“Stargate” fue un éxito de taquilla. Dirigida por Roland Emmerich a partir de un guión que escribió con Dean Devlin, la película recaudó 197 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 55 millones de dólares en 1994, lo cual es bastante bueno, pero no el tipo de éxito desbocado que automáticamente genera una secuela. Aunque Emmerich y Devlin tenían planes imprecisos para una trilogía, varias cosas se interpusieron en el camino, a saber, “Día de la Independencia”, la oportunidad de gastar tres veces el presupuesto de “Stargate” en una nueva versión de “Godzilla” y películas de desastres repletas de estrellas. (También hay que preguntarse si Kurt Russell, ¿Quién inicialmente no quería estar en Stargate? Volvería para la secuela). ¿Eligieron sabiamente?
Los fanáticos de Stargate SG-1, el programa de televisión derivado que se emitió durante cinco temporadas en Showtime antes de pasar a SyFy por cinco más, dirían enfáticamente “no”. Es posible que Emmerich y Devlin no hayan tenido nada que ver con la serie, pero a su dedicada base de fans no le importó. Están atrapados en las hazañas de Richard Dean Anderson y su tripulación SG-1, quienes tienen la tarea de frustrar posibles ataques de una variedad de especies alienígenas hostiles. Los valores de producción disminuyeron más que Scooch en la transición del cine a la televisión, pero el elenco del juego, que incluía a Michael Shanks, Christopher Judge, Beau Bridges, Corinne Nemec y Don S. Davis le dio al programa una sensación de ciencia ficción familiar y divertida. .
Aparte de Anderson, el personaje más popular de la serie fue la Dra. Samantha Carter, interpretada por Amanda Tapping. Se las arregla para alcanzar al SG-1 en la serie piloto, ascendiendo de rango a lo largo de las diez temporadas del programa. También apareció como invitada en “Stargate Atlantis” y se unió a esa serie a tiempo completo durante la cuarta temporada. Después de eso, sin embargo, su aparición en la serie fue cada vez menor hasta que terminó el programa. Aunque es posible que se haya desvanecido como Sam, Tapping no se ha alejado completamente del Stargate.
Lo que realmente quería hacer la escucha clandestina era dirigir
Televisión MGM
El tapping fue una carta de baile muy activa durante la década de 2000, y no solo por sus deberes en “Stargate SG-1” y “Stargate Atlantis”. Apareció en “Millennium” y “Earthsea” antes de encabezar la serie de ciencia ficción y fantasía de SyFy “Sanctuary”.
Pero no se trataba sólo de actuar. Tuve un error en mi dirección cuando dirigí el episodio “Resurrección” de Stargate SG-1 en 2004.Lo que la llevó a empezar a recibir ofertas constantes como directora en 2009. Aparte de la franquicia “Stargate”, ha estado detrás de la cámara en episodios de “Sanctuary”, “The Magicians”, “Supernatural”, “The Flash” y “Batwoman”. ” y “Las escalofriantes aventuras de Sabrina”.
Por extraño que parezca, Tapping no ha dirigido una serie de Stargate desde 2004, lo que parece un poco extraño considerando lo ocupada que ha estado en otros lugares. Por supuesto, la franquicia “Stargate” ha estado bastante tranquila durante la última década (Tras establecer un récord mundial Guinness por su longevidad), y solo la breve versión de “Stargate Origins” llegará en 2018 para darles a los fanáticos una idea de lo bueno. Con suerte, si pueden sacar estas dos últimas entregas de la trilogía del infierno del desarrollo, Emmerich y Devlin le darán a Tapping la oportunidad de llevar Stargate a la pantalla grande (Lo cual sería un mejor negocio que una nueva versión, consideró una vez Emmerich.).
“Deadpool & Wolverine” estaba lleno de huevos de Pascuacameos y un mercenario con los habituales trucos bucales brutales que, como era de esperar, algunas partes de la selección quedaron en el suelo de la sala de montaje. Los fanáticos de ciertos personajes pueden haberse sentido un poco abrumados hace tres meses cuando se enteraron de que sus personajes favoritos no estaban recibiendo mucha atención en la pantalla grande, pero todos… el deberia Ahora sé que estos momentos eventualmente se incluirán al menos como escenas eliminadas en los lanzamientos Blu-ray y digitales, si no se agregan en una versión extendida. Y cuando se trata de la franquicia Deadpool, debes saber que la estrella, coguionista y productor Ryan Reynolds se preocupa profundamente por cómo se presentan sus películas en su conjunto. Su trabajo es hacer una gran película de superhéroes, no brindar un servicio completo a los fanáticos.
aún, Ahora que sabemos que se suponía que Gambit podría emerger del vacío¿No tendría sentido incluir esa parte del incidente de manera destacada en el montaje teatral (como, por ejemplo, en el fondo de los monitores corporales de contraste temporal)? Después de todo, deja abierta la posibilidad de que Channing Tatum tenga más aventuras en el Universo Cinematográfico de Marvel, y tal vez solo una oportunidad de finalmente hacer la película independiente Gambit que fue rechazada en 20th Century Fox.
Según el editor de Deadpool & Wolverine, Shane Reed, la decisión de descartar la fuga de Gambit no se tomó a la ligera.
Guarda lo mejor de Gambit para más tarde
Estudios Marvel
En una entrevista con Screen RantReed explicó que una vez que se cortó el carrete Legacy (metraje detrás de escena de las películas de Fox que suena como una despedida agridulce de una serie volátil de películas de Marvel), él y los otros creadores de la película sabían que, al estilo clásico de Deadpool, Toca una nota sincera que se vería inmediatamente socavada por la aparición de nuestro héroe después de los créditos. Imágenes de video de Johnny Storm de Chris Evans pronunciando su perorata llena de blasfemias Sobre Cassandra Nova (Emma Corrin). Esto hizo que el momento de la maniobra pareciera fuera de lugar.
Como dijo Reid a Screen Rant:
“[…][W]Sabíamos que teníamos este micrófono realmente genial con Johnny Storm que cerraría la película. Creo que Gambit Sparkle Circle se siente como un final tradicional para Marvel, y creo que lo que estos chicos siempre han estado tratando de hacer es subvertir las expectativas de la audiencia en ese sentido.
Reed agregó que la escena “aparecía y salía a veces”, pero eso es lo que finalmente pensó Reynolds. Sería divertido dejar caer el momento Sparkle Circle de Gambit Más tarde en las redes sociales. En cuanto a si Tatum's Gambit regresará al MCU, Reynolds dijo que le encantaría traer al personaje de regreso para divertirse más con Deadpool. Sin embargo, si esto significa una película independiente depende de Bob Iger y Kevin Feige. Entonces, si eres fanático de Gambit, aquí es donde escribes cartas educadamente redactadas instando a estos idiotas a quitarse los guantes manchados de dinero y dar luz verde a la película.
