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Película de Godzila cancelada de un director legendario

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La película original “Gojira” fue lanzada por Eshiro Honda en Japón en 1954, y ayudó a difundir un tipo de monstruos gigantes que prevalecen durante siete décadas. Las películas de Godzilla todavía se fabrican hasta el día de hoy Las últimas películas “Godzilla menos uno” Se lanzará en 2023, y la película “Godzilla X Kong: The New Empire” se lanzará en 2024. Godzilla fue parte de la escena cinematográfica durante mucho tiempo, su popularidad aumentó y disminuyó y luego aumentó nuevamente. Hubo múltiples “finales” en la serie Godzilla, y muchos reinicios. Es más flexible y es más probable que reinicie de James Bond.

Desde 1954 hasta 1975, Godzella fue casi seguida por una continuidad, y se dice que las quince películas que se lanzaron durante este período perteneciente a la era de Shoa. De 1975 a 1983, no hubo películas teatrales de Godzella, con el reinicio de la serie en 1984 con el lanzamiento de la película “Godzella” de Joji Hasheimoto, un suplemento directo a la versión original de 1954 que ignoró las cuatro secuencias. Se dice que las siete películas que se estrenaron de 1984 a 1995 son parte de la era de Hessi.

Toho siempre ha estado protegiendo a Godzilla, y su monstruo favorito solo tendría licencia bajo circunstancias específicas. Era necesario que si otra compañía produjo Godzilla, era una película de alto nivel con un presupuesto apropiado y valores de producción impresionantes. En 1983, el director estadounidense Steve Miner parece haber concluido un acuerdo de financiamiento conjunto con Toho para producir su Godzilla. En 1983, Miner era famoso como director de Slasher, después de dirigir las películas “Thirtedenth Friday Parte Dos” y “Thirteenth Friday Parte Tres”.

El viaje del minero para desarrollar su película de Godzilla, que se llamará “Godzilla: Rey de los Monstruos en 3-D”, detallada en el libro de Steve Rival “La estrella de luna favorita en Japón: la biografía biótica del Big G”.

Steve Miner desarrolló su película de Godzilla en 1983

La historia dice que Miner era fanático de Godzilla, y trabajó en su propio tratamiento de lo que se convertirá en Godzilla estadounidense. Mostró su tratamiento a los altos funcionarios, y es sorprendente que hayan acordado participar en su financiamiento. La única misión de Miner era recopilar el escenario y obtener la aprobación del estudio estadounidense para financiar la película por el resto del camino.

El escenario fue la parte fácil. Miner Farid Decker alquilado para escribir el guión. El nombre de Dekker es bien conocido por amantes amantes, como Y continuó escribiendo “Noche de fraude”, “Al -wahsh Band” y “Robokop 3”. Miner le pidió a Decker que escribiera “Godzilla: Rey de los Monstruos en 3-D” específicamente porque no era fanático de Godzilla; El trabajador minero necesitaba una persona más atención a la historia y la estructura en lugar de servir a los fanáticos. Decker estuvo de acuerdo, creó un tipo tradicional de historia de Godzella y restableció la serie nuevamente.

Miner dijo sobre los primeros días del proyecto:

“Siempre lo he admirado desde que era niño. Una vez que fue visto como un adulto, me di cuenta de que podría reproducirse como una buena película. Mi idea original era hacer esto con tecnología 3D. Simplemente lo hice”.Viernes 13 en 3DY quería hacer una buena película en 3D, y pensé que las miniaturas serían adecuadas para buenos efectos 3D. Por lo tanto, fue una mezcla de probar una muy buena película de monstruos y hacerlo con tecnología 3D. Tuve que obtener derechos, así que fui a Japón y concluyé un acuerdo con la gente de Toho para participar en la financiación del desarrollo del proyecto, I y Toho.

Todo ha sido incautado.

¿Qué pasaría en Godzilla en 1983 y por qué se canceló?

En el escenario, el paso de un meteorito lanzó un golpe nuclear automático, lo que lleva a una explosión en el Pacífico Sur. La bomba parece despertar a un monstruo debajo del mar que ha estado durmiendo durante mucho tiempo durante mucho tiempo, Godzella, que gradualmente llega a lo largo de la película para aterrizar en los Estados Unidos. Más tarde, las figuras humanas se enteraron de que el monstruo estaba buscando a su hijo muerto que fue salvado por el ejército del océano. El pico ocurrió en la isla de Catraz en San Francisco.

