Conocemos los nombres y apellidos de Jerry Seinfeld, George Costanza y Elaine Benes, pero en todo Seinfeld, Kramer se llama simplemente Kramer. Tiene sentido que sepamos poco sobre la identidad de Kramer porque es una persona muy excéntrica. Inspirado por el excéntrico vecino de Larry David, el cocreador de Seinfeld, Kenny KramerEs alguien que irrumpe constantemente en el apartamento de Jerry y no tiene ningún trabajo convencional fuera de sus planes imprudentes e ideas para hacerse rico rápidamente. En el piloto de Seinfeld, se le conoce como Kessler. Luego, en la temporada 9, episodio 8, “Traición”, Kramer en broma lo llamó un error en su campana.
Se revela poco o nada sobre la historia de Kramer hasta el episodio 11 de la temporada 6, “The Switch”, donde nos presentan a su madre, Babs Kramer. Trabaja como asistente de baño en un restaurante elegante. Aunque Babs tiene una relación tensa con su hijo, George la recluta para espiar a su novia, que sufre un trastorno alimentario, para ver si, como él dice, tira su dinero al inodoro después de las comidas. Es Babs quien luego le revela el nombre completo y real de Kramer a George: Cosmo Kramer. George felizmente informa esto al resto de la pandilla, quienes bromean acerca de cómo ellos (al igual que la audiencia) han estado tratando de descubrir el verdadero nombre de Kramer durante años. Se ríen de lo ridículo que es el nombre y Cosmo es realmente perfecto para un personaje tan extraño. Sin embargo, originalmente iba a tener un nombre completamente diferente (y mucho menos exótico).
Konrad Kramer luce muy elegante
nbc
En 2014, el escritor de “Seinfeld” y eventual director de “Borat”, Larry Charles ScreenCrush dijo Inicialmente se suponía que ese Cosmo Kramer era Conrad Kramer. El nombre suena algo similar a Cosmo, pero Conrad tiene una cualidad más sutil y definitivamente no es nada de qué reírse. Charles admitió que estaba pensando en Conrad Birdie de Bye Bye Birdie, un personaje que igualmente acapara la atención y es responsable de mucho caos a su alrededor. Se suponía que su nombre sería revelado en el episodio de la temporada 2 “The Bet”. El elenco y el equipo de “Seinfeld” terminaron negándose a filmar.
Desde esto Desde entonces se ha filtrado el controvertido guión de “Seinfeld”Ahora sabemos que la trama gira en torno a que Elaine quiere comprar un arma para sentirse segura en la ciudad. En un momento, compró un arma falsa para engañar a Jerry, apuntándole y diciéndole: “'Voy a volarte los sesos'”, antes de que Jerry le preguntara si le iba a dar un “Kennedy” o Los personajes de “Lincoln” Seinfeld podían ser crudos y sus acciones crueles, pero esto era demasiado. Charles estaba decepcionado de que, dado que el episodio “se quedó en el camino”, el nombre que eligió para Kramer también lo hizo, pero en general, parecía que todo. funcionó de la mejor manera, no era “Seinfeld”. Capaz de evitar un episodio que involucra tiroteos de una manera que parece demasiado fuera de lugar y demasiado sádica para el programa, pero Kramer también termina con un nombre de payaso genial que realmente le sienta bien.
La comedia sobrenatural de Chuck Russell de 1994, “La Máscara”, se basó en el personaje hiperviolento que apareció por primera vez en Dark Horse Comics en 1987. En los cómics, una máscara mágica otorga a su portador poderes sobrenaturales, así como una cabeza verde mutada de gran tamaño. Piel y dientes que parecen lápidas. La máscara también despoja al usuario de sus inhibiciones y moralidad, convirtiéndolos en payasos locos e invencibles. En el mejor de los casos, la versión de cómic de la Máscara es un héroe violento, que existe en un género más cercano al terror que los superhéroes tradicionales.
La película Russell lijó ligeramente los bordes. La película con clasificación PG-13 presentaba a un personaje manso y de voluntad débil llamado Stanley Ipkiss (Jim Carrey) que se transformaba en un personaje de dibujos animados confiado, carismático e imprudente cuando se ponía una máscara encantada. Comete actos de violencia (el Stanley enmascarado es particularmente cruel con los dos mecánicos que le robaron), pero Stanley finalmente aprende a ser una persona más confiada y extrovertida, llegando incluso a convertirse en un luchador contra el crimen. Sólo las personas que ya son malas continúan siéndolo bajo la influencia de la máscara. “La Máscara” fue un éxito cómico, recaudando más de 350 millones de dólares con un presupuesto de 18 millones de dólares, impulsando a Jim Carrey a la lista A de Hollywood.
Parece que al principio de la producción de La Máscara, la película se acercó mucho más al tono apocalíptico de los cómics. Russell tenía experiencia en hacer películas de terror, Después de dirigir la película “Pesadilla en Elm Street 3: Dream Warriors” en 1987 y una nueva versión de “The Blob” en 1988, y estaba listo para hacer una versión cinematográfica más sangrienta de “The Mask” para New Line Cinema. En una entrevista reciente con VarietySin embargo, Russell dijo que el horror y la violencia de la película se atenuaron en borradores posteriores porque el personaje principal se parecía mucho a Freddy Krueger.
Chuck Russell dijo que la máscara era muy cercana a Freddy Krueger
Nueva línea de cine
Russell también señaló que tuvo que cambiar la película. Cuando descubrió a Jim Carrey. Recordó el inicio del proyecto diciendo:
“Dirigí Pesadilla en Elm Street 3 e hice amigos en New Line. Luego dirigí The Blob y New Line quería otra película de terror impactante. Había un cómic llamado La Máscara que era tan aterrador que dije que sería como Freddy Krueger. , sería… Terrible, pero hay un tipo llamado Jim Carrey que acaba de aparecer en la película In Living Color.
