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Bruce Willis inicialmente se negó a decir una de sus líneas divertidas en Die Hard 2

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En la Navidad de 2024, Netflix presentó lo último de una serie interminable de películas de acción bastante interesantes, que finalmente estaban condenadas a convertirse en el equivalente digital de los fósiles enterrados en los servidores del gigante del streaming. “Carry On” es un thriller ambientado en Los Ángeles, donde el oficial de la TSA de Taron Egerton debe frustrar un complot para liberar un agente nervioso mortal a bordo de un avión. En otras palabras, era una película de acción navideña ambientada íntegramente en un aeropuerto, por lo que era Ineludiblemente en deuda con “Die Hard 2”.

Esta secuela de acción tiene un legado algo extraño, que se extiende mucho más allá de la influencia de una película promedio de Netflix. Mientras que el original de 1988 está por encima de casi todo lo demás Calificación de las películas de “Duro de matar”.“Die Hard 2” de los años 90 es sin duda un candidato al segundo puesto. Excluyó las mismas viejas partes de la conversación al convertir a John McClane de Bruce Willis en otro arquetipo de superhéroe, lo que deja sólo “Die Hard 2” y la trilogía “Die Hard With a Vengeance” de 1995. Pero si nos guiamos por lo que dijeron los críticos. Cuando salió “Die Hard 2”, podrías ponerlo detrás de “Vengeance”. Según muchos críticos, la secuela se esforzó demasiado en imitar a su predecesora, recreando la misma situación, tono y ritmo de la historia, sin lograr nada original.

Incluso su estrella parece compartir esta opinión. Publicado en los foros de AICN en 2007 (trans tomates podridosWillis reveló que “Die Hard 2” era la “menos favorita y la que menos disfrutaba” de todas las películas de la serie. ¿Por qué? La estrella parece sentir que los críticos de la película acertaron, y Willis se hace eco de las críticas más comunes a la película por ser “demasiado preciosa y autorreferencial”. También consideró que la historia estaba “por todas partes, sufriendo una claustrofobia extrema”.

Pero parece que puede haber otra gran razón por la que a Willis no le gusta Die Hard 2, y tiene que ver con un desacuerdo fundamental sobre cómo debería haberlo interpretado John McClane.

Bruce Willis no es fanático de Duro de matar 2

Die Hard 2 sigue a John McClane, ahora teniente de la policía de Los Ángeles, que se enfrenta a una banda de terroristas completamente nueva mientras está atrapado en el aeropuerto Dulles de Washington, D.C. Para ser justos con sus críticos, la película es una nueva versión de la primera película, sólo que ambientada en un aeropuerto y no en un rascacielos. Pero “Die Hard” fue genial, así que debes preguntarte ¿qué hay de malo en más de lo mismo? Sin embargo, para Bruce Willis, esa fue la forma absolutamente equivocada de abordar la secuela, al menos según Renny Harlin.

En 2022 el director habló con imperio Sobre la realización de “Die Hard 2”, se reveló en un momento que Willis se unió al proyecto con la ambición de hacer de MacLaine un personaje más consistente. Como explicó Harlin, Willis pasó de “estrella de televisión a estrella de cine de la noche a la mañana” gracias al éxito de la película original “Die Hard”, y esta rápida transformación parece haberle dado al actor un sentido de propiedad sobre su personaje. Harlin afirmó que Welles “tuvo la idea desde el principio de que ahora quería interpretar a John McClane completamente heterosexual y que esta película tenía que ser seria”. Por supuesto, nadie ve “Duro de matar” por su naturalismo, un punto que Harlin parece entender mejor que su estrella. El director continuó:

“Le dije: 'Este no es el John McClane que el público ama. Ahora sienten que eres su amigo y no quieren perder a su amigo'”. Tuvimos un gran desacuerdo sobre esto. Dijo: “Esos comentarios graciosos… son una tontería cuando la vida está en juego, no se pueden decir ese tipo de cosas”. Dije: Sí, no en la vida real, pero esto es una película. Morir duro“.”

El desacuerdo llevó a una reunión entre Willis, Harleen y el productor Joel Silver, donde el trío decidió que Willis podría decir líneas a su manera tantas veces como quisiera. Pero también tenía que darle a Harlen al menos una versión humorística del material. “Lo hizo de mala gana, no muy felizmente”, dijo el director, quien hizo cada momento hilarante en el clip final. Este choque constante entre director y actor conduce a un momento particular en el que Willis casi se sale con la suya al esquivar por completo una de las mejores líneas de “Die Hard 2”.

Bruce Willis hizo solo una toma de la línea clásica de Die Hard 2

Bruce Willis no fue el único que no estaba seguro del contenido de la secuela de Duro de matar. 20th Century Fox (ahora 20th Century Studios Adquisición de Fox por parte de Disney en 2019) originalmente Quería sustituir el gran accidente de un avión de pasajeros en “Die Hard 2” por un accidente de avión de UPSantes de que las audiencias de prueba los disuadieran de esa idea. Desafortunadamente para Renny Harlin, nada pareció hacer que Willis perdiera su fe en el más firme John Maclean. Cuando se le pidió que recordara un momento particularmente difícil del set de “Die Hard 2”, Harlin reveló que Bruce Willis casi se salió con la suya al no decir una de las mejores frases de la película. Esto ocurre cuando McLean le pide a un representante de la aerolínea que use su máquina de fax, solo para que la mujer sugiera que se reúnan después de su turno. Entonces John mostró su anillo de bodas y dijo: “Sólo el fax, señora. Sólo el fax”.

Según Harlin, el disparo de este golpe fue “extremadamente doloroso”, ya que Willis parece haber sido particularmente inflexible acerca de su postura más seria sobre MacLean:

“Bruce lo odia [line]. “Esto es tan cursi y estúpido”, dijo. Me niego a decir eso. Pasó una hora allí en la mesa suplicándole a él y a Joel [Silver] Involúcrate para que lo diga una vez, en 15 tomas. Pero él está en la película y la gente lo ama”.

