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Explicando la censura de Sailor Moon en Cartoon Network

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La lista de censura de Sailor Moon es larga (Periódico diario de Michigan Proporciona una visión general sólida). Uno de los mayores cambios es la eliminación de varias referencias culturales japonesas, incluidos los nombres de los personajes centrales. Usagi se convirtió en Serena, Michiru se transformó en Michelle, Mamoru Chiba se convirtió en Darren Shields, etc. El doblaje no tuvo en cuenta que muchos fanáticos de la serie, como yo, leerían el manga y aprenderían sus nombres originales de todos modos. Los espectadores jóvenes no son estúpidos; Se nos presentan elementos como el uniforme de la Escuela de Marineros que indican que el lugar era un país diferente con una forma de vida diferente. Estos cambios sugieren perjudicialmente que la exposición a diferentes nacionalidades es inherentemente amenazante o confusa para los niños.

Cartoon Network también manejó la transmisión de “Sailor Moon” con guantes de seda, cambiando la sangre de un extraño color verde, refiriéndose a las muertes como meros secuestros y eliminando los contornos de los senos (¡¡jadeo!!) durante la escena de transformación. También incluyeron segmentos educativos de “Sailor Says” al final de cada episodio que daban conferencias morales sobre temas como el reciclaje o la alimentación saludable.

Cuando en la década de 1990 se produjo un fuerte resurgimiento de la política religiosa conservadora (matrimonio contra los homosexuales, llamado a la oración en las escuelas públicas, educación basada únicamente en la abstinencia, etc.), Cartoon Network eliminó gran parte de la iconografía católica. El Santo Grial pasó a llamarse Copa de la Pureza y se eliminó la imagen de Hotaru colgado en una cruz como Cristo. Estos cambios despojan a la serie de sus elecciones artísticas y visuales más audaces y reducen los riesgos narrativos y el impacto emocional. El destino del universo está en juego para estas colegialas, y la oscuridad que enfrentan (incluso la muerte) está destinada a ser sombría, lo que aumenta la emoción.

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Uno de los mejores programas de Cartoon Network de los años 90 finalmente tiene una caja de DVD completa

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Finalmente, Dexter's Laboratory tiene un conjunto completo de DVD de la serie que contiene (casi) todos los episodios más el especial de una hora titulado Ego Trip. Pero la serie adolece de algunos defectos.

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Adventure Time de Cartoon Network presenta el verdadero amor de la actriz Olivia Olson

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Uno de los personajes más geniales de Hora de Aventuras es Marceline la Reina Vampiro, una chica gótica tranquila, bebedora de rojo y que toca la guitarra que termina teniendo un dulce romance con la Dulce Princesa (Hynden Walsh). ) en el incidente ocurrido Después de la cancelación inicial de la serie Cartoon Network. Es toda una música, toca todo tipo de canciones con su guitarra y canta, y los fanáticos que la escuchen atentamente pueden reconocer su hermosa voz como la de Olivia Olson, la actriz que interpretó a Joanna en la película “Love Actual”. Para aquellos que no la han visto desde hace tiempo, ella es quien canta esta versión ondulada de “All I Want For Christmas is You” en lo que puede ser la balada más dulce de la película, que sigue el romance juvenil entre Joanna y un niño. llamado Sam (Thomas Brodie-Sangster).

Cada historia de “Love Actually” sigue a una especie de pareja desventurada que encuentra el amor en esta temporada navideña. En la historia de Sam, él está de luto por la pérdida de su madre (también conocida curiosamente como Joanna) mientras su padrastro (Liam Neeson) intenta ayudarlo a sobrellevar la situación. Se obsesionó con la idea de contarle a su colega Joanna que estaba enamorado de ella antes de que ella regresara a los Estados Unidos y finalmente se lo confesó en la sala del aeropuerto. Es muy lindo, incluso si el nombre de la madre es A. talla pequeña Un poco freudiano.

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Steven Universe de Cartoon Network hizo historia detrás de escena

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Si bien la animación ha influido en los programas de Cartoon Network desde sus inicios, “Steven Universe” la llevó a nuevas alturas, ofreciendo no sólo parodias u homenajes, sino también tomando pautas visuales, temáticas y estructurales del medio. Sugar se vio afectada por programas como El primer programa de televisión de Miyazaki es “Future Boy Conan”. Además de “Dragon Ball”, “Sailor Moon” y “Revolutionary Girl Utena”. Este último influyó en el tono, la estructura narrativa y el drama, además de romper las barreras de género en el “Universo Steven”.

