas, el 80% de ellos la habían abandonado. El promedio por sala fue de unas patéticas 2,8 semanas. Su taquilla mundial estuvo casi cerca de su presupuesto general, pero eso no significa que no alcanzó el punto de equilibrio. Por lo general, una película tenía que ganar dos o tres veces su presupuesto para lograrlo, ya que los exhibidores se quedaban con una parte de las ventas de entradas y tenían que recuperar el presupuesto de impresión y publicidad.

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“Kurt Russell's Breakdown” compitió con Austin Powers en cines

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Kurt Russell dirigía “Escape from Los Angeles” de John Carpenter. Lo cual lamentablemente no tuvo éxito. Así que fue una buena noticia que “Breakdown” encabezara la taquilla y recibiera bastantes elogios en su día. La película terminó con más de uno. 50 millones de dolares A nivel local, con un presupuesto de 36 millones de dólares. Sin embargo, esto por sí solo no fue suficiente para lograr el éxito en una era de fuertes ventas de video doméstico y televisión por cable. Paramount eventualmente iba a ganar dinero con la película. La óptica era buena.

Mientras tanto, “Austin Powers” recaudó aproximadamente 54 millones de dólares a nivel nacional y 68 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 18 millones de dólares. Más importante aún, generó dos series más exitosas. “Austin Powers: The Spy Who Shagged Me” de 1999 recaudó la asombrosa cifra de 312 millones de dólares, mientras que “Goldmember” de 2002 recaudó 296 millones de dólares. Incluso con presupuestos mucho mayores, estas películas fueron un gran éxito para New Line. Para esto Roach y Myers siguieron coqueteando con la idea de producir “Austin Powers 4” a lo largo de los años.

A la larga, Austin Powers rió el último. Sin embargo, ambas películas tuvieron relativamente éxito. Para Musto, Breakdown fue la plataforma de lanzamiento de su carrera, ya que consiguió un acuerdo con un importante estudio de Hollywood pocos días después del estreno de la película:

“La crisis lanzó mi carrera. Creo que fue un domingo por la mañana cuando el director del estudio que pasó el guión y todos los demás estudios llamaron a mi agente y me dijeron: '¿A qué hora temprano puedes recibir tu guión mañana por la mañana?' ¿En mi oficina? A las 7:30 a. m. del lunes por la mañana, conocí a este tipo que me hizo un trato en ese estudio, y fue una gran transformación, tanto personal como profesional.

Este es un buen ejemplo de dos películas muy diferentes que han logrado triunfar una al lado de la otra. No siempre tiene que ser uno u otro. Pueden coexistir dos cosas. Entonces, como diría Austin Powers, “¡un capitalismo asombroso, maravilloso, asombroso!”

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Sony Pictures ha comprado la cadena de cines Alamo Drafthouse

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Es el final de una era y el comienzo de una nueva e incierta para la cadena de cines más emblemática de Estados Unidos. Siempre es una gran noticia cuando un estudio de cine compra una cadena de cines completa, algo que sucede en sí mismo. El procedimiento ha visto su difícil recorrido por el ordenamiento jurídico antes de que volviera a ser legal, pero pocos tenían a Sony Pictures en su radar como comprador potencial una vez que quedó claro que los días de Alamo Drafthouse probablemente estaban contados. Una de las pocas cadenas de cines que Capeamos la pandemia con una ola de reaperturas Después de que la vacuna COVID-19 comenzó a llegar al público, los fanáticos del cine que tuvieron la suerte de vivir cerca de uno de estos lugares han llegado a confiar en la franquicia como uno de los últimos bastiones para preservar la experiencia teatral. Con las noticias de hoy, no se sabe cómo será el futuro de Alamo Drafthouse.

Por su parte, Sony y su fundador y ex propietario de Alamo, Tim League, ven la medida con optimismo. La asociación dijo en un comunicado:

“Estamos encantados de unir fuerzas con Sony Pictures Entertainment para expandir la visión de nuestra compañía para convertirnos en el mejor cine que jamás haya existido, o que jamás existirá, de maneras que sólo podríamos soñar. Tienen un profundo respeto y comprensión de la capacidad del cine para hacerlo. impulsar el crecimiento y crear impacto cultural”. Enduring está perfectamente en consonancia con todo lo que representa Alamo Drafthouse”.

y lo que vale la pena mencionar, Sony es uno de los pocos grandes estudios que no tiene su propio servicio de streaming (Con la opción de comprar Paramount Pictures restante, Después del colapso del acuerdo con Skydance). A primera vista, el respaldo de Sony a los cines suena cierto. El tiempo dirá cómo resultará esto finalmente.