Harlen también explicó que la frase iba más allá de simplemente mantener el sentido del humor de MacLaine de “Duro de matar”, y señaló que “demuestra que se preocupa por su esposa. Lo convierte en una persona realmente respetable y respetable”. No hay duda de que el carisma de MacLaine y su atractivo común fueron cruciales para el éxito de las primeras películas de “Duro de matar”, y ciertamente parece extraño que Willis quisiera bajar el tono en la película. Pero para ser justos, estos son sólo los recuerdos de Harleen sobre el rodaje, y lejos de restar importancia a la calidad de “Die Hard 2”, Willis realmente no dio su versión de las cosas. De cualquier manera, Harlen ganó al final. La secuela de 1990 terminó recreando el tono del original y, a pesar de lo que dicen los críticos, sigue siendo una de las mejores de la serie, incluso si inspiró un flujo interminable de imitaciones en streaming durante las próximas décadas.



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¿Por qué Jack Nicholson se negó a ser Hades en la película de Disney Hércules?

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Hay algunos personajes de Disney que no podrían tener otra voz que la que siempre hemos escuchado. Nadie se adapta mejor a Woody que los tonos frenéticos y melancólicos de Tom Hanks, así como nadie puede calentar nuestros corazones cantando “La Bella y la Bestia” como Angela Lansbury como la Sra. Potts. (Disculpas, Emma Thompson.) Pero en el caso de James Woods como Hades, el señor del inframundo en “Hércules”, la idea de que Jack Nicholson lo resucitara habría sido interesante y (admítelo) mejor. alternativa potencial. Disney no tenía el dólar para ello.

de acuerdo a Un lugar para reírDisney se acercó a Jack Nicholson para ser parte de la historia de Demigod por sugerencia de Danny DeVito. Los directores Ron Clements y John Musker se reunieron con DeVito para el papel de Filoctetes, el entrenador del héroe y mejor amigo de Hércules (Roger Bart). Aunque DeVito inicialmente no estaba interesado en el papel, su sugerencia de Hades encajaba bien con el proyecto, lo que llevó a Nicholson a visitar la Casa del Ratón y hablar de negocios, e incluso llevó a su hija disfrazada de Blancanieves al viaje. En ese momento, el ganador del Oscar estaba en la fiesta, pero no se pudo determinar el precio por unirse a la próxima gran película de Disney. La oferta inicial para el papel de Hades era de 500.000 dólares, pero en cuanto a Nicholson, apenas estaban calentando.

Jack Nicholson quería millones para interpretar a Hades en Hércules

Es comprensible que cuando llegas a ser tan grande como Jack Nicholson, no sorprende que el precio de venta sea más alto que el de la mayoría de las personas para unirse al proyecto. Desafortunadamente, incluso para Disney, la estrella tenía mayor demanda que “Hércules”. Nicholson quería entre 10 y 15 millones de dólares por el papel de Hades, más el 50% por cualquier pieza de mercancía que tuviera estampado al villano de capa y espada. Se hizo una contraoferta que lamentablemente no cumplía con los estándares de Nicholson, lo que dejó al actor ceder el papel, que finalmente recayó en James Woods.

Jack Nicholson aplicando algunos extras inteligentes a las grandes películas no era nada nuevo en ese momento. Es una pena, realmente: en otra línea de tiempo, hay muchas posibilidades de que “Hércules” hubiera tenido una recepción mucho mayor con el nombre de Nicholson en el sello. Es posible que haya replicado el mismo nivel de éxito que cuando Robin Williams explotó de una lámpara como el Genio en “Aladdin” (Williams incluso hizo una imitación de Jack en la película). Al final mientras “Hércules” puede ser una película defectuosaEl tiempo ha sido amable con él a lo largo de los años. que solo Fuera del top 20 hoy Nuestra lista de las mejores películas animadas de Disney de todos los tiemposlo que explica por qué A Nueva versión en vivo de “Hércules” Ha estado en proceso por algún tiempo. Pero cuando llegó el momento de negociar con Jack Nicholson, el estudio no pudo seguir adelante.



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Stephen King se negó a aparecer en un episodio de Los Simpson que le rindió homenaje

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Cuando llegó el momento de que “Los Simpson” hiciera un spin-off de “La casa del árbol del terror” en torno a “It”, el libro de Stephen King lleno de payasos que recientemente se convirtió en una adaptación cinematográfica de dos partes, decidieron cambiar un poco las cosas. . Hicieron que el episodio del clip durara más, lo que les dio tiempo suficiente para hacer justicia a la historia. El grupo de amigos de siete personas del material original se ha transformado en un grupo de amigos de cinco personas: Homer, Marge, Moe, Lenny y Comic Book Guy. El triángulo amoroso entre Bill, Beverly y Ben se convierte en el foco principal de la historia, esta vez con Homer y el chico del cómic peleando por Marge.

El episodio “Not It” fue un gran éxito y atrajo a muchos espectadores que habían desconectado las temporadas posteriores a la Edad de Oro de la serie. También fue un gran éxito entre los fanáticos de Stephen King, especialmente porque la serie “La casa del árbol del terror” siempre ha sido sorprendentemente ligera en cuanto a parodias de películas basadas en King. Claro, el programa hizo un segmento sobre “The Shining” en la temporada 5 y un segmento sobre “The Dead Zone” en la temporada 15, pero eso fue todo. Teniendo en cuenta la cantidad de parodias de “Twilight Zone”. Ella nos dio episodios de Halloween.Es extraño que hayan utilizado a Stephen King con moderación.

También es un poco extraño cómo Stephen King tuvo la oportunidad de hacer un cameo para la última parodia del trabajo de King, pero lo rechazó. “[He] “Me negué a involucrarme en esto”, dijo el showrunner Matt Selman. En una entrevista de 2022. “No creo que lo sea; algunos de estos autores no entienden que tienen todo el poder. Él es la marca. Debería saberlo; es Stephen King. Muy creativo. Ni siquiera creo que lo sea. Tendré tiempo para leer todos los libros que ha escrito en el resto de mi vida, y mucho menos… Una persona escribe todos esos libros”.

Stephen King había protagonizado anteriormente Los Simpson

Quizás una de las razones por las que King no tiene interés en Not It es que ya apareció antes en Los Simpson. En el episodio de 2000, “Insane Clown Poppy”, King se expresa a sí mismo en una feria del libro. Marge le pregunta en qué proyecto está trabajando ahora y King dice que decidió tomarse un descanso del género de terror. “Estoy trabajando en una biografía de Benjamín Franklin”, dice. “Descubrió la electricidad y la usó para torturar a los animales pequeños y a los hombres de la Montaña Verde… ¿y esa llave que ató al final de la cometa? ¡Abrió las puertas del infierno!”