Se dijo que Decker estaba diseñando menos su escenario cinematográfico en las películas de Godzilla y más sobre las nuevas películas ascendentes como Stephen Spielberg, que lo hacía en ese momento. Decker fue citado en “Favorito Mon-Star en Japón” diciendo que quería que esta película pareciera una película de James Bond. Algo maravilloso y emocionante, y no depende solo del caos de los monstruos. Dijo específicamente que no quería su película “Cheese”. Según Menner, Menner se comunicó con Powers Booth sobre aparecer en la película, además del muy pequeño Demi Moore, que entonces era una estrella emergente famosa por la película de parásitos. Menner incluso fue acusado de dibujar una historia de “Monstruos en 3-D”, y muchos artistas prominentes alquilados para dibujar su mapa de películas y una nueva versión de Godzilla. David W. Allen tuvo que proporcionar efectos de transferencias para Godzilla, y Rick Baker (pero no trabajó) fue designado para la cabeza conmovedora de Godzilla.

Sin embargo, el proyecto se canceló cuando Miner no pudo encontrar un estudio estadounidense listo para gastar los millones necesarios para lograrlo. El presupuesto era alcanzar los $ 30 millones en ese momento, y Miner aún no ha demostrado que pudiera usar dicho presupuesto. Entonces Taho comenzó a trabajar en su película “Return of Godzella” en 1984, y llamó la atención. La película simplemente cayó.

Afortunadamente, Miner continuó produciendo películas de terror interesantes. Vaya a “House”, luego a la película premium “Warlock”, luego Michael Michael “Halloween H20: 20 años después, Y la película gigante de cocodrilo “Lake Placid”. Quizás alguien le permita hacer Godzella ahora.



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La nueva serie documental de SNL demuestra por qué el legendario programa es verdaderamente atemporal

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Finalmente, el episodio final de la serie documental se centra en una temporada, que se considera en gran medida una de las peores y más infames. En “Temporada 11: El año extraño”, echamos un vistazo a la primera temporada. Lorne Michaels regresó a “SNL” después de dejar la serie en 1980. Después de una ausencia de cinco años, Michaels regresó en un intento de traer “SNL” de vuelta del borde de la cancelación. Si Michaels no hubiera regresado al programa que creó, el programa habría terminado en ese mismo momento, pero el productor se encargó de reinventar la serie.

Michaels limpió la casa al no traer de regreso a ningún miembro del elenco de la temporada anterior, eligiendo un grupo completamente nuevo de jugadores que incluía a la estrella de la franquicia “Vacation” Randy Quaid, la futura estrella de la comedia Damon Wayans, el actor de carácter Joan Cusack y el comediante Jon Lovitz, Brat. El miembro del elenco de la manada, Anthony Michael Hall, el favorito de las películas de la escuela secundaria, Robert Downey Jr., el satírico Dennis Miller, la recién llegada Nora Dunne y la estrella del off-Broadway Danitra. Vance y la manada de mocosos. El primer miembro del reparto abiertamente gay del programa, Terry Sweeney.

A pesar de tener una impresionante variedad de talentos, Michaels tuvo dificultades para ganar impulso a su regreso. Los gráficos no funcionaban y el elenco tuvo problemas para adaptarse. Pero este episodio de la serie documental demuestra que incluso en una temporada que muchos consideran una de las peores, todavía hay grandes picos y decisiones creativas audaces. El recurrente personaje de mentiroso patológico de Jon Lovitz provocaría uno de los eslóganes más famosos de la década: “¡Sí, este es el boleto!” Terry Sweeney inspiró a una generación de comediantes homosexuales. Damon Wayans se volvió rebelde y lo despidieron. Incluso Francis Ford Coppola dirigió un episodio completo de la serie, y nada parecido volverá a suceder.

Y ahí radica el verdadero secreto de la capacidad de “SNL”: el programa siempre está evolucionando, no porque quiera, sino porque tiene que hacerlo, y nunca permiten que el fracaso les impida volver a intentarlo la semana siguiente. Si el programa se hubiera detenido después de la temporada 11 o incluso antes, piense en todos los momentos divertidos de los que nos habríamos privado. ¿Cuántas de sus estrellas podrían haber quedado sin descubrir? La serie se adapta a los tiempos y al potencial de los actores que destaca. No hay nada parecido en la televisión y probablemente nunca lo habrá.