No quiero hacer estallar las burbujas de nadie aquí, pero actuar es un trabajo como cualquier otro: las personas ingresan a esta profesión porque (con suerte) tienen talento y habilidad, claro, pero también les gusta que les paguen. ¡Quién sabía! Es fácil aceptar el revuelo de relaciones públicas y convencernos de que cada estrella que se une a una película de Star Wars o de superhéroes lo hace sólo por amor al juego. Por supuesto, esto rara vez sucede, sea cual sea el método. Aubrey Plaza puede parecer seria y sincera interpretando a una bruja con problemas en “Agatha All Along”. Después de todo, ni siquiera las personas más inteligentes del mundo pueden superar los cheques de pago que vienen con todos esos ceros adjuntos.
Entonces, ¿cuándo? /La película informó por primera vez que Harrison Ford se vestiría bien general El recién elegido presidente William “Thunderbolt” Ross En Capitán América: Un mundo feliz, Internet inmediatamente perdió la cabeza ante este giro de los acontecimientos. Sin embargo, tras una inspección más cercana, había cierto sentido. Por supuesto, la estrella de cine mundialmente famosa que se hizo famosa en franquicias como “Indiana Jones” y “Star Wars” no estaría enojada con nuestro equivalente moderno más cercano: el Universo Cinematográfico de Marvel. En un nuevo perfil con GQFord ahora habla con franqueza sobre por qué se unió al juego más exitoso de la ciudad y su razonamiento es bastante refrescante:
“Entiendo el atractivo de otros tipos de películas además de las que hicimos en los años 80 y 90. No tengo nada general que decir sobre ellas. Es la forma en que vivimos, las cosas cambian, giran y se van. Es una tontería si nos sentamos allí lamentando el cambio y no estamos involucrados en él. Estoy involucrado en una secuela. “Desde el trabajo, al menos para mí, creo que en realidad produce algunas buenas experiencias para la audiencia. Disfrútalo”.
Harrison Ford lleva un buen tiempo en el MCU, pero no mucho
Estudios Marvel
Los cineastas pueden anhelar la época dorada del cine, cuando los cineastas visionarios y las estrellas de cine más importantes del mundo pudieran convertir películas de suspenso para adultos como “El fugitivo” o “Presunto inocente” en películas queridas y éxitos de taquilla, que es exactamente lo que este tipo de película. De las películas que insinuó que protagonizó durante los años 80 y 90, pero es posible que esos días dorados realmente hayan quedado atrás. Eso no impedirá que gente como yo se queje. El sombrío estado de las cosas en estos días mientras las franquicias de gran presupuesto continúan dominando el gallineroPor supuesto, pero al menos algunos de los que realmente vivieron el apogeo de Hollywood tienen opiniones más saludables sobre dónde nos encontramos ahora.
El conde Harrison Ford se encuentra entre quienes comprenden que el cine es una industria en constante cambio y que quienes no pueden seguir el ritmo están condenados a quedarse atrás. Esta mentalidad le llevó directamente a participar en la película “Capitán América: Un mundo feliz”. Pero una cosa es llevar un traje de tres piezas. Una representación del presidente de los Estados Unidos, como puede atestiguar cualquiera que haya visto el Air Force One.. Él estuvo allí y lo hizo. Otra muy distinta es asumir intencionalmente un papel que también implica transformarse en un monstruo CGI conocido como Red Hulk. Simplemente no le pidas que ofrezca exploraciones profundas en el canon del cómic. Como explicó Ford en sus comentarios anteriores sobre Star Wars, Sólo está aquí para pasar un buen rato, no necesariamente por mucho tiempo. Continuó, explicando:
“Quiero decir, este es el Universo Marvel y estaré allí durante el fin de semana. Soy un marinero nuevo en esta ciudad. Muéstrame el camino a casa”.
Ese es el tipo de honestidad que puedo respetar. Personalmente, no puedo esperar a ver a Ford disparar desde la cadera con más franqueza mientras se embarca en una gira de prensa global para Marvel. “Capitán América: Un mundo feliz” llega a los cines el 14 de febrero de 2025.
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El primer largometraje estrenado por Walt Disney Animation fue, como todo el mundo sabe, “Blancanieves y los siete enanitos” de David Hand en 1937. El propio Walt Disney, por supuesto, había estado trabajando en animación durante más de 15 años en ese momento, habiendo fundado Laugh-O-Gram Studios en 1921. Fue en ese estudio donde Disney desarrolló su gusto por los cuentos de hadas antiguos, realizando cortometrajes. películas. Inspirado en “Caperucita Roja”, “Jack y las habichuelas mágicas”, “Ricitos de oro y los tres osos”, “Cenicienta” y “Alicia en el país de las maravillas”. Esta última película fue el material de una larga serie de comedias de Alicia que lanzaron Walt Disney Productions en 1923. Las primeras 56 películas de Disney fueron comedias de Alicia. Antes de pasar a Oswald, el conejo de la suerte.También le hizo partituras. En 1928 debutó con Mickey Mouse y el resto es historia.
Cuando se trata de cortometrajes, Disney claramente no ha tenido problemas para seguir el modelo tradicional de reutilizar personajes. Mickey se volvió tan omnipresente como Oswald y Alice, y el personaje finalmente se convirtió en el rostro de la empresa.
Pero en 1933, la posición de Disney cambió. Según la autobiografía de Neal Gabler “Walt Disney: El triunfo de la imaginación americana” Disney quedó impresionado por el inesperado éxito del cortometraje “Los tres cerditos”, una de las muchas sinfonías del estudio. “Three Little Pigs” fue uno de los proyectos más arriesgados e innovadores del estudio, y Disney se detuvo a mirarlo. Parece que los animadores estaban listos para hacer más cortos de “Los tres cerditos”, pero Disney no lo consideró apropiado. Su famosa frase fue: “No se pueden poner cerdos encima de cerdos”, que se convirtió en un eslogan en la oficina para fomentar la innovación.
Esta actitud se extendió a sus largometrajes en 1937. Disney podría haber hecho múltiples secuelas de “Blancanieves”, pero no quería eclipsar a “Nieve con nieve”. Como tal, Disney nunca ha realizado secuelas de sus películas animadas.
“No se puede superar a los cerdos en cuanto a filosofía porcina”, explicó Walt Disney.