Como persona, admitió que no era un fan. King protagoniza su innovadora película “It: Part Two”.Al volver a verlo, me sorprendió gratamente ver lo bien que expresó sus líneas en “Los Simpson”. Sin embargo, el chiste divertido aquí ni siquiera es nada de lo que dice King; Entonces, cuando Marge le dice: “Dime cuando vuelvas a sentir horror”, King felizmente escribe una nota que dice: “Llama a Marge y responde: horror”. ¿Cómo podría King saber el nombre de Marge si ella nunca se presentó? Esta es la parte realmente aterradora aquí.

Trágicamente, “Insane Clown Poppy” no fue un episodio muy querido. Ha sido criticado por no ser divertido y tener poca energía y también por ser un poco vago con todas las apariciones de invitados. La tendencia de este programa a Rápida aparición de celebridades. Siempre ha habido una mezcla de cosas entre el fandom, y “Insane Clown Poppy” es un gran ejemplo de por qué es así.

Stephen King probablemente no quería protagonizar “Not It” porque no estaba impresionado con los resultados de su primera vez trabajando en el programa. O tal vez simplemente se negó porque estaba ocupado; Es difícil saberlo con seguridad. pero con Muchos de los libros y películas de Stephen King podrían usarse para segmentos de “La casa del árbol del terror”.es poco probable que “Not It” sea la última vez que el programa lo llame.



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El éxito de taquilla de ciencia ficción fue tal que Quentin Tarantino se negó a dirigirla

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Para muchos cinéfilos, existe cine anterior a Tarantino y posterior a Tarantino. Antes de Reservoir Dogs, las películas no podían ser tan descaradamente autorreferenciales como para que los personajes hablaran de la cultura pop como si fueran los niños más inteligentes de su círculo de amigos. Para aquellos de nosotros que comíamos películas, música, libros y demás como una gran pizza elegante, los primeros Tarantino confirmaron nuestra constancia; Sus éxitos nos han permitido contar historias a través de nuestro propio lenguaje de referencia. Parece una tontería ahora, pero nadie se sale del guión como Danielle Waters Shane Black se atrevió a escribir de esta manera.

En algún momento entre los capítulos de “Kill Bill”.Hollywood empezó a preguntarse si el estilo cinematográfico de Tarantino había rozado la autoparodia. Si se tienen en cuenta los innumerables aspirantes a Tarantino que comenzaron a surgir a mediados de los años 90, parecía que lo más audaz que podía hacer un director era producir un drama sencillo y de prestigio. Pero el hecho de que otros cineastas hayan diluido su marca no significa que Tarantino haya tenido que abandonarla por completo. En todo caso, imitaciones descoloridas como “Love and a.45” y “Lucky Number Slevin” mostraron la calidad única de su voz.

de realmente ¿Quería Tarantino hacer películas que se parecieran a cualquier otra película de género clásica? Vaya, la gente cuyo trabajo era hacer películas sencillas: los estudios de Hollywood. Antes de que Tarantino explicara que no era un inquilino, la fábrica de sueños intentó atraparlo en una pesadilla de similitudes.

A Tarantino le ofrecieron la película “Hombres de negro”.

En una entrevista de 1997 con The New York TimesTarantino reveló que recibió ofertas de estudios que asumieron erróneamente que lo que realmente quería era dirigir el trabajo de otras personas. Por supuesto, si hubiera adoptado este enfoque para trabajar, probablemente le habría funcionado. Según Tarantino:

“Después de Reservoir Dogs, recibí un montón de ofertas de actores de productoras. Me ofrecieron algunas cosas. Originalmente se suponía que sería una película de acción independiente. Es difícil de creer. .” Ahora, pero usaron “Reservoir Dogs” y “Bad Lieutenant” como ejemplos de la dirección en la que se dirigían.

Bueno, tal vez esta versión de “Speed” no habría recaudado 350 millones de dólares en todo el mundo. Como la maravillosa película de Jan de Bont de 1994.. Pero si a Tarantino sólo le hubiera importado la taquilla, la película que se escapó habría sido la comedia de ciencia ficción que se apoderó del verano de 1997. Según Tarantino, “[T]La otra gran película que me ofrecieron fue “Hombres de negro”. “Nunca lo leí”.

Si lo fuera, la respuesta seguramente sería el mismo rotundo “no”. Puede que Hombres de Negro fuera el tipo de película que Tarantino disfrutaría en el cine, pero quería adaptar este guión a sus propias sensibilidades, que no son exactamente cuatro cuartos. (Ajustada por inflación, la película más taquillera de Tarantino en todo el mundo es “Django Desencadenado”, con 586 millones de dólares; “Hombres de Negro” habría recaudado 1.200 millones de dólares si se hubiera estrenado hoy.) En cambio, Tarantino dirigió su mejor película hasta el momento en 1997. Jackie Brown. Todos ganan porque preferirías ser el único vivo que pueda hacer películas de Tarantino. el hace Películas de Tarantino.



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¿Por qué Tina Louise se negó una vez a filmar la escena de la isla de Gilligan?

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El estereotipo del actor como cantante es exagerado. La mayoría de los actores son absolutamente profesionales y, en ocasiones, caen presa de un ataque de mal humor o de un sentimiento de no ser apreciados; es decir, son como todos los demás en el planeta. La mayoría de las veces, quieren hacer aquello para lo que fueron contratados: memorizar sus líneas, estudiar su carácter (tanto como haya carácter que estudiar), obtener sus calificaciones, básicamente ser lo mejor que puedan ser y llamarlo un día. Preferirían no ser miserables, lo que significa que no quieren hacerle la vida imposible a nadie más.