Si disfrutó toda esta charla sobre “SNL”, debería escuchar nuestro episodio de The /Film Daily Podcast con el productor ejecutivo de “SNL 50: Beyond Saturday Night”, Morgan Neville, hablando sobre la realización de la serie documental:

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Un productor legendario de Star Trek ha revelado cuál es su película favorita de la serie

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De los 13 largometrajes de “Star Trek” existentes, existe un amplio consenso sobre La secuela de Nicholas Meyer de 1982, Star Trek II: The Wrath of Khan, se considera la mejor.. A muchos cruceristas les encanta la enorme personalidad de las igualmente expansivas actuaciones de Khan y Ricardo Montalbán, así como las emocionantes y apasionantes secuencias de combate entre barcos de la película. Para recordar a los lectores, “Khan” culmina cuando el personaje del mismo nombre secuestra una nave de la Flota Estelar llamada USS Reliant y la usa para luchar contra el almirante Kirk (William Shatner), que está a bordo del USS Enterprise. Verá, Kirk dejó a Khan atrás en el planeta Ceti Alpha V en el episodio de la serie original “Space Seed”, sin saber que una catástrofe ambiental había convertido a todo el planeta en un desierto. Khan apenas sobrevivió, y cuando finalmente escapó de City Alpha V, solo pensó en venganza.

“La ira de Khan”, que presenta una historia acreditada a Harvey Bennett y Jack B. Soward (a quien también se le acredita como guionista), se ocupa objetivamente de afrontar las consecuencias. Kirk fue una vez un capitán franco pero imprudente que rara vez se ocupaba de las repercusiones de sus acciones. “The Wrath of Khan” no sólo se enfrenta a un enemigo olvidado, sino que también descubre que tiene un hijo adulto (Merrit Butrick) a quien nunca ha conocido. Se trata de crecer y reevaluar la propia vida. Luego, al final, Spock (Leonard Nimoy) muere, demostrando que siempre habrá consecuencias. La juventud no durará para siempre y nunca se podrá superar el pasado.

Bennett no solo fue un escritor de La ira de Khan, sino también un productor de Star Trek que se unió a la franquicia en 1980 después de la decepción financiera de Star Trek: The Motion Picture. Después de eso, continuaría produciendo varias películas de la franquicia.

En 2010, Bennett entrevistó… Star Trek.com Naturalmente, cuando le preguntaron qué película de “Star Trek” le gustó más. Quizás fuera natural para él decir que era “La ira de Khan”.

A Harvey Bennett le gustó más La ira de Khan

Vale la pena señalar que la película de Leonard Nimoy de 1986 “Star Trek IV: The Voyage Home” fue, por un amplio margen, la película de “Star Trek” de mayor éxito financiero, al menos hasta el estreno de la película “Star Trek” de JJ Abrams en 2009. Tempted Bennett, el productor, inmediatamente llamó a “Voyage Home” su película favorita precisamente por esa razón. Pero luego, después de pensarlo un momento, tuvo que admitir que él, junto con la mayoría de los Triki del mundo, prefería “La ira de Khan”. En sus propias palabras:

“Mi instinto me dice: 'Puedes apostar que IV es mi favorito', pero luego tengo que detenerme y decir que me encanta 'IV', pero 'II' siempre tendrá un lugar especial en mi corazón por las razones que discutimos y más.”

Bennett no era un Trekkie cuando lo contrataron para trabajar en The Wrath of Khan y tuvo que regresar y ver cada episodio de la serie original para prepararse. Episodio “Semilla espacial” “Le habló y lo dejó preguntándose cómo se vería Khan 25 años después de esos eventos”, explicó en una entrevista con StarTrek.com. Curiosamente, se necesitó alguien que no fuera Trekkie para crear la historia de una de las películas de “Star Trek” más queridas de todos los tiempos.

Pero claro, Bennett tuvo mucho que decir sobre “The Voyage Home”, que también tenía un nuevo concepto. Esta es la película en la que la tripulación del Enterprise, después de secuestrar un barco klingon y cambiar el nombre de la recompensa a “Star Trek III: La búsqueda de Spock”, viaja en el tiempo hasta 1986 para recuperar un par de ballenas jorobadas. Una misteriosa y poderosa sonda espacial en el futuro parece estar vaciando los océanos de la Tierra en busca de algunas ballenas jorobadas, y el planeta ha estado sumido en el caos desde que la humanidad cazó ballenas hasta su extinción hace siglos. A Bennett también le encantó esta película, al igual que a la mayoría de los cinéfilos.

Bennett todavía disfruta de The Voyage Home

Como se señaló anteriormente, “Star Trek: The Motion Picture” fue una decepción comercial, por lo que se contrató a un nuevo equipo creativo (sin el creador de “Star Trek”, Gene Roddenberry) para la secuela. Bennett, un novato, encontró oro con su idea de “La ira de Khan”, pero era arriesgada en ese momento. Si La ira de Khan hubiera fracasado, podría haber sido la última película de Star Trek. Afortunadamente, a esa película y “La búsqueda de Spock” ​​les fue bien y, como dice Bennett: “Cuando llegamos a IV, teníamos confianza”. Bennett consideró que la trama del viaje en el tiempo de la película era una excelente manera de atraer a una audiencia más amplia fuera de Trekkies.