De hecho, el sexo es el núcleo de “Steven Universe”. La serie está inspirada en el género de anime de “chicas mágicas”, pero está protagonizada por un niño que es retratado como todo menos el protagonista masculino tradicional que solemos ver en el anime. Steven nunca tiene miedo de mostrar sus emociones y es aceptado por su franqueza. Esto culmina con Stevonnie, una “fusión” andrógina de Steven y su novia Connie, además de que Ruby y Sapphire se convierten en pareja. Esto se produjo inmediatamente después de que “La leyenda de Korra” presentara a una pareja gay en su final de 2014, pero incluso eso estaba implícito, ya que Nickelodeon no permitiría lo contrario.

Pero Steven Universe fue más atrevido y directo. Su legado es un escaparate innovador de la representación gay. Incluso el creador de “Nimona”, N. D. Stevenson, le da crédito a “Steven Universe” por allanar el camino para su programa “She-Ra and the Princesses of Power”. Hablar con Revista de papel“Incluso las conversaciones que estábamos teniendo al comienzo de nuestros planes para incluir personajes y relaciones del mismo sexo sólo fueron posibles porque Steven Universe lo hizo primero”. Sólo podemos imaginar los tipos de programas que seguirán en el futuro.

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El laboratorio de Dexter de Cartoon Network está lleno de referencias a Sam Raimi

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Es fácil ver por qué esta secuencia se quedó con Tartakovsky. No tiene diálogo excepto el “impresionante” diálogo de Ash al final, pero aún así logra contar una historia clara a través de sus imágenes. Raimi muestra un claro sentido de la iconografía, utilizando herramientas básicas de zoom irregular para hacer que cada componente y movimiento de la mano del robot parezca enorme, desde girar un tornillo hasta agarrar un martillo. Tiene ritmo, hay riesgos y es memorable. Esta es una técnica que Tartakovsky usa repetidamente en “El laboratorio de Dexter”, y no solo en escenas en las que Dexter está construyendo cosas, aunque el segmento “Hamhocks and Armlocks” donde Dexter construye una mano robótica para que su padre pueda luchar parece Ser el matón en uno de los restaurantes recuerda bastante a la película “El ejército de las tinieblas”, aunque también en escenas como la carrera de ninjas de papel.

Por supuesto, las películas de Sam Raimi no son las únicas a las que hace referencia “El laboratorio de Dexter”. Hay un episodio completo que parodia “Duro de matar”, donde Dexter tiene que luchar contra el conserje que lo encierra en la escuela en represalia por hacerlo trabajar hasta tarde todos los días (porque Dexter siempre sale el último). Esto se suma a las numerosas referencias a animes como “Voltron” y “Speed ​​​​Racer”.

Ahora, el último desafío de Tartakovsky es hacer una comedia animada con clasificación R sobre un perro al que “curan”. Si nos basamos en las imágenes mostradas en Annecy el año pasado, nos espera otro ganador de Tartakovsky.

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Las películas clásicas de terror y ciencia ficción que inspiraron Courage the Cowardly Dog de Cartoon Network

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Por supuesto, “Courage the Cowardly Dog” no se detuvo ahí. Este es un programa para niños que también incluye una referencia a “Sweeney Todd: El barbero diabólico de Fleet Street” en la forma de Fred, el sobrino barbero de Muriel, quien interviene constantemente, junto con una niña gigante de piel azul llamada Tulip que se parece a algo directo. De “Planeta Fantástico” (una película animada muy extraña, y Uno que deberías ver si disfrutaste “Dune”. Y por supuesto, esta es la única serie de Cartoon Network que se atrevió a convertir al villano de “Godzilla” en una estrella invitada recurrente. mientras “Bob Esponja” presenta “Nosferatu” a una generación de niños. “Courage” cantó los horrores y las alabanzas de Ghidorah, el monstruo de tres cabezas, a los niños de todo el mundo.

Si hay una lección que aprender aquí, es que más dibujos animados deberían ser extravagantes e inspirarse en fuentes esotéricas, permitiendo a los niños crecer y luego darse cuenta de la genialidad de su serie animada infantil favorita. Después de todo, ¿dónde más lo conseguirás? Una parodia del “Emperador de las Divinas Dunas”. (Posiblemente la única adaptación cinematográfica que tendremos) ¿Aparte de la caricatura infantil de la década de 2000 “Las sombrías aventuras de Billy y Mandy”? ¿O qué tal esa vez? Un episodio de la serie “Invader Zim” ¿Vio al extraterrestre robando grotescamente órganos de sus compañeros de clase (enseñando a los niños lecciones invaluables sobre anatomía humana y nuestros órganos internos en el proceso)?

Por supuesto, esto no significa que la animación infantil ya no sea rara; basta con mirar las maravillosas Hora de aventuras o The Hollow. Sin embargo, hay una ventaja y una sensación de experiencia visual que era más prominente en los dibujos animados de los años 90 y principios de los 2000 y que lamentablemente ha desaparecido. Afortunadamente, siempre tendremos el coraje de enfrentarnos al temible rey Ramsés.