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Por supuesto, existen bastantes excepciones a esta regla. En 1942, el Departamento de Estado de Estados Unidos encargó a Disney la producción de algunas películas como parte de su nueva política de “Buen Vecino”. Comenzó con una película antológica llamada “Saludos Amigos”, protagonizada por el Pato Donald (Clarence Nash), y la película fue un gran éxito en Estados Unidos e internacionalmente. Esto llevó a Misión secundaria para la película “Los Tres Caballeros”, También protagonizada por el Pato Donald, cuenta con el regreso del loro José Carioca (Ze Carioca).
Disney también pasó suavemente de los cortometrajes a los largometrajes, con muchas películas de estilo antológico a lo largo de la década de 1940. Aunque no están relacionados, se puede ver una línea creativa entre “Fantasia”, “Make Mine Music”, “Fun and Fancy Free” y “Melody Time”. Por supuesto, también durante la década de 1940, Disney también amplió su interés por los cuentos de hadas y los cuentos infantiles hacia adaptaciones cinematográficas de “Pinocho”, “Bambi” y “Dumbo”, todas las cuales fueron grandes éxitos. En la década de 1950, Disney aceleró con adaptaciones de “Cenicienta”, “Peter Pan”, “Alicia en el país de las maravillas” y muchas otras películas que aún hoy se reestrenan y cuya iconografía se explota sin cesar para proyectos de parques temáticos. . Entretenimiento.
Disney se ha asegurado de que no se harán secuelas ni seguimientos de ninguna de estas películas. Walt Disney mantuvo constante la regla de “cerdos con cerdos” durante décadas, y continuó hasta después de su muerte en 1966. La creatividad era la clave. No había ninguna razón para que los cerdos tuvieran más cerdos. Cerdos mayores con algo nuevo.
Aunque la mayoría de sus películas fueron adaptaciones de literatura clásica, todavía favorecía la innovación visual a la hora de crear animación. El estudio, incluso después de la muerte de Walt, continuó con su enfoque, siguiendo de cerca el mandato de los cerdos.
No sería hasta “DuckTales the Movie: Treasure of the Lost Lamp” de 1990 que Disney Animation Studios dio seguimiento a propiedades anteriores de Disney. No habría una secuela teatral de la película animada de Disney hasta “The Rescuers Down Under” ese mismo año.
¿Cuál fue la última película animada de Walt Disney antes de su muerte?
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La última película en la que trabajó Disney inmediatamente antes de su muerte fue La espada en la piedra, una leyenda artúrica. Esta película se estrenó en 1963. Se apartó de las películas de cuentos de hadas “Cenicienta” y “La Bella Durmiente”, ya que sigue a una joven protagonista que se encuentra con situaciones fantásticas. Fue suelto y cómico, aunque no fue exactamente divertido. Se puede ver que Merlín sirvió de inspiración para el Genio en la película de 1992 “Aladdin”.
En 1966, justo antes de su muerte, Disney señaló que hacer una secuela no significaba, en el sentido alejandrino, ningún nuevo territorio que conquistar. Se negó a descansar en secuelas y dinero fácil.
¿Qué pasó? Disney Studios parece estar pasado de moda y moribundos. Una mirada al panorama cinematográfico de finales de los años 1960 y 1970 revela una nueva generación de cineastas que hacían películas para adultos sobre temas oscuros e intensos. Es difícil vender cuentos de fantasía sobre animales que hablan en un mundo cada vez más atraído por películas como “Midnight Cowboy”, “Five Easy Pieces” y “Easy Rider”. Parecía que Disney Studios tenía que volver a lo que le era familiar para ganar dinero, y las secuelas parecían el camino más obvio a seguir. También vale la pena señalar que Roy O. Disney, el sobrino de Walt, supervisaba el estudio y renunció en 1977, citando el continuo declive de la compañía.
Disney se mantuvo a flote innovando, creando la marca Touchstone en 1984 y avanzando hacia productos más para adultos. Parece que Disney ya no está en el negocio de la animación.
La primera película animada de Disney estrenada en cines se produjo años después de la muerte de Walt Disney.
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A finales de los años 1980, Disney había sido casi completamente eliminado. Y sus películas animadas estaban bombardeando, Especialmente la película “El Caldero Negro” de 1985, Adaptado de la novela de Lloyd Alexander. La producción de The Black Cauldron costó 44 millones de dólares y solo recaudó 21 millones de dólares en taquilla. Se habló de cerrar el estudio por completo. No fue hasta que “La Sirenita” de Rob Clements y John Musker se convirtió en un gran éxito en 1989 que el estudio de animación se salvó más o menos. Esta es la razón por la que las películas animadas de Disney de principios de los años 1990 se conocen como el Renacimiento del estudio.
Como se mencionó anteriormente, en 1990 se produjeron dos series. “DuckTales the Movie: Treasure of the Lost Lamp” fue una adaptación teatral de la serie de televisión “DuckTales” de Disney de 1987, reciclando personajes de “Mickey's Christmas Carol”. En 1995, la compañía adaptó su serie “Goof Troop” a “A Goofy Movie”, una película protagonizada por el hombre perro titular y su angustiado hijo adolescente. Incluso “A Goofy Movie” eventualmente tendrá su propia secuela.
A muchos les gusta “The Rescuers Down Under”, la primera secuela teatral de una película animada de Disney. Esta película fue una continuación de la película de 1977 sobre dos ratones valientes (Zsa Zsa Gabor y Bob Newhart) que salvaron a personas necesitadas. La segunda parte los llevó a Australia donde salvaron a un niño y a varios animales inocentes de un malvado cazador. “Rescuers Down Under” no es de ninguna manera una mala película, pero marca la primera vez que Disney regresa al mundo de la animación y el teatro.
La página ha pasado oficialmente.
¿Por qué Disney sigue produciendo piezas nuevas ahora?
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Mientras el estudio estaba en su apogeo, hubo algunos cambios dramáticos de personal detrás de escena que alejaron a Disney del mandato de Walt the Pigs. En 1994, el director del estudio, Frank Wells, murió en un accidente de helicóptero y el director ejecutivo, Jeffrey Katzenberg, dejó la empresa para fundar DreamWorks. Michael Ovitz asumió la presidencia en 1995 y anunció un nuevo mandato: ganar dinero. Eso fue todo. Disney ahora estaba en el negocio del dinero.
como, Una repentina afluencia de series animadas de Disney, la mayoría de ellas directas a video, llegó al mercado de inmediato.. Cualquiera que haya visto uno de los vídeos más taquilleros de finales de los 90 probablemente conozca las secuelas de Cenicienta, El Rey León, Aladdin, La dama y el vagabundo, Pocahontas, La Sirenita y muchas, muchas otras. Disney siempre ha sido agresiva en su marketing y cautelosa con su imagen, pero sus peores hábitos fueron los excesos bajo Ovitz. Fue presidente sólo dos años, pero el nuevo mandato duró más allá del suyo. La explotación de derechos de propiedad intelectual conocidos se convirtió en el pan de cada día de la empresa.