Lo lograste. A Bennett le encantó la película y le encantaría que todos la vieran. “The Wrath of Khan” puede haber sido su favorito, pero “Voyage Home” recibió más palabrería por parte del productor. Como él mismo lo expresó:

“Volver al presente creó algo que nada más podía hacer, que era presentar Star Trek a una audiencia que no veía Trek. Todo lo que tienes que hacer es recordar esas escenas en las calles de San Francisco. La gente no las recordaba. ” No me identifico con los personajes como estrellas de “Star Trek”, pero como un loco más en San Francisco, adoro la reacción de la señora hacia Chekov cuando le pregunta: “¿Dónde puedo encontrar las naves nucleares?”. “Viaje a las Estrellas”. En conjunto con gente que nunca había oído hablar de él antes, por eso fue el hit más grande y popular de los que he hecho en muchos sentidos.

La referencia al “combustible nuclear” proviene de Chekov (Walter Koenig), quien ha estado buscando energía nuclear para su nave espacial, pero no tiene idea de dónde conseguirla. Sabe que las naves marinas de propulsión nuclear tienen lo que necesita, pero no sabe dónde están. Entonces, comienza preguntando a los transeúntes (Incluyendo a una extra que sólo consiguió el papel porque la producción cinematográfica remolcó su coche.), con acento ruso, donde podría encontrar “medios nucleares”. En 1986, durante la Guerra Fría, esto fue especialmente divertido.



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Cómo la primera nominación al Oscar de Denzel Washington generó un meme legendario

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Al principio de su carrera, Denzel Washington recibió algunos consejos importantes de Sidney Poitier, cuya esencia era que, como joven actor negro que intentaba dejar su huella a principios de la década de 1980, Hollywood sólo le daría tres o cuatro papeles antes de juzgarlo. Su valor como actor. No había muchas estrellas negras que no fueran comediantes en ese momento (particularmente con Poitier, que tenía 50 años en medio de una larga pausa en la pantalla que duró desde A Piece of the Action de 1977 hasta Shoot de 1988). matar”), por lo que el margen de error de Washington debe haber sido particularmente pequeño, independientemente de su innegable talento.

Tomó el mensaje de memoria. Había muchas cosas en su contra en la industria dominada por los blancos. Incluso si “tiene éxito”, la escasez de oportunidades significa que la competencia para seguir siendo un actor destacado siempre será feroz.

Después del fracaso comercial y crítico de su primer largometraje, “Carbon Copy”, Washington encontró la redención en la aclamada producción Off-Broadway de 1982 de “A Soldier's Play”, que se llevó al cine en 1984 con el título “A Soldier's Play”. Historia.” Ambas versiones le permitieron aparecer aquí y allá en un papel secundario, lo que llevó a directores y agentes de casting a buscarlo para cualquier papel importante que hubiera para jóvenes actores negros que no intentaban ser el próximo Eddie Murphy.

Tres años más tarde, una presencia intermitentemente extravagante en Washington avivó las llamas del “Grito por la libertad” de Richard Attenborough.. Al igual que el activista antiapartheid sudafricano Stephen Biko, que fue asesinado a golpes por agentes del orden en 1977, el carisma de estrella de cine de Washington se mezclaba fácilmente con la ardiente indignación que sustentaría algunas de sus mejores actuaciones. Su papel le valió su primera nominación al Premio de la Academia como Mejor Actor de Reparto: un gran impulso en su carrera, sin duda, pero Washington sabía que no debía alardear. Hasta que cambiara la estructura de poder de la industria, siempre serían una o dos películas triviales que saldrían de la oscuridad.

Entonces, cuando Washington se dio cuenta durante los Oscar de que no iba a ganar, el descarado actor se aseguró de abandonar el evento con… Algo. Al hacerlo, plantó las semillas de uno de los memes de la DGAF más divertidos de Internet.

Denzel sabía que la copa tenía grabado el nombre de otro hombre.

Hay varias razones por las que los ratings de Nielsen para la transmisión de los Oscar han disminuido a lo largo de los años: Pero durante mucho tiempo he pensado que una de las razones por las que a cada vez más gente sigue sin importarle es que, en la mayoría de los casos, todo el mundo sabe quién va a ganar. La serie de premios gremiales previos a los Oscar, combinada en el presente con la información de los periodistas de premios que hablan con los votantes, generalmente les da a los espectadores una idea de quién está destinado a llevarse el hardware a casa.

Hay excepciones, pero el concierto de 1988 no fue una de ellas. Cada premio importante tenía un favorito extravagante: Mejor Película y Director fueron para The Last Emperor, Mejor Actor para Michael Douglas por Wall Street, Mejor Actriz y Actriz de Reparto para Cher y Olympia Dukakis, respectivamente, por Moonstruck, y Mejor Actor de Reparto para Sean Connery. en Los intocables.