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¿Por qué apareció Fall Out Boy en Teen Titans Go de Cartoon Network?

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Cuando Fall Out Boy llegó a “Teen Titans Go!” Se unen a una de las mejores actuaciones del programa, el especial de cuatro partes titulado “El día que la noche dejó de brillar y se volvió oscura incluso si fuera de día”.

En pocas palabras, el especial se inspiró en una canción viral presentada por primera vez en un episodio de 2014, que luego se convirtió en la canción favorita de Cyborg de todos los tiempos y su mayor obsesión: “The Night Begins to Shine”. La canción, que llegó a las listas de rock de Billboard en 2017, en realidad no fue escrita por una banda de rock, sino que era parte de una biblioteca de música de producción (que publica música general para su uso en películas, televisión y comerciales). Escrita como una canción al estilo de los 80, “The Night Begins to Shine” es innegablemente pegadiza, gracias a la fuerza de sus tres escritores. Siguiendo la tradición del programa, el 40% fue escrito por el baterista Carl Burnett, otro 40% vino del guitarrista Franklin Ena y finalmente el tecladista William J. Regan nos dio el último 20% de la canción “Sweet, Sweet”. El nombre de la banda falsa que apareció en las listas de Billboard, BER, está tomado de la primera letra del apellido de cada músico.

Para el especial de cuatro episodios, los productores contrataron a algunos actores importantes: CeeLo Green, Fall Out Boy e incluso Puffy AmiYumi (escritores del tema principal de la serie original) para hacer versiones de “The Night Begins to Shine”. El episodio encuentra a Cyborg transportado a un mundo de fantasía post-apocalíptico gobernado por un dragón. Para salvarlo, el resto de los Titanes reclutan a Green y Fall Out Boy para cantar la canción mágica y transformar a la banda de rock en un robot mutante parecido a Voltron. Él Mola.

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As the Snoopy Omega Lands, Cartoon Luxury Goes Boom

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Consider, for instance, the independent watchmaker Kross Studio, which announced itself to the world with a complex tourbillon model themed around—of all things—Space Jam, the 1996 pairing of Bugs Bunny with Michael Jordan, and followed it up with another featuring a tiny sculpture of Boba Fett’s Slave 1 spaceship. Or Loewe’s Minecraft-style “pixelated” hoodie.

“There’s collectively this sense that you can have a sense of humor and still be luxury, and in fact being in on the joke in a nerdy, insider way is what makes you cool,” says Greene. For a venerated luxury brand, being able to play around with that is seen as intelligent rather than dumbing down or vulgar. “What might once have been a transparent branded content idea is, in the best examples, inspiring creativity while also playing to the insiderdom of your audience.”

Kross Studio Boba Fett Central Tourbillon watch

PHOTOGRAPH: KROSS STUDIO

Absolute Fandom

Omega itself has demonstrated that point, both with its most recent Snoopy watch in 2020, in which rather than simply decorating the dial the mutt was seen in a mechanical automaton on the watch’s back traversing space in a tiny rocket, and in this year’s Speedmaster Dark Side of the Moon Apollo 8, in which a minuscule model of the Saturn V rocket acts as a small seconds hand. Whether this is inescapably tacky or incredibly cool is, essentially, irrelevant.

“The delineation we used to have between what was kitsch and what was acceptable just isn’t there,” says Greene. “The internet has made us unilaterally hyper-postmodern: Everything can be interesting and relevant, so nothing is shit.”

A point that even Rolex, which has long maintained a specifically aloof stance in reference to pop culture and trends, has recently sniffed out. Its Day-Date model unveiled a year ago, featuring a multicolored dial of enameled puzzle pieces, with emoji (a heart, a kissy face, etc.) and inspirational words replacing the days and dates, is too rare to be seen as a watershed but was a shock nonetheless.

“Brands are making big efforts to become closer with their clients—there’s no more mystique, and that’s a big shift,” says Michael Friedman, a watch historian and entrepreneur who, while head of complications at the fine watchmaking powerhouse Audemars Piguet, was involved in the development of its notorious tie-in with Marvel. That resulted in 2021 with a $150,000 “Black Panther” version of its Royal Oak Concept Flying Tourbillon watch, in which a figurine of the superhero, hand-sculpted in astonishing detail, crouches within the skeletonized dial. Last year saw a Spiderman follow-up. These now change hands for around $400,000.

“We’re in an era of absolute fandom,” says Friedman. “We’re able to embrace our passions, wear that passion however we chose to, whether it’s high- or low-end, on the wrist or on sneakers or a T-shirt, and find like-minded people around the world who get that. If you’re a brand, something like this is just a moment, capturing a piece of the energy that’s out there, but the ripples can be exponential.”

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