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Sony Pictures ha adquirido Alamo Drafthouse Cinema, una cadena de cines que ofrece servicios de restauración

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Sony Pictures Entertainment se adentra en el negocio de las exposiciones. El estudio detrás de éxitos de taquilla recientes como “Bad Boys: Ride or Die” y “The Garfield Movie” adquirió la cadena de cines premium Alamo Drafthouse Cinema, dijeron las compañías el miércoles. El acuerdo incluye el festival de cine Fantastic Fest.

Sony dijo que seguirá dando la bienvenida al contenido de todos los estudios y distribuidores en los cines.

Alamo Drafthouse se fundó en 1997 como un teatro único de propiedad familiar en Austin, Texas, y ha crecido hasta contar con 35 ubicaciones en América del Norte. Se ha distinguido en el piso de exhibición con bebidas, servicio de comidas y un gran ambiente que se ha convertido en el favorito de los fanáticos del cine.

“Estamos encantados de unir fuerzas con Sony Pictures Entertainment para ampliar la visión de nuestra compañía para convertirnos en el mejor cine que jamás haya existido, o que existirá, en formas que sólo podríamos soñar”, dijo Tim Legg, fundador de Alamo Drafthouse. un permiso. “Tienen un profundo respeto y comprensión de la capacidad del cine para impulsar el crecimiento y crear un impacto cultural duradero que se alinea perfectamente con todo lo que representa Alamo Drafthouse”.

Para Sony, la adquisición de Drafthouse también se relaciona con sus iniciativas de experiencias, incluida Wheel of Fortune Live! Tour de viajes y espacio Wonderverse en Chicago. Ravi Ahuja, presidente y director de operaciones de Sony Pictures Entertainment, también señaló que las películas Crunchyroll del estudio están particularmente alineadas con los intereses de los fanáticos de Drafthouse.

Alamo Drafthouse ha tenido altibajos a lo largo de los años. En marzo de 2021, la empresa se acogió al Capítulo 11 de la ley de bancarrotas, cerró algunas ubicaciones y canceló planes para abrir otras nuevas. Alamo salió de la quiebra a finales de mayo de 2021, bajo propiedad de League, Altamont Capital Partners y Fortress Investment Group. Michael Kosterman, ex ejecutivo de Caveman Foods, ha sido nombrado director ejecutivo de Alamo. Permanecerá al frente de la recién creada división Sony Pictures Experiences y reportará a Ahuja, según el comunicado.

El año pasado, después de la locura de Barbenheimer, los empleados de Alamo Drafthouse en Manhattan y Brooklyn votaron a favor de sindicalizarse. Se hicieron intentos similares en lugares de San Francisco y Austin y encontraron resistencia por parte de los líderes.

Durante muchos años, los estudios de Hollywood no pudieron operar salas de cine ni controlar lo que se mostraba en esas pantallas luego de un histórico caso antimonopolio de la Corte Suprema en 1948, que prohibió prácticas como la “reserva en bloque”, en la que los estudios exigían que las salas reservaran un grupo de Sus películas. Cada uno de los principales estudios firmó un decreto de consentimiento con el Departamento de Justicia, conocido como Decretos de Consentimiento Máximo, que requería que los principales estudios que poseían salas de cine en ese momento retiraran las operaciones de distribución o sus salas.

Los conflictos entre las prácticas comerciales de los estudios de Hollywood y el gobierno federal se remontan a principios de la década de 1920, por preocupaciones sobre la integración vertical y la monopolización de la producción y distribución cinematográfica. En las décadas de 1930 y 1940, la mayoría de las salas de cine de estreno tenían una sola pantalla.

La distribución y exhibición han experimentado cambios generalizados desde los días de los decretos de máximo consentimiento, incluida la proliferación de múltiples salas que proyectan películas de diferentes exhibidores a lo largo del día y la llegada de la televisión, el vídeo doméstico y el streaming. El mandato de secesión terminó oficialmente en 2020, cuando se dieron por terminados los decretos de máximo consentimiento.

Ahora Netflix, por ejemplo, posee varios cines en Nueva York y Los Ángeles, y Walt Disney Company, que no formaba parte del “Big Eight” original en la década de 1940, posee y opera El Capitán en Los Ángeles. Las cadenas de cines también han hecho todo lo posible recientemente, con artistas como Taylor Swift y Beyoncé asociándose directamente con AMC Theatres para distribuir las películas de sus conciertos.