Este fue también un momento en el que la producción televisiva de Disney siguió creciendo y la marca aumentó. En el año 2000, se lanzó la marca Princesas Disney. Radio Disney ha llegado a las ondas AM. El estudio de animación se infiltró en Broadway durante la década de 1990 con adaptaciones teatrales de alto perfil de “La Bella y la Bestia” y “El Rey León”. La empresa pareció aliviada y salió lo más rápidamente posible de la crisis de los años 80.
Empresa hoy
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Por supuesto, ha aumentado desde entonces. Disney compró propiedades existentes como The Muppets, Marvel y Star Wars, y también las explotó. Su estudio de animación continuó produciendo películas originales, pero muchas de ellas fueron fracasos (“Meet the Robinsons”, “Chicken Little” y “Bolt”). Disney ha causado un gran revuelo al regresar a su antigua fórmula de fantasía, logrando éxitos con “Tangled” y “Frozen” a principios de 2010. Por supuesto, el gran éxito de “Frozen” ha inspirado más imitación que innovación; “Frozen II” se estrenó en 2019.
Además, al no poder atraer a una amplia audiencia de niños jóvenes (tenían niñas vinculadas a su marca Princess), Disney solo compró superhéroes y naves espaciales. No es necesario hablar del Universo Cinematográfico de Marvel, su éxito y su desafortunado descenso hacia el estancamiento creativo. Quizás lo que dijimos sobre “Star Wars” fue mejor.
Y lo que más me duele, Disney recreó sus películas animadas utilizando CGI moderno Y/o actores en vivo, que revelan una mentalidad muy poco creativa y producen una larga serie de basura terrible. Disney hoy es más o menos lo contrario de lo que quería Walt.
Por supuesto, Walt no habría estado vivo para ver el declive de la empresa, así que quién puede decir que habría cumplido su mandato porcino en 1935. La empresa hizo lo que necesitaba para sobrevivir. Desafortunadamente, esto significó que el ratón tuvo que comerse su propia cola. Hoy en día, Disney es un estudio temible, un gigante del mercado que ofrece poca creatividad y mucha regurgitación. Puede que todavía tengan un gran éxito, pero también son el paradigma dominante que es necesario subvertir. Depende de los nuevos estudios entregar VERDADERO innovación.
“Yellowstone” de Taylor Sheridan y John Linson Se estrenó en Paramount+ en 2018 y ha demostrado ser uno de los mayores éxitos de la cadena. Hasta la fecha, la serie ha tenido 47 episodios en cinco temporadas y generó spin-offs “1883” y “1923”. “Yellowstone”, protagonizada por Kevin Costner, se desarrolla en el rancho de la familia Dutton en la actual Montana. El rancho limita con el Parque Nacional Yellowstone, de ahí el nombre, mientras que la serie real sigue el drama similar a una telenovela de los Dutton, así como los personajes de la reserva india adyacente de Broken Rock. Tal reserva es ficticia, pero la serie es precisa en su descripción del pueblo Crow que vive allí.
Sheridan, que creció en ranchos, presentó “Yellowstone” como una saga familiar tipo “El Padrino”, llena de crimen y corrupción. Todos los personajes recurren a medidas cada vez más oscuras para que la granja sea un éxito. Dado que Yellowstone tuvo tanto éxito, Sheridan pudo comprar 270.000 acres (!) de tierra en Texas, uno podría sentirse tentado a ver un delicioso parecido. Al igual que el personaje de Costner en la serie, su creador se convirtió en un granjero ambicioso que lucha por sobrevivir. Hablando con The Hollywood Reporter en 2023Sheridan cree que es más fácil en la vida real y no ha tenido que matar a nadie.
Sheridan también señaló que “Yellowstone”, aunque es completamente ficticia, trata sobre una preocupación muy real y triste en Montana. Se dio cuenta de que la ganadería estaba decayendo como profesión y que la gentrificación se estaba convirtiendo en un problema en constante expansión, incluso en zonas rurales remotas. Gran parte de Yellowstone está dedicada a los detalles de la gestión de recursos y al papel que desempeña el dinero que sale a las fronteras, y especialmente a cómo la escasez se puede sentir más profundamente que en cualquier otro lugar del mundo. Sheridan también habló con Los Angeles Times en 2018. Sobre cómo “Yellowstone” es un reflejo directo de esta realidad.
Yellowstone es un retrato del declive rural de Estados Unidos
Supremo
Sheridan, como ya hemos mencionado, ha sido un hombre de fronteras desde su niñez. No sorprende que sus películas y programas de televisión tiendan a traspasar los límites. Sheridan escribió los guiones de las aclamadas películas “Sicario”, “Hell or High Water” y “Wind River” (que también dirigió). También dirigió el thriller de supervivencia de 2021 “Those Who Wish Me Dead” y creó los exitosos programas “Tulsa King”, “Mayor of Kingstown” y “Special Ops: Lioness”. Sus proyectos son polvorientos, masculinos, toscos y anticuados.
Sheridan resistió la grosería comercial del modernismo invasor y vio en “Yellowstone” un retrato moderno del declive rural de Estados Unidos. Las corporaciones están destruyendo trabajadores y recortando ganancias ya bajas. Como dijo Sheridan:
“Las cuestiones del desarrollo territorial, la mala gestión de los recursos, la opresión, la pobreza extrema y la desigualdad en el gobierno están aquí. […] Pero cuando ocurre en una zona pequeña, en una zona rural […] Como hay menos gente, las consecuencias parecen más graves. “Cuando empiezas a ver un Costco en un paisaje de granjas y pastos, es más dramático que si estuviera abarrotado en el Valle de San Fernando”.
Es famoso que Sheridan propuso “Yellowstone” a HBO, pero rechazó la serie porque era demasiado al revés. HBO quería ser conocida por ser progresista, fresca y vanguardista, y el western moderno no estaba donde estaba para la cadena. Sus ejecutivos también dijeron que sólo podrían dar luz verde a la serie si Sheridan podía convencer a Robert Redford para que la protagonizara. Sheridan fue a Sundance, logró concertar una reunión con Redford y De hecho, lo convenció para aparecer en “Yellowstone”. Los ejecutivos de HBO se sorprendieron y dijeron que sólo querían un “tipo Robert Redford”. Es posible que no puedan permitirse el lujo de Redford.