“In Living Color”, para aquellos que no lo recuerden, fue la exitosa serie de comedia de Keenan Ivory Wayans que debutó en Fox en 1990. Carrey era miembro del grupo original y recibió mucha atención y aclamación. Como comediante, Carrey era conocido por su físico extremo, contorsionando su cuerpo y rostro de maneras nuevas e innovadoras. Russell sabía que con un actor así iba a tener que cambiar de rumbo con “La Máscara”. Sería mejor aprovechar al máximo los talentos de Curry. Entonces el personaje principal pasó de ser un asesino sarcástico y violento a un tipo salvaje de dibujos animados. Russell continuó:
“Esta fue la única vez en mi carrera en la que fue muy difícil explicar a los demás el potencial que tenía este actor en particular. […] Fue una inspiración para un hombre. “Conseguí el guión hasta el punto en que Jim Carrey lo vivió y lo respiró”.
El guión final, atribuido a Mike Werb, parecía más una caricatura de Tex Avery que “A Nightmare on Elm Street”. Carrey aportó su distintiva distorsión corporal y facial, y nació un nuevo tipo de personaje cinematográfico. Fue la decisión correcta.
Chuck Russell produjo The Mask con el espíritu de una película independiente
Nueva línea de cine
Carrey aún no era muy conocido en 1994, y su coprotagonista, Cameron Diaz, estaba haciendo su debut en la pantalla grande, por lo que a Russell no se le dio un gran presupuesto para trabajar. El único lugar donde a Russell se le permitió gastar dinero fue en los extensos efectos digitales de la película… lo cual a Russell no necesariamente le gustó. Como tal, intentó que el resto de la película pareciera lo más coherente posible. Filmó en locaciones reales para cada escena excepto una. Russell señaló:
“Tomé el concepto de una película independiente de bajo presupuesto. Todo en La Máscara es un escenario normal y corriente. El único escenario en toda la película era un pequeño dormitorio, porque tuve que deshacerme de él. […] La alegría de las películas independientes era el espíritu de equipo de nosotros contra el mundo. Haremos una película con un presupuesto determinado y pondremos todo el dinero en la pantalla”.
Russell señaló que debido a que “La Máscara” era una película de presupuesto relativamente bajo, Digital Effects Inc., Luz artificial y magia, Sólo pudieron enviar al “peor equipo” a trabajar en ello. Sin embargo, parecía que incluso el peor equipo estaba produciendo material excelente. Russell recuerda divertido las visitas que recibió en el set de algunos de los altos mandos de ILM. Todos parecen impresionados. “La Máscara” acabó siendo nominada a Mejores Efectos Especiales en los Premios de la Academia. Perdió ante Forrest Gump.
Russell señaló que su película tuvo tanto éxito que cambió la forma en que se dibujaban los cómics de Dark Horse. El personaje de la página se parece mucho a Jim Carrey. Sin embargo, los libros seguían siendo sorprendentemente violentos.
Hay cinco películas de la serie “Harry el Sucio”.donde Clint Eastwood interpreta al inspector Harry Callahan, quien aparece como un personaje antihéroe que no teme romper las reglas. Aunque los métodos de Callahan son poco ortodoxos, son increíblemente efectivos. “Vamos, alegrame el día”, dice arrastrando las palabras. Antes de blandir armas para atrapar a los delincuentes. Cuando la serie “Harry el Sucio” todavía estaba buscando guiones potenciales, Fred Dekker, quien escribió el guión de “The Predator” de 2018, escribió un guión específico que terminó siendo rechazado por Eastwood. ¿Qué pasó exactamente aquí?
Según el propio Decker, este guión rechazado para la serie “Harry el Sucio” fue posteriormente reelaborado en el thriller policial de 1991 “Ricochet”, con Denzel Washington interpretando el papel principal originalmente pensado para Eastwood. Decker dijo Archivos de flashback que accidentalmente invirtió la trama de “El cabo del miedo” (que afirmó no haber visto en ese momento) en el segmento “Harry el Sucio” y que Eastwood consideró la trama “demasiado oscura”:
“Soy un gran admirador de Eastwood. Es una de mis estrellas de cine favoritas. [the] El personaje de “Harry el sucio” fue un rayo en una botella porque después de las dos primeras, el resto de películas no estuvieron a la altura. Entonces, pensé en escribir un guión específico. […] Mi productor Joel Silver afirma que se lo envió a Clint, pero eso no tiene ningún sentido. Joel tenía su propia productora. Podría haberlo hecho él mismo, y lo hizo. Dijo que Clint pensaba que era “demasiado oscuro” para él.
Dado que “Ricochet” se estrenó a finales de 1991, es casi seguro que Decker se refería a la versión de 1962 de “Cape Fear”, protagonizada por Gregory Peck y Robert Mitchum, en lugar de la nueva versión de Martin Scorsese del mismo nombre, que lo presentaba como Show on 15 de noviembre. , 1991. Tanto en el original como en la nueva versión, la premisa básica muestra a un abogado acosado por un psicópata violento, que regresa para exigir venganza. Decker había previsto esta premisa básica para su guión de “Harry el sucio”, pero después de que el proyecto fracasó, “Ricochet” construyó su novela en torno a esta idea básica.
El Ricochet dirigido por Denzel es una versión sin inspiración de Cape Fear
Warner Bros.