Si Washington no supiera con certeza que él también fue un jugador preseleccionado en los Oscar esa noche (una posibilidad de la misma manera que un lanzador de béisbol a veces no sabe que está lanzando un juego sin hits hasta un juego nocturno ), se enteraría a tiempo.

En una entrevista muy entretenida de 2018 con Jamie Foxx (que actualmente puedes ver en YouTube)Washington le dijo a su colega ganador del Oscar (Fox ganó el premio al Mejor Actor en 2004 por “Ray”) que el público se lo había dicho. Según Washington:

“Connery salió a presentar un premio y recibió una ovación de pie de tres minutos. Por presentar el premio. Fui a buscar los abrigos. Fui a buscar los abrigos porque sé que no voy a ganar esta noche”.

Washington ganó un Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto dos años después por “Glory”, pero esa noche se iba a casa con las manos vacías… y no le gustó. Absolutamente. Entonces haz algo al respecto.

Denzel se iba con algo

Antes de que los Premios de la Academia encontraran un hogar permanente en el Dolby Theatre en Hollywood Boulevard y Highland Avenue, generalmente se llevaban a cabo más al sur en el Shrine Auditorium. Cuando Washington se marchaba con su familia, notó que en una sala contigua se estaban haciendo preparativos para la fiesta posterior del gobernador. Fue entonces cuando decidió irse con un recuerdo de su primera nominación al Oscar, que supo en ese momento, podría ser la última. (Gracias a Dios no fue así.)

Dejaré que Washington cuente la historia (de la que seguramente habrás visto fragmentos en todas las redes sociales):

“Entonces no, nos vamos. Me voy sin el Oscar, ¿no? Pero cuando salgo veo la parte de atrás donde están”. […] Preparación de comida, la comida está lista para la fiesta del gobernador. Veo una bandeja grande. “Me voy de aquí con algo”, me digo. ¿Usted sabe lo que quiero decir? Soy de todos lados. me iré con Algo. Entonces mi madre me pidió que le trajera arreglos florales. “Es una historia real”.

Si no ha sido común que los perdedores del Oscar saquen algo del partido del gobernador desde que Washington concedió esta entrevista, me sentiré muy decepcionado. Olvídese de la tontería de “es un honor estar nominado”. Esas celebraciones son largas. Al menos puedes beber en los Globos de Oro. En los Oscar, no sólo hay que ver los premios, también hay que ver segmentos especiales creados para entretener a la gente que los mira en casa, la mayoría de los cuales de todos modos no satisfacen al público objetivo.

Hay peores maneras de pasar la noche, pero póngase en el lugar de Washington, especialmente en 1988. Las cartas estaban en su contra en muchos sentidos. No podía ser un protagonista romántico porque Hollywood no hacía romances protagonizados por actores negros (y tampoco era muy sexy con las relaciones interraciales). ¿Cuántos Pecos había para él? Así que al diablo con ella. Toma este arreglo floral y abre una fría botella de champán en casa. Porque les diste el honor de asistir.


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Tim Burton no sabía que un cineasta legendario producía Sleepy Hollow hasta que vio el tráiler

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La historia cinematográfica de American Zoetrope es bastante sorprendente. Fundada por Movie Brats Francis Ford Coppola y George Lucas en 1969, la empresa de distribución y producción se ha mantenido estrictamente fiel a su misión de apoyar no sólo los proyectos de Coppola y su familia, sino también el cine experimental e internacional. Y la lista de directores que American Zoetrope ha tenido a bordo en un momento u otro es extraordinaria. Están Jean-Luc Godard, Akira Kurosawa, Wim Wenders, Paul Schrader, Agnieszka Holland, Hans-Jürgen Syberberg, Godfrey Riggio, Carroll Ballard y, por supuesto, Tim Burton. Espera, ¿qué?

Es cierto: en el apogeo de sus poderes en la década de 1990, el director del circuito del “parque de diversiones de terror” (como lo describió P.J. Colangelo de /Film) se asoció con el director estadounidense Zoetrope Coppola en la película de 1999 “Sleepy Hollow”.

Si lo piensas bien, no sorprende que Coppola estuviera involucrado en la escalofriante reelaboración de Burton del cuento de Washington Irving de 1820 “La leyenda de Sleepy Hollow”. Apenas siete años antes, Coppola había llevado a la pantalla una versión de terror gótico en Drácula de Bram Stoker. Ambas películas son obras maestras empapadas de sangre, en las que las románticas historias de amor y la mecánica melodramática se presentan con toda seriedad (más un poco del humor lúdico de Burton en el caso de “Sleepy Hollow”), mientras se basan en gran medida en el encanto de las películas antiguas para lograr sus escenarios y personajes fantásticos (.Aunque “Drácula” va mucho más allá con el uso de engaños ante la cámaraNaturalmente, American Zoetrope también estuvo detrás del papel de Kenneth Branagh en el bloque de extraños remakes literarios de terror de los años 90 con “Mary Shelley's Frankenstein” de 1994.