Pero este estereotipo no surgió de la nada. No es un invento de tela. No, estoy aquí para decirte que los monstruos son reales. De hecho, Marlon Brando se negó a memorizar sus líneas en un momento de su carrera, prefiriendo ensuciar el set con trozos de papel (a veces pegados a otros actores) para poder descifrarlos a medida que avanzaba en el proceso de bloqueo (no estaba muy preparado). para “Apocalypse Now” (tanto es así que Francis Ford Coppola tuvo que detener la producción durante una semana y hablarle personalmente sobre su papel). Nicol Williamson se sumergió tanto en interpretar el papel de John Barrymore durante la producción de Broadway de “I Hate Hamlet” que golpeó a su coprotagonista Evan Handler en el trasero con su espada. Luego está el último trabajo de Joaquin Phoenix, El sorprendente abandono de la última película de Todd Haynes – Un proyecto que la estrella desarrolló con el director, cuya partida dejó repentinamente a todo el elenco y equipo sin trabajo.

¿Era el desconocido paraíso tropical de la isla de Gilligan un refugio seguro contra tal comportamiento? Así no, no. No con Tina Louise.

Tina Louise y el secreto del vestidor gris

Según Russell Johnson en sus memorias “Aquí en la isla de Gilligan” Hubo algunos momentos difíciles en el set de la clásica comedia de situación, que en ocasiones requirieron la intervención del showrunner Sherwood Schwartz. Una de esas rupturas menores involucró a Louise, quien tal vez tomó una página del libro de Williamson, profundizando un poco más en el personaje como la estrella de cine mimada Ginger (Que técnicamente no creaste). Según Schwartz, Louise puede tener pensamientos un poco vagos. Tenga esto en cuenta cuando cuente esta historia:

“Una vez, Tina se negó a hacer una escena, por qué razón no sé. Tuve que intervenir para que todo siguiera funcionando. Así que fui a su camerino, donde ella se había aislado, y le pregunté cuál era el ¿Importa? El problema fue que ella me dijo: 'Esta puta escena, y no quiero hacer eso'. Le señalé que era una escena completa y que debía hacerla sin ritmo, y ella me dijo: '¿Puedes pintar el vestidor de gris?'

¿Qué pasó aquí? Al parecer esto es suficiente para que Louise se sienta escuchada sobre la escena. Se puso frente a las cámaras y filmó su papel como una profesional total: conocía sus líneas, no golpeó a nadie y respetó su contrato. distinto.



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Unai Emery: al Aston Villa se le negó un 'penalti claro' en la derrota del Liverpool

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Unai Emery dice Villa Aston Se les negó un “claro penalti” en la derrota del equipo por 2-0 ante Liverpool.

Villa tuvo dos apelaciones de penalti rechazadas por el árbitro David Coote y Emery insistió en que el defensor le había quitado la camiseta a Pau Torres. Connor Bradley En la segunda mitad.

Bradley parecía estar agarrando la camiseta de Torres mientras marcaba un tiro libre, pero Coote y luego el árbitro asistente de video Paul Tierney desestimaron las protestas de los jugadores de Villa.

Si bien la posible falta sobre Torres fue el mayor obstáculo para Villa, Olivia Watkins Cayó al suelo tras un desafío de Ibrahima Konate Dentro del área, pero no se concedió penalti.

“Con el VAR, Ollie Watkins y… pau torres“Para mí fue un penalti claro porque le quitaron la camiseta a Pau Torres”, afirmó Emery en su rueda de prensa posterior al partido.

“Sé que esto es un penalti en Europa, pero aquí en Inglaterra no usarán el VAR. En este caso fue claro, pero siempre respeto y acepto la decisión del VAR, pero para mí, con el VAR, es un penalti claro. Fue un momento muy importante del partido porque si hubiésemos lanzado el penalti, el partido podría haber sido diferente.

“Acepto el resultado y la decisión del árbitro. No estoy de acuerdo.”

La derrota por 2-0 fue la primera vez desde mayo de 2023 que Villa perdió partidos ligueros consecutivos y marcó cuatro derrotas consecutivas en todas las competiciones. Sin embargo, Emery cree que Villa “va en la dirección correcta”.

“Hoy recibimos dos períodos de transición y sabíamos que ellos son fuertes en las transiciones con los jugadores que tienen”, dijo. “Pero en los 90 minutos tengo confianza en la forma en que jugamos y en cómo algunos jugadores están mejorando gradualmente. Porque creo que estamos en el camino correcto”.

Villa vuelve a la acción ante Palacio de Cristal El 23 de noviembre tras el parón internacional.

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Resumen: Liverpool 2 Aston Villa 0: las estrellas Salah y Kelleher hacen salvadas clave mientras el equipo de Slot lidera por cinco puntos

(Paul Ellis/AFP vía Getty Images)

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¿Por qué Patrick Warburton se negó a protagonizar un solo episodio de Padre de familia?

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Joe Swanson (Patrick Warburton) es uno de los cuatro “mejores amigos” principales. La comedia animada de muertos vivientes de Seth MacFarlane “Padre de familia”. Swanson, junto con el tonto Peter (MacFarlane), el lacónico Cleveland (Mike Henry, luego Arif Zahir) y el pervertido Quagmire (también MacFarlane) se reúnen regularmente para tomar unas copas en su bar favorito de Rhode Island, el Drunken Clam, e intercambiar historias. De sus malas decisiones y victorias empresariales. Profesionalmente, Swanson es el más capaz, ya que ha sido policía durante muchos años. Tiene una hermosa mandíbula cuadrada y hombros enormes, y es feliz con su esposa, Bonnie (Jennifer Tilly).

En un raro caso de buena actuación, Swanson está confinado a una silla de ruedas, lo que lo convierte en uno de los pocos personajes habituales con discapacidad en la televisión convencional. A menudo se le considera físicamente hábil y capaz de enfrentarse a criminales con mayor habilidad que sus homólogos más capaces. Sin embargo, el “Padre de familia” es conocido por su sentido del humor agresivo y de mal gusto, y ocasionalmente hace bromas a expensas de Joe. de hecho, Un estudio de 2017 encontró que La discapacidad de Joe Swanson fue objeto de burla abiertamente en el 15% de sus apariciones. Durante las primeras quince temporadas de Padre de familia.