Antes de que el guionista de “Die Hard” Steven De Souza reescribiera el guión de “Ricochet” manteniendo la premisa básica de Dekker, el director de “Night of the Creeps” estuvo brevemente vinculado a él. Sin embargo, no logró convencer a Kurt Russell para que fuera parte de la película y las responsabilidades de dirección pasaron a Russell Mulcahy de la fama de “Highlander”. Esto es lo que Decker dijo sobre el balón suelto de Kurt Russell:
“Fueron como cinco segundos cuando le iba a indicar [‘Ricochet’]. Me reuní con Kurt Russell para interpretar a un policía… Antes de ir a esa oficina, tuve que decir: “¡Tengo que conseguir que Kurt Russell haga esta película!”. Pero no logré derrotarlo”.
Una vez que Mulcahy se incorporó, Washington fue elegido como Nick Stiles, un oficial novato de la policía de Los Ángeles y estudiante de derecho que se topa con una operación de linchamiento de la mafia dirigida por Earl Talbot Blake (John Lithgow). Después de que Stiles pone fin a los planes de Blake, este último es arrestado y enviado a prisión, mientras que Stiles es aclamado como un héroe después de un juicio altamente televisado. Lo que se desarrolla a continuación es el inminente regreso de Blake varios años después, armado con un siniestro plan para vengarse y hacer pagar a Stiles. Blake persigue a todos los que ama Stiles y juega sucio para tomar ventaja en este tumultuoso juego del gato y el ratón.
Aunque Ricochet tiene algunos buenos momentos, la mayoría de los cuales se desarrollan con actuaciones convincentes en los papeles principales, las viñetas serias se sienten fuera de lugar la mayor parte del tiempo. la verdad de eso “Cape Fear” de Scorsese se estrenó ese mismo otoño. La película no le hizo ningún favor, ya que el remake fue una reinvención mucho más oscura y extraña del material original, con muchas motivaciones complejas de los personajes en la mezcla. “Ricochet” carece de la delicadeza necesaria para resaltar el toque inesperado imbuido en el papel de Lithgow como Blake, ya que el mundo que lo rodea no refleja su depravación y está demasiado inmerso en una moralidad en blanco y negro. Dicho esto, el ridículo y ridículo sentido del humor de la película sorprendentemente la salva de ser tediosa, y vale la pena verla solo por esa razón.
“Futurama” está ambientada en el siglo 31, y ese futuro está lleno de robots mucho más encantadores que Bender. Desde el actor Calculon (Maurice LaMarche) hasta el demonio robot (con la voz del propio Homero Simpson, Dan Castellaneta), algunos de los personajes más divertidos de “Futurama” tienen almas de silicio.
Nadie acusaría a Futurama de haber sido escrito por Isaac Asimov, pero muchos episodios de la serie también exploran la existencia de Bender como robot. En “Fear Of A Bot Planet”, los personajes visitan un planeta que representa el Paraíso de Bender (un planeta de robots que quieren matar a todos los humanos). En “Obsoluely Fabulous” Bender se hace amigo de varios robots obsoletos mientras él mismo lidia con el miedo a la obsolescencia. “La caza del libre albedrío” obliga a Bender a considerar el hecho de que, como robot, no tiene un verdadero libre albedrío.
Bandar tampoco comparte nunca el centro de atención. Según el último libro. “Arte Futurama” Pese a esto, los creadores de “Futurama” originalmente imaginaron que habría otro robot en el elenco principal: Pocket Pal. Pocket Pal, un minirobot, tiene un torso de batería, extremidades para limpiar tuberías, manos enguantadas de Mickey Mouse y una cabeza con forma de televisor (antenas y todo). Mira el dibujo que el creador de “Futurama”, Matt Groening, hizo de Pal a continuación:
Matt Groening
Pocket Pal (que sólo tuvo dos cameos) estaba destinado a cumplir una función vital en el programa “Futurama”.
Se suponía que Pocket Pal le enseñaría a Fry sobre el futuro de Futurama.
Centro de la comedia
Fry es la alternativa del público a “Futurama”. Como hombre de 1999, él también es el que está confundido acerca de las partes extrañas del futuro. Incluso en temporadas posteriores, cuando lleva décadas viviendo en el siglo 31, otros personajes tendrán que explicarle ocasionalmente nuevas costumbres y tecnologías.
Según el comentario en DVD del episodio “Less Than Hero” de “Futurama”, Pocket Pal fue quien respondió las preguntas de Fry. Fry llevaba el Pal en su bolsillo y luego lo sacaba cuando algo se complicaba. A Bender le molestará la linda apariencia de Pocket Pal.
Groening explicó en “El arte de Futurama” que Pocket Pal está basado en el personaje Who Caricatura del “tío Scrooge”.: Little Helper, un pequeño asistente robótico del inventor de los pollos Gyro Gearloose. El director de “Futurama”, Bill Morrison, dijo que Pocket Pal originalmente iba a tener un cabezal de lámpara, al igual que Little Helper. (Ver más abajo.) De hecho, incluso el diseño final de Pocket Pal tenía detalles de diseño de Disney.
El mismo Pocket Pal (que se supone que es un modelo producido en masa) aparece en la película de Futurama “La bestia con mil millones de espaldas”. La esencia de la película es que hay una grieta en el universo, lo cual es una “anomalía”. El profesor Farnsworth, junto con su rival Wernstrom, se unen y descubren que los dispositivos eléctricos no pueden atravesar esta anomalía. Para ilustrar el efecto, Wernstrom utiliza un proyector que simula la anomalía, un Pocket Pal amarillo. Una vez que grita “El tiempo de juego es tiempo de diversión” (con la voz de Trace MacNeil), Wernstrom la arroja hacia el proyector donde explota.