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Las grandes películas de terror nunca deberían faltar a los cines

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Carter Smith salió por la puerta balanceándose. Su primera película, “The Ruins”, en 2008 obtuvo un gran estreno. Entonces el gerente dio marcha atrás. “Jamie Marks Is Dead” es una película de bajo presupuesto que ofrece escalofríos meditativos en lugar de las espeluznantes emociones de “The Ruins”. Luego lanzó no una, sino dos películas en 2023; “Swallowed” es un festival de terror corporal total más cercano a su debut, mientras que “The Passenger” es otra bestia completamente diferente.

Este último se habría beneficiado particularmente de un estreno en cines, ya que presenta un diseño de sonido excelente que de otro modo habría sido abrumador en un sistema de altavoces enorme. La película gira en torno a un humilde trabajador de comida rápida llamado Randy (Johnny Berchtold) que sufre acoso en su trabajo. Un día, su compañero de trabajo Benson (Kyle Gallner) explota. Sale a su camioneta, toma un rifle y vuelve a entrar, y Randy pronto se encuentra en medio de un escenario de víctimas masivas. Benson solo quiere darle una lección. Randy pronto se convierte en uno de los pasajeros de Benson, y lo llevan en un viaje por carretera para saldar viejas cuentas mientras la policía se acerca.

Los disparos son explosivos, los sonidos impactantes golpean al público en el pecho, y la experiencia teatral habría mejorado eso. La pantalla grande también habría ayudado a enfatizar el trabajo preciso y expresivo de Berchtold y Gallner, mientras sus personajes participan en una danza que es alternativamente aterradora y conmovedora.

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El clásico de Akira Kurosawa Los siete samuráis regresa a los cines

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Todo el mundo conoce “Los siete samuráis”. Incluso si nunca has visto “Los siete samuráis”, estás familiarizado con su historia gracias a su amplia influencia en la cultura popular occidental durante los últimos 70 años, desde la inspiración hasta la inspiración. Nueva versión occidental de John Sturges de 1960 de “Los siete magníficos” (así como la versión del mismo nombre de Antoine Fuqua más adelante en 2016) alimentó la imaginación de George Lucas mientras desarrollaba “Star Wars” e incluso proporcionó un modelo para películas muy diversas como la película animada de Pixar y Zack “A Bug's Life”. La epopeya cósmica de varias partes de Snyder “Rebel Moon” y quizás incluso la clásica comedia de ciencia ficción “Galaxy Quest”. Si necesita un recordatorio, aquí está el resumen de restauración 4K:

Una de las sagas cinematográficas más emocionantes de todos los tiempos, SEVEN SAMURAI cuenta la historia de una aldea del siglo XVI cuyos desesperados residentes contratan a los guerreros del mismo nombre para protegerlos de los bandidos invasores. Este thriller de tres horas de Akira Kurosawa, con los actores legendarios Toshiro Mifune y Takashi Shimura, entrelaza a la perfección filosofía, entretenimiento, emociones humanas matizadas y acción implacable en una historia rica, evocadora e inolvidable de coraje y esperanza.

Si había alguna duda de que “Los Siete Samuráis” fue hecha para ser vivida en el lienzo más grande disponible, las imágenes del avance de la restauración en 4K lo han resuelto firmemente. Además, no es que Kurosawa vaya a aflojar su control sobre nuestra cultura colectiva en el corto plazo; Incluso mientras hablamos, Nadie menos que Spike Lee y Denzel Washington está en el proceso de reinventar su impresionante thriller de 1963 High and Low. Entonces, ya sea que sea la primera vez que lo ve o la número 100, es mejor seguir adelante y marcar su regreso a los cines en su calendario ahora.

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Las películas de terror son tan malas que las han retirado de los cines.

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¿Películas de terror de Disney? ¡Ahora lo hemos visto todo! De hecho, las películas de acción real de Disney (y sus películas animadas, en realidad) han estado teñidas de una seria oscuridad en el pasado, incluso si Festival de los 80 “El Vigilante en el Bosque” Probablemente fue un paso más allá que la mayoría. La película está protagonizada por Kyle Richards y Lyn Holly Johnson como dos hermanas que se mudan con sus padres a una granja inglesa, donde son acechadas por una misteriosa entidad en los bosques cercanos. Bette Davis también aparece en uno de sus últimos papeles cinematográficos como la excéntrica señora Elwood, que también vive en la finca y lamenta la pérdida de su hija adolescente décadas antes.