Warburton, que no está discapacitado, se da cuenta de que Padre de familia está jugando al límite, habiendo conseguido su audiencia masiva con un estilo de humor ruidoso y deliberadamente ofensivo. Desempeña su papel con dignidad y se da cuenta de que muchos de los chistes jugosos pueden no encajar bien con su sensibilidad personal. Uno no puede trabajar en Padre de familia si le importa que lo insulten.

pero en Entrevista 2019 con Espía DigitalWarburton recuerda que Seth MacFarlane “cruzó la línea” varias veces. Hubo un caso en el que MacFarlane escribió un chiste que le pareció tan insoportablemente de mal gusto que se negó a participar en el episodio. Ni siquiera era una de las aerolíneas de Joe. Simplemente odiaba la máscara.

Un chiste de “Padre de familia” que Patrick Warburton encontró ofensivo

Warburton no compartió con tacto, pero también de manera frustrante, el chiste en cuestión, ni siquiera el episodio del que surgió, más allá de decir que era de naturaleza religiosa. Vale la pena señalar que Warburton es un cristiano y político conservador de toda la vida, mientras que su madre es miembro del grupo ultraconservador de vigilancia de los medios Parents Television Council.. Por extraño que parezca, el programa de Warburton suele ser el objetivo del grupo de su madre. Sin embargo, Warburton encontró inaceptable el chiste de “Padre de familia” sobre la crucifixión. El actor dijo:

“Hubo un episodio… esto sólo ocurrió una vez en los 20 años que duró el programa, fue tan ofensivo que no puedo volver a hacerlo ahora. […] Se trataba de Cristo en la cruz, pero no tenía humor y era muy ofensivo. No era la frase de Joe, pero dije: 'Chicos, no puedo estar en este episodio si esa frase está ahí'. “Es un asunto personal”. Sé para qué me inscribí. Me inscribí en un programa realmente ofensivo que es satírico y hay diferentes reglas que rigen la sátira; “Allí, por lo que se salieron con la suya”.

Warburton ciertamente no estaba a oscuras sobre su trabajo, y probablemente se rió mucho recitando algunas de las líneas de diálogo más extrañas y ofensivas del programa, pero presionar al cristianismo de la manera que MacFarlane quería no era algo en lo que quisiera involucrarse. con. Cabe señalar que MacFarlane es un ateo declarado y un crítico abierto del pensamiento religioso moderno, refiriéndose a Dios como “el hombre invisible que vive en el cielo”. Se podría suponer que McFarlane Su objetivo es fomentar deliberadamente las instituciones religiosas. Con broma de acero de mal gusto.

Uno se pregunta cuantas veces El escritor y actor habló sobre religión..

Patrick Warburton se preguntó por qué tenían que hacer el chiste en primer lugar.

Cabe señalar también que “Padre de familia” hacía chistes bufonescos. Acerca de Jesucristo Todo el tiempo. En ocasiones, Jesús parece estar siendo ridiculizado y los personajes señalan la hipocresía de algunos grupos cristianos modernos, mientras que en otras ocasiones, Jesús está presente como un baluarte moral, a menudo señalando los legítimos defectos morales de alguien tan insensible como Peter Griffin.

Warburton se sintió ofendido por el chiste sobre el acero, pero también le preocupaba su calidad. Parece que contar muchos chistes ofensivos puede reducir su impacto con el tiempo. Él dijo:

'Estoy de acuerdo con ellos y no me interpondré en su camino, pero ellos dicen: 'Esta línea nunca cruzará los estándares de la práctica' y yo digo: 'Bueno, ¿por qué debería haber un 'lugar al principio'? Saben que soy un jugador de equipo, pero creo que todos nos preguntamos si alguna vez tuvimos una línea donde dijera: “Si haces eso en el programa, no es gracioso, pero es muy ofensivo para cualquier cristiano”.

Warburton también quiso agregar que esta fue la única vez en 20 años de producción que sintió que MacFarlane cruzó la línea. “En 20 años, sólo ha habido un episodio”, dijo. “Tenemos excelentes contactos todo el tiempo. Todos son geniales y te escuchan”. Teniendo en cuenta que el cristiano conservador fue insultado sólo una vez en los veinte años de historia de “Padre de familia”, se podría decir que MacFarlane, cualquiera que fuera su crudo sentido del humor, a menudo actuó limpio.


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Robert Beltran se negó a regresar como Chakotay en This Star Trek: The Picard Story

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Aunque “Star Trek: Voyager” concluyó en 2001, varios personajes de la serie han regresado a lo largo de la serie para recordarles a los Trekkies que todavía están presentes y siguen carreras en la Flota Estelar. Seven of Nine (Jeri Ryan) y Tuvok (Tim Russ) aparecieron en Star Trek: Picard, y el primero desempeñó un papel regular en la serie. “Star Trek: Lower Decks”, con muchas referencias, hace referencias a “Voyager” en todo momento, e incluso tuvo un episodio ambientado a bordo del USS Voyager.

En particular, la capitana Janeway (Kate Mulgrew) no sólo tuvo un cameo en la película de 2002 “Star Trek: Nemesis”, sino que una versión en 3D del personaje jugó un papel importante en la serie animada “Star Trek: Prodigy”. Este mismo programa también presentó a la verdadera Janeway, el Doctor (Robert Picardo), así como una trama secundaria que involucra a Chakotay (Robert Beltran), capitán del barco experimental USS Protostar. Los trekkies pueden decirle que Chakotay fue el primer oficial a bordo del USS Enterprise ese día, pero también pertenecía a un grupo de resistencia llamado Maquis que tenía como objetivo derrocar a la Federación. A los macanos no les gustaban las frecuentes negociaciones de la Unión con sus enemigos y, a menudo, perdieron sus hogares en tratados precipitados.

Chakotay era una persona amable y práctica, que a menudo consolaba a sus compañeros de trabajo. Era heroico y meditaba con regularidad. Chakotay también dio una buena representación de las Primeras Naciones, aunque esto se reveló más tarde. El asesor nativo americano de “Voyager” se estaba inventando todo.

Beltrán habló con TrekMovie en 2023El actor reveló que tiene la oportunidad de interpretar el papel de Chakotay. En dos episodios de “Star Trek: Picard”.“Pero rechazó el trabajo porque no le resultaba atractivo.