Antes de que los dos profesores se embarquen en una expedición hacia la anomalía, deciden desahogarse desahogándose. más alto Más amigos de bolsillo: “Tiempo de juego Él es Tiempo de diversión”, señala Farnsworth. El horrible destino de Pocket Pal refleja cómo la idea de su existencia fue excluida del programa.
“The Art of Futurama” está disponible en tiendas impresas y digitales.
Es posible que recibamos una comisión por las compras realizadas desde nuestros enlaces.
veinte televisiones
“Futurama” está llena de personajes desagradables pero divertidos. El robot Bender (John DiMaggio) quiere matar a todos los humanos, pero sus travesuras son siempre lo más destacado del espectáculo. El profesor Farnsworth (Billy West) es un científico loco que sueña con dispositivos apocalípticos y monstruos atómicos, pero su genio loco lo hace tan divertido como Bender.
Luego está el capitán de la nave espacial Zapp Brannigan (también Billy West), un joven aspirante que carece del encanto que uno necesita. Es el capitán del Nimbus, una nave del DOOP (Orden Planetaria Democrática), con su asediado segundo al mando alienígena Kev Crocker (Maurice LaMarche). Kif es el Spock de Zapp, pero es un asistente abusado en lugar de un asesor confiable.
en “Arte Futurama” El director de la serie, Bill Morrison, reveló que su diseño original de Zapp era algo diferente al diseño final: “Trabajé mucho en Zapp Brannigan, y cuando vi la versión en color, me eché a reír. Me imaginé que llevaba medias, pero decidí para dejarle las piernas desnudas.” ¡Y convertir su chaqueta en una falda corta!
Las piernas desnudas reflejan lo obsesionado que está Zapp con los barcos y el sexo. También ha usado muchas otras prendas reveladoras. Su uniforme militar blanco. también Tiene una falda corta. En su primer episodio, “Love's Labors Lost In Space”, intenta (y falla) seducir a Leela mientras usa una bata apenas visible. (En su lugar, tiene sexo por lástima con él). Cuando a Kev se le ordena “informar a los hombres” de su invasión, él está desnudo y solo oculta sus genitales con una sábana.
El disfraz de Zapp Brannigan es parte de una parodia de Star Trek de Futurama
El disfraz de Zapp también parece parte de una parodia de “Star Trek”. A pesar del progreso que ha logrado la serie original, todavía tiene una estricta división de género en el uniforme de la Flota Estelar. Los hombres vestían pantalones, las mujeres vestían uniformes con faldas cortas. Las series posteriores se deshicieron de esto. En el episodio “Trials and Tribble-ations” de Deep Space Nine, donde los personajes principales regresan al siglo 23, Jadzia Dax (Terry Farrell) señala que “las mujeres solían usar menos ropa” en los viejos tiempos, donde se la muestra usando menos ropa.
En “Futurama”, todos los oficiales de DOOP, incluso los hombres, usan una falda corta como la de Uhura, enfatizando lo absurdo del uniforme revelador. Las parodias de “Star Trek” tampoco terminan con Zapp.
“Star Trek” es la serie de televisión de ciencia ficción definitoria del siglo XX, y un programa de parodia de ciencia ficción como “Futurama” no estaría completo sin rendirle homenaje.
“The Art of Futurama” está disponible en tiendas impresas y digitales.
Las cartas de novato son una clase propia para coleccionistas. Cuando una carta de novato es una estrella, un miembro del Salón de la Fama o un Inmortal, el valor relativo a las otras cartas de ese conjunto es exponencialmente mayor.
Nunca ha habido una estrella más grande que el jardinero de los Yankees de Nueva York nena rutque dominó el juego de béisbol como nunca antes ni después. Se convirtió en una figura central no sólo en su deporte sino en todo el panorama cultural del siglo XX. Así que esta tarjeta de novato de Ruth es una de las joyas más preciadas en todos los coleccionismos de tarjetas deportivas.
¿El problema? Haga que las personas se pongan de acuerdo sobre la tarjeta que marca correctamente esta casilla.
Hay dos contendientes, ambos de conjuntos regionales que no son tan populares como las tarjetas de tabaco que vinieron antes y las tarjetas de chicle que vinieron después. La primera es una tarjeta de noticias de Baltimore de 1914. La segunda es una tarjeta de noticias deportivas de 1916, con dos versiones diferentes publicadas con meses de diferencia con temas idénticos. Entonces, ¿cuál es el problema? Dado que 1914 es anterior a 1916, el billete anticipado gana la carrera, ¿verdad?
No exactamente. Las tarjetas de novato ahora se aceptan generalmente para emitir en las Grandes Ligas, lo que significa que el jugador aparece como miembro de su primer equipo de Grandes Ligas. La tarjeta de Baltimore News, que presenta una foto teñida de azul de un Ruth adolescente, fue emitida cuando era miembro de los entonces Orioles de Baltimore de la liga menor, y su calendario de juegos decía “Cortesía de la Liga Internacional de Baltimore”. Ruth duró sólo tres meses en las menores antes de ser vendida a los Medias Rojas de Boston. Entonces, si bien la tarjeta de 1914 es sin duda la primera tarjeta de Ruth, técnicamente no es una tarjeta de novato.
Esta sería su tarjeta de Sports News, mostrando a Ruth como miembro de los Medias Rojas, en cualquier conjunto. (Lo que es aún más confuso es que la tarjeta numerada posterior, serie M101-5, en realidad se emitió antes que la M101-4 anterior.) Una copia de esta tarjeta, con un respaldo poco común de Morehouse Bakery Co. Se venderá a través de Robert Edward Auctions (REA) a finales de este mes.. (Tenga en cuenta que el enlace le llevará a una subasta cerrada, pero volverá a la subasta en vivo cuando comience el 22 de noviembre).