Los Destinos finalmente encontraron el proyecto en Paramount Network y ha estado funcionando sin problemas desde entonces. La segunda mitad de la quinta temporada de la serie está programada para comenzar a transmitirse el 10 de noviembre de 2024. También hay otras spin-offs en proyecto..
Aunque Bones terminó en 2017 después de doce temporadas, sigue siendo un gran éxito. en serio Una serie de procedimiento popular, que atrae nuevas audiencias a los servicios de streaming y que sigue siendo totalmente reproducible después de todos estos años. Entonces, ¿cuál es el secreto del éxito del programa? La estrella David Boreanaz cree saber la respuesta y tiene que ver con su profesora de actuación, Ivana Chubbuck.
En una entrevista con diversoBoreanaz también habló sobre el final de la serie “SEAL Team”, la serie que dirigió para CBS y Paramount+ hasta que terminó oficialmente el 6 de octubre. Boreanaz Él y su coprotagonista de “Bones”, Emily Deschaneltrabajaron extensamente con Chubbuck para perfeccionar sus personajes. (El agente del FBI de Bornaz, Seeley Booth, y la antropóloga forense de Deschanel, Temperance “Bones” Brennan).
“Poder acudir a tu compañero de actuación y decirle: 'Oye, voy a trabajar los fines de semana con mi profesor de actuación, quien creo que es el mejor y puede facilitar cierta comunicación entre nosotros'”. “Ese fue el comienzo. ”, dijo Boreanaz. Creo que fue un poco difícil para mí hacerlo uno a uno y luego tratar de explicarle todo esto a mi coprotagonista competidor, y también al showrunner y al actor. El libro se convierte entonces en un tipo diferente de proyecto, ¿verdad? Y es difícil, así que estoy agradecido por su gracia al aceptarlo y luego seguir así durante tantos años. De 12 o 13 años, han sido nueve o 10 años sólidos. [where] Cada fin de semana reescribíamos el diálogo, hacíamos ejercicios y encontrábamos el espacio”.
El profesor de interpretación de David Boreanaz fue el arma secreta detrás del éxito de Bones
Zorro
Como dijo David Boreanaz a Variety, el trabajo que él y Emily Deschanel hicieron con Ivana Chubbuck fue vital para su trabajo juntos en la pantalla, aunque también Dijo que la cadena no siempre estuvo contenta con las clases de actuación extracurriculares. aún, La química entre Booth y Bones demuestra que el entrenamiento de Chubbuck realmente funcionóY, como dijo Boreanaz, pasar tiempo con Chubbuck fuera del rodaje para desarrollar sus personajes sólo sirvió para unir aún más a Boreanaz y Deschanel.
“Saber que habíamos hecho el trabajo y que podíamos lograrlo (y luego podías hacer este personaje y salir instintivamente) fue el punto de inflexión para este programa”, señaló Boreanaz. “Realmente conectamos con ello y, a pesar de todo el rechazo que recibimos de la red en ciertos momentos, seguimos haciéndolo”.
Al final, Boreanaz le dio la mayor parte del crédito a las dos mujeres con las que trabajó tanto en “Bones”, y señaló que si Deschanel no hubiera estado dispuesto a entrenar con Chubbuck, las cosas podrían haber sido muy diferentes. “Ivana viene con un increíble conjunto de herramientas de ideas que encajan y desarrollan el personaje hasta el punto en que los pones juntos en la misma habitación, y luego comienza a ser realmente genial”, continuó el actor. “No obtendrás eso si no tienes a Ivana; no lo obtendrás si Emily no dice que sí. Así que fue una gran bendición conseguir eso, y no es fácil de conseguir”.
¿David Boreanaz regresará para un posible resurgimiento de Bones?
Zorro
Entonces, ¿David Boreanaz cree que él y Emily Deschanel estarían dispuestos a repetir sus papeles como Booth y Bones? Para una potencial decimotercera temporada ¿O algún otro avivamiento de algún tipo? Ambos han hecho comentarios optimistas y positivos sobre la posibilidad en los años transcurridos desde que terminó “Bones” (aunque Boreanaz parecía reticente al principio), y en esta entrevista de Variety, dijo que parecía que podría ser muy fácil trabajar juntos.
“En realidad nada ha cambiado”, dijo Boreanaz cuando un escritor de Variety señaló que el actor solía decir que quería “esperar hacia adelante” cuando se le preguntaba sobre una reposición de “Bones”, pero ha cambiado de rumbo en los últimos años. “Cuando realmente lo miro, es el tipo de programa que era muy respetable y querido, y no quiero decir que sea tonto, pero es entretenimiento tonto cuando realmente lo piensas. La dinámica entre estos dos personajes fue realmente. divertido de jugar, y si hubiera felicidad y alegría en ello, habría sido fácil y no difícil; [a revival] Será limitado. No pasará mucho tiempo, pero también será genial trabajar con ella. Confía en mí: No es algo en lo que me concentre ahora mismo en mi vida en la que estoy ahora, pero es el único programa en el que pensaré, y diré: se considera.“
Vale la pena repetir que, en los viejos tiempos, cuando los televisores transmitían cajas de 4 x 3 Principalmente Las fotografías en blanco y negro en las salas de estar de los estadounidenses, o conseguir un papel regular en una comedia o un drama de una hora de duración, no se consideraban un hito profesional en Hollywood. El éxito en el cine seguía siendo el objetivo de todo actor en activo, mientras que la televisión era un paso atrás: lucrativa y estable, pero no prestigiosa.
Esto estaba en la mente de Pernell Roberts cuando el actor formado en Shakespeare fue elegido para el papel de Adam Cartwright, el hijo mayor del rico ranchero Ben Cartwright (futuro líder de Adama y contralto Lorne Greene) en “Bonanza”. Roberts era guapo, elocuente y tranquilo frente a la cámara, y recibió excelentes críticas como actor de teatro (ganó un premio Drama Desk en 1955 por su interpretación de Macbeth en el Off-Broadway). Las películas parecían llamarlo, y causó una gran impresión en la muy criticada “Desire Under the Elms” de Delbert Mann. Fue aún mejor en “Ride Lonesome” de Budd Boeticcher, pero nadie tomó en serio los westerns B del director en ese momento, por lo que pasó sin previo aviso.