Se suponía que la película terminaría con una secuencia de efectos especiales que involucraba a un extraterrestre que llevaba a una de las chicas a su nave espacial, pero no pudieron armarla a tiempo para su estreno en cines, por lo que se apresuraron a incluir un final incomprensible que Probablemente no tenía sentido, ni siquiera para… Para la gente que trabajó en la película. El resultado fue desastroso: The Watcher in the Woods fue ampliamente criticado y retirado de los cines apenas 10 días después de su estreno en el Teatro Ziegfeld de Nueva York.

Sin embargo, a diferencia del corte original de “El Vigilante en el Bosque”, esta historia tiene un final feliz. Disney pasó los siguientes dieciocho meses reeditando la película y finalmente la estrenó a finales de 1981. Aunque no fue bien recibida, estuvo muy lejos del completo fracaso que habían mostrado antes en los cines.

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The Fall Guy ya está disponible en VOD aunque sigue en cartelera en cines

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Antes de que comenzara la pandemia, una ventana teatral exclusiva de tres meses era un procedimiento operativo estándar para la mayoría de las grandes películas. Si quieres ver algo nuevo, tienes que verlo en el cine. En la era de la pandemia, incluso 45 días parecen ahora un regalo para algunas películas. Global, que se remonta al Trolls World Tour 2020, ha estado a la vanguardia de la dependencia cada vez mayor del VOD para ayudar a que sus películas ganen dinero. Otros estudios han seguido su ejemplo. Ahora, por lo general, sólo se proyectan exclusivamente en las salas las películas con un éxito sostenido.

Creo que las cifras de taquilla de The Fall Guy proporcionan evidencia de que las cosas deben manejarse de manera diferente para la salud a largo plazo de la industria. Estamos hablando de una película que es, en realidad, un rotundo fracaso. No hay dos maneras de hacerlo. Sin embargo, Universal tiene todos los incentivos para intentar recuperar la mayor cantidad de dinero posible. Intentar encajar de alguna manera en el marketing de estreno en cines para ayudar al lanzamiento de VOD ciertamente tiene sentido. Universal ha abogado firmemente a favor del VOD en los últimos años, después de todo. Pero no olvidemos lo más importante: la gente todavía ve esta película en los cines.

“Fall Guy” cayó menos del 40% en su tercer fin de semana. Se produce retención de audiencia, y si los cinéfilos no han sido entrenados para comprender que una película siempre estará disponible en casa en dos o tres semanas, pueden estar más inclinados a verla en el cine. El estudio puede mantenerla en los cines y absorber cada dólar que pueda obtener y mostrarle a la audiencia que esta es una gran película que hicimos para los cines, por lo que deberían verla en el cine.

En cambio, Universal optó por seguir acortando esa ventana exclusiva de cine, que era una de las principales razones por las que muchas personas todavía tienen que ver una película en los cines. En mi opinión, esto es erróneo y miope.

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Estas son las películas que deberías ver en los cines para conseguir una taquilla saludable

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Si dividimos el precio medio de las entradas por la cifra objetivo de 10.000 millones de dólares, esto significa que es necesario vender 927.643.785 entradas en un año determinado. Si dividimos ese número por el número de cinéfilos elegibles en los Estados Unidos, obtenemos 3,44 entradas por año por persona. Ahora bien, dado que una persona no puede permitirse la mitad de la entrada, podemos simplificarlo y decir que la persona promedio necesitaría ver tres o cuatro películas en el cine al año para llegar a un lugar saludable.

Nuevamente, estos son cálculos muy aproximados, pero nos dan una idea de dónde están los objetivos. Sí, esto concierne a los niños, pero son miembros importantes del público cinéfilo. Puede que no compren entradas, pero sus padres ciertamente sí lo hacen. Por eso “Kung Fu Panda 4” es una de las películas más importantes de 2024 hasta el momento. ¿Y por qué la película “IF” de John Krasinski encabezó la taquilla el fin de semana pasado? A pesar de las críticas promedio de los críticos. Hollywood tiene que jugar con todos.

Lo alarmante al observar estas cifras es que para un cinéfilo ávido como yo, tres o cuatro películas al año parece casi nada. Incluso hace tan sólo unos años, esta cifra no era difícil de alcanzar. Ir al cine era un hábito más habitual para la persona promedio. Desafortunadamente, el auge del streaming y el vídeo a la carta, que permite que las nuevas películas estén disponibles desde casa apenas unas semanas después de su estreno en cines, ha cambiado esto drásticamente.

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