Sin embargo, en este caso, la Tarjeta de Novato no es la más valiosa para el jugador. Más bien, es su primera carta.
En diciembre pasado, una copia calificada de SGC 3 (en condiciones “Muy buenas”) se vendió en el Baltimore News Roth por 7,2 millones de dólares. Esta es una de las nueve versiones graduadas que existen y sólo una, PSA 4, ha recibido una calificación superior. En ese club se sabía que 15 jugadores habían emitido una tarjeta en ese momento. Ruth se ha convertido en la tercera tarjeta antigua más valiosa en el hobby del béisbol, solo detrás de la popular tarjeta Honus Wagner T-206 (modificada para el mismo grado y atractivo visual general, según REA) y la 1952 Topps Mickey Manto Calificado SGC 9.5 que se vendió por 12,6 millones de dólares en 2022.
“Es raro que uno de los jugadores menores de esa época tenga una tarjeta, y mucho menos alguien que resultó ser tan importante como Ruth”, dice Brian Dwyer, presidente de REA.
Inicialmente propiedad del chico de los periódicos Archibald Davis, de seis años, cuyo equipo favorito eran los Orioles, el modelo SGC 3 se ha transmitido de generación en generación en su familia durante 107 años. Hasta finales de la década de 1980, no se sabía que hubiera sobrevivido ninguna copia. En 1998, 25 años antes de que fuera vendido en una subasta, albergaba el Museo Babe Ruth en Baltimore.
Davis era un fanático acérrimo o tenía tan buen ojo para el talento en bruto que en 1914 no se sabía que Ruth era la futura Sultán del Swing. Según Baseball Reference, su temporada de bateo en la Liga Internacional fue 28 de 121 (.231) con 14 extrabases, incluido un jonrón, y 26 ponches. Ciertamente emergió como un gran prospecto con un récord de 22-9 en 242,2 entradas lanzadas, aunque su efectividad en la era de la bola muerta fue bastante decente: 3,26.
“Con esta tarjeta, tienes a Roth, que estuvo bajo custodia estatal durante más de dos tercios de su vida, no sabía mucho sobre el mundo y ciertamente no sabía en qué se convertiría. (Eso es) lo que esta tarjeta simboliza”, dijo Dwyer en el momento de la venta de la tarjeta.
¿Qué podría ser más “carta de novato” que eso? Un jugador de todos los tiempos sorprendido posando como un niño inconsciente que aparentemente estaba a punto de convertirse en el rey del mundo.
Pero la “verdadera carta de novato”, según Reglas que se aceptaron unos 85 años después de la emisión de estas tarjetas.es la edición de Sports News de 1916. Esto vincula a Ruth con su compañero legendario Yankee Mickey Mantle por ser el raro jugador cuya carta más valiosa no es un novato. Ni un solo Baltimore Ruth News de 1914 tuvo que ser arrojado al Océano Atlántico para liberar espacio de almacenamiento y ganar esa distinción.
ir más profundo
El boom de las tarjetas de novato y la tarjeta de no novato que empezó todo
En 1916, Ruth estaba en su tercer año de último año y era uno de los mejores lanzadores del béisbol, además de campeón de la Serie Mundial. Ese año, lideró las Mayores en aperturas (40) y efectividad (1.75), lanzando nueve blanqueadas en 23 juegos completos (323.2 entradas lanzadas). Sus victorias por encima del reemplazo ese año fueron 8,8, tercero entre todos. Grandes Ligas lanzadores, sólo detrás de Grover Cleveland y Walter Johnson, ambos inmortales (790 victorias combinadas) en sus mejores momentos (29 y 27 años, respectivamente). Ruth, de 21 años, tuvo ese año un OPS como lanzador 22 por ciento más alto que el promedio de la liga, ajustando las diferencias en las dimensiones del lanzamiento, aunque su bateo recibió poca atención.
A sólo dos años de su lanzamiento, Ruth era campeona de jonrones y sigue siendo una lanzadora profesional con efectividad de 2.22 y 18 juegos completos en 19 aperturas. Una vez más fue ganador y campeón de la Serie Mundial (2-0 en el Clásico de Otoño, incluida la blanqueada de los Cachorros con seis hits en el Juego 1).
A diferencia de los novatos de hoy, quienes pueden tener altibajos durante años antes de que sus trayectorias profesionales se estabilicen, el poseedor de la tarjeta Ruth supo en dos temporadas que no era sólo una estrella sino una superestrella. Por lo tanto, no sorprende que las ediciones de esta tarjeta se mantengan relativamente bien conservadas con 8 (Near Mint-Mint) y tres 7 en el conjunto graduado. Rápidamente se convirtieron en preciados íconos del mayor héroe del país.
Se espera que el Ruth de 1916 reciba una fracción de la tarjeta “superior” de The Baltimore News a pesar de recibir una calificación más alta (PSA 3,5, o muy buena plus). Ambos serán vendidos por REA. La oferta inicial por el “True Apprentice” de 1916 es de 150.000 dólares y, dada la escasez de apoyo de Morehouse, el precio de venta estimado, según Dwyer, es de 500.000 dólares.
La historia de fondo es fascinante. Estas tarjetas se emitían como cupones para saltar la cuerda o una pequeña raqueta y una pelota. Según el reverso de las tarjetas, 50 de ellos tuvieron que llevar “No hay dos iguales” a la oficina de la empresa panificadora en Massachusetts para recibir uno de los premios, aunque a los niños se les permitió quedarse con las tarjetas que recogieron, como se indica en el reverso de las cartas. Bien. Es por eso que la parte a la venta y la mayoría de las demás tienen el sello “Cancelado” en la parte posterior. Según REA, el dorso de Morehouse es la versión más rara de la tarjeta, con solo 110 calificaciones para los 119 jugadores (incluidos 24 miembros del Salón de la Fama) en el conjunto.