“Expiación” y “Asimilación”

Los episodios en cuestión fueron “Expiación”. y “asimilación” (10 y 17 de marzo de 2022), que abre la historia de la segunda temporada de “Star Trek: Picard”. Beltrán fue vago cuando anunció la oferta en su cuenta de Twitter y escribió:

“Me ofrecieron un episodio (primeros dos, luego uno) de 'Picard', pero simplemente no me gustó lo que escribieron para Chakotay, así que los rechacé. No entraré en detalles, pero no tengo animosidad. hacia los productores de 'Picard'”, ofrece. “Star Trek: Prodigy” es un personaje de Chakotay que me entusiasma.

Los episodios específicos solo se revelaron después de que TrekMovie se comunicara con el director de “Picard”, Terry Matalas. Matalas, quien también coescribió “Atonement”, señaló que se suponía que Chakotay aparecería como una versión alternativa “malvada” de sí mismo en un universo paralelo. De hecho, serviría brevemente como el antagonista central de la serie, lanzando miradas sospechosas a los buenos personajes del universo “bueno”.

La temporada 2 de “Picard”, para aquellos que no están familiarizados, comenzó con Q (John de Lancie) enviando a Picard (Patrick Stewart) a una línea temporal alternativa donde la Tierra se había convertido en una fuerza fascista y genocida en la galaxia, habiendo eliminado múltiples especies. Picard, Seven of Nine y varios más tendrán que ocupar las vidas de sus homólogos asesinos durante un breve tiempo. Seven se encontró en una posición particularmente difícil, ya que de repente se convirtió en la malvada jefa de la Tierra y tuvo que lidiar con el hecho de que su contraparte lideraba los asesinatos y ejecuciones.

La idea original era que Chakotay apareciera en la línea temporal alternativa como el malvado y fascista marido de Siete de los Nueve. Esto habría tenido sentido en la serie Star Trek, ya que Chakotay y Seven compartieron un breve romance en la séptima temporada de Star Trek: Voyager.

John John Briones asumió el papel

La idea de “expiación” y “asimilación” era que el marido de Seven fuera el primer juez de la tierra, conocida como la unión. Los Matala habían querido ver a Beltrán en el papel, pero tuvieron que reescribir el papel cuando él se negó. El marido fascista del universo alternativo de Seven es un nuevo personaje interpretado por Jun Jun Briones, quien apareció en Ratched y American Horror Story: Apocalypse. Briones, casualmente, es el padre de Issa Briones, quien desempeñó múltiples papeles a lo largo de las dos primeras temporadas de “Star Trek: Picard”. Dahj, Soji y Sutra estuvieron en la primera temporada y Corey en la segunda.

Habría sido apropiado tener a Chakotay en el papel, ya que el episodio final de “Voyager” tuvo lugar en el futuro, donde la pareja se casó. Sin embargo, ese episodio fue borrado de la línea de tiempo cuando Janeway comenzó a jugar con los viajes en el tiempo. También en “Picard”, se reveló que Seven se había enamorado de Ravi (Michelle Hurd) y que ella estaba tratando de reparar su amistad después de una mala ruptura. La introducción de Chakotay en la serie probablemente añadió mucho dinamismo de telenovela al drama. Seven y Raffi pueden resolver sus problemas por su cuenta sin tener que involucrar al exnovio de Seven.

También está claro que a Beltrán le gustó la idea de que Chakotay se mantuviera fuerte, tranquilo y autoritario. La versión malvada del personaje no era algo que le interesara al actor. Afortunadamente, la versión heroica y “principal” del personaje tenía mucho que decir y hacer. En la segunda temporada de “Prodigy” Así que los fans de “Voyager” no se verán privados de ver una cara familiar.


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La verdadera razón por la que Walt Disney se negó a hacer secuelas de sus películas animadas

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El primer largometraje estrenado por Walt Disney Animation fue, como todo el mundo sabe, “Blancanieves y los siete enanitos” de David Hand en 1937. El propio Walt Disney, por supuesto, había estado trabajando en animación durante más de 15 años en ese momento, habiendo fundado Laugh-O-Gram Studios en 1921. Fue en ese estudio donde Disney desarrolló su gusto por los cuentos de hadas antiguos, realizando cortometrajes. películas. Inspirado en “Caperucita Roja”, “Jack y las habichuelas mágicas”, “Ricitos de oro y los tres osos”, “Cenicienta” y “Alicia en el país de las maravillas”. Esta última película fue el material de una larga serie de comedias de Alicia que lanzaron Walt Disney Productions en 1923. Las primeras 56 películas de Disney fueron comedias de Alicia. Antes de pasar a Oswald, el conejo de la suerte.También le hizo partituras. En 1928 debutó con Mickey Mouse y el resto es historia.

Cuando se trata de cortometrajes, Disney claramente no ha tenido problemas para seguir el modelo tradicional de reutilizar personajes. Mickey se volvió tan omnipresente como Oswald y Alice, y el personaje finalmente se convirtió en el rostro de la empresa.

Pero en 1933, la posición de Disney cambió. Según la autobiografía de Neal Gabler “Walt Disney: El triunfo de la imaginación americana” Disney quedó impresionado por el inesperado éxito del cortometraje “Los tres cerditos”, una de las muchas sinfonías del estudio. “Three Little Pigs” fue uno de los proyectos más arriesgados e innovadores del estudio, y Disney se detuvo a mirarlo. Parece que los animadores estaban listos para hacer más cortos de “Los tres cerditos”, pero Disney no lo consideró apropiado. Su famosa frase fue: “No se pueden poner cerdos encima de cerdos”, que se convirtió en un eslogan en la oficina para fomentar la innovación.

Esta actitud se extendió a sus largometrajes en 1937. Disney podría haber hecho múltiples secuelas de “Blancanieves”, pero no quería eclipsar a “Nieve con nieve”. Como tal, Disney nunca ha realizado secuelas de sus películas animadas.

“No se puede superar a los cerdos en cuanto a filosofía porcina”, explicó Walt Disney.

Por supuesto, existen bastantes excepciones a esta regla. En 1942, el Departamento de Estado de Estados Unidos encargó a Disney la producción de algunas películas como parte de su nueva política de “Buen Vecino”. Comenzó con una película antológica llamada “Saludos Amigos”, protagonizada por el Pato Donald (Clarence Nash), y la película fue un gran éxito en Estados Unidos e internacionalmente. Esto llevó a Misión secundaria para la película “Los Tres Caballeros”, También protagonizada por el Pato Donald, cuenta con el regreso del loro José Carioca (Ze Carioca).