Los actores que trabajan trabajan y, a veces, hay que tomar lo que está disponible. La secuela de “Bonanza” de NBC no fue “Hamlet”, pero prometía atraer más atención a Roberts. El truco consiste en evitar identificar a Adam tan de cerca que los espectadores no puedan comprarlo como cualquier otra cosa.
La preocupación por este y otros asuntos hizo que Roberts se enojara mucho y finalmente lo sacó de la Ponderosa.
La aplastante carga de ser Adam Cartwright
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En una entrevista con el Virginia Daily News Leader (vía Me TV), Roberts habló una vez sobre su lucha al interpretar a Adam durante seis de las 14 temporadas de larga duración. “Se convirtió en un verdadero dolor de cabeza para mí mentalmente”, dijo. “Incluso fui al médico para pedir ayuda”.
Roberts asumió la culpa por su infelicidad en el set y declaró abiertamente por qué dejó el programa. Como le dijo al Daily News Leader:
“Dejé Bonanza porque quería expandirme como actor. Interpretar el mismo personaje semana tras semana ya no era un desafío para mí. El dinero era definitivamente genial, pero tenía que decidir si sólo quería el dinero o no”. Una oportunidad para demostrar mi valía como actor. Elegí la última opción y descubrí que casi todos pensaban que estaba loco.
Al dejar la serie en 1967, Roberts regresó rápidamente a los escenarios, donde participó en la producción de Broadway de Mata Hari de Vincente Minnelli. A pesar de las noticias positivas para Roberts, el programa fue un fracaso. En términos de cine, su desempeño fue pobre, ya que fue elegido para películas olvidables que no correspondían a su talento.
Roberts finalmente tuvo un descanso al regresar a casa monstruo negro De la televisión. Como personaje honorario en Subpantalla “M*A*S*H”. “Trapper John, MD”, Roberts estaba más feliz esta vez. El equilibrio entre actuar en una serie exitosa (que duró siete temporadas), Mucho más largo que el más publicitado “AfterMASH”.) Y hacer teatro durante la pausa le dio a Roberts un avance creativo. Nunca fue una estrella tan grande como algunos pensaban que debería haber sido, pero los negocios son los negocios. Se retiró de la televisión y el cine en 1997 y murió en 2010 a la edad de 81 años.
Los problemas para “Joker: Folie à Deux” de Todd Phillips comenzaron a principios de septiembre en el Festival Internacional de Cine de Venecia, cuando la tan esperada secuela del éxito de taquilla de 2019 se estrenó con críticas mixtas. Desde que la primera película ganó el León de Oro, el máximo galardón en Venecia, hace cinco años, la gente ha comenzado a cuestionar sus primeras predicciones de premios para la secuela. Es posible que Phoenix, quien se llevó a casa el Premio de la Academia al Mejor Actor por su papel de Arthur Fleck, también conocido como el Joker, no haya estado compitiendo por una segunda nominación. En cuanto a Lady Gaga, de quien se esperaba que interpretara a Harleen “Lee” Quinzel, también conocida como Harley Quinn, de quien se esperaba que se robara el show en la película, no fue alentador que algunos críticos sintieran que estaba infrautilizada.
Las cosas empeoraron para “Joker: Folie à Deux”. El seguimiento de la taquilla de la película continuó disminuyendo a medida que su fin de semana de estreno proyectado aumentó de una recaudación de 70 millones de dólares a 50 millones de dólares. Luego vino la segunda ronda de revisiones.y fueron en su mayoría negativos (mientras que la película original de “Joker” generó críticas por ser potencialmente incendiaria en su descripción de un antihéroe que se lanza a una matanza). Cuando la secuela de “Joker” finalmente estuvo lista para salir, el seguimiento puso el precio de debut de 50 dólares fuera de su alcance.
Decir que el boca a boca de los cinéfilos sobre “Joker: Folie à Deux” ha sido brutal es quedarse corto. La película obtuvo una calificación D Cinemascore, inferior al fracaso de taquilla del fin de semana pasado, Megalópolis de Francis Ford Coppola, mientras los fanáticos recurrieron a las redes sociales para desahogar su enojo. Había una clara sensación de traición por parte de estas personas, lo que siempre da miedo. Es sólo una película, muchachos. Un bando particularmente enojado fue el de “Pequeños Monstruos” de Lady Gaga. Lo cual intenté demostrar a través de escenas de los avances de la película. Su papel en la edición ha sido eliminado.
Un momento que los fanáticos sintieron que faltaba evidentemente fue el de una foto que se volvió viral durante el tiroteo, en la que Gaga besó a una mujer entre la multitud afuera del tribunal (ver más abajo). ¿A dónde fue eso y por qué se cortó? Phillips explicó su escisión a Entertainment Weekly.
El director de “Joker: Folie à Deux”, Todd Phillips, explica por qué cortó una escena de Harley Quinn de Lady Gaga besando a una mujer. “Fue sólo un obstáculo en el camino”, revela Phillips a EW. https://t.co/pm8KZ2Car4
El ambiente simplemente no era el adecuado para Phillips.
Warner Bros.
Según Phillips, la escena del beso fue eliminada por una razón puramente logística: no era apropiada. Como le dijo a EW:
“Tenía diálogo y, de repente, quería que fuera algo más que un momento musical y animado. Para que ese momento se desarrollara, necesitaba tener un diálogo detrás. Es decir, la mujer dijo algo, y luego Gaga se detuvo y lo hizo. esto, y eso se estaba interponiendo en el camino del momento”.
Como fanático del trabajo actoral de Gaga, me desanimó que ella no tuviera más que hacer en la película. El enfoque de los números musicales la obstaculizó un poco, y la película en general terminó siendo otro escaparate para Phoenix. Estuve allí, lo vi. Hubiera sido bueno usar ese presupuesto de 200 millones de dólares para producir un musical y tal vez salir más a exteriores, pero Phillips tenía otras ideas.
Y vale la pena repetirlo: los trailers a menudo se cortan independientemente de los realizadores. Incluso cuando ese no sea el caso, la función principal del remolque es vender. A veces hay momentos que aparecen en uno o dos segundos, pero que simplemente no funcionan en la película final. Esto también se aplica a las fotos que se filtran del set. No sé si WB tuvo algún papel en la filtración de esta foto, pero los estudios lo harán para publicitar la película de vez en cuando. En pocas palabras: espere a que la película final dé su veredicto (Me gusta/película acto bel brea)!