En abril, un Roth de 1916 calificó el PSA 5 (Excelente) con un anuncio de Gimbels algo raro en el reverso. Recaudó 762.500 dólares. Esta era la versión M101-4 (posterior). Según el subastador (Bonhams), “el abuelo del consignador, un niño de 10 años residente en Milwaukee en ese momento, adquirió la tarjeta hace más de un siglo durante un sorteo promocional de tarjetas de béisbol en 1916 en el que participaron los mejores jugadores de la época. fue presentado por los grandes almacenes Gimbels”.
En 1916, los niños no iban a los grandes almacenes a comprar tarjetas de béisbol, que en aquella época eran un producto masculino en paquetes de tabaco. Fueron allí para presenciar el partido más emocionante del año: Registros de Lincoln. Precio de venta más alto para Discos de Lincoln en eBay ¿Los últimos seis meses? $ 300: mucho más valioso que una cuerda para saltar, el codiciado artículo que las tarjetas Ruth de 1916 se consideraron originalmente como una herramienta para obtener.
The Athletic mantiene total independencia editorial en toda nuestra cobertura. Cuando hace clic o realiza compras a través de nuestros enlaces, podemos ganar una comisión.
Es difícil imaginar una versión de “Star Trek” en la que la nave central no se llamara Enterprise. Y “Enterprise” es, por supuesto, un gran nombre para una nave estelar que vive en un futuro utópico igualitario de unión y unidad global. Primero, el nombre es conceptual; No lleva ningún nombre de la Tierra, evitando cualquier geocentrismo. “Star Trek” a menudo puede centrarse en la Tierra, preocupándose más por la difícil situación y los detalles personales de los humanos y la Tierra que por sus personajes extraterrestres o sus mundos natales. El “sistema” garantiza un elemento de neutralidad.
Además, el “establecimiento” es una gran cosa que hacer. El nombre indica que el barco está en una misión activa. El barco no se llama USS Satisfaction. Además, el nombre abstracto “institución” no conlleva ningún tipo de fundamento chauvinista. Si el barco se hubiera llamado, digamos, USS Freedom o incluso USS Independence, habría sonado notablemente estadounidense. No es que Estados Unidos tenga derechos de autor sobre las palabras “libertad” e “independencia”, pero esas palabras se usan comúnmente en este país único de retórica grosera, aburrida y patriotismo extremo. Gene Roddenberry, creador de Star Trek No quería que su programa alardeara de Estados Unidos. Quería que ella mostrara humanidad.
Pero este no fue siempre el caso. En los primeros días del desarrollo, mientras Roddenberry todavía estaba ideando nombres para los personajes y las naves espaciales de “Star Trek”, imaginó brevemente una nave espacial llamada USS Yorktown. El nombre fue tomado del portaaviones real de la Segunda Guerra Mundial, que se puso en servicio originalmente en 1937. El Yorktown fue hundido en la Batalla de Midway en 1942 y permanece en el fondo del Océano Atlántico.
No fue hasta que Roddenberry se enteró de otro portaaviones real de la Segunda Guerra Mundial que cambió el nombre de la nave estelar ficticia a USS Enterprise.
El USS Enterprise lleva el nombre de un portaaviones real
Supremo
El verdadero USS Enterprise sirvió al mismo tiempo que el Yorktown, encargado en 1938. Luchó principalmente en la Guerra Asia-Pacífico y, a diferencia del Yorktown, sobrevivió al conflicto. Fue uno de los tres únicos barcos que lo hizo. El Enterprise fue dado de baja en 1947. A Roddenberry le gustó la historia del Enterprise y cambió el nombre.
El nombre Yorktown acabó apareciendo en “Star Trek” después de que se aplicara a un popular vehículo de apoyo. El USS Yorktown fue mencionado en el episodio de la serie original “Obsession” (15 de diciembre de 1967), y supuestamente es el mismo Yorktown que fue atacado por una sonda alienígena masiva en “Star Trek IV: The Voyage Home”. Yorktown también era el nombre de la estación espacial gigante con forma de anillo en la película de 2016 “Star Trek Beyond”. Si uno mira de cerca, también puede ver barcos llamados Yorktown en las hojas de datos o simplemente navegando al fondo en “Star Trek: The Next Generation” y “Star Trek: Picard”, respectivamente.
Es lamentable que “Enterprise” no haya podido escapar completamente de sus orígenes estadounidenses. Se ha dicho repetidamente a lo largo de la serie original “Star Trek” que el barco es un barco de clase Constitución. Si bien “constitución” significa lo mismo que inmutabilidad, es igualmente probable que los espectadores estadounidenses piensen en la Constitución de Estados Unidos, uno de los documentos fundacionales de la nación. Además, el barco se llama USS Enterprise y estas tres primeras letras también tienen declinación estadounidense. En el canon de Star Trek, USS significa United Starshippero el USS también representa el barco de los Estados Unidos en la Armada moderna.
En “Star Trek: The Next Generation”, el nombre se cambió ligeramente para ser más neutral. El Enterprise-D es una nave espacial clase Galaxy.
“Lost Verizon” es un muy Un episodio de “Los Simpson” al estilo de 2008. La película tiene lugar en una época en la que los teléfonos móviles se estaban convirtiendo en la norma, incluso entre los niños de la edad de Bart, y la primera trama gira en torno a Bart intentando (y finalmente consiguiendo) conseguir uno. El hecho de que el teléfono celular sea un teléfono plegable data directamente del anillo, lo cual es lamentable debido a los teléfonos plegables. el era Genial para la década de 2000, te dejan colgar enojado Con estilo dramático y cinematográfico.. Sin embargo, la historia principal del episodio avanza perfectamente: gira en torno a la decisión de Marge de usar el teléfono de Bart para seguir cada uno de sus movimientos, un comentario revelador sobre la forma en que los teléfonos móviles han restringido la privacidad de los niños a pesar de su promesa original de libertad.