Disney también pasó suavemente de los cortometrajes a los largometrajes, con muchas películas de estilo antológico a lo largo de la década de 1940. Aunque no están relacionados, se puede ver una línea creativa entre “Fantasia”, “Make Mine Music”, “Fun and Fancy Free” y “Melody Time”. Por supuesto, también durante la década de 1940, Disney también amplió su interés por los cuentos de hadas y los cuentos infantiles hacia adaptaciones cinematográficas de “Pinocho”, “Bambi” y “Dumbo”, todas las cuales fueron grandes éxitos. En la década de 1950, Disney aceleró con adaptaciones de “Cenicienta”, “Peter Pan”, “Alicia en el país de las maravillas” y muchas otras películas que aún hoy se reestrenan y cuya iconografía se explota sin cesar para proyectos de parques temáticos. . Entretenimiento.

Disney se ha asegurado de que no se harán secuelas ni seguimientos de ninguna de estas películas. Walt Disney mantuvo constante la regla de “cerdos con cerdos” durante décadas, y continuó hasta después de su muerte en 1966. La creatividad era la clave. No había ninguna razón para que los cerdos tuvieran más cerdos. Cerdos mayores con algo nuevo.

Aunque la mayoría de sus películas fueron adaptaciones de literatura clásica, todavía favorecía la innovación visual a la hora de crear animación. El estudio, incluso después de la muerte de Walt, continuó con su enfoque, siguiendo de cerca el mandato de los cerdos.

No sería hasta “DuckTales the Movie: Treasure of the Lost Lamp” de 1990 que Disney Animation Studios dio seguimiento a propiedades anteriores de Disney. No habría una secuela teatral de la película animada de Disney hasta “The Rescuers Down Under” ese mismo año.

¿Cuál fue la última película animada de Walt Disney antes de su muerte?

La última película en la que trabajó Disney inmediatamente antes de su muerte fue La espada en la piedra, una leyenda artúrica. Esta película se estrenó en 1963. Se apartó de las películas de cuentos de hadas “Cenicienta” y “La Bella Durmiente”, ya que sigue a una joven protagonista que se encuentra con situaciones fantásticas. Fue suelto y cómico, aunque no fue exactamente divertido. Se puede ver que Merlín sirvió de inspiración para el Genio en la película de 1992 “Aladdin”.

En 1966, justo antes de su muerte, Disney señaló que hacer una secuela no significaba, en el sentido alejandrino, ningún nuevo territorio que conquistar. Se negó a descansar en secuelas y dinero fácil.

Después de la muerte de Disney, el estudio se alejó muy rápidamente de su mandato de no realizar secuelas. A finales de los años 1960 y a lo largo de los años 1970, hubo varias secuelas de “The Love Bug”, Varias películas ambientadas en Medfield College y protagonizadas por Kurt RussellE incluso dos películas de “Shaggy Dog”.

¿Qué pasó? Disney Studios parece estar pasado de moda y moribundos. Una mirada al panorama cinematográfico de finales de los años 1960 y 1970 revela una nueva generación de cineastas que hacían películas para adultos sobre temas oscuros e intensos. Es difícil vender cuentos de fantasía sobre animales que hablan en un mundo cada vez más atraído por películas como “Midnight Cowboy”, “Five Easy Pieces” y “Easy Rider”. Parecía que Disney Studios tenía que volver a lo que le era familiar para ganar dinero, y las secuelas parecían el camino más obvio a seguir. También vale la pena señalar que Roy O. Disney, el sobrino de Walt, supervisaba el estudio y renunció en 1977, citando el continuo declive de la compañía.

Disney se mantuvo a flote innovando, creando la marca Touchstone en 1984 y avanzando hacia productos más para adultos. Parece que Disney ya no está en el negocio de la animación.

La primera película animada de Disney estrenada en cines se produjo años después de la muerte de Walt Disney.

A finales de los años 1980, Disney había sido casi completamente eliminado. Y sus películas animadas estaban bombardeando, Especialmente la película “El Caldero Negro” de 1985, Adaptado de la novela de Lloyd Alexander. La producción de The Black Cauldron costó 44 millones de dólares y solo recaudó 21 millones de dólares en taquilla. Se habló de cerrar el estudio por completo. No fue hasta que “La Sirenita” de Rob Clements y John Musker se convirtió en un gran éxito en 1989 que el estudio de animación se salvó más o menos. Esta es la razón por la que las películas animadas de Disney de principios de los años 1990 se conocen como el Renacimiento del estudio.

Como se mencionó anteriormente, en 1990 se produjeron dos series. “DuckTales the Movie: Treasure of the Lost Lamp” fue una adaptación teatral de la serie de televisión “DuckTales” de Disney de 1987, reciclando personajes de “Mickey's Christmas Carol”. En 1995, la compañía adaptó su serie “Goof Troop” a “A Goofy Movie”, una película protagonizada por el hombre perro titular y su angustiado hijo adolescente. Incluso “A Goofy Movie” eventualmente tendrá su propia secuela.

A muchos les gusta “The Rescuers Down Under”, la primera secuela teatral de una película animada de Disney. Esta película fue una continuación de la película de 1977 sobre dos ratones valientes (Zsa Zsa Gabor y Bob Newhart) que salvaron a personas necesitadas. La segunda parte los llevó a Australia donde salvaron a un niño y a varios animales inocentes de un malvado cazador. “Rescuers Down Under” no es de ninguna manera una mala película, pero marca la primera vez que Disney regresa al mundo de la animación y el teatro.

La página ha pasado oficialmente.

¿Por qué Disney sigue produciendo piezas nuevas ahora?

Mientras el estudio estaba en su apogeo, hubo algunos cambios dramáticos de personal detrás de escena que alejaron a Disney del mandato de Walt the Pigs. En 1994, el director del estudio, Frank Wells, murió en un accidente de helicóptero y el director ejecutivo, Jeffrey Katzenberg, dejó la empresa para fundar DreamWorks. Michael Ovitz asumió la presidencia en 1995 y anunció un nuevo mandato: ganar dinero. Eso fue todo. Disney ahora estaba en el negocio del dinero.

como, Una repentina afluencia de series animadas de Disney, la mayoría de ellas directas a video, llegó al mercado de inmediato.. Cualquiera que haya visto uno de los vídeos más taquilleros de finales de los 90 probablemente conozca las secuelas de Cenicienta, El Rey León, Aladdin, La dama y el vagabundo, Pocahontas, La Sirenita y muchas, muchas otras. Disney siempre ha sido agresiva en su marketing y cautelosa con su imagen, pero sus peores hábitos fueron los excesos bajo Ovitz. Fue presidente sólo dos años, pero el nuevo mandato duró más allá del suyo. La explotación de derechos de propiedad intelectual conocidos se convirtió en el pan de cada día de la empresa.