Al mismo tiempo, el propio Coppola no tuvo absolutamente nada que ver con la escena cotidiana de “Sleepy Hollow”. De hecho, Burton no se enteró de su participación en la película hasta la postproducción.

Esa sensación que tienes cuando descubres que Francis Ford Coppola produjo tu película

Si le das un premio a alguien que trabaja en el set de una película y nadie entiende su oficio, lo más probable es que el ganador sea el productor ejecutivo. Esto es sólo una ligera exageración; Como explica Jeremy Smith de /Film en su análisis del trabajo más confuso del cineLos productores de cortometrajes tienden a ser grandes nombres que dan a la película un “aire de importancia” que puede ser útil en marketing… al igual que cualquiera que haya trabajado alguna vez con Steven Spielberg, Kathleen Kennedy o Frank Marshall (si no… Los tres) para decírtelo. Pero también se sabe que los roles de los productores de cortometrajes son menos íntimos que los de otros productores, hasta el punto de que es posible que el director nunca los conozca durante el rodaje.

Y así fue con Burton y Coppola en “Sleepy Hollow”. en el libro “Burton por Burton” (Editado por Mark Salisbury), Burton reveló que no se dio cuenta de que Coppola era una versión de la película hasta que recibió una copia del tráiler y vio el nombre del director de “El Padrino” y “Apocalypse Now” en los créditos. . “Dije: '¡Qué tontería! Espera un momento, Chris'. [Lebenzan, editor]“Vuelve a reproducir esa canción”, recuerda Burton. Esta tampoco fue una experiencia inusual para él.[…] “Suele pasar así”, añadió el director. “Recuerdo que en 'Batman' nunca conocí a los productores ejecutivos. Pasas uno o dos años trabajando en algo y luego aparecen los créditos finales y dices: '¿Quién es?' ¿Este maldito tipo?

Lo que es aún más divertido es que Burton estaba a punto de colaborar con Coppola. y Cuatro años antes de Sleepy Hollow, Oliver Stone presentó Strange Tales, un programa de televisión de antología de terror basado en la revista de fantasía y terror del mismo nombre lanzado a principios de la década de 1920. diversoEl plan era que Burton, Coppola y Steen dirigieran “uno de los tres episodios de un piloto de 90 minutos”, con El escritor de “Pumpkinhead”, Mark Patrick Carducci (quien lamentablemente se suicidó en 1997) y Peter Atkins (quien escribió varias de las películas de “Hellraiser” y el “Wishmaster” original) dirigen el espectáculo. La serie finalmente no llegó a buen término, pero Burton y Coppola finalmente pudieron encontrar un proyecto de terror en el que trabajar juntos. un poco.


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Antes de convertirse en un éxito, Hugh Jackman y Patrick Wilson protagonizaron el mismo musical legendario.

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Hubo un tiempo en que alguien que podía actuar, cantar y bailar se llamaba “triple amenaza”. La idea era que fueran intérpretes versátiles tanto de teatro como de teatro. y musicales, lo que los convierte en una amenaza para cualquier actor que solo posea una o dos de las técnicas anteriores. En el cine moderno, donde los musicales han pasado de moda en gran medida, una “triple amenaza” ahora puede referirse a alguien que puede actuar, realizar artes marciales y realizar acrobacias por sí mismo. En la escena moderna, pelear es más común que bailar.

Sin embargo, muchos actores todavía reciben entrenamiento vocal y de danza con regularidad, con el objetivo de ser lo más versátiles posible. Podemos encontrar que muchos actores del cine moderno comenzaron su carrera en el escenario, cantando en ocasiones algunas de las canciones más famosas de Broadway, antes de convertirse en estrellas de este tipo de películas en la pantalla grande. Caso en cuestión: Hugh JackmanJackman ganó fama internacional en 2000 después de aparecer en la película “X-Men” de Bryan Singer como el famoso personaje de cómic Wolverine. Jackman ha regresado al papel varias veces desde el año 2000, la más reciente en “Deadpool & Wolverine” de 2024, pero antes de eso, el actor australiano cautivó al público al interpretar a Curly en la producción del West End de 1998 de “Oklahoma!” Dirigida por Rodgers y Hammerstein.

Por supuesto, desde entonces Jackman ha demostrado sus dotes para el canto en la pantalla grande, dirigiendo “The Greatest Showman” y la adaptación cinematográfica de “Los Miserables”.