Pero antes de que Lost Verizon pueda encargarse de todo eso, primero tiene que presentarnos a Denis Leary, el famoso actor de Massachusetts de “Rescue Me” y “Ice Age”. Leary aparece en el campo de golf de Springfield, tira torpemente su teléfono por frustración y, sin darse cuenta, cumple el sueño de Bart. Es un papel de estrella invitada complicado. Leary es retratado como irritable y vengativo a veces, pero también es muy bueno con que Bart use su teléfono. Es un papel divertido, aunque no podemos evitar preguntarnos si originalmente estaba destinado a Matt Damon.
Después de todo, cuando es diverso Libros sobre producción. Para la película de 2007 “Lost Verizon”, debieron tener la impresión de que Matt Damon la protagonizaría. “Matt Damon es la hilaridad de Lost Verizon”, escribió Variety. “En Fox Square, Nancy [Cartwright] Nos llevó a su lugar de estacionamiento frente al pequeño edificio donde se llevaría a cabo la lectura. Entra Hank Azaria. Al igual que Nancy, interpreta a varios personajes del programa. Hank también leyó para el papel de Matt Damon, ya que no lo necesitaban hasta finales de mes para la sesión de grabación real.
El episodio terminó retrasándose hasta la temporada 20, y en esta pausa de producción, Damon parece haberse echado atrás. Entonces, ¿cómo se reemplazó el programa? Un nombre familiar como Matt Damon? Parece que eligieron a otro actor radicado en Boston que tiene una habilidad especial para interpretar papeles intensos y enojados. No hay una confirmación clara de que Leary fuera el reemplazo de Damon, pero al volver a ver Lost Verizon, parece difícil imaginar otro papel que Damon podría desempeñar. Además de algunas insinuaciones específicas sobre su carrera televisiva, parece que su personaje podría haber sido Damon y nada más cambiaría en el episodio.
Aparte de la falta de Matt Damon, ¿el episodio es bueno?
Zorro
“Lost Verizon” es un episodio típico de la vigésima temporada. No es tan divertido como un episodio clásico de “Los Simpson”Pero tampoco es tan malo como la gente podría afirmar. Siempre he sostenido que Los Simpson tuvieron un aumento repentino en calidad de las temporadas 18 a 21. ¿Estoy pensando esto sólo porque estaba en la escuela secundaria en ese momento? Tal vez, pero en retrospectiva (y simplemente tratando de observar). Últimas temporadas de “Los Simpson” En sus propios términos), “Lost Verizon” es un episodio absolutamente fantástico. Aquí hay algunos chistes geniales, como el de Homero tratando de lavar la ropa, y todo avanza a un ritmo rápido.
Para algunos críticos en 2008, el mayor defecto del episodio fue lo dispersa que estaba su trama. “No fue lo suficientemente divertido para una historia tan sinuosa”. Robert Canning escribió en IGNargumentando que el ida y vuelta entre Bart y Denis Leary debería haber sido la trama principal del episodio, en lugar de desviarse hacia Machu Picchu. Es cierto que es Él es Es fácil ver una versión de este episodio que gira en torno a la dinámica del gato y el ratón entre Bart y Leary. En apenas unos minutos, el episodio el lo hace Dedicado a los dos, Bart básicamente arruina la vida de Leary al inscribirlo en una adaptación cinematográfica de la terrible película “Everybody Poops” y al hacer bromas telefónicas a dueños de bares de todo el mundo. Hacer que la segunda mitad del episodio girara en torno al intento de venganza de Leary habría hecho que la historia fuera más centrada.
Por otro lado, prefiero el camino emocional más consistente que tomó el episodio. La segunda mitad de “Lost Verizon” se deshace de los invitados famosos del programa y mantiene todo el episodio centrado en Bart y Marge, quienes siempre han sido uno de los dúos más subestimados del programa. Marge comienza el episodio como una madre racional que priva a su hijo de un teléfono móvil por razones económicas, sólo para convertirse en una madre obsesionada con los helicópteros, antes de darse cuenta de que un enfoque más relajado probablemente sea más saludable. Mientras tanto, Bart comienza el episodio sintiéndose restringido por la paternidad de Marge y luego logra la libertad total que siempre quiso, solo para darse cuenta de que no es lo que necesita. La estructura de la trama del episodio puede parecer inestable y generalizada a primera vista, pero aún así nos brinda dos arcos de personajes consistentes y enfocados que rebotan entre sí.
¿Es “Lost Verizon” el mejor episodio de la temporada 20? No, le daré ese título a “Gone Maggie's Gone”. Pero independientemente de la ausencia de Matt Damon, sigue siendo un buen episodio de la serie y definitivamente vale la pena verlo.
Si no fuera por “Breaking Bad”, Albuquerque, Nuevo México, seguiría siendo más famoso en la cultura popular como la ubicación de “Breaking Bad”. Los giros equivocados de Bugs Bunny. Si duermes cómodamente bajo una piedra, Breaking Bad gira en torno al profesor de ciencias de Albuquerque, Walter White (Bryan Cranston).quien usa sus habilidades químicas para consumir metanfetamina después de haber sido diagnosticado con cáncer. Dado que el programa se desarrolla en el suroeste de los Estados Unidos, la historia regresaba casi con frecuencia al propio México y muchas de las tramas secundarias y personajes criminales de la serie tenían vínculos con cárteles ficticios de la droga. (De hecho, Albuquerque está a unas cuatro horas al norte de la frontera con México).