Leslye Headland en la serie “Star Wars” “El Asistente” Se emitió en Disney+ del 4 de junio al 16 de julio de 2024 y terminó después de solo ocho episodios. Ambientada un siglo antes de los acontecimientos de “Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma”, la serie cuenta la historia de May y Osha (ambas interpretadas por Amandla Stenberg), gemelas idénticas criadas por un grupo de magos de la Fuerza en una planta remota. lejos de los trucos de los Jedi. En este punto de la historia de Star Wars, los Jedi eran una poderosa fuerza policial en toda la galaxia y, por lo tanto, propensos a cometer errores y encubrimientos. Cuando varios Jedi visitan la casa de Mai y Osha, ocurren una serie de malentendidos que llevan a la muerte de todos los magos. Los Jedi lo cubren y continúan su alegre camino.
Osha, que no presenció la masacre, es llevada para entrenar entre los Jedi, mientras que Mai se queda atrás, presuntamente muerta. Años más tarde, May cayó al servicio de un misterioso psíquico malvado (Manny Jacinto) que la entrenó en el camino de la Fuerza y la animó a buscar venganza contra los Jedi que mataron a su familia. En el transcurso de la serie, a medida que los hechos anteriores salen a la luz, Mai se aleja de su malvado maestro mientras Osha encuentra el lado oscuro más atractivo.
“El Asistente” fue relativamente bien recibida por la crítica, con un índice de aprobación del 78% tomates podridospero se sabía La reseña fue bombardeada por fanáticos. quien se quejó de la diversidad racial intencional del programa, la presencia de personajes extraños y la falta de nobleza entre los Jedi. Por esta razón, el índice de audiencia de RT fue sólo del 18% según 25.000 reseñas.
Muchos asumieron que la tibia respuesta, junto con fuertes quejas intolerantes y una audiencia poco estelar, Esto llevó a Disney a cancelar la serie después de solo una temporada.. De hecho, es probable que haya muchas razones por las que se enlató “The Acolyte”. Nuevo informe de Forbes Revela la razón más importante de todas: producir The Acolyte costó 230 millones de dólares.
El asistente se excedió con creces en el presupuesto.
lucasfilm
Previamente reportado por El tiempo de entrega Se suponía que producir “The Assistant” costaría 180 millones de dólares, lo que en sí mismo es un precio alto para una serie de televisión. Eso significa 22,5 millones de dólares por episodio, lo que lo convierte en uno de los programas más caros de todos los tiempos. Para poner eso en perspectiva, la mayoría de los programas de televisión de Marvel cuestan alrededor de 25 millones de dólares por episodio, mientras que programas como “Game of Thrones” y “The Mandalorian” cuestan alrededor de 15 millones de dólares por episodio. Sin embargo, los presupuestos para las series en streaming se han disparado en los últimos años, con “Secret Invasion” costando 35 millones de dólares por episodio, la serie de espías “Citadel” costando 50 millones de dólares por episodio y “El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder” colapsando. De nuevo a 58 millones de dólares por episodio.
Como tal, parece que “The Acolyte” terminó en una lista de precios más alta de lo planeado. Según un informe de Forbes, Disney admitió que The Acolyte superó con creces el presupuesto, alcanzando los 230 millones de dólares antes de que se completara la postproducción. Eso es 28,7 millones de dólares por episodio.
La audiencia de “The Acolyte” comenzó alta, según Deadline, y el programa tuvo el mayor debut en la historia de Disney+, ubicándose en el puesto número 7 en general en la lista de los 10 mejores de Nielsen. Sin embargo, estos números disminuyeron rápidamente y “The Acolyte” dejó el top diez en su tercera semana. Algunos críticos se sintieron desanimados por el diálogo bufonesco y la narrativa rígida de la serie (que, para ser justos, es un rasgo común entre muchas películas de “Star Wars”), y nunca surgieron seguidores de culto positivos y emocionales. De hecho, parece haberse formado un grupo anticulto, cuyos miembros malvados gritan la palabra “despierta”. En comparación, el índice de audiencia del 18% de RT, como señaló Forbes, es incluso más bajo que el puntaje obtenido por “Star Wars: The Clone Wars” de 2008. “Especial navideño de Star Wars” 1978, Ambos son mucho peores que “Auxiliar”.
¿Por qué todo es tan caro?
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El presupuesto para “The Acolyte” probablemente fue demasiado grande debido a los costosos efectos especiales y al elenco involucrados. Carrie-Anne Moss apareció en el programa, al igual que un enorme elenco internacional, incluido Lee Jong-jae de “Squid Game”. El programa también presentó muchos efectos de pantalla dividida para colocar a Stenberg en dos lugares, muchos efectos de espacio y criaturas, y al menos un personaje CGI completo. Este tipo de florituras visuales llamativas hacen que los presupuestos aumenten.
El Asistente también es un vestigio de las guerras del streaming, ahora menguantes, que comenzaron cerca del comienzo de la pandemia de COVID-19. Las cifras de streaming se dispararon durante los confinamientos globales y los estudios comenzaron a invertir enormes cantidades de dinero en contenido de streaming, creyendo que reemplazaría a las películas como su principal fuente de ingresos. Muchos ejecutivos también han descubierto que tener ofertas costosas y de alto perfil en sus servicios mejora el valor de mercado de sus empresas. Así que los ejecutivos comenzaron a producir costosos programas de televisión con grandes estrellas y a sacar provecho de opciones sobre acciones, sin importarles si la audiencia era alta o si había audiencias presentes.
Muchos fanáticos terminaron preguntándose tristemente por qué se cancelaron algunos programas antes de que pudieran encontrar audiencia. La respuesta es que los ejecutivos no le dieron luz verde con la esperanza de atraer audiencia. Dan luz verde a los programas solo porque se ven deliciosos en el libro mayor. Una vez que la serie debutó, ya no tenía valor en acciones y el estudio la canceló a favor de la siguiente serie. Además, los servicios de streaming han logrado mantener en secreto las verdaderas cifras de audiencia, lo que les permite negar regalías a los actores y escritores. Este fue uno de los puntos principales. Huelga dual de actores y escritores en 2023.
“El Asistente” era una reliquia de esa época. Puede que haya sido una serie de Star Wars hecha por gente creativa y que ya tenía fans, pero en última instancia era un producto caro. Recuperar las pérdidas era demasiado caro y la serie fue cancelada.
¿Qué obtienes cuando mezclas un programa de cadena de la época anterior a la Edad de Oro de la televisión con el poder de Netflix? si “Suits” y su continuo éxito en transmisión en vivo en 2023 y 2024 Pase lo que pase, no obtendrá nada menos que un renacimiento televisivo completo. El drama legal experimentó un aumento de popularidad sin precedentes cuando llegó al dispositivo de transmisión por secuencias, que desde hace tiempo se ha consolidado como un lugar donde las películas olvidadas pueden encontrar una nueva vida. Pero “Suits” demostró que los programas cancelados de la cadena también pueden prosperar en el dispositivo de streaming, y ahora es el momento de que una nueva serie antigua aproveche la influencia de Netflix.