Un actor que no tiene una opción similar para cantar en la pantalla grande, pero tiene mucha experiencia cantando en el escenario, es King Patrick Wilson. Para los fanáticos del terror, Wilson es mejor conocido por sus papeles en las películas “The Conjuring” e “Insidious”. Sin embargo, antes de pasar al cine, Wilson tuvo una impresionante carrera teatral, protagonizando “The Full Monty” en 2000, por la que recibió su primera nominación al premio Tony.

Por coincidencia, Wilson también interpretó a Curley en la nueva versión de Broadway de Oklahoma de 2002, que le valió su segunda nominación al premio Tony.

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El legendario director James Cameron está planeando su próxima no adaptación de la franquicia Avatar

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Sólo hay unas pocas certezas constantes en la vida: la muerte, los impuestos y el hecho de que nunca deberías… nunca El famoso director James Cameron apostó por esto. El icónico cineasta ha hecho una carrera incomparable al dirigir algunos de los conceptos más ambiciosos (y extremadamente costosos) y convertirlos en oro de taquilla. Más recientemente, este talento se ha limitado en gran medida al mundo de “Avatar”, que ha consumido casi medio siglo. Dos décadas De su vida. Pero aunque la franquicia dominará al menos tres entregas más (y… Quizás más, aunque el propio Cameron ha afirmado que no se involucrará mucho en estos.), parece que el director por fin levanta la vista del lejano mundo de Pandora y pone la vista en una producción más cercana a casa.

El tiempo de entrega El periódico británico “The Daily Telegraph” publicó un informe sobre la próxima película que Cameron pretende producir, que representará un raro cambio hacia un proyecto poco original y no relacionado con la serie de películas “Avatar”. Según el informe, Cameron compró los derechos de un próximo libro de no ficción del autor Charles Pellegrino titulado “Ghosts of Hiroshima”. El libro cuenta la historia real de un hombre que es quizás el más afortunado del mundo (o el menos afortunado, según se mire la vida a través del cristal medio vacío) que se encontraba casualmente en la ciudad japonesa de Hiroshima en agosto. En 1945, y sobrevivió a la detonación de la bomba atómica, viajó en tren a la cercana ciudad de Nagasaki, pero luego sobrevivió. Cual Otro ejemplo de holocausto nuclear. La adaptación cinematográfica se titulará oficialmente “El último tren de Hiroshima”.

¿Vemos? “El efecto Oppenheimer se desarrolla en tiempo real”.¿Conducirá esto al regreso de las películas de la Segunda Guerra Mundial de algunos de los mejores y más importantes nombres del negocio? Es probable que los padres de todo el mundo se regocijen, pero no tanto como Cameron. ¡Sigue leyendo para más detalles!

La próxima película de James Cameron se estrenará pronto… cuando esté libre de Avatar

Quizás era sólo cuestión de tiempo antes de que apareciera James Cameron, quien muchas veces antes ha retratado algunos de los peores actos de la humanidad.Del infierno nuclear en la película “Terminator 2” Al darse cuenta de que Titanic era su película más destructiva, junto con la destrucción ambiental e indígena de Avatar y Avatar: Water Road, Cameron finalmente decidió afrontar el ataque militar más devastador de la historia. En las propias palabras de Cameron, esto ha estado en su mente durante mucho tiempo… lo que por supuesto requiere bastante sensibilidad, dadas las preocupaciones similares planteadas por Oppenheimer de Christopher Nolan el año pasado. Como explicó Cameron en un comunicado:

“Es un tema sobre el que quería hacer una película y he estado luchando por encontrar una manera de hacerlo a lo largo de los años. Conocí a Tsutomu Yamaguchi, un sobreviviente de Hiroshima y Nagasaki, unos días antes. murió. Estaba en el hospital. Nos estaba entregando el testigo de su historia personal, así que “tenía que hacer esto. No podía ignorarlo”.

De hecho, el director se basará en múltiples fuentes para construir su guión, incluida la película “Ghosts of Hiroshima” y el libro anterior de Charles Pellegrino, “El último tren de Hiroshima”. Vale la pena señalar que este último libro ya había generado cierta controversia poco después de su publicación en 2010, según ReutersEsta controversia desató acusaciones de que Pellegrino había tergiversado sus calificaciones personales (aparentemente, en realidad no tenía el doctorado que decía tener) e inexactitudes en el propio texto, que se achacaron a una fuente engañosa. Sin embargo, Cameron señaló a Deadline que aprovecharía ambas obras para hacer una “película teatral sin concesiones” contada desde una perspectiva japonesa del cambio.