Con una población de más de 500.000 habitantes, Albuquerque es la ciudad más grande de Nuevo México. Definitivamente es un pez grande en un estanque pequeño; El estado tiene una gran superficie terrestre pero una pequeña población de alrededor de 2 millones de personas. (Ocupa el puesto 37 entre los 50 estados más poblados de EE. UU.). ¿Por qué situar una serie de televisión allí en comparación con sus vecinos regionales más famosos como Dallas, Texas o Phoenix, Arizona? Todo era cuestión de dinero.
Como ha explicado varias veces el showrunner y creador Vince Gillian, originalmente imaginó que Breaking Bad se desarrollaría en Riverside, California. Durante la producción, Sony decidió que la serie debería filmarse en Albuquerque para aprovechar un generoso crédito fiscal del 25% sobre la producción de cine y televisión en Nuevo México. Gilligan estuvo de acuerdo, lo encontró demasiado hermoso para dejarlo pasar y reescribió el escenario de la serie. como Una vez le explicó a Vulture:
“Va a ser genial. Lo único que vas a hacer es reemplazar las matrículas y llamarlo California.' Dije: 'No, entonces vamos a filmar en una ciudad donde nunca podremos mirar hacia el este. Siempre tenemos que evitar las montañas Sandia'. ! Así que cambiamos la configuración a Nuevo México”.
En 2007 se anunció el rodaje de “Breaking Bad” en Nuevo México. Como el segundo gran proyecto de los recién inaugurados Albuquerque Studios. El alcalde de Albuquerque, Martín Chávez, comentó la noticia diciendo: “Estoy especialmente feliz por Breaking Bad”. [shooting here] Porque está ubicado en Albuquerque y ese tipo de apreciación no tiene precio”.
Filmar Breaking Bad en Albuquerque fue la decisión correcta
CEM
Riverside es un poco más pequeña que Albuquerque (unas 300.000 personas), pero también está a sólo 50 millas de Los Ángeles. La ambientación de 'Breaking Bad' en Nuevo México complementa el auge de la serie del oeste (Como el robo del tren en la película Dead Freight.). A diferencia de Riverside, Albuquerque todavía puede pasar por frontera en el siglo XXI.
Gilligan le confesó a Slant En 2010, ni siquiera estaba pensando en historias de cárteles cuando inicialmente ambientó “Breaking Bad” en Riverside. Aunque consideró que el “negocio local de metanfetamina” de Walt podría haberse extendido razonablemente a 50 estados cualesquiera, ubicar la serie en el suroeste tampoco hizo daño:
“Una vez que conseguimos el balón en nuestra serie, V.I. [2005-2010]La violencia relacionada con las drogas en muchas ciudades y pueblos a lo largo de la frontera suroeste se ha convertido en un tema central en las noticias nacionales, por lo que terminamos incorporando más y más a nuestra historia. Ciertamente ayudó en ese momento que nuestra historia tuviera lugar en Albuquerque, que está a sólo 220 millas de la frontera. Así que tuvimos 'suerte' con ese elemento de la narración”.
Naturalmente, muchas ubicaciones de la vida real de Albuquerque aparecieron en el programa. La casa de la familia White es una casa real en los suburbios de ABQ (aunque el programa usa una dirección ficticia) y Los Pollos Hermanos es en realidad un restaurante Twisters real.
Si bien “Breaking Bad” se produjo en Nuevo México, la sala de guionistas estaba ubicada en Burbank, California. Esto suponía que cada escritor debía realizar un pequeño desplazamiento en su viaje para visitar o incluso dirigir los decorados. (Esto no es una parada “Breaking Bad” es un producto perfecto.)
Sin embargo, Gilligan afirmó que “aprendió a amar” Albuquerque (vía Slant). De hecho, la película precuela/secuela “Better Call Saul” y la película epílogo “El Camino” también se filmaron en exteriores y en los estudios de Albuquerque. La próxima serie de ciencia ficción de Gilligan para Apple TV+ (“Wycaro”) no está relacionada con “Breaking Bad”, pero está protagonizada… La ex actriz de Kim Wexler, Rhea Seehorn Sorprendentemente, también se ambientará y rodará en Albuquerque. La ciudad también podría poner a Gilligan en nómina como jefe de publicidad en ese momento.
Se suponía que esto sucedería cuando dos guardias reales intentaron impedir que Lord Vader entrara a la sala del trono del Emperador. Esto enfureció a Vader, quien rápidamente privó a los Guardianes de la capacidad de respirar, lo que no era bueno para su existencia continua en el universo de “Star Wars”. Se dice que la escena fue filmada el 18 de febrero de 1982 y luego fue eliminada de la versión final. No se dio ninguna explicación para la decisión de Lucas, pero dado el aumento en la limitación de poder mostrado en La Venganza de los Sith más de 20 años después, uno sólo puede concluir que Lucas lamentó profundamente la omisión.
Aunque Force Throttle regresó en la trilogía de películas precuela, el daño ya estaba hecho para los fanáticos de la serie de la Generación X. No se puede hacer que la interpretación gruñona de Anakin Skywalker que hace Hayden Christensen sea más amenazadora simplemente reintroduciendo la forma de matar favorita de todos en esa galaxia muy, muy lejana. Hay quienes dicen que la franquicia nunca se recuperóAunque directores talentosos como Rian Johnson, Gareth Edwards y Tony Gilroy intentaron darle nueva vida a la serie, la siniestra alegría ha ido desapareciendo de la serie durante 41 años.