Este programa es, por supuesto, “Jail Break”. El drama criminal de Fox pertenece a la era anterior a “Breaking Bad”, cuando la televisión aún no se había consolidado como un competidor serio de los éxitos de taquilla que conocemos ahora, y eran el tipo de telenovelas interminables que habrían sido un gran éxito si hubieran sido debutó Érase una vez en la era del streaming. ahora, 'Prison Break' tiene la oportunidad de demostrar su destreza en streaming y está prosperando en las listas de Netflix Durante los últimos dos meses.
La serie gira en torno a los hermanos Lincoln Burroughs (Dominic Purcell) y Michael Scofield (Wentworth Miller). Con Lincoln en prisión esperando la pena de muerte tras haber sido condenado falsamente, Michael trama un extraño plan para escapar de ella, empezando por cometer un robo a mano armada para ser enviado a la misma prisión que su hermano. La serie logró sacar dos grandes temporadas de esta premisa, pero luego perdió el rumbo. Sin embargo, sigue siendo una de las mejores series al inicio de las dos primeras temporadas. Con eso en mente, pensamos en analizar exactamente por qué se canceló Jailbreak.
¿Por qué se canceló Prison Break… la primera vez?
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“Prison Break” originalmente se emitió durante cuatro temporadas y un episodio doble entre 2005 y 2009, y fue un éxito de audiencia cuando debutó. Pero cualquiera que haya visto el programa cuando se emitió por primera vez puede recordar cómo las cosas fueron cuesta abajo con la temporada 3. mientras varios Los programas cambiaron completamente debido a la huelga de guionistas de 2007-2008.“Prison Break” en realidad permaneció relativamente intacto, a pesar de que la tercera temporada fue un poco más corta de lo que Fox pretendía originalmente. Pero la huelga sí afectó a la desafortunada serie complementaria “Prison Break: Cherry Hill”, que se desarrolla en una prisión de mujeres y finalmente nunca vio la luz.
Sin embargo, poco después de la huelga, en la gira de prensa de críticos de televisión de 2009, el ejecutivo de Fox, Kevin Reilly, anunció que la cuarta temporada de “Prison Break” sería la última. Y en línea Se informó que el evento citó a Reilly diciendo que “Prison Break ha tenido un gran éxito, pero la carrera ha terminado”, y el medio señaló que el programa ha experimentado una disminución significativa en los índices de audiencia a medida que avanzaba. En ese momento, Reilly quería distraer la atención de este tipo de negatividad y atribuyó la pausa del programa a razones “creativas”. El ejecutivo dijo: “El programa acaba de terminar. Llegas a un punto creativo en el que sientes que se han contado todas las historias y quieres terminar fuerte y no tropezar al final de la temporada”.
Aunque el ángulo “creativo” ciertamente suena mucho mejor que “mucha gente dejó de ver nuestro programa, así que lo estamos reempaquetando”, la verdad es que a pesar de que la primera temporada de “Prison Break” atrajo a un público promedio 9,2 millones espectadores, fue cuarta de media 6,1 millones. Sin embargo, ¿con qué frecuencia se te ocurren formas nuevas y creativas de hacer que los personajes escapen de la prisión sin que se vuelva obsoleta? En ese sentido, el ángulo “creativo” ciertamente tiene cierto peso. Al mismo tiempo, Reilly anunció la cancelación de “Prison Break” y también confirmó que quedaban seis episodios por emitir y que había “otros episodios que estaban considerando”, que finalmente se emitió como una película para televisión de dos horas “Prison Descanso: El escape final.” Sin embargo, incluso antes de que se emitieran las últimas entregas, la calidad del programa claramente disminuyó a medida que intentaba expandir su premisa fascinante pero algo débil a lo largo de varias temporadas.
¿Por qué se canceló Prison Break… por segunda vez?
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En agosto de 2015, Fox anuncia una quinta temporada de “Prison Break” Se discutió y, en enero de 2016, la cadena confirmó que la temporada tenía luz verde. El resurgimiento verá el regreso de Wentworth Miller y Dominic Purcell, y originalmente estaba programado para abarcar 10 episodios, antes de ser reducido a nueve episodios. La temporada 5 se estrenó en abril de 2017, ocho años después de que Prison Break saliera del aire, y continuó hasta el 30 de mayo mientras Fox se preparaba para la sexta entrega de la serie. Sin embargo, no aparecieron nuevos episodios y en 2019 se anunció. Fox no tenía planes de realizar más “fugas de prisión”.
de acuerdo a El tiempo de entregaLa temporada 5 atrajo un promedio de 3,96 millones de espectadores para los ratings de 2016-2017, lo que ciertamente no fue el regreso triunfal que Fox esperaba. En comparación, los programas mejor valorados que no fueron “Sunday Night Football” fueron “The Big Bang Theory” y “NCIS” con 18,99 millones y 18,03 millones, respectivamente. Sin embargo, la nueva versión se consideró un éxito modesto y los ratings aparentemente no fueron los culpables de la pérdida de la sexta temporada de “Prison Break”.
Luego, en 2019, Disney ha completado la adquisición de Fox. Durante una sesión ejecutiva ese mismo año, el director ejecutivo de Fox Entertainment, Charlie Collier, confirmó que no se estaba desarrollando una sexta temporada de “Prison Break”. “No hay ningún plan por el momento para revivir 'Prison Break' ni ninguna otra serie”, dijo. “Pero cuando los creadores vienen con una historia que creen que es el momento adecuado para contar, estamos muy dispuestos a escuchar porque estas son algunas franquicias de las que estoy muy orgulloso y me siento muy afortunado de tener en nuestro establo”. De hecho, con Disney ahora a cargo de Fox, siempre fue poco probable que la nueva compañía siguiera adelante con proyectos aprobados antes de la fusión.
Aunque actualmente no hay planes oficiales para revivir la serie, “Prison Break” ha encontrado una renovada popularidad en Netflix, tanto es así que, según diversosiguió siendo el estreno más visto en todos los servicios de streaming durante varias semanas seguidas. Entonces, es posible que veamos a Disney regresar a la propiedad intelectual de la misma manera. NBC ha encargado una nueva serie llamada “Suits: LA” Después del éxito en streaming de “Suits”.