Por supuesto, la advertencia aquí es que sólo haría esto cuando sus obligaciones con Avatar ya no fueran un obstáculo. El chiste fácil es señalar cómo, en Cual En este caso, es poco probable que esto suceda. Pero como dijo una vez un hombre sabio (ese soy yo) a muchos lectores sensatos (ese eres tú), nunca apuestes contra James Cameron.


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El legendario comediante e ícono de la televisión Bob Newhite falleció a la edad de 94 años.

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El comediante Bob Newhite, quien ganó fama como estrella de las comedias The Bob Newhart Show y su serie de seguimiento Newhart, murió a la edad de 94 años.

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El jefe de Fox una vez le enseñó al legendario director Howard Hawks una lección que nunca olvidó

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Hay cierta tensión inherente a este consejo. La frase “hacer una película que la gente quiera ver” evoca imágenes de directores que se aventuran en sus propios mundos y hacen películas forzadas y vagas con una utilidad muy limitada en lugar de depender de material que agrade al público. Esta tensión ha alimentado a generaciones de narradores en todo Hollywood. historia, lo que lleva a… A la mentalidad de “uno para mí, uno para ellos” que impulsó a muchos directores convencionales en las décadas de 1990 y 2000 (antes de que la escena evolucionara hasta el punto en que esa mentalidad fue esencialmente eliminada y la mayoría de los cineastas, a menos que fueran en el negocio del cine, se quedaron con Independent, sólo “uno de ellos”).

En cuanto a quién era el “presidente de Fox” en ese momento, esta interacción tuvo lugar a mediados de la década de 1920, antes de que Fox se fusionara con Twentieth Century Pictures y se convirtiera en 20th Century Fox, por lo que William Fox siguió siendo el único propietario del estudio. Pero dado que William Fox tenía su base en Nueva York, parece probable que la persona con la que Hawks estaba hablando en este campo de golf fuera Sol M. Wurtzel, a quien Fox había puesto a cargo de sus operaciones en la costa oeste de Los Ángeles en los primeros días. de la compañia.

Independientemente de quién le dio el consejo de “Haz una imagen que la gente quiera ver”, Hawks se tomó la lección en serio. Además de los créditos mencionados anteriormente, también dirigió películas clásicas como “Sólo los ángeles tienen alas” y “Los caballeros las prefieren rubias”, y fue al menos parcialmente responsable de “La cosa de otro mundo” de 1951. Lo que inspiró la película de John Carpenter de 1982, The Thing, que es en sí misma una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos.. En realidad, no está tan mal.

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La tercera temporada de The Bear rinde homenaje al legendario director

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El director de esta historia es William Friedkin, el cineasta detrás de películas como “The French Connection”, “To Live and Die in LA”, “Killer Joe”, “Sorcerer”, “The Exorcist” y más. En los últimos minutos de El documental de 2020 Salto de fe: William Friedkin sobre el exorcista (lea nuestra reseña aquí)Friedkin le dice al director Alexander O. La historia de Philip sobre su visita a este jardín japonés por primera vez y el alcance del profundo impacto que tuvo en su vida:

“La gente me ha dicho: 'Deberías ver un jardín zen'. Bueno, pensé: '¿Qué es un jardín zen?' , y hay varias rocas que están colocadas en algún lugar de este mar de arena y hay algunos bancos alrededor donde la gente puede sentarse, y estaban allí para meditar en el jardín zen. Me senté y había tal vez 20 personas. Allí estaban muy callados y pensé: “¿Qué?”.

Si te entregas a esto, eso es lo que sucede. Estoy mirando esto y tratando de entender, ¿qué es la atracción? ¿Por qué es tan famoso? Nadie sabe cuándo fueron colocadas allí estas rocas ni quién. Entonces esto empieza a ocupar tu mente. Lo siguiente que te das cuenta es que estas rocas son como continentes separados que nunca se unirán. Siempre vivirán tan separados como los continentes de la Tierra. Luego comienza a darse cuenta de que ella también es como los humanos. Como familias, viviendo solos. Entonces empiezas a darte cuenta de que ésta es la naturaleza humana. Que todos estamos aquí solos. No importa cuán cerca estemos de familiares o amigos, estamos solos en este mundo. Y yo no estaba allí – esto me está pasando ahora, solo hablando de ello – no estuve allí durante 15 minutos antes de empezar a llorar. Las lágrimas comenzaron a rodar por mis mejillas. Me conmovió profundamente esta simple imagen que señaló la desconexión que todos vivimos unos de otros. Me conmovió hasta el día de hoy. Nunca olvidaré esa experiencia en Kioto y anhelo volver a vivirla. “Puede que lleve más de cuarenta años visitando la ciudad, pero no pasa un día sin que me vengan a la mente imágenes de esa experiencia”.

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