Este fue también un momento en el que la producción televisiva de Disney siguió creciendo y la marca aumentó. En el año 2000, se lanzó la marca Princesas Disney. Radio Disney ha llegado a las ondas AM. El estudio de animación se infiltró en Broadway durante la década de 1990 con adaptaciones teatrales de alto perfil de “La Bella y la Bestia” y “El Rey León”. La empresa pareció aliviada y salió lo más rápidamente posible de la crisis de los años 80.

Empresa hoy

Por supuesto, ha aumentado desde entonces. Disney compró propiedades existentes como The Muppets, Marvel y Star Wars, y también las explotó. Su estudio de animación continuó produciendo películas originales, pero muchas de ellas fueron fracasos (“Meet the Robinsons”, “Chicken Little” y “Bolt”). Disney ha causado un gran revuelo al regresar a su antigua fórmula de fantasía, logrando éxitos con “Tangled” y “Frozen” a principios de 2010. Por supuesto, el gran éxito de “Frozen” ha inspirado más imitación que innovación; “Frozen II” se estrenó en 2019.

Además, al no poder atraer a una amplia audiencia de niños jóvenes (tenían niñas vinculadas a su marca Princess), Disney solo compró superhéroes y naves espaciales. No es necesario hablar del Universo Cinematográfico de Marvel, su éxito y su desafortunado descenso hacia el estancamiento creativo. Quizás lo que dijimos sobre “Star Wars” fue mejor.

Y lo que más me duele, Disney recreó sus películas animadas utilizando CGI moderno Y/o actores en vivo, que revelan una mentalidad muy poco creativa y producen una larga serie de basura terrible. Disney hoy es más o menos lo contrario de lo que quería Walt.

Por supuesto, Walt no habría estado vivo para ver el declive de la empresa, así que quién puede decir que habría cumplido su mandato porcino en 1935. La empresa hizo lo que necesitaba para sobrevivir. Desafortunadamente, esto significó que el ratón tuvo que comerse su propia cola. Hoy en día, Disney es un estudio temible, un gigante del mercado que ofrece poca creatividad y mucha regurgitación. Puede que todavía tengan un gran éxito, pero también son el paradigma dominante que es necesario subvertir. Depende de los nuevos estudios entregar VERDADERO innovación.


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¿Por qué Jensen Ackles se negó a filmar una sola escena para la temporada 3 de The Boys?

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Hay bastantes personajes brutales en la serie de Prime Video “The Boys”, pero Soldier Boy, interpretado por Jensen Ackles, se encuentra sin duda entre los peores. Es un hombre misógino, intolerante y extremadamente odioso, con problemas de ira y grandes traumas, pero también es muy divertido de ver. Ackles es maravilloso y La temporada 3 le dio el centro de atención Mostrando su alcance y destreza cómica en una actuación deliciosamente loca. También lo emparejó con el showrunner de “Supernatural” Eric Kripke, quien se desempeña como showrunner en la serie de parodia de superhéroes, pero eso resultó un poco desafiante para Ackles porque Kripke sabía que realmente podía traspasar los límites.

Los Boys son conocidos por poner a prueba los límites del buen gusto (y a menudo… Hazlos pedazos en nombre de la sátira.), y mientras preparaba la temporada 3, Kripke tuvo una solicitud para Ackles que fue demasiado lejos. En entrevistas con Semanal de entretenimientoEl dúo compartió sus sentimientos sobre este intenso pero aparentemente amistoso desacuerdo creativo. Claramente, las cosas salieron bien, porque Ackles regresará para la quinta y última temporada de The Boys, pero no podemos evitar preguntarnos qué rechazó exactamente.

En entrevistas, el dúo explicó que solo hubo una escena que llevó las cosas más lejos, pero se negaron a dar más detalles sobre de qué se trataba. Según el dúo, Ackles llamó a Kripke después de leer sus guiones y le explicó que simplemente “no podía hacer esto” porque sentía que sería vergonzoso para él como hombre de familia “y como ser humano que se respeta a sí mismo”. Kripke continuó explicando que “llegaron a un compromiso en el que obtuve lo que necesitaba sin que él arruinara su alma”, lo que descarta el infame error. Un encuentro sexual entre Soldier Boy y Homelander (Anthony Starr). De los cómics que fueron eliminados por completo.

Ackles solo rechazó una escena

Soldier Boy hace muchas cosas terribles a lo largo de la temporada, incluidos flashbacks en los que lo vemos abusando de su novia Crimson Countess (Laurie Holden) y mutilando permanentemente a su compañero de equipo Black Noir (Nathan Mitchell) por atreverse a enfrentarlo, así que Es interesante intentar pensar en una versión diluida de la loca visión original de Kripke. Esperemos que no haya tenido nada que ver con agresión sexual, porque Kripke sí Empujé esos límites demasiado lejos Más de una vez.

En las mismas entrevistas, Karl Urban, quien interpreta al antihéroe principal convertido en villano Billy Butcher, dijo que el hecho de que Ackles estuviera nervioso por una escena era en realidad algo positivo, y explicó:

“Cuando Jensen Ackles hace llamadas como: 'No sé si puedo hacer esto', entonces sabes que estás en el lugar correcto”.

La temporada 4 de la serie ha alcanzado su nivel más bajo (más alto) y más molesto hasta el momento, por lo que Ackles tendrá mucho trabajo por delante cuando regrese para la temporada 5 y El chico soldado sólo tiene una cosa en mente.: Venganza. La temporada 5 puede ser el final de “The Boys”, pero parece que las cosas terminarán con fuerza. No puede llegar lo suficientemente pronto y, con suerte, Kripke no recibirá demasiadas llamadas telefónicas de pánico.


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